Como ya sabéis, publiqué la entrada con la encuesta sobre la película animada de 2011 que más os había gustado a los lectores de Blogdecine y también una que desvelaba los resultados de la votación, en los que ‘Rango’ (‘Rango’, 2011) quedaba en el tercer puesto por muy poquito. Por ese motivo y por los efusivos comentarios que dejasteis al respecto, me animé a ver este homenaje de animación a las películas del Oeste, que había dejado pasar cuando se estrenó en salas.

El comienzo de ‘Rango’ es brillante, tanto por su capacidad de sorprender con la actitud del protagonista, como por algunos de los encuadres que plantea Gore Verbinski, por ejemplo el del armadillo medio aplastado en mitad de la carretera. La animación en 3D –no de gafitas, sino de forma de animar– resulta perfecta, con algunas texturas tan conseguidas que podrían colar como efecto en una película de imagen real. No en vano ha colaborado Industrial Light and Magic.

La personalidad del lagarto –al que nunca llaman concretamente camaleón, pero que tiene el aspecto y las capacidades propios de este animal– está lograda gracias a la interpretación de gestos, movimientos y voz de Johnny Depp. Aunque en un principio él mismo se sienta indefinido y vaya adaptándose a los papeles que interpreta, pues es aficionado al teatro, los espectadores en seguida encontramos en él una serie de constantes que nos lo determinan, como las ganas de agradar y la fácil e imaginativa verborrea. Acompaña a Rango un despliegue de personajes inspirados en diferentes alimañas, que no deja de sorprender y que son asimismo carismáticos, más en el lado de los antagonistas que en el de los buenos. La captura de movimientos ha dado lugar a unas interpretaciones muy realistas. Isla Fisher, Abigail Breslin, Ned Beatty, Alfred Molina, Bill Nighy, Harry Dean Stanton o Timothy Olyphant son algunos de los que prestan su voz en la versión original.

Pasada esa genial presentación, sigue habiendo originalidad en el hecho de que sean animales, la película continúa regalándonos momentos divertidos de mucha acción y la espectacularidad de las imágenes nunca decrece. No obstante, lo que se nos cuenta desde que Rango llega al pueblo, se me antoja formulario y no me resulta difícil ir anticipando cada giro o el desenlace final. Puede tener similitudes con la trama de corrupción de ‘Chinatown‘ –alguien está soltando agua en el desierto durante una terrible sequía–, pero ni por asomo se mueve a esa altura, ya que la parte investigativa es secundaria con respecto al tema del héroe, que a mí particularmente, me llega bastante menos. La versión extendida, que es la que se puede encontrar si nos perdimos la de cines, puede resultar excesiva, pues la historia no necesita casi dos horas para ser contada.

Guiños para adultos en un cine infantil

Aprecio las referencias cinéfilas, como la encarnación de Clint Eastwood del Espíritu del Oeste, la persecución de ‘La guerra de las galaxias’ o la cara de Johnny Depp en el coche, sacada de ‘Miedo y asco en Las Vegas’, así como todos los planos que homenajean los más célebres Spaghetti Westerns o el tributo directo a ‘Django’. Pero me resulta más ingenioso el metalenguaje que saca a la luz el absurdo de constantes del lenguaje cinematográfico, en lugar de recrear momentos de películas prexistentes. Por ejemplo, el que señalé que se incluía en ‘Phineas y Ferb’ que, en mi opinión, requiere una observación más cercana de los mecanismos narrativos del cine. En la de los niños inventores el humor es absurdo y la locura se aplica no solo a conceptos visuales, sino también a la forma en la que se desarrolla la trama. ‘Rango’, por el contrario, aunque tenga momentos chiflados, sigue estando muy pegada a la tierra en cuanto a lo que cuenta y esa locura no se permite que afecte al avance argumental.

Agradecemos que el cine pensado principalmente para niños tenga una posible lectura más, que nos guste a los adultos. Lo ideal es que sea eso: una segunda lectura, es decir, que todo lo dedicado a los mayores quede integrado en lo que los niños disfrutan. Aquí, sin poder afirmarlo porque no he observado a ningún pequeño viéndola, me temo que lo introducido como guiño a los adultos pueda descolocar a los infantes. Es decir, que en lugar de funcionar al mismo tiempo para ambos, va dando una a cada una, separadas en diferentes instantes y ya que los menores pierden la atención muy rápido, se corre el riesgo de que se despeguen de la película cuando se está introduciendo una reflexión –la paradoja de que un camaleón no sepa adaptarse– o una parodia a ‘Piratas del Caribe III’. A nosotros no nos importa, pero entre los niños y niñas, ¿habrá funcionado?

Conclusión

No quiero poner mal la película ni extraer una conclusión negativa, a pesar de que he señalado algunos puntos en contra. Mi impresión final con respecto a ‘Rango’ es que es una película muy disfrutable, que cuenta con un potente arranque y con numerosos elementos de gran originalidad. Es admirable la consecución física de las animaciones, tanto en el estilo de diseño de los personajes y fondos, como en los movimientos y texturas. El camaleón resulta tan carismático que me dispondría ya mismo a ver una serie protagonizada por él. Los creadores de esta cinta han demostrado mucha imaginación y se han dejado llevar ligeramente por el humor absurdo, pero permitiendo que esté presente solo en detalles y no que su trama se arrebate por él, lo que habría hecho que para mí resultase perfecta.

Otra crítica en Blogdecine |‘Rango’, por un puñado de agua, por Juan Luis Caviaro.

Se confirma que la adaptación de uno de los libros más populares del género de la ciencia ficción, ‘El juego de Ender’ (‘Ender´s Game’), va muy en serio. El mes pasado os informé que los productores habían encontrado al protagonista de la película, Asa Butterfield (‘El niño del pijama de rayas’, ‘La invención de Hugo’), y desde hoy ya podemos apuntar más actores que han confirmado su participación. Harrison Ford, Ben Kingsley, Hailee Steinfeld (la adolescente que buscaba venganza en el remake de ‘Valor de ley’) y Abigail Breslin son los nombres más destacados pero no las únicas incorporaciones al reparto; Aramis Knight, Moises Arias, Jimmy “Jax” Pinchak, Suraj Parthasarathy, Conor Carroll y Khylin Rhambo también intervendrán en esta producción, cuyo rodaje debería arrancar a principios del año que viene.

Ford dará vida al coronel Hyrum Graff, el hombre al mando del entrenamiento especial de Ender Wiggin (Butterfield), el niño que se convierte en la última esperanza de la humanidad en la guerra contra una raza alienígena. Steinfeld encarnará a Petra Arkanian, Breslin a Valentine Wiggin, Pinchak será Peter Wiggin, Knight interpretará a Bean y Carroll dará vida a Bernard. Recordemos que la película de ‘El juego de Ender’ estará dirigida por Gavin Hood (‘Tsotsi’, ‘X-Men orígenes: Lobezno’) y tiene previsto su estreno para el 15 de marzo de 2013. ¿Confiáis en este proyecto o pensáis que es imposible (teniendo en cuenta cómo trabajan en Hollywood) trasladar de manera satisfactoria a la gran pantalla la novela de Orson Scott Card?

PD: Ford cuenta ya con 69 años, pero ha dicho que está listo para encarnar a Indiana Jones una vez más. George Lucas trabaja en el guion.

Vía | Thefilmstage

¿Quién soy?

(Rango)

Hay algo en esta película, tiene alma. Al igual que su fantástico protagonista, ‘Rango’ (2011) parece afectada por una crisis de identidad, dando lugar a una peculiar propuesta que se queda a medio camino entre lo familiar y lo adulto. Por un lado, durante muchos minutos no es más que otro convencional espectáculo animado, con singulares animalillos y frenéticas secuencias de acción, pero de manera afortunada esto encaja con la otra cara del film, una estimulante mezcla de referencias culturales y destellos alucinógenos que convierten a ‘Rango’ en una auténtica “rara avis”. Puede que esto (y no haber recurrido al 3D) acabe limitando su carrera comercial, pese a un primer fin de semana bastante exitoso, mientras empieza a ganarse la categoría de título de culto, cosa que ocurrirá más temprano que tarde. O quizá estamos ante uno de esos extraños casos en los que todos nos ponemos de acuerdo, y damos las gracias tras experimentar un relato diferente.

Tras colaborar en las tres primeras entregas de ‘Piratas del Caribe’ (de la cuarta se ha encargado Rob Marshall), el estadounidense de origen polaco Gore Verbinski vuelve a contar con el estelar Johnny Depp para emprender su primer largometraje de animación, ‘Rango’, la delirante aventura de un solitario reptil que se convierte en la última esperanza de un pueblo desesperado por la falta de agua. Escrita por John Logan, a partir de una idea de James Ward Byrkit, Verbinski y el propio Logan, la película cuenta con un llamativo reparto de voces en la versión original, encabezado por Depp, Isla Fisher, Alfred Molina, Bill Nighy, Abigail Breslin, Ned Beatty, Harry Dean Stanton, Timothy Olyphant y Ray Winstone, entre otros. El público español no podrá apreciar este aspecto de sus interpretaciones, pero sí sus movimientos y sus emociones, filmados en un estudio (como si se tratase de un rodaje corriente) y usados luego como referencia por los animadores de Industrial Light & Magic, que han realizado un trabajo impresionante, logrando una formidable simbiosis entre fantasía y realidad.

Narrada por un cuarteto de búhos rancheros de acento mexicano, la historia de ‘Rango’ gira en torno a un soñador camaleón al que le gusta representar todo tipo de obras en el cómodo interior de su terrario. Acompañado únicamente por dos figuras de plástico, un pez amarillo y el torso de una muñeca, el lagarto se imagina siendo el héroe de grandes relatos, hasta que el destino llama a su puerta y debe convertirse en el protagonista de una verdadera aventura. Por accidente, su casa de cristal cae a la carretera mientras sus dueños cruzaban en coche el desierto de Mojave, y aconsejado por un extraño armadillo místico, se dirige al pueblo más cercano, un lugar de mala muerte llamado ‘Polvo’. Perdido, atemorizado, sediento, a la mínima oportunidad aprovecha su capacidad para el camuflaje (aquí más relacionada con la interpretación que con el color de su piel) y se presenta ante todos como Rango, un valeroso e implacable pistolero.

Pronto debe demostrar que no es un charlatán, pero la suerte está de su lado y consigue librar al pueblo de un enorme halcón al que todos temían, incluido el mayor forajido de la zona, una serpiente de cascabel llamada Veneno Jack, que ahora podría volver de su forzado retiro; pero Rango asegura no tenerle miedo (mientras un escalofrío le recorre la enclenque espalda). Habiendo recibido la placa de sheriff de manos del alcalde (una sospechosa tortuga), Rango descubre que el pueblo se está muriendo por la escasez de agua. Para colmo, unos ladrones se han llevado la minúscula reserva que aún quedaba en el banco, así que Rango debe reunir un pequeño grupo de voluntarios para tratar de recuperar el preciado botín. Es ingeniosa la idea de sustituir el dinero por el agua, algo que cada vez tiene más sentido teniendo en cuenta cómo estamos tratando nuestro planeta, y muy apropiado el retrato de una crisis ocasionada por la codicia de seres corruptos.

A caballo entre un mecánico entretenimiento, con esas persecuciones tan largas y anodinas donde los personajes van esquivando obstáculos a la velocidad del rayo, que parecen obligadas en el cine animado, y un western lisérgico cargado de nostalgia, con homenajes a Dalí, ‘Miedo y asco en Las Vegas’ (cuya adaptación cinematográfica protagonizó Depp) o la trilogía del dólar de Sergio Leone, ‘Rango’ es un relato de miserias, delirios y aventuras tan atrevido como irregular, que funciona por inspirados arrebatos, a trompicones. Pierde interés cuando se acomoda en elementos convencionales, como la lección de honestidad o la previsible trama detectivesca (sacada de ‘Chinatown’), y lo gana cuando simplemente nos interna en su singular, polvoriento, cruel, fantástico y disparatado universo, a través de los alucinados ojos de un excéntrico camaleón que bien podría apellidarse Sparrow. Cabe destacar, por último, la acertada banda sonora del film, con música de Hans Zimmer o Danny Elfman, y un pegadizo tema de Los Lobos que no podréis dejar de canturrear.

“Te lo diré de otra forma. ¿Es posible que no existan las coincidencias?”

(Graham Hess)

Ahora que parece que se han vuelto a poner de moda las historias sobre extraterrestres, he querido echar mano de mi deuvedeteca y rescatar la que para mí es la mejor película que se ha hecho sobre el tema desde ‘Encuentros en la Tercera Fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977). El estadounidense M. Night Shyamalan (cuyo verdadero nombre es Manoj Nelliyattu Shyamalan) está atravesando el peor momento de su carrera, pero al igual que ocurriera con el mítico Alfred Hitchcock (con el que comparte un extraordinario talento para crear suspense), puede estar seguro que su obra se asentará y cobrará importancia, que el tiempo le pondrá en el lugar que se merece. Coincido con muchos en que el realizador de origen indio atraviesa un bache artístico importante, pero solo desde ‘El incidente’ (‘The Happening’, 2008), y en todo caso no conviene olvidar que pocos cineastas actuales pueden presumir de contar con cinco joyas en su filmografía, además rodadas en un período de apenas diez años.

Con unos 70 millones de presupuesto (una cifra inferior a lo que suele costar un blockbuster de Hollywood, en torno a los 100, 150), una fuerte campaña publicitaria y el por aquel entonces estelar Mel Gibson al frente del reparto, recuerdo que ‘Señales’ (‘Signs’, 2002) se quiso vender como el verdadero regreso del director de ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, 1999), intentando borrar la huella del fiasco comercial que supuso ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000, para mí su mejor película), cuando en realidad Shyamalan seguía siendo fiel a su estilo, su forma de narrar; el resultado fue un considerable éxito de taquilla y un incremento de detractores del director. Desprovista de sofisticados efectos visuales y complicadas secuencias de acción, pero fuertemente armada con herramientas fundamentales como un sólido guión, una fantástica puesta en escena y unas inspiradas interpretaciones, ‘Señales’ es el triunfo del cine como arte para contar historias.

Una pesadilla realista, una familia auténtica

La idea esencial de la película, originada a raíz del interés de Shyamalan por esas famosas figuras aparecidas en los campos de trigo (relacionadas con temas sobrenaturales), era relatar el inquietante contacto con una raza extraterrestre desde el punto de vista de una familia, en una casa en medio del campo. Como aclara en uno de los reportajes incluidos en el DVD, el cineasta encontró la inspiración para construir su relato en tres películas de terror que le resultan fascinantes: ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ (‘Invasion of the Body Snatchers’, 1956), ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, 1963) y ‘La noche de los muertos vivientes’ (‘Night of the Living Dead’, 1968). En las tres, los personajes ven alterado su mundo por completo tras la repentina aparición de siniestros hechos extraordinarios, sin explicación, sin vuelta atrás, y comprenden que lo que parece una inofensiva pesadilla es sin embargo terriblemente real, y tienen que hacerle frente. No cabe duda que a la que más se asemeja ‘Señales’ es a la película de Hitchcock, en especial desde que la acción se centra en la casa.

Si hay otro director con el que claramente Shyalaman comparte algo, es con Steven Spielberg, y esto queda patente si uno compara ‘Señales’ con ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’), estrenada solo tres años después, pero también si vamos un poquito más lejos y nos fijamos en la ya citada ‘Encuentros en la tercera fase’ o ‘E.T.’ (‘E.T.: The Extra-Terrestrial’, 1982). Shyamalan adora las historias que viene contando Spielberg desde hace décadas, y en concreto le interesa cómo introduce la trama fantástica en un entorno dramático que suele involucrar a una familia, que aporta sus propios conflictos; personajes corrientes con problemas corrientes que cualquiera va a entender y compartir, va a sentir como posibles y reales, lo que va a facilitar una conexión que favorece el disfrute de la película. De ahí que en ‘Señales’ no preste tanta atención al alienígena (al que solo veremos con claridad en una sola secuencia) ni a las naves, que apenas aparecen sugeridas en las imprecisas imágenes de los telediarios o ilustradas en un libro (de dudosa credibilidad); no hay planos para que el espectador se fije en los efectos visuales, pues no es a lo que debe prestar atención.

En otras películas importan los diseños de los extraterrestres y las naves, el enfrentamiento violento y espectacular con los humanos; no en este relato, aquí de lo que debe preocuparse el espectador es de los cuatro miembros que componen la familia protagonista, a los que dan vida unos muy inspirados Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin y Abigail Breslin (al igual que Spielberg, Shyamalan es muy hábil dirigiendo niños). La de los Hess es una familia que atraviesa una etapa de crisis, como se sugiere desde el inicio (el grito de la niña provoca una reacción desmedida en el padre, que al incorporarse de la cama cubre con su rostro una foto donde aparece la madre, a la que solo veremos en un flashback), y viven prácticamente aislados del mundo tanto física como emocionalmente, en un casa de estilo victoriano (construida específicamente para el film) junto a unos campos donde se cultiva maíz (porque el tallo es mucho más difícil de doblar que si se tratase de trigo, así es más extraño lo que ocurre), lugar donde van a aparecer las inquietantes señales que dan título a la película.

No es el único sentido. Aparentemente, el reverendo Graham (uno de los más complicados y mejores papeles de Gibson) perdió la fe tras el fallecimiento de su mujer en un desafortunado accidente ocurrido seis meses atrás, pero es pura fachada, en realidad sigue creyendo en la existencia de un ente divino, solo que han cambiado sus sentimientos hacia él, como revela entre susurros durante la tensa secuencia del sótano; no ve señales de su presencia en la Tierra, cree que los ha dejado solos, y por eso le consume el miedo ante la aparición de los alienígenas, está seguro que no hay salvación. A diferencia de su hermano mayor, Merrill (con esa mezcla de ingenuidad, rareza y energía que siempre aporta Phoenix) sí cree que hay “algo” que los protege, cree que todas las cosas pasan por alguna razón, así que tiene esperanza, fe en que todo acabará bien, lo que le mantiene fuerte en los momentos más oscuros. No será hasta el final, y después de que Merrill le haya reprendido (“no quiero volver a ver esos ojos”), cuando Graham logra encajar las piezas y entender el gran mensaje que se escondía en las últimas y superficialmente inconexas palabras de su amada esposa.

Cuenta Shyamalan que en un principio imaginó ‘Señales’ sin música (de hecho, le suele pasar con todas), pero al hablar con su amigo James Newton Howard, y darse cuenta de que éste entendía perfectamente lo que quería llevar a cabo, le pidió su colaboración. Para los que albergan alguna duda sobre qué opción era preferible, en el DVD hay una escena del final con y sin acompañamiento musical, y resulta de lo más evidente lo mucho que ayuda la composición de Howard, se integra (hasta el punto de ser imposible separarlas) y aporta una gran energía a la historia, la hace más emocionante. También contribuye a crear la atmósfera necesaria en los muchos momentos de suspense que tiene el film, gracias a la cuidada puesta en escena del director, que no deja nada al azar (sus guiones y sus storyboards son muy precisos), y a su concepción del terror; prefiere sugerir, que el espectador imagine, antes que mostrar. Creo que su única equivocación importante es haber participado como actor, un cameo habría sido más acertado, pero por lo demás, estamos ante el trabajo intachable de un cineasta impresionante, que ojalá recupere pronto su mejor versión. Una joya de la ciencia-ficción, del terror, y del cine en general.

Genial. Ahí arriba tenéis el fantástico primer cartel oficial de ‘Rango’, la nueva película del director Gore Verbinski. El responsable del remake de ‘The Ring’ y la trilogía de ‘Piratas del Caribe’ ha vuelto a colaborar con la estrella Johnny Depp, quien presta su voz al personaje protagonista, el camaleón que tenéis en la imagen. Muy poco se sabe de la historia de esta producción animada de Paramount Pictures, escrita por John Logan, sólo que gira en torno al reptil y que sufre una crisis de identidad.

También ha salido ya un nuevo tráiler de ‘Rango’, que si bien revela mucho más que aquel delirante teaser que vimos hace poco, tampoco puede decirse que destripe la trama o nos descubra escenas importantes de la película. Lo que sí hace es dejar con la boca abierta, y es que hay algunas imágenes realmente poderosas en el vídeo de adelanto. Lo tenéis más abajo, no os lo perdáis.

Además de Depp, el reparto de voces incluye a gente tan conocida como Bill Nighy, Ray Winstone, Timothy Olyphant, Abigail Breslin, Isla Fisher, Harry Dean Stanton y Alfred Molina, entre otros. La fecha del estreno es el 4 de marzo de 2011.

PD: ‘The Rum Diary’, ‘The Tourist’, ‘Rango’, ‘Piratas del Caribe 4’... Johnny Depp se ha puesto las pilas.

Vía | ImpAwards

Esperad lo inesperado. Ahora mismo no recuerdo en qué póster leí eso, pero encaja perfectamente en esta entrada, porque ha salido el teaser o primer tráiler de ‘Rango’, la nueva apuesta animada de Paramount Pictures, y es absolutamente desconcertante. Si no me creéis, dadle al play, y a ver si os salen las palabras. A mí me está costando horrores redactar esto, aunque igual es por las cinco cervezas que llevo ingeridas en media hora…

Dirigida por Gore Verbinski (‘The Ring’, ‘The Mexican’, la trilogía de ‘Piratas del Caribe’), ‘Rango’ es una película de aventuras centrada en la historia de un camaleón que sufre una crisis de identidad. La trama desde luego suena bien, habrá que esperar a ver otro avance que… bueno, que muestre algo relevante. Johnny Depp, Isla Fisher, Abigail Breslin, Bill Nighy, Alfred Molina (que últimamente está en todas partes), Ray Winstone, Stephen Root y Harry Dean Stanton prestan sus voces a los personajes principales en la versión original. En la versión que veremos en España, pues… Paquito Gómez, Pedro López, Encarnación Pendón y Manolo Tigre, por ejemplo, entre otros. La fecha del estreno de la película está fijada para el 18 de marzo de 2011.

PD: También se ha lanzado la web oficial del film, donde aparece el mismo escenario que en el vídeo, pero con otros elementos (lo he estado mirando unos minutos y no ha salido nada destacable).

Sé que me voy a morir. Supongo que siempre lo he sabido. Lo único que no sabía era cuándo. Y estoy resignada, de verdad. No me importa que esta enfermedad me mate. Pero también está matando a mi familia.

‘La decisión de Anne’ es el título con el que se estrenó recientemente en España un melodrama con Cameron Diaz y Abigail Breslin titulado originalmente ‘My Sister´s Keeper’ (‘La guardiana de mi hermana’). La película, que ha tenido bastante éxito en taquilla, está dirigida por Nick Cassavetes y se basa en la novela homónima escrita por Jodi Picoult, sobre una familia con una hija adolescente enferma de leucemia y otra que fue concebida para salvarle la vida, hasta que un día se rebela contra sus padres y decide demandarles, pidiendo el control de su cuerpo; esto es, no volver a donar nada a su hermana mayor.

Este giro argumental es lo que anima (momentáneamente) y hace parecer diferente a una película que, por lo demás, no ofrece absolutamente nada, es un burdo telefilme vestido de cine que tiene como propósito provocar la lágrima fácil en el público más sensible a este tipo de dramones. No he leído la novela, que por lo que he visto tiene un desenlace diferente (más rocambolesco), pero la película es un despropósito que gira en torno a dos situaciones: recrearse en lo mal que está la chica enferma de cáncer, y, por otro lado, asegurar un retrato de lo maravillosa que es la vida de la típica familia estadounidense. Si rascamos un poco más podemos encontrar también un extraño mensaje sobre la mejor forma de solucionar casos similares, pero quizá estoy siendo ya muy malpensado.

La historia de la familia Fitzgerald, narrada de forma torpe y caótica, con muchos flashbacks que no hacen más que subrayar una y otra vez el drama, gira en torno a la joven Kate (Sofia Vassilieva), a la que le diagnostican un terrible cáncer que acabará con su vida. El clavo ardiendo al que se agarran los padres (interpretados por Jason Patric y Cameron Diaz, en el inverosímil papel de brillante abogada que ha dejado su trabajo para dedicarse al cuidado del hogar y de su hija enferma) es tener otro niño, diseñado en un laboratorio para que pueda salvar la vida de su hermana cada vez que sea necesario. Así nace Anne (la ya popular Abigail Breslin), que desde su nacimiento ya empieza a servir de donante para Kate. Aquí se abre un interesante debate ético sobre este tipo de soluciones, donde se “crea” a alguien para poder salvar la vida a otra persona, pero a la película no le interesa que su público se ponga a pensar, y lo despacha con una truculenta trama con “final sorpresa”.

A los once años, de forma inesperada, Anne acude a un eficaz abogado (Alec Baldwin, quizá lo único rescatable de toda la película junto con Joan Allen Joan Cusack, que hace de jueza de dibujos animados) para abrir un proceso legal contra sus padres, con la esperanza de lograr una emancipación que la libere de tener que donar un riñón a su hermana Kate, tal y como estaba previsto. Aunque el espectador experimentado en este tipo de argucias argumentales mal disimuladas sospechará desde el principio lo que hay detrás de todo este tinglado, Cassavettes lo oculta hasta el último tramo del film, y cuando retira el mantel lo que hace no es sólo dejar al descubierto las miserias del mediocre guión, sino cargarse también el único elemento interesante de la trama. El resultado iba a ser el mismo de todas formas (ya te lo desvelan desde el mismo principio, con esa imagen de Breslin entristecida en el lago, recordando a su hermana), pero de esta manera se elimina el único conflicto que rompía un poco con la monotonía de la narración.

Así que todo queda centrado en lo que comentaba al principio, en una sucesión de bochornosas postales del “american way of life” al ritmo de cursis canciones pop (a cámara lenta y con pompas de jabón cayendo por todas partes, no es broma), y en el constante retrato de la tragedia de la chica moribunda, a la que le cuelan incluso un vago y tontorrón romance (el mequetrefe de Thomas Dekker) para quitárselo enseguida y que dé más pena. La película es un continuo y cansino asalto para tratar de hacer llorar al espectador, hasta el punto de que llega a resultar de lo más ridículo. De hecho, yo me llegué a sentir mal porque ya me parecía cómico todo el asunto y cada vez que mostraban a la niña, en primeros planos y con ese maquillaje tan exagerado, parecía que iba a saltar de un momento a otro para morder la yugular de sus insoportables familiares. Desafortunadamente, sólo ocurrió en mi mente.

Sí, el “melodrama” consiste en la exageración (con el apropiado acompañamiento musical) de los aspectos dramáticos y sentimentales de la trama. Y sí, el tema central de la película es la enfermedad de esta joven. Pero todo tiene un límite, y en todo caso no justifica que se descuide la estética del film (que parece un episodio televisivo de dos horas), ni las reacciones forzadas de los personajes (casi todos robóticos), ni la escasa atención a los problemas de los que no se están muriendo (el hermano como si no existiera); tampoco esquivar alegremente los conflictos éticos y morales que se derivan de la elección de los padres.

Tienes la opción de apretar las tuercas y mostrar hasta dónde puede aguantar unida una familia, pero no te puedes llevar tanto tiempo repitiendo y machacando con lo mismo: mirad qué triste es la vida que le ha tocado a esta adolescente, que quería vivir y estudiar y tener novio, y quizá un hijo algún día con el que ver la tele y celebrar la navidad, pero se va a ¡¡MORIR!!... sí, querido público, se va a morir esta pobre niña inocente, ¡¡va a dejar nuestro mundo de manera horrible!!, con lo joven que es, miradla bien, qué pena de chica, mirad su vitalidad y sus ganas de vivir, ¿¿no es una completa desgracia??, ¡¡¡llorad, maldita sea, LLORAD!!!

Bueno, esto, que evidentemente he exagerado (porque como habréis supuesto me aburre hablar de este manipulador producto), es básicamente lo que hace Nick Cassavettes con el relato de ‘La decisión de Anne’, el melodrama llevado a su más vergonzosa expresión. Así que si te interesa (o eres un gran fan de la Diaz), adelante, y si no, ya sabes, no digas que no te avisaron.

PD: Una curiosidad fascinante sobre la película. He leído que en un principio las dos hermanas las iban a interpretar Elle y Dakota Fanning, pero no fue así porque la segunda se negó a raparse la cabeza; Vassilieva no tuvo problemas con eso, porque decía que así se sentía más cerca del dolor que debía sufrir la protagonista. La verdad, no sé qué es peor.

El cine a lo largo de su más de un siglo de existencia ha servido en muchas ocasiones para escaparnos de la realidad de nuestras vidas, para entrar en otros mundos, fantásticos o no, que nos haga olvidar nuestra miserable existencia —no, Adrián, no voy a citar ‘Avatar’ como bálsamo a la pobreza de nuestras vidas—; incluso se han valido de esos mundos como alegorías a cosas auténticas y reales. En la actual cartelera pueden encontrarse varias cintas que pretenden, de una forma u otra, unas muy directamente, otras de otro modo más sutil, hablar del ser humano en general, de nuestros miedos, nuestros sueños, de aquellos que hace que nos sintamos realizados, o todo lo contrario.

‘Donde viven los monstruos’ (‘Where The Wild Things Are’, Spike Jonze, 2009) es la adaptación de un famoso cuento de Maurice Sendak que en los USA es prácticamente una lectura obligada —eso en un país donde se admiran memeces como ‘El guardián entre el centeno’ no quiere decir mucho—. Dicen que Spike Jonze se aparta considerablemente del cuento para poder adaptarlo adecuadamente al medio cinematográfico, pero como ya sabemos una cosa es lo escrito y otra bien distinta lo filmado. Y aunque dé la sensación de que Jonze podría apartarse del estilo con el que nos bañó en dos ocasiones, lo cierto es que su estilo está más vivo que nunca, por primera vez, diría yo. Tanto que, para el que esto suscribe, ha firmado su mejor trabajo hasta la fecha.

Me he acercado con muchísimo miedo a ver ‘Donde viven los monstruos’, pues los dos anteriores films de Jonze me aburren sobremanera, y en el caso de ‘Adaptation’ me sacan de quicio. Creo que Charlie Kaufman —ganador de uno de los Oscars más merecidos de los últimos años— y Jonze jamás se entendieron, no sé si por lo denso de los guiones del primero, o por la desfachatez de puesta en escena del segundo. Ahora Jonze no ha contado con Kaufman y parece que todos hemos salido ganando. La historia del niño que decide crear un mundo imaginario para él solo es más asequible para el público que lo narrado en sus dos anteriores películas, en las que realidad y ficción intentaban darse la mano. Tal y como diría mi compañera Beatriz, ejercicios de metalingüismo, que en mi caso me provocaban verdadero dolor de cabeza, no por sus alegorías, sino por su pedantería disfrazada de cine culto.

En ‘Donde viven los monstruos’, Jonze nos narra el viaje de madurez de un pequeño rebelde, que huyendo de casa llega con una barca hasta una isla habitada por monstruos de lo más peculiar. En un principio, Jonze da vueltas a lo mismo una y otra vez, cayendo en la repetición hasta lo extenuante, pero hay algo en la imagen del film que cautiva, que fascina en cada fotograma, sobre todo en su segundo tercio. Un acercamiento al complicado mundo de la infancia, que en realidad es la mirada del propio director sobre el tema, y es ahí donde creo que el film no alcanza la perfección que pedía a gritos. Al distanciarse de su personaje —porque Jonze lo hace suyo— lo distancia también de nosotros, lo aleja sin que nos importe demasiado lo que le ocurra. Aún así, Jonze logra una buena película que llega a emocionar con sólo el poder de la imagen —no, Adrián, no voy a decir que ‘Avatar’ cumple eso a la perfección—, aunque argumentalmente sea de lo más vacía.

‘Bienvenidos a Zombieland’ (‘Zombieland’, Ruben Fleischer, 2009) es la nueva aportación yanqui al tan manido tema de los zombies que a finales de los 60 puso de moda George A. Romero. Esta vez el tono elegido es el de una comedia, aunque con resultados muy distintos a los obtenidos en ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’, Edgar Wright, 2004), film que Fleischer admira y sobre el que ha declarado inspirarse a la hora de hacer esta película, en la que un servidor sólo ha encontrado un chiste digno de risa, el de un cameo de cierto actor, que además de reírse de sí mismo hace que el espectador suelte una gran carcajada con lo que le sucede en un film que pretende ser una locura, pero termina siendo una de las memeces del año pasado, aunque no de las peores, todo hay que decirlo.

Columbus es un muchacho medio tonto y virgen —las dos cosas suelen ir juntas— que ha sobrevivido a un mundo lleno de zombies gracias a unas valiosas reglas que nunca ha incumplido. Eso al menos es lo que tratan de hacernos ver durante todo el metraje, sin tener en cuenta que muchas de esas reglas son obviedades tan grandes como una casa. Mucho se ha hablado de su inicio, en el que se presenta al personaje central, un despistado Jesse Eisenberg que no sé porqué me recuerda mucho a otro sosainas, Michael Cera, y si no, mirad ‘Adventureland’, el nuevo intento de Gregg Mottola por hacer cine ochentero. En dicho prólogo, que algunos comparan con la maravilla de introducción de ‘Watchmen’, se exponen las ideas de un film que enseguida agota sus armas. Y ése es su mayor problema, pues a partir de los primeros minutos, el film carece totalmente de interés y no funciona ni como divertimento, lo que pretende ser.

‘Bienvenidos a Zombieland’ es un aburrimiento soberano, su falso ritmo alarga innecesariamente una premisa —su parte central es totalmente insípida— hasta un tramo final en un parque de atracciones donde se suceden despropósitos uno tras otro. Incluso el reparto no está muy inspirado, y es raro ver a Woody Harrelson haciendo algo parecido a lo que hizo en ‘2012’, aunque armado hasta los dientes. Emma Stone está muy buena, pero ni a eso le quitan provecho; y Abigail Breslin iba para estrella, pero como siga así se perderá como otras tantas estrellas infantiles en los últimos años. Con todo, el film ha tenido bastante buena aceptación, y no sería de extrañar una secuela. Conmigo que no cuenten.

‘Ninja Assassin’ es la peor de este paquete de tres. Su director, James McTeigue, había conseguido cierto prestigio con esa maravilla titulada ‘V de Vendetta’, pero más tarde consiguió todo lo contrario filmando escenas adicionales para el tercer remake de ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’. Ahora nos ofrece una película llena de mamporros y escenas de acción, con la única finalidad de que el espectador pase un buen rato. Eso sería importante si realmente lo hubiese conseguido, pero esta película se pierde en insensateces, aunque intente recuperar el espíritu de las cintas de acción de los 80.

Eso es precisamente lo mejor de ‘Ninja Assassin’, su violencia sin parangón, llegando a momentos gore, que en estos tiempos de rectitud se agradecen. La pena es que McTeigue no entiende absolutamente nada de la violencia como elemento catártico —si Peckinpah levantase la cabeza, moriría de nuevo del susto—, y llena su película de escenas de acción —en las que expone a un Rain en impresionante forma física—, bien filmadas técnicamente, y coreografiadas al dedillo, pero sin alma ni pasión. Una vez más, el infravalorado subgénero de acción se ve malogrado por productos de este tipo, y así cierto sector del público nunca valorará que el cine de acción es tan bueno como cualquier otro.

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“¿Veis? Es que no puedes fiarte de nadie. La primera chica a la que dejo entrar en mi vida, e intenta comerme”.

Columbus

‘Zombieland’, o ‘Bienvenidos a Zombieland’ (tontería de título), es la ópera prima del realizador Ruben Fleischer, hasta ahora dedicado a los videoclips y los anuncios publicitarios, algo que queda patente desde el principio de su primer trabajo para el cine, con unos fantásticos títulos de crédito (que recuerdan muchísimo a los de ‘Watchmen’, del también “videoclipero” Zack Snyder). Antes de estrenarse en salas comerciales, el pasado 25 de diciembre, la película se proyectó en el Festival de Sitges 2009, donde recibió mucha promoción (incluso repartieron camisetas) y logró el premio del público, que alucinó con una oferta del estilo de la sobrevalorada ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’, 2004).

En realidad, más allá de tratarse de una comedia con zombies, la película de Fleischer no se parece prácticamente en nada a la de Edgar Wright. Como bien ha declarado el primero en varias entrevistas (se ve que mucha gente sólo ha visto una comedia de muertos vivientes), las dos nacen en países diferentes, con una mentalidad, un humor y un estilo de vida diferentes. Pero también, podemos añadir, es distinta la realización y la idea del público al que va destinado. En otras palabras, no se podría hacer ‘Bienvenidos a Zombieland’ en otro sitio que no fuera Estados Unidos. Y esto para bien y para mal.

La película arranca con un plano de la bandera norteamericana boca abajo, mientras suena, a través de un aparato roto, el himno nacional. Un agresivo zombie aparece, ataca al cámara, lo mordisquea un poco y eructa. Es el primer chiste de ‘Bienvenidos a Zombieland’. Acto seguido, siempre con la narración en off de Columbus, el protagonista principal de la historia (interpretado por un divertido Jesse Eisenberg), se nos muestra cómo los muertos vivientes se han ido merendando a toda la población. Mientras vemos imágenes de ataques, mordiscos, etc., Columbus nos va exponiendo los mejores consejos para sobrevivir en los Estados Unidos de Zombieland.

Acabada la introducción y los títulos de crédito (al ritmo de Metallica), comienza propiamente la película. Sin embargo, la historia es tan sencillita, y a Fleischer le puede tanto su origen publicitario, que no deja de interrumpir la acción para volver a incluir pequeñas piezas de ataques de zombies. En este sentido, hay un cierto caos estructural que perjudica la narración, dando la impresión de que no se ha trabajado todo lo que debería el guión, para llegar a un bloque sólido. No tiene demasiado sentido usar el principio de la película para empezar a enumerar reglas de supervivencia, si luego las vas a ir repitiendo a lo largo de la historia. Quizá lo mejor habría sido empezar con uno de los mejores flashbacks, si no el mejor, que protagoniza Columbus; es el que aparece en la segunda imagen de este texto, y al que pertenece la cita que he copiado al principio, una escena fantástica que combina a la perfección el terror con la comedia. Lástima que toda la película no esté al mismo nivel.

En cualquier caso, la comedia, salpicada con acertados toques de terror (menos de lo deseable), funciona bien durante la primera mitad gracias sobre todo a que Columbus resulta simpático (es una especie de joven Woody Allen, un neurótico “geek” moderno) y que, en su intento de encontrar una zona a salvo de zombies, se encuentra con Tallahassee (un gran Woody Harrelson), otro de los protagonistas, el típico tipo duro norteamericano, tontorrón y loco por las armas, con look de vaquero. La película alcanza la cima cuando la extraña pareja es el centro de la historia; se complementan muy bien y dan pie a muchos momentos cómicos. Luego llegan las chicas y el barco empieza a hundirse.

No desde que aparecen. Porque la presentación de las dos hermanas (correctas Emma Stone y Abigail Breslin) es magnífica. Un tanto incoherente cuando lo piensas (no sólo porque no tienen pinta de sobrevivir ni un día en semejante escenario, sino porque no queda muy claro qué hacían allí exactamente, ¿esperar a que llegara alguien?), pero eficaz, con un giro que por más que se vea venir, no deja de ser muy divertido. Sin embargo, las dos chicas cambiarán muy pronto de personalidad, y enseguida comienza el típico enamoramiento bobalicón del cine comercial norteamericano, el que tiene que haber siempre, porque si no parece que ningún productor pone dinero. Finalmente, la ñoña relación entre la jovencita cañón y el friki judío no hace más que estropear la película, llevándola a una dirección diferente, alejada del gozoso gamberrismo inicial.

En conclusión, como os dije desde Sitges, se agradece mucho encontrar una propuesta diferente en la cartelera, que intenta (aunque no lo consiga del todo) ofrecer algo fresco, un producto que se aleje de los tópicos. No sé por qué, el hecho de incluir a los zombies en la trama suele producir normalmente una película mala, o poco trabajada, cuya existencia se justifica en que hay un público, más o menos numeroso, deseoso de ver sangre y muertes grotescas en una pantalla. Al igual que en ‘Zombies Party’ o la magnífica ‘Amanecer de los muertos’, aquí no se usa al muerto viviente simplemente para crear escenas sangrientas o lucir maquillaje, sino que es un recurso, con sus posibilidades, dentro de una historia que no es simplemente morir o matar. Una pena que en Hollywood sólo piensen en el dinero, y nos cuelan un final vergonzoso pensando en la secuela. Ya está anunciada y dicen que será en 3D. Es lo que hay.

PD: El cameo, para enmarcar.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Bienvenidos a Zombieland’, los zombis como excusa

‘Bienvenidos a Zombieland’ bebe de otras comedias con zombis como la soberbia ‘Zombies Party’, ineludible referencia cercana, pero le añade el punto gamberro, cuidando al máximo los detalles y parodiando las habituales escenas que una horda de zombis amenazantes puede generar.

Muy loable es el inicio, un arranque magnífico, quizás lo más ensalzable de todo el conjunto, en la que juega con el montaje, los títulos de créditos (tan magistrales como los de ‘Watchmen’, con los que guarda cierta relación) y la exposición, contundente y divertida, de las reglas que el joven protagonista mantiene para sobrevivir en Zombieland. Lugar que resulta tras un apocalipsis zombi, donde todo resulta arrasado y apenas unos pocos supervivientes (acaso los cuatro protagonistas de la historia) mantienen sus códigos para sobrevivir.

El joven Jesse Eisenberg no parece el más ensalzable ejemplo de superviviente en una situación tan crítica como la planteada, un mundo dominado por el caos y la presencia de los no muertos por todas partes, porque resulta asustadizo, tímido y frágil. Pero su personaje aporta un plano interesante en esta aproximación al subgénero. Y más, cuando se une a su contrapunto natural, ese rudo, bestia y obsesionado con un pastel, que interpreta Woody Harrelson. Ambos se unen para sobrevivir, cada uno a su forma, en el mundo zombi.

A ellos, se les une, y también añaden su pizca de interés, dos jóvenes féminas (la morbosa Emma Stone y la correcta Abigail Breslin), que tienen en la picaresca su modo de supervivencia. Inevitablemente, Fleischer utiliza los trazos de una parte del guión más previsible y menos contundente (sobre todo que su inicio), para depararnos una comedia alocada, en la que sobresale un capítulo, divertido, brillante e ingenioso (con los mejores diálogos), aunque poco esencial para el avance del relato, como es el protagonizado por Bill Murray. Capítulo mucho mejor aprovechado que la traca final, y que denota un resultado con altibajos, irregular, y del que queda la sensación de que podía haber dado para mucho más.

Sin embargo, ‘Bienvenidos a Zombieland’ no alarga la historia, no busca la recreación sino busca única y llanamente diversión, a pesar de sus limitaciones y sus desaprovechadas escenas. Y eso lo consigue, con su nota de humor bestia pero poco aporta al universo zombi en el cine. Por cierto, que nadie se vaya hasta el final de los títulos de créditos. Hay sorpresa.

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