Pasado el ecuador del festival, algunos empezamos a notar el cansancio. Surgen los primeros ronquidos, he visto gente a mi lado durmiendo y se nota en muchas caras la falta de sueño. El estrés y las prisas siguen ahí, con una marcha más. La programación y la organización del certamen tiene gran parte de culpa; por ejemplo, es absurdo que un título de la sección oficial (que todos queremos ver) se proyecte en una sala de unas 400 butacas cuando se dice que hay más de 4.600 acreditados, mientras reservan películas de menor importancia para un cine de más de mil asientos. Y primero entran los que tienen acreditación rosa, luego los azules (mi caso) y por último el resto, que da igual lo que esperen, igual no entran y tienen que volver a hacer cola en el siguiente pase.

El mal tiempo tampoco está ayudando, llueve por tercer día consecutivo aquí en Cannes y los estornudos en las salas son cada vez más habituales (no me parece normal que nos tengan esperando bajo la lluvia en un festival que mueve tanto dinero). Para redondear, personalmente me he encontrado con la desagradable sorpresa de que mi ordenador portátil no quiere arrancar desde hace un par de días. Quizá por un golpe, no sé, los empujones por conseguir un buen asiento son constantes. Por suerte, siempre nos queda el cine, que lo compensa todo. Y en ese sentido no nos podemos quejar. Dos pesos pesados presentaron sus nuevos trabajos en la sexta jornada, el iraní Abbas Kiarostami y el francés Alain Resnais.

‘Like Someone In Love’

Ganador de la Palma de Oro en 1997 con ‘El sabor de las cerezas’, Kiarostami vuelve a Cannes dos años después de ‘Copia certificada’ (premio a la mejor actriz para Juliette Binoche en este certamen) con otra historia ambientada fuera de Irán. Tras su aventura italiana, el prestigioso realizador ambienta su nueva película en Japón, contando con un reparto encabezado por Tadashi Okuno, Rin Takanashi y Ryo Kase. Al parecer, el iraní deseaba filmar en Tokio desde hace una década y durante años fue acumulando ideas de escenas. No es amigo de los guiones cerrados, le gusta improvisar, dejar que fluya la historia, y aunque tuvo que presentar un libreto antes del rodaje no dejó a los actores que lo leyeran entero o que supieran el desenlace; según las notas de producción del film, Kiarostami solo revelaba a los intérpretes lo que iban a hacer el día siguiente, para que no prepararan demasiado el trabajo y quedara espacio para la espontaneidad. El resultado en pantalla es una gozada. Hay veces donde uno se pregunta si realmente es necesario dejar tanto tiempo un plano en el que no sucede nada o ver a un personaje quedarse dormido, pero supongo que es parte de la magia, piezas necesarias que el cineasta emplea para crear la ilusión de autenticidad.

En la primera escena de ‘Someone in Love’ una cámara inmóvil nos muestra a una serie de personajes en un pub y oímos a una joven que permanece fuera del plano. Habla por teléfono, engañando a su interlocutor sobre el lugar en el que se encuentra. Una amiga se sienta delante y le cuenta un chiste que no entiende sobre una pareja de ciempiés. Por fin vemos a la chica cuando va al baño, intercambiando por el camino unas palabras con el que parece ser su jefe. Cuando regresa, alterada y nerviosa por la llamada, recibe el encargo de visitar a un hombre importante, a una hora en coche de allí. Aunque se niega al principio, porque es tarde y tiene otros asuntos personales que atender, no tiene más remedio que aceptar la tarea; mientras se dirige a su destino en taxi escucha los mensajes de voz que le ha ido dejando su abuela a lo largo del día. La mujer ha viajado a Tokio expresamente para ver a su nieta y todavía la espera en la estación. El vehículo pasa de largo; la muchacha seca sus lágrimas y se pinta los labios. Hemos entrado en la vida de esta enigmática persona y poco a poco empezamos a conocer detalles. Apenas unos minutos y Kiarostami tiene al espectador (paciente) en la palma de la mano.

Las sospechas sobre la profesión de la chica se confirman poco después, cuando entra en la casa del ciente, un anciano profesor. Él ha preparado una romántica cena pero ella está exhausta y, tras una breve charla, va directamente a la cama. A la mañana siguiente, él la acompaña a la universidad para hacer un examen y así entra en escena el tercer protagonista del relato, el irascible novio de la joven, con quien hablaba por teléfono la noche anterior. La peculiar puesta en escena (ojo a los reflejos) y los misterios que rodean a los personajes despiertan curiosidad y mantienen el interés en ‘Someone in Love’, un delicioso retrato del ser humano y las relaciones personales. Los actores se comportan con naturalidad, dejándose llevar por los acontecimientos, las conversaciones a veces son vagas pero están construidas con inteligencia para revelar detalles de la trama y retratar a los personajes. Las reacciones son siempre coherentes y realistas, nada se siente forzado. Y aunque los momentos cómicos sobresalen, la historia está cargada de amargura, con personajes miserables en busca de un amor que los rescate.

‘Vous n’avez encore rien vu’

A las 8:30 de la mañana de ayer tuvo lugar el pase de prensa de lo nuevo de Resnais, que aspira por quinta vez a la Palma de Oro tres años después de ‘Las malas hierbas’ (‘Les herbes folles’). ‘Vous n’avez encore rien vu’, que en español sería “No habéis visto nada todavía”, es el título de su último film, y resulta divertido viniendo de un realizador que está cerca de cumplir 90 años. Hubo fuertes aplausos durante los créditos finales pero es probable que la edad y el prestigio de esta leyenda del cine que lleva más de seis décadas trabajando tuviera mucho que ver. No es que no haya gustado por aquí, he oído comentarios entusiastas, pero la reacción general me pareció exagerada, como si el director estuviese en la sala y ésta fuese su despedida. El francés ya ha confirmado que no lo es, que va a seguir dando guerra.

‘Vous n’avez encore rien vu’, o ‘You ain´t seen nothin´ yet’, es una adaptación libre de dos obras de teatro de Jean Anouilh, ‘Eurydice’ y ‘Cher Antoine ou l’amour rate’. Laurent Herbiet y Resnais firman el guion, cuya historia parte de la muerte de un conocido dramaturgo, en cuyo testamento figura una particular petición que reúne a sus mejores amigos. El film arranca con una serie de llamadas telefónicas en las que Mathieu Amalric, Sabine Azéma, Anne Consigny, Pierre Arditi y Lambert Wilson, entre otros (todos interpretándose a sí mismos), son informados y convocados por el secretario del fallecido. Desde el principio se percibe el tono teatral que Resnais desea imprimir al relato, lo que puede descolocar un poco al público que no esté familiarizado con la obra del veterano autor francés, apasionado de la actuación libre y las intensas emociones.

El grupo protagonista se sienta delante de una pantalla donde el dramaturgo explica que los ha llamado, a ellos que conoce bien y que interpretaron su versión de ‘Eurídice’ a lo largo de los años, para que asistan a una representación grabada de la misma obra, llevada a cabo por una joven compañía; deben decidir si el material sigue conservando su fuerza. Mientras observan a los actores en el vídeo (Bruno Podalydès dirige esos segmentos, ya que Resnais no se consideraba adecuado para tratar con un elenco joven) los protagonistas quedan abrumados por los recuerdos y sienten la necesidad de recuperar sus propias interpretaciones, representando una vez más la obra, allí mismo. Resnais acompaña el apasionado trabajo de los actores con una sencilla y elegante puesta en escena, introduciendo una pequeña dosis de efectos visuales para ayudar a crear el ficticio escenario que los personajes están imaginando. La música de Mark Snow contribuye en la creación del ambiente.

Es un juego, un experimento, sobre temas como el amor, los celos, la vida y la muerte, y hay que aceptarlo como tal, o el visionado puede acabar resultando insufrible. Aparte de la innecesaria repetición de simples soluciones visuales para recrear la fantasía, como duplicar al personaje de Amalric (que desafortunadamente no interviene mucho), el mayor problema de la película es que hay demasiado diálogo, se echa en falta mayor elaboración del contenido visual, y quizá habría sido una buena idea jugar con los alter egos de los personajes principales y que aportaran algo de su pasado a la obra. Puede que ‘Vous n’avez encore rien vu’ se cuele en el palmarés, lo que espero es que no busquen compensar nada, poner la guinda a la extensa carrera de Resnais. En unos días saldremos de dudas.

Está todo listo. En una hora más o menos dará comienzo oficialmente el Festival de Cannes 2012. La comedia dramática ‘Moonrise Kingdom’, nuevo trabajo de Wes Anderson, será la película encargada de inaugurar la 65ª edición del certamen cinematográfico más importante del planeta. Como ya os adelanté podréis seguirlo de cerca gracias a Blogdecine, medio acreditado en el festival; un servidor se encargará nuevamente de acercaros lo más relevante del festival, con información, imágenes y críticas, espero que os interese tanto como el año pasado.

Hace varios días os dejé una primera selección de los títulos más interesantes que se proyectarán en Cannes del 16 al 27 de mayo. A continuación os dejo el segundo y último bloque; como podéis comprobar, nos espera un festival apasionante.

‘Amour’

Título internacional: ‘Love’. Director: Michael Haneke. Reparto: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert y Alexandre Tharaud. Sinopsis: Georges y Anne son octogenarios, son personas cultas, profesores de música retirados. Su hija, también música, vive en el extranjero con su familia. Un día, Anne es víctima de un accidente. El amor que une a esta pareja se someterá a una dura prueba.

Sin duda, una de las grandes favoritas para lograr la Palma de Oro el próximo 27 de mayo. Y desde luego una de las películas más esperadas e importantes de 2012. Vuelve Haneke tras triunfar en el festival con la impresionante ‘La cinta blanca’, y lo hace dirigiendo a Huppert once años después de ‘La pianista’, uno de sus trabajos más turbadores y celebrados. Es el décimo trabajo que el cineasta presenta en Cannes y el sexto que compite en la sección oficial.

‘Vous n’avez encore rien vu’

Título internacional: ‘You Haven’t Seen Anything Yet’. Director: Alain Resnais. Reparto: Mathieu Amalric, Sabine Azéma, Anne Consigny, Pierre Arditi y Lambert Wilson. Sinopsis: Antoine d’Anthac, famoso autor dramático, convoca desde el otro mundo a todos sus amigos que interpretaron su pieza “Eurídice”. Estos actores tienen como misión ver una grabación de esta obra interpretada por una compañía joven, La Compagnie de la Colombe. ¿El amor, la vida, la muerte o el amor después de la muerte siguen teniendo sentido sobre el escenario de un teatro? Son ellos quiénes deben decidir. Y las sorpresas apenas acaban de comenzar…

Resnais vuelve a Cannes, a punto de cumplir 90 años, con la intención de conseguir, por fin, la preciada Palma de Oro. No la ha ganado aún este reputado cineasta, al que hace tres años se le concedió un “Premio Excepcional por su carrera y su contribución a la historia del cine”, que sonaba a despedida. No tiró la toalla el francés (ojo al título, “no habéis visto nada todavía”) y presentará por octava vez un largometraje en la sección oficial. Deseando verla.

‘The Paperboy’

Director: Lee Daniels. Reparto: Matthew McConaughey, Zac Efron, Nicole Kidman, Macy Gray, David Oyelowo y John Cusack. Sinopsis: 1969, Lately, Florida. Ward Jansen, reportero del Miami Times, regresa a su ciudad natal, acompañado por su compañero de profesión, Yardley Acheman. Llegados por petición de Charlotte, una mujer enigmática que mantiene correspondencia con detenidos en el corredor de la muerte, se disponen a investigar el caso de Hillary Van Wetter, un cazador de aligátores que está a punto de ser ejecutado sin pruebas concluyentes. Convencidos de que se encuentran frente al artículo que relanzará sus carreras, recorren la región, guiados por Jack Jansen, el hermano pequeño de Ward, repartidor del periódico local en su tiempo libre. Fascinado por la embriagadora Charlotte, Jack les conduce desde la cárcel de Moat County hasta las marismas, donde la carga de los secretos se hace cada vez más pesada. La investigación avanza hacia el corazón de esta Florida húmeda y aplastante, y revela que, en ocasiones, perseguir la verdad puede originar muchos males…

Me extraña encontrar esta película, con Efron, McConaughey y Kidman (en el peor momento de su carrera), entre las veintidós que compiten en la sección oficial, al lado de los nuevos trabajos de cineastas como Haneke, Kiarostami, Loach o Cronenberg. Pedro Almodóvar tuvo la intención de dirigir esta historia, y trabajó en el guion, pero terminó dejando el puesto a Daniels. Es la primera vez que el estadounidense aspira a la Palma de Oro y la segunda película que presenta en Cannes tras ‘Precius’, pornografía del sufrimiento que resultó nominada a 6 Oscar (incluyendo película y director). No es de las películas que más me apasionan del programa, pero tiene interés.

‘Dupã dealuri’

Título internacional: ‘Beyond the Hills’. Director: Cristian Mungiu. Reparto: Cosmina Stratan, Cristina Flutur, Valeriu Andriuta y Dana Tapalaga. Sinopsis: Alina regresa a Rumanía desde Alemania para llevarse a Voichita, la única persona a la que jamás amó y la única que le correspondió. Pero Voichita ha encontrado a Dios y en cuestión de amor es muy difícil competir con Dios.

He aquí otro de los platos fuertes de Cannes 2012. Cinco años después de ganar la Palma de Oro con la turbadora ’4 meses, 3 semanas y 2 días’, Mungiu vuelve a la sección oficial con otro drama que promete no dejar a nadie indiferente. Es el cuarto largometraje con el que acude al festival.

‘Antiviral’

Director: Brandon Cronenberg. Reparto: Caleb Landry Jones, Sarah Gadon, Malcolm McDowell, Douglas Smith y Joe Pingue. Sinopsis: Syd March es un empleado de una clínica especializada en la venta e inyección de virus cultivados sobre la piel de celebridades para fans obsesionados. Una comunión biológica a cambio de un precio determinado. Syd también vende ilegalmente muestras de estos virus a grupos criminales tras robarlos de la clínica en la que trabaja, tras haberlos introducido en su propio cuerpo. Cuando se infecta con el virus que provocó la muerte de la supercelebridad Hannah Geist, Syd se convierte en objetivo de los coleccionistas y los ávidos fans. Es entonces cuando deberá descifrar el misterio que rodeó su muerte antes de llegar al mismo final trágico.

El mismo año que David Cronenberg aspira a la Palma de Oro con ‘Cosmopolis’ llega al festival la ópera prima de su hijo Brandon, incluida en la sección “Un certain regard” (“Una cierta mirada”). Siento una gran curiosidad por el debut de este nuevo Cronenberg, por la trama parece que quiere seguir los pasos de su progenitor en lugar de ofrecer algo completamente diferente. Parece; habrá que comprobarlo. Asimismo, me interesa ver la progresión de Jones, un chico al que estuvo sensacional en ‘El último exorcismo’ y al que veremos mucho en los próximos años.

‘Like Someone In Love’

Director: Abbas Kiarostami. Reparto: Tadashi Okuno, Rin Takanashi y Ryo Kase. Sinopsis: Un viejo y una joven se encuentran en Tokio. Ella no sabe nada de él, él cree conocerla. Él le abre las puertas de su casa, ella le ofrece su cuerpo. Pero nada de lo que sucede en el trascurso de esas veinticuatro horas se relaciona con las circunstancias de su encuentro.

Regresa Kiarostami al festival tras presentar hace dos años la deliciosa ‘Copia certificada’. Es la quinta vez que el realizador iraní presenta una película en la sección oficial, por lo que tiene una nueva oportunidad de ganar su segunda Palma de Oro; la recibió en 1997 por ‘El sabor de las cerezas’.

‘Mud’

Director: Jeff Nichols. Reparto: Matthew McConaughey, Reese Whiterspoon, Tye Sheridan, Sam Shepard, Ray McKinnon, Sarah Paulson y Michael Shannon. Sinopsis: Ellis y Neckbone, de 14 años, descubren durante una de sus escapadas diarias, a un hombre refugiado en una isla en medio del Mississipi. Se trata de Mud: con un diente menos, una serpiente tatuada en el brazo, una pistola y una camisa que le da suerte. Mud es también un hombre que cree en el amor, algo en lo que Ellis necesita creer desesperadamente para intentar olvidar las tensiones diarias entre sus padres. Muy rápidamente, Mud pide ayuda a los dos adolescentes para reparar un barco que le permitirá abandonar la isla. Sin embargo, para los muchachos resulta difícil discernir lo verdadero de lo falso en las palabras de Mud. ¿Ha matado realmente a un hombre? ¿Le persigue la justicia, los cazarrecompensas? Y por otro lado, ¿quién es la chica misteriosa que acaba de desembarcar en su pequeño pueblo de Arkansas?

Otra vez McConaghey en una película de la sección oficial. Curioso. El actor estadounidense, que al parecer está sensacional en ‘Killer Joe’ (William Friedkin), encabeza el reparto del nuevo trabajo de Nichols, del que hace poco pudimos ver en España su ópera prima ‘Take Shelter’. Es la primera vez que el norteamericano compite por la Palma de Oro; teniendo en cuenta los rivales y que su película se proyecta el penúltimo día del festival, no creo que su nombre esté en muchas quinielas.

‘Io e te’

Título internacional: ‘Me and you’. Director: Bernardo Bertolucci. Reparto: Jacopo Olmo Antinori, Tea Falco y Sonia Bergarmasco. Sinopsis: Lorenzo es un joven solitario de 14 años, diferente a todos los demás. Se dispone a engañar a sus padres y saltarse un viaje escolar de esquí para realizar su sueño de esconderse en el sótano abandonado de su inmueble. Durante toda una semana, podrá finalmente evitar todos los conflictos y las presiones para que se comporte como un adolescente “normal”. Desea vivir totalmente aislado con su música y sus libros preferidos. Pero la llegada inesperada de su hermanastra Olivia lo cambiará todo. Ella es mayor que él y tiene experiencia en la vida. El tiempo que compartirán juntos inspirará a Lorenzo para que un día pueda decir adiós a su vida de niño y adentrarse en el torbellino de la vida de los adultos.

Cannes ha querido llamar de nuevo a Bertolucci en esta 65ª edición, y aunque su nueva película se presentará fuera de competición, es sin duda uno de los platos fuertes de este año. El realizador italiano, presidente de la sección oficial en 1990, ha presentado ya diez largometrajes en la Croisette, dos de ellos aspirantes a la Palma de Oro.

‘Reality’

Director: Matteo Garrone. Reparto: Aniello Arena, Loredana Simoli, Nando Paone y Raffele Ferrante. Sinopsis: Luciano is a Neapolitan fishmonger who supplements his modest income by pulling off little scams together with his wife Maria. A likeable, entertaining guy, Luciano never misses an opportunity to perform for his customers and countless relatives. One day his family urge him to try out for Big Brother. In chasing this dream his perception of reality begins to change.

También hay mucha expectación por descubrir el nuevo trabajo de Garrone tras dirigir una de las películas más potentes de 2008, ‘Gomorra’, galardonada en Cannes con el “Grand Prix”. Segunda vez que el italiano compite por la Palma de Oro, podría ser su año…

‘The Angel´s Share’

Director: Ken Loach. Reparto: Paul Bannigan, Roger Allam, John Henshaw, Gary Maitland, Jasmin Riggins, William Ruane y Siobhan Reilly. Sinopsis: En Glasgow, Robbie, un joven padre de familia, no logra escapar de su pasado delictivo. Se cruza en el camino de Rhino, Albert y la joven Mo cuando, como ellos, evita por poco la cárcel pero recibe una pena de trabajos sociales. Henri, el educador que les han asignado, se convierte entonces en su nuevo mentor y les inicia en secreto…¡en el arte del whisky! Entre destilerías y sesiones de degustación de alto copete, Robbie descubre que tiene un auténtico talento como catador, y rápidamente es capaz de identificar las cosechas más excepcionales, las más caras. Junto a sus tres compañeros, ¿se contentará Robbie con transformar este don en una estafa, una etapa más en su vida de delitos y violencia? ¿O en un futuro nuevo, lleno de promesas? Solo los ángeles lo saben…

Otro nuevo trabajo de uno de los cineastas habituales del festival. Con esta última serán ya diecisiete películas las que ha presentado Loach en Cannes, once de las cuales han aspirado a la Palma de Oro; el triunfo le llegó al veterano realizador británico hace seis años, con ‘El viento que agita la cebada’. No parece que vaya a ganar la segunda tan pronto pero nunca se sabe…

PD: Nanni Moretti es el presidente de la sección oficial de este año y Tim Roth encabeza el jurado de “Un certain regard”.

Web oficial | Festival de Cannes

Aunque haga ya unos meses de su estreno, todavía puede encontrarse en cartel ‘Copia certificada’ (‘Copie conforme’, 2010), de Abbas Kiarostami, el film que tantos premios y aclamaciones internacionales ha logrado.

Podríamos denominar «cine de tesis» a aquellas películas cuyo propósito es plantear una discusión filosófica, artística o de otra índole para que los espectadores reflexionen al respecto. Esta pretensión nos retrotrae, quizá, a los años ’60 del pasado siglo, época en la que, según parece, la intelectualidad no tenía otras conversaciones más que las que trataban de llegar a alguna conclusión sobre un asunto muy elevado. El interés, obviamente, radicaba en que esas conclusiones no existían, por lo menos no de forma dogmática y académica, pues se trataba en general de temas subjetivos, y así, los debates podían durar eternamente e incluso podían retomarse tantas veces como se quisiera.

Por mucho que suene demodé, encuentro atrayente la noción de ver un film que me haga pensar, ya que no logro encontrar muchos que cumplan el otro servicio que podrían desempeñar: hacerme pasar un rato de evasión. Con esto quiero decir que mis quejas acerca de ‘Copia certificada’ no se refieren al hecho en sí de tratarse de un cine de ensayo, sino a otras cuestiones.

Para empezar, la discusión sobre el valor de la copia está más que superada, poco más queda que añadir sobre el tema. Y menos aún en el cine, medio en el que solo cuentan las copias, que son lo que se visiona, y en el que los originales guardan la única función de poder ser reproducidos de nuevo y no tienen ningún valor como objeto.

Claro que, a pesar de que elija el formato cinematográfico, Kiarostami no habla de cine. Habla de artes como la escultura y la pintura, donde se puede aplicar el concepto de original de forma estricta. Habla de imitaciones, de reproducciones, de copias exactas que tratan de hacerse colar por el original, como queda claro en la exposición que el escritor hace en la primera escena. No habla de revisiones o versiones actualizadas, como podrían ser los remakes cinematográficos, que serían fruto de toda otra reflexión, más interesante, si me apuráis. Que haya reminiscencias de ‘Te querré siempre’, de Rossellini no apunta a esta idea, sino que viene a sumarse a la mezcla de conceptos que está realizando Kiarostami.

Por otra parte, que se trate de película de tesis no tendría por qué significar, automáticamente, que el film consista en reproducir uno de esos debates mantenidos por dos personas. Si estamos en un film, la forma de argumentar los distintos puntos de vista tendría que ser más cinematográfica que la de una conversación. Así, la primera parte de ‘Copia certificada’ resulta artificiosa cuando menos, al tratar de forzar a dos personajes a que dejen de serlo para convertirse simplemente en emisarios de dos formas de ver una cuestión.

Juegos de rol

A partir de una conversación con una mesonera muy mal observadora que confunde al escritor con el marido de la protagonista —en la que podría ser la mejor secuencia de la cinta—, ésta decide jugar a que, en efecto, este hombre al que acaba de conocer, lleva quince años casado con ella y tiene un hijo común. Él se presta a la charada y las conversaciones casuales se tornan en discusiones, como correspondería a un matrimonio de larga duración. Incómodo, pero sin valor para renunciar a ello, el escritor va buscando argumentos para fingirse reprochado y para pedir disculpas por omisiones de las que no ha sido autor.

O quizás ocurre lo contrario: el matrimonio, cansado, ha fingido no conocerse para tener una cita como antaño, pero no puede evitar dejar salir las rencillas ni en su aniversario. O podría ser que se tratase de un recurso de elipsis descomunal o de proyección de un posible futuro. La lectura queda abierta.

Este recurso, que da pie a una nueva indagación por parte de Kiarostami, es muy interesante como punto de partida. Sin embargo, una vez se plantea, no se desarrolla ni se explora, sino que se queda en lo mismo durante el resto de película, convirtiéndose en repetitivo e incapaz de suscitar la reflexión ni de aportar más material para la obtención de conclusiones. De hecho, el planteamiento de la idea está tan mal engranado con la tesis principal del original y la copia que más parecería una forma de estudiar el hastío generalizado entre las parejas casadas —debido a lo fácil que resulta saber o inventarse sobre qué van a discutir a continuación— que sobre los falsos duplicados.

Las interpetaciones

El barítono William Shimell interpreta aquí su primer papel para el cine, lo que por un lado resulta refrescante y agradecido, pues muchas veces se pierde la sensación de estar viendo a un actor y parece que nos encontrásemos con una verdadera celebridad charlando con una fan tras una de sus presentaciones. Pero cuando le toca hacer algo más complicado, es fácil apreciar que le faltan cualidades interpretativas. Sus reacciones, por lo tanto, a la hora de representar el papel que no es el suyo resultan confusas.

No le faltan esas cualidades a Juliette Binoche, quien está impresionante, constituyendo, sin lugar alguno a dudas, lo mejor de la película. Realiza de forma perfecta el paso de un papel a otro y distingue claramente las diferentes actitudes que su personaje muestra según se encuentre con su hijo, con el escritor o con la posadera. Se presenta misteriosa desde el principio, con esas constantes alusiones a su hermana, que nunca se llega a saber si en realidad hacen referencia a una «copia» de ella y con sus insinuaciones nunca del todo obvias hacia el escritor.

Si acaso, se podría decir que está más convencida que el propio Kiarostami de lo que su papel intenta transmitir y que su esfuerzo por hacerlo ver es un tanto exagerado. A causa de esto, el personaje, tan cargado de significaciones y de posibles interpretaciones, resulta precisamente eso: cargante. Por ello, la película no puede disfrutarse a un nivel que no sea el intelectual. La emoción por el peligro que sufre el matrimonio no puede contagiarse, debido a que ninguno de ellos cae bien o resulta real, cercano o humano, sino que son figuras que un autor ha creado para transportar sus ideas. Donde más se logra esa sensación de copia es en estos seres tan irreales que son, tanto en el papel inicial, como en la simulación de la segunda parte, puros sucedáneos de personajes.

Los escenarios

La película transcurre en Arezzo, un pueblecito de la Toscana en el que los protagonistas pasean, mientras ella lleva al hombre de turismo. Repleto de museos y obras al aire libre, este escenario es el ideal para que el debate continúe a lo largo de toda la película, introduciendo incluso algunas disquisiciones no tan relacionadas con la central, como el motivo por el que las distintas personas aprecian las piezas artísticas que, de nuevo, podría revestir más interés, si se hubiese continuado, que lo que ocupa al film en general.

Como si Kiarostami quisiera explorar todos los aspectos que atañen a la cuestión de la copia o introduciendo por primera vez un elemento auténticamente cinematográfico en una película demasiado conversacional, el iraní rueda algunos de los diálogos ayudado del reflejo en espejos y otras superficies. También sitúa a sus personajes observando a otros a través de ventanales o escaparates. Reseñado en todas las críticas como un inteligente acierto, me parece el recurso más obvio con el que podría dar cualquiera que se plantease estas cuestiones de duplicidad durante el rodaje de una película.

Título mal traducido

La traducción del título que se ha ofrecido en España —quizá procedente de la traducción al inglés— no es exacta, ya que la expresión francesa «copie conforme» se refiere a un duplicado calcado del original, lo que aquí llamaríamos «clavadito». En uno de los diálogos, la protagonista habla con su hijo y, posteriormente, se queja de que es «el vivo retrato de su padre». Para ello, utiliza la frase «copie conforme». Aunque los subtítulos han hecho una buena traducción de este diálogo, el título de la película no sigue este conocimiento y más o menos se inventa la versión española. Lo que en español se conoce como «certificada» o «compulsada» en francés sería «certifiée». El título ‘Copia fiel’, que se ha dado en algunos países de habla hispana, es mucho más correcto.

Conclusión

Mi conclusión, por supuesto particular, es que se trata de una película sobre las que es mucho más fascinante reflexionar a posteriori que visionar. Cualquier cuestión que se diga al respecto, cualquier escrito que se encuentre sobre el film supera con creces en interés a lo que éste de verdad dice o concluye. Entiendo y celebro que sus intenciones no sean concluir nada, sino simplemente plantear y dar pie a todos estos estudios posteriores. Pero incluso con esas ambiciones, considero que ‘Copia certificada’ no acierta a llegar a todo lo que comienza, que explora las cuestiones solo a medias y que no suscita ninguna discusión que no sea la de su propia interpretación y de su propia validez.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Copia certificada’, a propósito del remake, de Javier G. Trigales.

Mi puntuación:

Este fin de semana se han entregado los premios de la 55ª Semana de cine Internacional de Valladolid, Seminci 2010, de cuyos participantes en la Sección Oficial os había informado aquí.

La espiga de oro se la han llevado, ex-aequo, como ya os indicó Javier, ‘Copia certificada’, de Abbas Kiarostami, y ‘Sin retorno’, de Miguel Cohan.

Este thriller psicológico, coproducción hispano-argentina, que también le ha valido a Cohan para ganar el premio Pilar Miró al mejor nuevo director, está protagonizado por Federico Luppi, Leonardo Sbaraglia, Bárbara Goenaga, Martín Slipak, Luis Machín y Ana Celentano.

‘Sin retorno’ comienza con un atropello accidental y mortal de un joven. El padre de la víctima busca justicia. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública hacen que el hombre equivocado, un ventrílocuo (Sbaraglia), acabe cumpliendo varios años de prisión. Mientras tanto, el auténtico culpable (Slipak) trata de ocultar su responsabilidad. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno. El tráiler se puede ver a continuación:

La Espiga de Plata ha sido para ‘La mosquitera’, de Agustí Vila , que ha obtenido igualmente, el premio a la mejor actriz para Emma Suárez. Jesper Christensen, por su parte, ha sido reconocido como el mejor actor por ‘Una familia’ (‘En familie’), de Pernille Fischer Christensen (Dinamarca).

‘Incendies’, de Denis Villeneuve (Canadá) se ha llevado el premio Miguel Delibes al mejor guión para Denis Villeneuve y Valérie Beaugrand-Champagne. Esta película también ha obtenido el premio de la juventud y el premio del público al mejor largometraje de la Sección Oficial.

El premio a la Diversidad Cultural de la Aecid ha sido para ‘También la lluvia’, de Icíar Bollaín. ‘En el camino’(‘Na putu’), de Jasmila Zbanic (Bosnia Herzegovina/Austria/Alemania/Croacia), ha ganado el premio especial del jurado.

Nagao Nakashima ha obtenido el premio a la mejor dirección de fotografía por ‘El Retrato número cuatro’ (‘The Fourth Portrait’), de Chung Mong-Hong (Taiwán). Mientras que el premio a la Mejor Música Original ha sido para Cyrin Morin, por ‘La misión del director de Recursos Humanos’ (‘Shlichuto Shel HaMemune Al Mashabei Enosh’), de Eran Riklis (Israel/Alemania/Francia/Rumanía).

El jurado Punto de Encuentro ha entregado su mayor galardón, el Premio al Mejor Largometraje, a ‘Sebbe’, de Babak Najafi (Suecia). Y jurado de la sección Tiempo de Historia ha otorgado el Primer Premio a ‘Voices Unbound: The Story of the Freedom Writers’ (‘Voces sin límites’), de Daniel Anker (Estados Unidos).

La Espiga de Oro entre los cortometrajes ha ido a parar a corto israelí ‘Laharog dvorah’ (‘Matar a un abejorro’), de Tal Granit y Sharon Maymon.

Vía | Seminci.

‘Copia certificada’ (‘Copie Conforme’, Abbas Kiarostami) es la flamante ganadora de la Espiga de Oro del Festival de Cine de Valladolid, ex-aequo con ‘Sin retorno’, del argentino Miguel Cohan. La película del iraní Abbas Kiarostami no es exactamente un remake de ‘Te querré siempre’ (‘Viaggio In Italia’, Roberto Rossellini, 1954), pero sin la existencia de ésta, la película no tendría razón de ser. O sí. Éste es el primer film de ficción rodado fuera de Irán por Kiarostami, y nace del deseo expresado hace años por Juliette Binoche de trabajar con el realizador de ‘A través de los olivos’ (‘Zire darakhatan zeyton’, 1994), una situación que guarda no pocas similitudes con el inicio de la relación de Roberto Rossellini e Ingrid Bergman de la que hablé hace unos días. Tenemos, así, la película de un iraní rodada en Italia y protagonizada por una francesa y un inglés. Si esto no es cine global, que baje dios y lo vea.

El film comienza articulándose sobre un tema de rabiosa actualidad: la obra original y la copia. En los tiempos cinematográficos que corren, el debate en torno a los remakes está a la orden del día, como hemos podido observar con el estreno de ‘Déjame entrar’, versión americana del soberbio film sueco original. Kiarostami entra en la discusión mediante la figura de un experto en arte que ha escrito una obra en la que reflexiona sobre la validez de la copia frente al original, como objeto con entidad y valores propios. Ahora, este es el punto de partida, pero la película trascenderá esta idea y se convertirá en algo mucho más interesante.

James Miller —interpretado por el barítono William Shimell en su primer papel para el cine— es abordado después de dar una conferencia sobre su libro, de título “Copia certificada”, por una Juliette Binoche que coquetea con él y se ofrece a ejercer de cicerone al día siguiente por la zona, lo que les llevará a un viaje en coche en el que la conversación en torno a la vida y el arte también oculta el galanteo de los dos personajes. Poco a poco notamos algo extraño: los recién conocidos hablan de manera muy cercana, como si existiera un vínculo anterior. Los seguimos a través de museos y calles empedradas por la maravillosa zona de la Toscana. Esta primera parte del film se resiente quizá de un ritmo algo moroso y de una cierta redundancia en ideas y conceptos. De todas formas, la interpretación de la Binoche es fantástica, y el cantante de ópera defiende con correción su papel, por lo que el interés no decae y nos prepara para lo que vendrá a continuación.

Llega un momento en que los dos protagonistas entran en un pequeño café. Allí, el personaje de la Binoche tiene una clarificadora conversación con la propietaria del establecimiento. La mujer los toma por un matrimonio, y una vez se ha verbalizado este concepto, mágicamente se convierte en realidad: realmente son una pareja de casados con quince años de vida en común a cuestas. ¿Qué ha pasado? ¿Hemos entrado en otra película posible? En alguna crítica han llegado a comparar esta escena con David Lynch y ‘Mulholland drive’ (id, 2001), concretamente la escena en la que la caja azul cae al suelo y descubrimos que todo lo visto hasta entonces no era más que una impostura imaginada por la mente de Naomi Watts. No creo que esta vez las razones del cambio sean tan radicales. Puede que simplemente veamos a una pareja jugando en el escenario de su antigua luna de miel a no conocerse, a recrear de manera imposible el inicio de su vida en común, recuperando algo de la felicidad perdida. Esta maniobra permite al director cubrir todas las etapas de una relación en un corto espacio de tiempo y sin flashback de por medio. Esta es mi teoría, aunque nunca lo sabremos con exactitud, pero el fascinante recurso narrativo de Kiarostami funciona, y los espectadores aceptamos de buen grado el salto mortal y seguimos adelante con la pareja, reconvertida en un matrimonio desencantado.

A partir de ahí, asistiremos a los (tristes) intentos de Juliette Binoche de volver a despertar la pasión en un matrimonio que se muere. Todo bajo un atardecer resplandeciente, de una luz que hiere en su belleza y perfila las calles de la Toscana como si de un cuadro renacentista se tratara. Es la lucha del pragmatismo desapasionado de él contra la sensibilidad y ansias de sentirse amada de ella. El arte refleja la vida, y así una estatua de unos amantes abrazados sirve como metáfora de un ideal para la Binoche, que busca desesperadamente más gente que comparta su visión del mundo e interpela a unos turistas, a unos recién casados, a quien sea, para que le confirmen que aún es posible el amor.

Hay una escena muy sencilla pero antológica en la que Juliette Binoche se pinta apresuradamente los labios y se arregla nerviosa como una colegiala para el hombre al que aún ama. En esa corta secuencia, el rostro de la Binoche se convierte en un libro abierto que nos cuenta con una fuerza milagrosa, todo el dolor, todo el patetismo y toda la esperanza que se da en una relación de pareja. Pero mientras asistimos a estas imágenes, no podemos dejar de observar que las creaciones de Kiarostami pueden a su vez, estar representando, no de una manera literal, pero sí como el reflejo de un reflejo, otros personajes interpretados hace medio siglo por Ingrid Bergman y George Sands en la película de Rossellini ‘Te querré siempre’. Se repiten escenarios, situaciones y hasta diálogos, con pequeños matices. La representación así, multiplica su alcance por el reflejo de los pasos dados antes por Rossellini, y los actores se convierten en fantasmas recreando imágenes fantasmales. Da la impresión de que a la vuelta de una esquina, nos vamos a encontrar en pleno rodaje del film de Rossellini.

Este juego de espejos no resta importancia a lo que se nos está contando en el momento presente, y comprobamos apesadumbrados que la lucha de Ingrid Bergman —perdón, de Juliette Binoche— no va tener un final feliz. La recreación de un pasado común no significa la transformación del momento presente. Lo que una vez, fue, ya no lo será nunca más. Sólo queda la melancolía y el rostro de un hombre que se mira al espejo y le asusta lo que ve, incapaz ya de ser la persona que fue hace quince años. Kiarostami inventa un nuevo género: el remake emocional. Una maravilla.

Abbas Kiarostami participa a concurso con ‘Copie conforme’

Se ha presentado a competición ‘Copie conforme’ («copia compulsada»), del iraní Abbas Kiarostami, mientras el compatriota y colega del director, Jafar Panahi, aún prisionero en Irán, mantenía la huelga de hambre.

Por primera vez, Kiarostami ha rodado fuera de Irán, con intención de que la historia narrada fuese universal. En esta ocasión se alejará del documental para reflejar el reencuentro entre un escritor — William Shimmel — y una galerista —Juliette Binoche—, que al cineasta le sirve de excusa para explorar la frontera entre la realidad y la ficción .

Hay quien ha calificado ‘Copie conforme’ de «simple y sencillamente de una obra maestra […], un ejercio autorreflexivo, gozoso y, dígase ya, genial». En otros medios son bastante más cautos a la hora de elogiarla, dicen que es a ratos tediosa, que cuesta trabajo mostrarse entusiasta con ella, pero que es interesante. Se quedan con el trabajo de Binoche.

Stephen Frears y su equipo presentan ‘Tamara Drewe’

Fuera de concurso, Stephen Frears ha presentado la película titulada ‘Tamara Drewe’, que cuenta en su reparto con Gemma Arterton, Bill Camp, Dominic Cooper, Tamsin Greig y Luke Evans. El guión —que ha llevado a cabo Moira Buffini basándose en la novela gráfica homónima de Posy Simmonds— cuenta la historia de Tamara, una joven de la clase media que trabaja en la prensa del corazón y cuyo retorno desde Londres al pueblo donde vivió su madre causa un vuelco en la vida de sus habitantes.

El equipo casi al completo de este film ha estado esta mañana en el Festival de Cannes para dar a conocer su film con una rueda de prensa. En ella, el director confiesa que «¡La película no está en competición porque no quería perder y afrentar semejante decepción!». Añade que «la moraleja no es evidente, porque la esencia de la película es la ambigüedad. Y siento que soy su defensor más ferviente».

Acerca del nuevo gobierno en Gran Bretaña, Frears declaró que «era lo mejor que podía salir de esas elecciones y espero no equivocarme». Cree que la mezcla entre el conservador David Cameron y el liberal Nick Clegg «es un resultado milagroso. Hay que darles una oportunidad».

La autora del cómic, Posy Simmonds, dijo que el guión se «corresponde perfectamente al libro. Yo traté de trasladar una vida tridimensional hacia un contexto bidimensional. Stephen Frears logró hacer lo contrario». Dominic Cooper comentaba que le «habría encantado ser una estrella de rock, pero lamentablemente no tengo el talento necesario. Me siento cercano a mi personaje: aunque él puede actuar como un verdadero tonto, yo hice todo lo posible por que resultase agradable. No quería que el público lo odiara. En realidad, es sólo un plasta».

Los asistentes al festival han salido con buen sabor de boca tras ver esta comedia coral desenfadada de un humor sutil, pero con algún momento dramático. En el Telegraph dicen que abusa de los chistes, que el autor sabe que el texto no era profundo y que puede hacer levantar más de una ceja al público de ‘Mi hermosa lavandería’ (‘My Beautiful Laundrette’) y ‘Negocios ocultos’ (‘Dirty Pretty Things’), pero elogian a los actores.

Otras presentaciones

También se presentó ‘Des Hommes et des Dieux’ («de hombres y de dioses»), del galo Xavier Beauvois, basada en la matanza de un grupo de monjes franceses en Argelia en 1996. Han recibido palabras halagadoras los miembros del reparto, en el que se encuentran Michael Lonsdale y Lambert Wilson.

El brasileño Carlos Diègues presentó hoy, en la Sesión Especial, la película coral ‘5 vezes favela agora por nos mesmos’ (2010), de la que Diègues es productor y que está dirigida por siete autores, todos ellos procedentes de las favelas.

Andrei Ujicaha ha dado a conocer su ‘Autobiografía de Nicolae Ceausescu’, que forma parte de la trilogía sobre la caída del comunismo y que comentan que son tres insoportables horas de imágenes de archivo del dictador rumano.

‘Blue Valentine’, de Derek Cianfrance, fue la protagonista de la sección Un Certain Regard; mientras que ‘La Bataille du rail’, de René Clément, y ‘Boudu salvado de las aguas’, de Jean Renoir, se han proyectado en el espacio llamado Cannes Classics.

La película mexicana ‘Año bisiesto’, de Michael Rowe, se presentó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Y el argentino Pablo Trapero obtuvo un gran éxito con su ‘Carancho’.

En Blogdecine | Cobertura diaria del Festival de Cannes 2010.

Vía | Festival de Cannes.

Pero, el verdadero motivo, al margen del glamour, era para acompañar a la película ‘Burn After Reading’ (‘Quemar después de leer’), de gran expectación tras el enorme éxito del trabajo anterior de los Coen. El hecho de luchar por el premio les eximía de cierta responsabilidad, y menos mal. A tenor de los primeros comentarios, ha causado disparidad de opiniones, aunque más abundantes los tendentes a la decepción que los del elogio desorbitado. En cualquier caso es un buen primer plato para despertar interés hacia el festival. Particularmente no me suele gustar cuando los Coen dejan de ponerse serios y sacan su lado cómico, exceptuando ‘El gran Lebowski’, el resto me parece lo más flojo de los hermanos. Aunque, sin querer ser prejuicioso, esperaremos a su estreno para analizarla adecuadamente.

Tras las alargadas sombras de Clooney y Pitt (que además recogía el premio del año pasado, ya que no pudo asistir, lo cual es todo un detalle/oportunismo de la organización), llegaba el momento de los títulos a concurso. Antes, se realizó un emotivo homenaje al cineasta Pier Paolo Passolini. En cuanto a las películas presentadas, se han podido ver los nuevos trabajos de dos directores venerandos en los foros festivaleros y muy dados a la experimentación. Takeshi Kitano, el japonés que otros años cosechara buenas acogidas en Venecia, presentaba ‘Aquiles y la Tortuga’, una cinta que reflexiona sobre el arte, y cuyo protagonista, un artista incomprendido, lucha por su condición artística a costa de ser infeliz a lo largo de su vida. La acogida ha sido tibia, sin entusiasmar demasiado pero sin dejar caras de insatisfacción en los críticos, según se deduce de las primeras impresiones.

El otro arriesgado realizador que ha tenido su momento de protagonismo ha sido el iraní Abbas Kiarostami, con la cinta ‘Shirin’, todo un experimento metacinematográfico y en el que recoge las emociones de 113 mujeres (todas actrices iraníes además de Juliette Binoche) en sus rostros mientras asisten a una película. Desde luego, se trata del cine diametralmente opuesto al que estamos acostumbrados en las salas de cine, y a pesar de su cierta reputación, Kiarostami es un auténtico peñazo, y sus películas soporíferas (alguno me acusará de que idiota por no comprenderlas, pero le he puesto empeño y tampoco soy el único al que no logra conectar con su praxis cinematográfica).

Por cierto, y para concluir, estuvo el longevo Manoel de Oliveira (próximo al centenario) presentando su último trabajo, un cortometraje titulado ‘Do Visivel ao Invisivel’. Un caso propio de expediente X lo del portugués, que encuentra en el cine la fuente de la vida (y se la mantiene). Seguiremos atentos a lo que nos depare la 65 Mostra de Venecia.

Más información | 65ª Mostra de Venecia