Famoso por su papel de Maurice Moss en la desternillante serie ‘Los informáticos’ (‘The IT Crowd’), el inglés Richard Ayoade tiene entre manos su segundo trabajo como director. Después de la peculiar ‘Submarine’ (la vi en Berlín el año pasado y me gustó, recuerda al cine de Wes Anderson), Ayoade está preparando ‘The Double’, su personal visión de la novela ‘El doble’ de Fiódor Dostoievski. Y ya cuenta con los dos primeros nombres del reparto, Mia Wasikowska y Jesse Eisenberg. Ponemos al proyecto la etiqueta de “interesante”, ¿no?

La novela de Dostoievski se publicó en 1846 y gira en torno a un hombre que comienza a perder la razón cuando cree que alguien idéntico a él amenaza con suplantar su identidad. Eisenberg será el (doble) protagonista y Wasikowska una joven que intenta ayudarle. Avi Korine y Ayoade se encargan del guion y el segundo podría quedarse con algún papel de escasa relevancia. Sin una quinta temporada de ‘Los informáticos’ en el horizonte (aunque parece que cabe la opción de un especial navideño) solo podremos verle como actor en la comedia ‘Neighborhood Watch’, donde comparte protagonismo con Ben Stiller, Vince Vaughn y Jonah Hill; Beatriz nos informó sobre el rodaje el verano pasado, se estrena el 27 de julio. De momento no se ha comunicado una fecha de estreno para ‘The Double’.

PD: Wasikowska ha intervenido en dos películas que se encuentran en fase de post-producción: ‘Stoker’ de Park Chan-wook y ‘Wettest County’ de John Hillcoat.

Vía | ComingSoon

Querido lector:

Anda el Febrero un poco nevado y comprenderás que no lea con frecuencia entrevistas con cineastas. Los directores hablan casi siempre con un orgulloso y paleto sentido del humor. Organizadas por departamentos de comunicación, las entrevistas terminan siendo una retahíla de anécdotas desternillantes sobre el rodaje. Por supuesto, existe otra variedad. La de los cineastas que hablan de su trabajo con un ademán serio. Esa variedad es todavía más lamentable, si cabe: la explicación que procederá es la de los retos que supuso rodar su película.

Leer cineastas, convendremos, es una pérdida de tiempo, a excepción de algunos entrevistadores, franceses casi todos, que se toman el deber espiritual de hacerlos hablar. Ah, Francia, a estas alturas todavía tan paciente. También algunos norteamericanos. Por supuesto, hay otros directores que parecen haber pensado tanto en su trabajo que la entrevista es una guía estupenda para comprender su universo. O que lo han hecho lo suficiente para que comprendamos asuntos de su biografía.

Pero no me pierdo: David Cronenberg, me doy cuenta, no es de estos hombres. Cronenberg cuenta con todas mis simpatías por su última película, esa en la que Michael Fassbender se despierta como un Jung sudoroso y Viggo Mortensen se divierte siendo un Freud casi falstaffiano, aunque pareciera más bien un Long John Silver de una isla del tesoro improbable, la del deseo.

Cronenberg ha decidido hablar de su trabajo y lo ha hecho con admirable lucidez. Hay que señalar la labor del periodista Jonathan Penner para editar una entrevista así de valiente y en la que explica varias cosas. Me detendré en algunas citas para que piense conmigo. Dice Cronenberg que la diferencia entre el arte y el género está en el confort. Y es cierto. En tiempos de confusiones de jerarquías, meras explicaciones a una madre simbólica y vigilante, conviene recordar esta pequeñez: en el género, la dama en peligro queda salvada. ¿Qué no es género? Bien, Cronenberg responde que es un asunto de intelecto. Y vuelvo a estar de acuerdo. Se puede hacer un drama familiar que sea todo género. Pero a lo que va Cronenberg, a comentar por qué ‘La Mosca’ (The fly, 1986) es género es bastante adecuado: la razón por la que usa el monstruo es para hacer más accesible la historia.

Comenta la indignación que sintieron tras una entrevista con Mick Garris dos cineastas, John Carpenter y John Landis, después de la osadía de Cronenberg tras llamarse artista. ¡Como se atreve, pensaron! Resulta muy irónico el destino último de Carpenter, firmando alegatos políticos contra la industria y, siempre tan hawksiano él, a merced de los maravillosos estudios que organizaron su acercamiento fílmico, que los haría un francés, Olivier Assayas, en Cahiers Du Cinema.

Aquí viene otra cita: “La mayor parte de películas americanas son realmente sobre películas”. Sobre otras películas. Sobre la nostalgia de sus directores. Lo cual es preocupante. Uno de los efectos de la generación de los ochenta fue ese. Mi problema con George Lucas o con John Landis, no importa el caso, es que no hay un atisbo de vida en sus películas. No me voy a referir ya a los artefactos más complejos de cierto Tarantino, como el de su solipsista fantasía última, fascinante en la medida en que el propio Tarantino genera condiciones de recepción. Pero, supongo, que ese es otro asunto. Lo que me preocupa es que no queda ya nada de vida reconocible en las películas: solamente clichés fílmicos que ir reconociendo con juicio. Las posturas y las actitudes sustituyen a cualquier tipo de entidad.

La pregunta es qué clase de artistas puede producir un cine donde toda la vida pasa solamente en las películas y en sus tópicos. Qué clase de crítica. Qué clase de textura.

Una, desde luego, muy parecida a la actual.

Akiva Goldsman debía encangarse de los guiones de ‘La torre oscura’, la ambiciosa adaptación para cine y televisión de la obra de Stephen King que iba a dirigir Ron Howard, pero la cancelación del proyecto por parte de Universal Pictures ha despejado su agenda. Así que el escritor y productor va a probar suerte como director adaptando una novela de Mark Helprin titulada ‘Winter´s Tale’. Y se ve que el hombre es muy simpático y tiene buenos amigos en la industria, porque se ha anunciado que en el reparto de su ópera prima estarán dos estrellas del calibre de Will Smith y Russell Crowe. De momento.

Lo primero que piensa uno cuando lee esos nombres es que la película va a costar un dineral, pero no. Bueno, no para las cifras que se manejan en Hollywood. Warner Bros. ha aprobado el presupuesto de 50 millones de dólares que ha presentado Goldsmith, conocido por ganar 4 millones de dólares por el guion de ‘Angeles y demonios’, la precuela de ‘El código Da Vinci’ (no es su peor trabajo, también redactó la cosa que usaron para rodar ‘Batman & Robin’). La historia de ‘Winter´s Tale’ se ambienta en Nueva York al comienzo y al final del siglo XX, y se centra en Peter Lake, un joven ladrón que se enamora de una muchacha cuando entra a robar a su casa. Por desgracia la chica muere joven, pero Peter no está dispuesto a permitirlo, iniciando una fantástica aventura para detener el tiempo y devolver la vida a su amada. Según parece, Crowe encarnará al ladrón y Smith a la chica… ah, no, perdón, el australiano interpretará a un importante mafioso y el estadounidense será un juez. Tiene más sentido. ¿Alguno de los presentes ha leído el libro?

PD: Ahora mismo Crowe (más delgado, la foto de arriba es de hace unos días) es el favorito de Aronofsky para protagonizar ‘Noah’ y se rumorea que José Padilha lo quiere para encarnar a… RoboCop.

Vía | Empire

1. Porque Kristen Stewart es un suspiro, una ESCUELA del respiro.
La belleza extraña e indómita de Stewart es un regalo hollywoodiense que no está suficientemente valorada. ¿Quién es capaz de evocar una belleza casi atonal y prosaica sin dejar de ser irresistible? Stewart anda lejos de ser una musa de Hollywood y su aplastante normalidad le ha dado grandes momentos íntimos como ‘Adventureland’ (id, 2009) pero su manera de suspirar, su rostro de perpetuo bajón tras noches cannábicas, su aplastante indiferencia….

2. Mirada Zoolander de Robert Pattinson.
Término acuñado por Jordi Costa en su crítica memorable. Ver a Pattinson es recordar que Ben Stiller fundó una escuela de actuación del todo incomprendida: no solamente cumple como una versión convenientemente matizada y descafeinada de James Dean, con buena actitud y presencia actoral, sino que sus abrazos totales al cachondeo superan al poderío de su coprotagonista femenina. ¡A disfrutar!

3. Lo Camp.

Lo define Susan Sontag en su imprescindible libro ‘Contra la interpretación’ como la seriedad que fracasa y aquí está el gran secreto de esta saga: es desternillante, pero en ningún momento lo pretende. Las parodias, en ese sentido, cumplen una labor con un ventajismo que las películas se dedican a sortear escena tras escena. No es un camp absolutamente enloquecido, hay demasiado cálculo industrial en su concepción, pero si estéticamente desnortado, lo suficientemente interesante como para observar su estilo.

4. El Sexo es Un Problema
El gran problema que rige toda esta saga vampírica es el chuscar. Como si el vampirismo no fuera suficiente metáfora, aquí se hace explícito: la tensión sexual de la protagonista la lleva siempre al borde del abismo y el desenlace es, en ese sentido, una de las grandes odas desfasadas y anacrónicas al matrimonio convencional más felizmente impunes que se han visto jamás: tal es la osadía de su inocencia que uno está tentado a pensar que está ante algo revolucionario. O casi.

5. Bandas sonoras irresistibles
Oh, venga, Death Cab for Cutie, incluso Ximena Sariñana se aliñó sus baladas con guitarreo o hasta el imprescindible, maravilloso Bon Iver. No podemos negar algo obvio: si quieren tocar la fibra y los corazones de una generación forjada en la barba campestre y la bajona perpetua, lo están haciendo con su mejor banda sonora posible.

6. Hombre Lobo Con El Pecho Depilado. Lo digo en serio.
Es un concepto irresistible y lo sabéis. Que Taylor Lautner haya hecho del icono más pasional una cosa digamos inofensiva, protectora, llena de una belleza limpia y metrosexual es algo que no dejará nunca de fascinarme. Su interpretación, basada en grandes decisiones como ir quitándole la camiseta cuando las escenas se vengan cuesta arriba, es memorablemente inexpresiva.

7. Un gran conflicto universal.

Oh, venga ¿A quien no le ha pasado? El pálido rarillo lleno de problemas existenciales y anímicos, todo un poeta de lo tristón pero en el fondo un hombre atormentado por su compromiso con la lealtad, y el tío-bueno-hiper-cachas-que-promete-que-te-protegerá-a-toda-costa-nena: ilustrando una dicotomía esencial, la saga no solamente no es novedosa sino que genera una edición del conflicto clásico del cine adolescente para una generación preocupante.

8. Un icono inofensivo.
Y aquí viene el aspecto más decididamente interesante de esta saga: apologías del matrimonio, castigos para la protagonista en el sexo prematrimonial, tratamiento increíblemente monógamo del triángulo amoroso hasta el punto de que todo personaje queda justificado por sus instintos bajos con excusas dignas de estudio, integración bondadosa y buenrollera del vampiro como elemento ecológico y bueno para la comunidad….El icono de esta saga es absolutamente inofensivo pero a la vez profundamente reaccionario: huyendo de la vida, uno diría que el gran placer de este mito es que es una versión limpia de pecado de una serie de mitos y temas que son, por naturaleza, carnales.

9. Partido de bésibol vampírico.

Otro concepto irresistible, situado en la primera entrega, al ritmo de Muse. ¿Que queréis que os diga? No figuraba entre mis destinos más inmediatos ponerme a reírme a carcajadas viendo esto, pero lo hice. Porque a veces, queridos, lo sublime no se alcanza por vía consciente sino por otros destinos, menos obvios.

10. Parodias maravillosas.
Como esta del SNL, del todo insuperable, con un inspirado Bill Hader.

Ya han aparecido las primeras imágenes oficiales de la nueva adaptación al cine de ‘Anna Karenina’ que está llevando a cabo Joe Wright, el director de ‘Expiación’ (‘Atonement’) o ‘Hanna’, entre otras. En estas primeras fotos podemos descubrir el aspecto que presentarán en pantalla los tres actores principales del reparto, Keira Knightley, Jude Law y Aaron Johnson (‘Kick-Ass’, ‘Albert Nobbs’); la primera encarna a la protagonista, el segundo a su marido y el tercero a su amante. Por el momento no hay fecha de estreno pero se espera que la película llegue a los cines a finales de este año, a tiempo para lograr nominaciones al Oscar.

Puede que a muchos les resulte innecesario o aburrido que se haga otra película basada en la famosa novela de León Tostói, pero la forma en la que Wright ha adaptado el material es bastante peculiar y atrevida. Toda la película se ha filmado en un solo set, un teatro construido a las afueras de Londres, donde el mundo exterior está representado por trenes de juguete y casas de muñecas. Veremos cómo queda eso en pantalla, el cineasta inglés asegura que el motivo es reflejar con mayor precisión el tema de la novela: la búsqueda de una vida auténtica. Tom Stoppard firma el guion de ‘Anna Karenina’, en la que una aristócrata infelizmente casada se enamora de un joven militar, surgiendo entre ambos un apasionado romance que no podrán mantener en secreto, provocando un escándalo social de trágicas consecuencias. Vuelvo a recomendar la película de 1935 dirigida por Clarence Brown, con Greta Garbo y Fredric March. Es en blanco y negro, pero desde ‘The Artist’ eso ha dejado de ser un problema, ¿verdad?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Emily Watson, Matthew Macfadyen, Domhnall Gleeson, Kelly Macdonald y Michelle Dockery también intervienen en el film.

Vía | FilmStage

Tentación. Seducción. Obsesión.

Aquí os dejo el cartel del drama ‘Bel Ami’, la nueva adaptación cinematográfica de la novela de Guy de Maupassant, con Robert Pattinson en el papel protagonista. Hacía tiempo que no sabíamos nada de esta película, que debía haber llegado a los cines a finales de octubre. Mala señal. El tráiler lleva circulando por Internet desde el pasado verano, por si queréis volver a echarle un vistazo. ‘Bel Ami’ tendrá su estreno mundial durante la próxima edición del festival de Berlín, concretamente el 17 de febrero; el 2 de marzo llegará a las carteleras de EE.UU. y de momento no hay fecha para España, para desesperación de las fans de Pattinson.

El famoso actor, del que David Cronenberg habla maravillas, interpreta en este film a Georges Duroy, un joven sin dinero que llega al París de finales del siglo XIX. Gracias a su ingenio y su capacidad de seducción, Georges asciende rápidamente relacionándose con las mujeres adecuadas hasta convertirse en uno de los hombres más exitosos de la ciudad… Uma Thurman, Kristin Scott Thomas, Christina Ricci, Colm Meaney, Holly Grainger, Natalia Tena y James Lance son algunos de los actores que comparten escenas con Pattinson (creo que solo las mujeres llegan a compartir la cama pero no estoy seguro, no he leído el libro). Rachel Bennette firma el guion de ‘Bel Ami’, que ha sido dirigida por los debutantes Declan Donnellan y Nick Ormerod. ¿Os interesa? Quiero decir, si vuestra chica no os obligara, ¿iríais a verla?

Actualización: Ha aparecido un nuevo cartel, con pocas diferencias. Lo tenéis a continuación…

PD: Marion Cotillard y Nicole Kidman rechazaron participar en la película.

Vía | Impawards

El primer suburbio que citaremos es el de David Lynch. Espacios definidos por el color, la luz, espacios si se quiere deliberados en su distinción cromática, espacios evocadores de miles de postales de los años cincuenta, espacios, en fin, hechos de especies distintas. Para cuando ha aparecido Dennis Hopper, Elmes opera tensando los límites del formato panorámico, algo que gusta mucho a su cineasta.

No ha dejado de ser la obertura de esa película su escena fundamental: la melodía alegre y feliz opuesta a la tensión microscópica de una hormiga en una oreja, también la tensión de un momento de felicidad rota por lo horrible. Lynch era entonces un cineasta menos interesante, pero igualmente sugestivo, cargado de sentido.

La película de Tim Hunter, escrita por Neil Jimenez, contó con Keanu Reeves, Crispin Glover y una joven Ione Skye como protagonistas. No hay en ella mayor logro que el trabajo sostenido de Elmes: los espacios de las afueras, donde se mueven sus delictivos protagonistas, los límites entre el suburbio y la ciudad, sus tensiones. Es el trabajo de cámara de Elmes el que eleva la labor de Hunter y el que convierte la mayor parte de su sátira en eficaz pero bañada de una extrañeza inusual.

El último suburbio fue pasados los 80, en clave retrospectivo. Ang Lee dirigió, basada en la novela de Rick Moody, ‘La tormenta de hielo’ (The Ice Storm, 1997), una historia familiar en clave nuclear ambientada en un lugar muy concreto: el norte, Connectictut, y sus suburbios La película transcurre en los 70 y la elección de Elmes no podía parecer más adecuada puesto que Lee, un cineasta que frecuenta lo íntimo pero sin abrazar enteramente algo que pudiera considerarse una voluntad de estilo, parece un exacto término medio entre las posiciones de Lynch y los hallazgos inesperados de la película de Hunter: un relato que requiere de las habilidades de Elmes para tratar zonas frías, apartadas, crear espacios deliberadamente apartados. Ayuda mucho el libreto de Schamus, capaz de adaptar la fuente original de Moody con exquisitez.

Los tres suburbios de Elmes son tres lugares inhóspitos para cualquier cinéfilo. Estados Unidos es, muchas veces, un relato familiar sobre las raíces y sobre el significado del suburbio, pronto convertido en fuente inalterable de sueños rotos y extrañeza vital.

Solo necesitamos veinte segundos de coraje irracional. Y te lo prometo, el resultado es algo magnífico.

(Benjamin Mee)

Frases como la de arriba, dichas y repetidas con aire solemne, son parte del problema de ‘Un lugar para soñar’ (‘We Bought a Zoo’), el último trabajo de Cameron Crowe, un cargante vídeo de autoayuda de dos horas que pretende solucionar todos los problemas del ser humano con luz solar y buen humor. Y veinte segundos de locura de vez en cuando, para conseguir chicas es un método ideal (fans de Rooney Mara, apuntaos el consejo). Recuerdo que cuando fui a ver la película, hace ya un par de semanas, escuché notables reacciones de sorpresa cuando en los créditos finales hacen eso tan típico de las historias basadas en hechos reales, que es aclarar al espectador el destino o la situación actual de los auténticos protagonistas. La pregunta se extendió por toda la sala, más o menos formulada de la misma manera: ¿ESTO ha pasado de verdad? Bueno, no exactamente, Matt Damon sigue felizmente casado y no ha comprado el bonito zoo donde trabaja Scarlett Johansson en sus ratos libres. Pero sí, un tal Benjamin Mee se trasladó con su familia (mujer, hijos, hermano y madre) a un enorme terreno con doscientos animales que iban a ser sacrificados si nadie se hacía cargo de ellos. Eso es cierto.

Lo que cuenta ‘Un lugar para soñar’ no parece cierto en absoluto. Y es lo que importa, que la ficción parezca verdad. Sin embargo se percibe forzada, falsa, empujada con torpeza en una dirección: conmover al público de la manera más directa e inmediata posible. La graciosa versión infantil de Carla Gugino y el débil tigre moribundo son algunas de las toscas herramientas. La guionista Aline Brosh McKenna (‘El diablo viste de Prada’, ‘Morning Glory’) y el director (también coautor del guion) parecen caer en el error habitual de dar por sentado que al incluir un letrero de “basado en hechos reales” te cubres las espaldas, que el espectador va a asimilar las situaciones que le plantees sin oponer resistencia. Pero la fuente de la que bebe el guion solo debería ser un dato curioso, o una información para el que desee extender su conocimiento sobre la historia narrada. Nunca un comodín con el que justificar lo inverosímil. Que una película basada o inspirada en hechos auténticos resulte increíble es de lo más fácil, y por desgracia muy común; solo hay que exagerar las situaciones para hacerlas más dramáticas o más cómicas (forzar lo natural), simplificar las rutinas y los personajes, dulcificarlo todo y añadir algunos consejos vitales como los que vienen en los sobres de azúcar de las cafeterías (“quien lucha por sus sueños ya ha triunfado”, y toda esa basura). ‘Un lugar para soñar’ cae con torpeza en todos esos errores y algunos más.

Normalmente, y el que me lee a menudo lo sabe, no me interesa la historia de una película, no me gusta leer las sinopsis y suelo desviar la mirada de la pantalla cuando proyectan en cines los avances de próximos estrenos. Me interesa saber quién es el director, el guionista, los actores… los que han puesto su esfuerzo y su talento, pero no de qué va la película que han hecho, porque a menudo esa información crea expectativas que pueden ser perjudiciales para la experiencia del (primer) visionado. En numerosas ocasiones he comprobado que la principal razón que tiene la gente para no querer ver una película es el rechazo que les ha provocado el tráiler y/o el argumento (quién dirige parece ser un detalle irrelevante). En el caso que nos ocupa, ya sabía más o menos cuando me senté en la butaca qué tipo de historia iba a ver, había visto el tráiler, y aunque no esperaba nada maravilloso, y mi interés estaba en la puesta en escena de Crowe y las interpretaciones de Damon, Johansson y Thomas Haden Church, pensé que podía salir algo hermoso de la base argumental, si se manejaban con cuidado los elementos. Supongo que no soy el único que lo pensó, teniendo en cuenta el éxito de las memorias de Benjamin Mee. ¿Quién es este tipo que decide ocuparse de cientos de animales? ¿Puede una familia vivir en un zoológico? ¿Cómo afronta el fallecimiento de su esposa? Son preguntas que generan interés, se les puede sacar partido.

Sin embargo, las respuestas que da la película son pobres y decepcionantes. Para empezar, no se puede sentir empatía por un protagonista como el que interpreta Damon, un tipo perfecto que supera todo lo que le ponen por delante. Le recuerdan a cada minuto que es muy guapo, una gran persona y un periodista extraordinario, y él se ríe y manda todo a tomar viento. Esquiva proposiciones femeninas y se autodespide para empezar de nuevo (el jefe le ofrece una compensación y él la rechaza). Porque es Matt Damon y todo va a salir bien. ¡Pero su mujer ha muerto, qué pena! Hay una escena en la que Benjamin echa un vistazo a unas fotos de su mujer y Crowe obliga al actor a soltar una lagrimilla. Poco más sobre ese asunto, la consigna es seguir adelante, olvidar lo viejo. El padre viudo y desempleado decide trasladarse con sus críos a un nuevo hogar lejos de todo, un sitio diferente donde volver a empezar. Y elige un abandonado parque natural con 200 bestias. Se compromete a restaurarlo, sin experiencia ni dinero. Recordemos: es Damon, todo saldrá bien. A su llegada le espera nada menos que Scarlett Johansson, una empleada que dice que solo tiene tiempo para cuidar animales; disponible y receptiva. El hijo de Damon (Colin Ford) también tiene suerte, le espera con los brazos abiertos Elle Fanning, que no deja de sonreír a pesar del rechazo del insufrible chaval (que cambia por completo en una escena). La pequeña Carla Gugino (Maggie Elizabeth Jones), muy joven para tener pareja, se contenta con alimentar a los animalicos y hacer reír al personal con su encanto natural.

Pese a las tópicas situaciones que representan, los actores cumplen más o menos con sus papeles y salvan escenas donde otros habrían contribuido al hundimiento de la película, visualmente muy convencional. Crowe se apunta a la moda de los constantes destellos solares en la pantalla y abusa tanto del plano-contraplano como de los primeros planos, confiando en que su reparto (y la música de Jónsi) salvarán la papeleta; una puesta en escena rutinaria, sin imaginación. Me hace gracia cómo justifica el pastelazo que ha dirigido diciendo que “quería aportar alegría al mundo“. Vamos, una cura para los desempleados, marginados, enfermos y hambrientos de todo el planeta. No, más bien quería aportar dinero a su cuenta bancaria, volver al negocio y que se hablara de él, porque desde que ganó el Oscar por el guion de la sobrevalorada ‘Casi famosos’ (‘Almost Famous’), su carrera en el cine ha caído en picado. Seis años después de que ‘Elizabethtown’ pasara por las carteleras sin pena ni gloria, Crowe tenía la oportunidad de resurgir con este encargo de la Fox. Una historia que debía ser especial, divertida y conmovedora, un canto a la vida, que él convierte en una película del montón, cursi, simplona y manipuladora, un relato inverosímil donde los protagonistas no compran un zoo, sino un paraíso terrenal que parece sacado de un folleto de los testigos de Jehová (salvo por los animales enjaulados). Porque si eres bueno, Dios te ayuda. Ése es el mensaje de ‘Un lugar para soñar’.

Tras confirmar que no tiene intención de volver al universo cinematográfico de los superhéroes de Marvel, Kenneth Branagh ya trabaja en su nuevo proyecto como director, la adaptación a la gran pantalla de la novela ‘The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society’ escrita por Mary Ann Shaffer y Annie Barrows. Recientemente se ha sabido que el actor y cineasta ha elegido a Kate Winslet para el papel principal, por lo que volverán a colaborar juntos dieciséis años después de aquella ambiciosa versión de ‘Hamlet’. La intención es que el rodaje pueda comenzar en marzo, ya que la actriz también se comprometió a protagonizar lo nuevo de Jason Reitman, ‘Labor Day’, que se filma en junio.

‘The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society’ gira en torno a una historia de amor que tiene lugar en Londres y las islas del Canal de la Mancha después del final de la II Guerra Mundial. Winslet, que desde 1996 ha sido afortunada construyendo una carrera envidiable (¿alguien duda que sea una de las mejores actrices del planeta?), dará vida a una escritora que descubre el relato de un grupo de habitantes de Guernsey que usaban un club de lectura como tapadera para burlar la ocupación nazi; cautivada por los hechos, la mujer se desplaza a Guernsey para conocer la historia de primera mano, un viaje que cambiará su vida. Don Roos, responsable de películas como ‘Un final feliz’ (‘Happy Endings’) o ‘El amor y otras cosas imposibles’ (‘The Other Woman’), se ha ocupado del guion; de momento Branagh solo ha confirmado que se encargará de la puesta en escena, si bien es probable que interprete un papel secundario si ve que puede ayudar a vender la película. Especialmente si esta noche le dan el Globo de Oro por su actuación en ‘My Week With Marylin’.

PD: Annie Burrows, nieta de Mary Ann Shaffer, ayudó a su abuela a escribir el libro cuando ésta cayó enferma. Shaffer, de 74 años, murió meses antes de ver publicada la obra. Podéis ver esto para animaros.

Vía | Variety

Es una historia increíble, Grant y yo estamos pensando en lo estupendo que puede ser el casting. Y hay también una gran historia de amor.

Mientras en España esperamos con impaciencia el estreno de su último trabajo como director, ‘Los idus de marzo’ (‘The Ides of March’, a la que pertenece la imagen), George Clooney ya tiene entre manos un nuevo proyecto. Se trata de la adaptación a la gran pantalla de la novela ‘The Monuments Men’ escrita por Robert Edsel. Como podéis leer en la declaración que os he copiado arriba, Clooney se ha mostrado muy entusiasmado con el material y ya está hablando con el intérprete, guionista y productor Grant Helsov sobre los posibles nombres que pueden integrar el reparto. De momento, se da por seguro que Clooney participará como actor, además de productor, guionista y director (este año ha sido nominado a los Globos de Oro en esas cuatro categorías).

Al parecer, la historia del libro que van a adaptar, cuyo título completo es ‘The Monuments Men: Allied Heroes, Nazi Thieves, and the Greatest Treasure Hunt in History’, tiene lugar durante los últimos once meses de la II Guerra Mundial y se centra en un selecto grupo de historiadores, directores de museos y expertos en arte, británicos y norteamericanos, que tienen la importante y peligrosa misión de recuperar las obras de arte robadas por los nazis durante su expansión por Europa. Puede salir algo interesante, desde luego la trama tiene potencial, y me fío completamente del criterio y el talento de Clooney. Sony Pictures distribuirá la película aunque de momento no hay fechas para el inicio del rodaje ni para el estreno.

PD: La que se estrena pronto en España, con Clooney en el reparto, es ‘Los descendientes’ (‘The Descendants’) de Alexander Payne. El próximo 20 de enero en los cines.

Vía | TheWrap