Roman Polanski nos trae con ‘Un dios salvaje’ (’Carnage‘, 2011) una comedia divertidísima en la que los actores están sembrados, especialmente Christoph Waltz, que es quien mayor nota cómica imprime a las interpretaciones, aunque su personaje ya esté definido desde el inicio con los mismos matices con los que finalizará. La intervención de Jodie Foster hace pensar en una parodia de las actuaciones dramáticas y exageradas de las grandes divas del cine que obtienen gracias a ello premios y reconocimiento –“No me hables del sufrimiento en África…“–. Kate Winslet, con un comienzo reservado, es quien encarna de manera más canónica lo que la obra quiere plasmar: la fragilidad de esa capa de buenas maneras que, unos más que otros, todos tratamos de anteponer en las relaciones sociales. John C. Reilly encarna al personaje con mayor evolución y casi el único al que la destructiva situación le resulta producente.

Rodando la casi totalidad del film en un decorado que finge ser Nueva York, no solo por los edificios que se proyectan por la ventana, sino también por el gusto burgués cultivado que sus habitantes parecen haber impreso en la elección del mobiliario y los complementos, Polanski no ha hecho ningún esfuerzo de darle una apariencia cinematográfica a su adaptación de Jasmina Reza, pues solo se da el respiro de un exterior al inicio y al comienzo, con sendos planos fijos de los niños en el parque. El resto del breve metraje transcurre en lo que casi podría considerarse una única escena en el interior del apartamento.

La obra, sobre dos matrimonios que tienen que charlar civilizadamente sobre que el hijo de unos ha agredido al de los otros; contiene en sí misma cambios de tempo y un marcado crescendo en los humores de los cuatro personajes, provocado por la introducción de información anteriormente no conocida, que pone cabeza abajo la situación: la supuesta víctima podría ser el auténtico abusón. Pero Polanski no parece haber sabido o querido marcar bien estos momentos. Unas falsas divisiones creadas por los intentos de “huida” del matrimonio invitado, que son constantemente infructuosos –no siempre son verosímiles los motivos por los que vuelven a entrar en la casa, pero eso carece de importancia– parecerían marcar más los giros o cambios de tempo que el propio texto en sí. Con ello, la progresión no queda del todo clara y menos aún la cercanía de una conclusión o redondeo de la discusión.

La crítica social en ‘Un dios salvaje’

Mi primera tendencia fue a pensar que quien no conociese la obra de antemano podría perderse las implicaciones socioculturales que siempre sabe estampar Jasmina Reza. Deslumbrada con la observación cáustica de los comportamientos que la autora consiguió en ‘Arte’, cuando presencié ‘Un dios salvaje’ representada en Madrid, dirigida con un tratamiento mucho menos cómico por Tamzin Townsend, adaptada por Jordi Galcerán, e interpretada por Aitana Sánchez Gijón, Maribel Verdú, Pere Ponce y Antonio Molero; entendí en ella un análisis de cómo caen rápidamente las corazas de la educación que no me pareció tan claro en el film. Me parecía que, si bien Polanski no las elimina, sí pierden importancia para dejar protagonismo al humor.

Reflexionando un poco más sobre este contenido que subyace al texto, quizá la conclusión es que eso es lo que hay, es decir: que es posible que, en esta ocasión, la aportación de Reza no haya sido tan profunda o haya observado algo tan original y difícil de captar, sino que se haya quedado en sacar a la luz algo certero, pero no especialmente rompedor. Así, esa sensación de que solo quien conociese previamente el libreto teatral podría ver en la película unas intenciones y un contenido profundo deba cambiarla por el pensamiento de que no será en ningún caso un film cargado de una crítica social tan necesaria como un entretenimiento bien armado y con una sólida base.

Conclusión

Superando de tal modo que casi se aplasta el contenido y la posible observación cultural del texto, la película destaca incontestablemente gracias a las interpretaciones de sus cuatro exclusivos actores, dirigidos por un Roman Polanski que vuelve a sus escarceos con el humor y la liviandad. O bien al director le importaba poco el tema y ha preferido divertirse con esta adaptación, como quien juega con cuatro amigos en el salón de casa; o bien lo que partía con mayor atención hacia los mensajes se ha ido de las manos de los cinco artífices –actores y director– para cobrar una vida propia, incontrolable siquiera en la sala de montaje. Sea como fuere, ese gran rato que parece que ellos hubiesen pasado, se contagia para hacer de ‘Un dios salvaje’ una película inmensamente gozosa, con momentos de auténtica hilaridad. Que no quede más redonda en cuanto a la forma de cerrar la historia, que no deje traslucir unas intenciones muy marcadas o que dé la impresión de ligereza solo indican que le falta un plus para ser perfecta y sublime, pero no suponen una merma de su brillantez.

Mi puntuación:

Este mes se han puesto en marcha unos cuantos rodajes en el cine español, aunque únicamente un par de ellos manejan nombres conocidos o de tirón. El debut de Paco Arango, con Diego Peretti, Aitana Sánchez-Gijón y la colaboración de Jorge García, es el más sonado. Otros rodajes contarán, igualmente, con actores internacionales, como Martin Freeman (‘El Hobbit’) y Colm Meaney (‘Café irlandés’).

‘Maktub’

La semana pasada dio comienzo el rodaje de ‘Maktub’ — en árabe, «estaba escrito»—, la opera prima de Paco Arango, una comedia familiar navideña inspirada en la propia experiencia del realizador en su fundación para mejorar la vida de niños enfermos de cáncer durante su estancia en el hospital.

Manolo se encuentra en plena crisis: la rutina de su trabajo le resulta insoportable, su matrimonio con Beatriz está al borde del caos y tiene muy mala comunicación con sus hijos. Se cruza con Antonio, un chico canario de 15 años, que tiene cáncer, pero también unas ganas de vivir y de ser feliz muy contagiosas. A partir de ese encuentro, su vida da un cambio radical.

La película está protagonizada por Diego Peretti, en el papel de Manolo, que supongo que está aprovechando su estancia en España para rodar varias cosas, pues ya anunciamos su participación en algunos rodajes anteriores. El argentino estará acompañado en el cartel por Aitana Sánchez-Gijón, quien encarnará a Beatriz; Goya Toledo, Andoni Hernández, Rosa María Sardà, Amparo Baró, Mariví Bilbao y Enrique Villén. El film cuenta con la colaboración especial de Jorge García (‘Perdidos’) y Laura Esquivel (la de ‘Patito feo’, no la escritora).

Aunque el reparto del film resulta de lo más atrayente, este tipo de historias de superación ante enfermedades me echan bastante para atrás. Por si fuera poco, me temo que no nos libraremos de las lágrimas provocadas y la emotividad exagerada, como ocurría en el debut en la dirección de Emilio Aragón, ‘Pájaros de papel’.

‘Animals’

Marçal Forés debuta en la dirección con ‘Animals’, una historia de primer amor adolescente y sus consecuencias trágicas. En este film, del que se dice que está rodado «con espíritu de autor, pero con un formato de producto internacional», se cruzan el mundo infantil de la imaginación y protección familiar con el del mundo adulto de la razón y descubrimiento de la pulsión sexual, ya que el autor piensa que los sentimientos adolescentes se confunden en la actual sociedad.

‘Animals’ estará protagonizado por Martin Freeman (en la próxima fotografía), Augustus Prew, Dimitri Leonidas, Rosa Andreu y Oriol Pla,

Marçal Forés es autor de dos cortometrajes ‘Friends forever’ y ‘Yeah! Yeah! YEah!’.

‘El perfecto desconocido’

Toni Bestard inicia la grabación, en Alta Definición, de su primer largo, ‘El perfecto desconocido’, que protagonizará el (des)conocido actor irlandés Colm Meaney (en la siguiente imagen) y con la isla de Mallorca, no sólo de fondo, sino casi como personaje.

Un extranjero llamado Marco aparece en un pequeño pueblo situado en un valle perdido de una isla del Mediterráneo y ocupa provisionalmente un vetusto y sucio comercio situado en la plaza de la villa, cuyos habitantes ven en la tienda la última oportunidad de salvar al pueblo, que envejece inexorablemente tras la pérdida de su natalidad. Pero el extranjero no tiene intención alguna de abrir la tienda, ya que ha llegado al pueblo para buscar respuestas sobre un hecho acontecido en el pasado y del que sólo guarda una polaroid.

‘El último fin de semana’

Después de ‘Muertos comunes’ y ‘Hienas’, Norberto Ramos del Val concluye el rodaje —sin subvenciones ni ayudas oficiales— de su tercer largometraje, ‘El último fin de semana’, lo que se describe como una «desenfadada fábula terrorífica», que gira en torno a tres mujeres y un hombre que se esperan en una casa rural, a kilómetros de su ciudad, que se produzca el ‘milagro’ de que el fin de semana no se acabe nunca.

El film está protagonizado por Marian Aguilera, Irene Rubio, Alba Mesa, Nacho Rubio, Silma López y Jorge Anegón.

El Último Fin de Semana. Teaser 2. from Norberfilms on Vimeo.

‘Las olas’

Tras el largometraje documental ‘Un lugar en el cine’, Alberto Morais está rodando el largometraje ‘Las Olas’, una historia de búsqueda y soledad, donde Miguel, un anciano que padece cierta narcolepsia, decide realizar un viaje tras la muerte de su mujer, para volver a un lugar donde perdió demasiadas cosas. Blanca será su compañera de viaje casual.

‘Las olas’ estará interpretada por Carlos Álvarez-Nóvoa (en la siguiente fotografía) y Laia Marull.

El actor declara que «‘Las olas’ es una historia honda, pero contada sin estridencias, como con sordina; de trazos claros, entonados en grises», mientras que la actriz añade que «en cuanto leí el guión supe que quería hacer la película: una historia tan profunda contada de manera tan sencilla, casi minimalista. Después, cuando conocí a Alberto y me habló del proyecto, confié plenamente en mi decisión».

‘La sombra del otro’

Álvaro García inicia el rodaje, con Red One, de su ópera prima, ‘La sombra del otro’, para la que aún acepta participaciones económicas.

En este el thriller psicológico, Paula regresa a su hogar, tras pasar un tiempo fuera, y descubre que su madre ha desaparecido y su padre yace paralizado en cama a consecuencia de un extraño accidente. La llegada al pueblo de un joven sacerdote y las intrigas de los demás habitantes provocarán que las dudas y la sospecha aniden en ella. Todo se complica cuando los protagonistas comienzan a experimentar sucesos extraños, ruidos, puertas que se abren… La desaparición de la asistenta provocará que las sospechas recaigan sobre Paula.

El reparto está compuesto por María Castillo, Nacho Fernández, Pedro Morales, Beatriz Toyos, Adán Galguera, Jonathan Ces, Ana Luisa Pérez de la Osa y Guillermo Montesinos.

‘Seis puntos sobre Emma’

Y tenemos un debutante más, parece que noviembre es el mes de dar el salto al largo. En esta ocasión, se trata de Roberto Pérez Toledo, director de los cortos ‘Los Gritones’ y ‘Nuestro Propio Cielo’.

‘Seis puntos sobre Emma’ cuenta la historia de una mujer ciega que busca un modo de quedarse embarazada sin pareja. La película será, según su autor —quien también sufre una minusvalía física—, «un drama con algunos elementos de comedia. Una historia de personajes. Una historia sobre la ceguera a varios niveles, pero, a fin de cuentas, sobre la ceguera sentimental, que es una de las peores. Sobre los palos de ciego que damos hasta encontrar a la persona adecuada».

Los protagonistas son Verónica Echegui, Álex García, Fernando Tielve, Mariam Hernández, Antonio Velázquez, Paloma Soroa, Mabel del Pozo, Beatriz López, Blanca Rodríguez y Sofía Valero entre otros.

‘Made in China; un golpe y un destino’

Manu Picazo ha comenzado a rodar imágenes para el teaser de ‘Made in China; un golpe y un destino’, que se encuentra en fase de preproducción, buscando patrocinadores y capital privado.

Cosmo tiene una empresa a punto de desaparecer y deudas con Don Diego, un prestamista mafioso que acaba de darle un ultimátum. Desesperado, decide secuestrar al alcalde y cobrar un rescate.

La película estará protagonizada por Carlos de Austria, Enrique Garcés, Ricardo Luna, Juanma Avifue, Andrés Berlanga, He Huang Guang Zhong y Rafa de Vera.

‘Eduardo Barreiros, el Henry Ford español’

Simón Casal dirige la tv-movie ‘Eduardo Barreiros, el Henry Ford’ español, que gira en torno al constructor de vehículos gallego que llegó a ser uno de los empresarios más importantes de Europa.

Además de eso, nos llega la noticia de que TVE rueda en otoño cuatro películas históricas para televisión con otras tantas productoras, así como que Evohé Films producirá un thriller documental sobre la figura del boxeador Josep Gironès.

POR FAVOR: Si participa en el rodaje de una película española que vaya a comenzar a rodarse en diciembre y desea que la noticia aparezca en la próxima entrada de esta sección, deje toda la información en un comentario.

Vía | Cine y tele, Porlared y numerosas otras fuentes.

El otro día, en una conversación con amigos, tras hablar de cine de todo signo y condición, acabamos recordando las comedias españolas de hace unas décadas y quedamos en revisar alguna de ellas. Fernando Colomo, representante, junto con su tocayo Trueba de la corriente llamada «Nueva Comedia Madrileña», dirigió en 1989 la adaptación al cine de la obra teatral ‘Bajarse al moro’, de José Luis Alonso de Santos, quien también participó en el guión, junto con Joaquín Oristrell y el propio director de la cinta.

En ella se presencian unos cuantos días en la vida de unas personas que viven en Lavapiés y están metidas en el mundillo de la droga. Chusa (Verónica Forqué) se baja al moro de vez en cuando, es decir, viaja en tren hasta Algeciras y coge un Ferry a Marruecos donde acude a Chaouen para pillar costo que luego su primo (Juan Echanove), que no se baja porque tiene cara de sospechoso, coloca en Madrid. Con ellos convive el novio de ella (Antonio Banderas), un policía que conoce todos los trapicheos de los primos. Como Chusa tiene un gran corazón, cuando se encuentra a una niña pija en apuros (Aitana Sánchez Gijón), la aloja en su casa.

Para disfrutar hoy en día de esta comedia, hay que hacer un esfuerzo para pasar por alto la estética tardo-ochentera y algo cutre, a la que se suma la mala calidad de las copias que circulan, pues no se ha realizado una remasterización. El DVD que se adjuntaba con El País, por ejemplo, está recortado a 4:3 porque probablemente no se han molestado en hacer un telecine, sino que lo han sacado directamente del Betacam preparado para emitir en televisión. Los primeros segundos pueden, por ello, provocar rechazo, pero en cuanto se entra en la historia y comienza el humor, estas consideraciones se olvidan fácilmente. La distancia en el tiempo, aunque eche para atrás, también hace que hoy en día la cinta cobre el nuevo valor de servir de retrato de una época.

El humor

Son varios los métodos para crear humor que se emplean en el film. Para empezar, están las bromas de situación, que provienen casi todas de la obra teatral. También es cómica la forma tan inocente que tiene Verónica Forqué de hablar de cualquier tema y el lenguaje de todos en general, en el que es curioso oír, aparte de otras cosas, cómo han pasado de moda bastantes expresiones: «dabuti», «chachi»...

Hay algunos personajes/actores cuya sola presencia es hilarante, como la genial Chus Lampreave, que llama a los amigos de su hijo «yankis» en lugar de «yonkis», la de Miguel Rellán como el cura «enrollao», o la del suegro de Fernando Trueba, que hace de vecino cabreado con una banda de música a la que califica de «ye-ye». Aquí entra un gag metalingüístico que Colomo repitió en ‘El efecto mariposa’ y que consistía en hacerte escuchar la banda sonora, para mostrarte luego al grupo —Pata Negra en este caso y Ketama en la siguiente— y convertir esa música en diegética. Al igual que éste, muchos de los momentos humorísticos son constantes en las filmografías del director y de Oristrell, por lo que aumentan el valor que ya de por sí tiene la obra.

También es habitual en Colomo el buenrrollismo y el desenfado con los que se comportan los personajes y con el que él mismo, como autor, se acerca a las cuestiones que trata. No significa eso que suavice la cuestión de las drogas o la pinte con falsedad, ya que se ven consecuencias fatales de la adicción y se aprecia el barrio madrileño como si fuese un submundo. Sin embargo, el director se toma con total tranquilidad la situación que retrata y presenta a sus personajes como inocentes, tal como expresa la propia protagonista al inicio: «¿Pero qué hago yo de malo bajándome al moro?».

Tanto es así, que se pone de su parte, como si fuesen los buenos y transforma en malos a los policías, lo cual sirve de chiste casi todas las veces, con frases como: «tenía aspecto de buena persona y resulta ser un madero», pero nunca se llega a desmentir. Aunque, en realidad, no hay verdaderos malos, pues ni los que estropean la vida a los protagonistas se llegan a pintar con plena negatividad.

Ese trato hacia la policía se inserta dentro de una crítica que el autor dirige hacia ciertos aspectos de la sociedad. Esta crítica se transmite sin exaltación, sin posicionamientos exagerados o discursos colocados en boca de los personajes. Lo que se hace es disimularla entre los chistes, como por ejemplo: «Se ha ido a vivir al más allá». «¿Al más allá?» «Sí, a Móstoles» y otras similares. En este sentido, encontramos muchos golpes de humor que no podrían aparecer en un film que no fuese español.

La historia y los personajes

Para disimular la teatralidad, se introducen escenas en Marruecos, en supermercados, en el Rastro, en la calle… incluso se añade una persecución. Y, si bien de forma estética no canta tanto la unicidad de escenarios teatral, en el sentido argumental sí se nota que, más que narrar unos acontecimientos, el interés reside en mostrar retazos de unas vidas y retratar a unos personajes. Parece que no hay historia o que el conflicto es inexistente, sin embargo, la introducción de Sánchez Gijón en la trama funciona como detonante de todo ello, aunque en un primer momento no aparente tener mayor importancia.

Más que el marco de venta de drogas en los ochenta, el verdadero valor del libreto es el mensaje de fondo, que podría haber tenido este escenario, como cualquier otra situación en cualquier otra época y que (spoiler) se resumiría con el refrán que ya dio título a un film de Saura: «cría cuervos, que te sacarán los ojos», es decir: que ser demasiado buenazo, acarrea consecuencias. Sin embargo, es muy de apreciar que el film no es de los que dan una lección de forma contundente, ya que, por muy claro que eso haya quedado, el personaje principal no lo aprende, lo que da lugar a un emotivo final (Fin del spoiler). Este mensaje se transmite con total sutileza, sin declararlo jamás abiertamente en ninguna frase, sino haciéndoselo ver al espectador con los hechos.

Para que funcione plenamente algo que no se recalca, es necesario que todos los elementos encajen y ahí entra, entre otras cosas, el retrato de personajes. En ‘Bajarse al moro’ este aspecto está muy logrado ya desde el material teatral de Alonso de Santos. La elección de los actores para cada uno de los papeles es idónea y, cada uno dentro de sus capacidades, realiza un gran trabajo.

‘Bajarse al moro’ es, en conclusión, una comedia muy divertida, con personajes muy entrañables y que deja un poso amargo, pero finalmente positivo. La recomendación de revisarla o de darle una oportunidad si no se conoce, la hago extensible de la película a cualquier representación del texto teatral.

Mi puntuación:

La coproducción hispano-italiana ‘Háblame de amor’ (‘Parlami d´amore’), está dirigida y protagonizada por el joven Silvio Muccino, que se ha basado en su propia novela –co-escrita junto a Carla Vangelista— para escribir el guión. En el reparto, acompañan al omnipresente Muccino, Aitana Sánchez-Gijón y Geraldine Chaplin. El estreno de este debut en la dirección del hermano de Gabriele Muccino, se producirá en España el 17 de julio. En Italia salió el 14 de febrero de 2008 y, de momento, ningún otro país se ha decidido a estrenarla… por algo será.

Sasha es un joven que padece algunos problemas mentales porque se ha criado en un centro de desintoxicación donde sus padres estaban internados. Tiene dificultad para socializar y se está desenganchando del juego. Cuando Nicole está a punto de atropellar a un perro, Sasha choca con ella. Hablan y se convierten en amigos: Sasha quiere que le ayude a conquistar a una especie de Paris Hilton de la que lleva años enamorado. Reaparece un primo de Sasha que convivió con él en el centro de rehabilitación y le insiste en que vuelva a jugar porque necesita el dinero. Ahora el protagonista tendrá que luchar contra sus vicios y sus dificultades.

En ‘Háblame de amor’ todo lo estético es sublime. A la belleza de los intérpretes se suma una preciosa dirección de fotografía, unas localizaciones majestuosas y un vestuario muy estiloso. Estas bellas imágenes están acompañadas por música muy presente. Este conjunto de aspectos superficiales tan cuidado tiene la intención de crear poesía. La película no busca tanto emocionar con la historia que se cuenta, sino con sus momentos aislados que, en la opinión del director, probablemente están cargados de magia. Esa lírica podría bastarle a una carpeta de adolescente, sin embargo, con una mirada algo más puntillosa, la encontramos artificial y cursi.

Otro de los terrenos donde se puede hablar de la película en positivo es la interpretación. Muccino, con más experiencia como actor que como director (‘Enemigos íntimos’, ‘Manuale d’amore’, ‘El último beso’), da vida a su personaje con total convencimiento e incluso le aporta carisma y originalidad. Por su aspecto físico, se podría hablar de él como de un joven Russel Crowe. Aitana Sánchez-Gijón, desde que comenzó a trabajar en el extranjero, está viviendo una etapa de florecimiento como actriz. Parece que hablar otros idiomas ayuda a sus personajes. Carolina Crescentini (en la anterior fotografía) tiene un breve papel que interpreta tan bien que parece que fuese así en la vida real. La intervención de Geraldine Chaplin es aún más corta, pero aporta una solera al reparto.

La contrapartida de tanta hermosura es que el film resulta epidérmico y que se hace muy complicado penetrar en algún sentimiento. Los conflictos que presenta Muccino, además de ser harto tópicos, parece que se hubiesen incluido como adornos, como exigencias que no van con él. Así, si nada nos engancha argumentalmente, sino que sólo estamos en el cine para contemplar imágenes, los ciento nueve minutos de duración se hacen difíciles de sobrellevar.

Decía ayer que en las comedias románticas es poco importante que el final sea previsible. Sin embargo, en ‘Háblame de amor’ sí supone un problema imaginarte cómo van a acabar las relaciones de este triángulo amoroso, ya que la película no tiene las claves de las comedias románticas, sino que se estructura de otra manera, y sí juega, en este caso, a la sorpresa con respecto a este giro de guión.

El joven escritor y guionista también demuestra que necesita sufrir una maduración en su redacción de los diálogos. Todo se dice, todo se explica y se recalca, convirtiéndolo en obvio. Hay demasiados parlamentos, probablemente porque aquí ha creído Muccino que también estaba creando poesía.

La película habla de amor, sí. Pero del amor que siente Silvio Muccino hacia sí mismo. Se ha visto guapo y seductor y ha creído que también sabía escribir novelas. Y eso le ha llevado a pensar que sabía crear guiones y dirigir películas. No me gusta decir que las cosas están mal porque quienes las han fabricado son demasiado jóvenes, pero en ocasiones, cuando los errores son signos tan claros de haber pasado hace muy poco tiempo la adolescencia, no queda más remedio.

Mi puntuación:

Un matrimonio (Aitana Sánchez-Gijón y Ulrich Thomsen) se enfrenta a la muerte accidental de su hijo, Eyolf, un niño cojo que cae un día al agua y muere ahogado. A partir de aquí, Rita y Alfred, descubren con horror que nunca habían querido a ese hijo, se sienten culpables por ello y desenmascaran los aspectos más negativos de su personalidad.

Para Audí, se trata de un “tema muy moderno”, que tiene una “gran carga psicológica y social”. En su opinión, fue precisamente la modernidad de la obra lo que provocó en su momento su fría acogida, ya que el público del siglo XIX no estaba preparado para asimilar el argumento que se le exponía. El director admite que se ha tomado la libertad de dar más peso a algunos personajes que en el original tan sólo tienen una “aparición corta”.

El reparto de ‘The Frost’ (la escarcha) se completa con Tristán Ulloa, Eva Morkeset, Astrid Overaa, Fermí Reixach, Jordi Cortés y Bibi Andersson, musa de Ingmar Bergman, que participó en filmes como ‘Fresas salvajes’ (1956) y ‘El séptimo sello’ (1957). Todos ellos se han mostrado ilusionados con un proyecto que une dos culturas diferentes. Según ha destacado Eva Morkeset, el contraste pueda dar lugar a “algo maravilloso”. La película se rodará íntegramente en inglés y se estrenará en las pantallas españolas en el 2009, en versión original y también en castellano y en catalán.

Aitana Sánchez Gijón ha destacado que trabajar con un director como Audí es “lo más parecido a un proceso teatral”. A su parecer, su manera de conducir al reparto es “de lujo” y “de lo más peculiar”. La actriz ha explicado que el hecho de que los actores lleven dos semanas preparándose en Noruega ha facilitado que “el inglés fluya de forma muy orgánica” y que exista de antemano “una conexión entre los personajes”. Sobre Noruega, Sánchez Gijón ha destacado su naturaleza, “muy potente e inquietante” y, en ocasiones, “desoladora”.

Tristán Ulloa ha añadido que le gusta la idea de trabajar una obra de Ibsen ya que es un autor “bastante agresor” y “algo contemporáneo”.

La coproducción de la catalana Alta Realitat y la noruega Frost Media y comenzará a rodarse el 25 de marzo en el parque nacional de Aigüestortes (Lleida) y en estudios de Barcelona. El rodaje, que se prolongará durante siete semanas, tendrá como escenario principal la ciudad noruega de Olescut y quizá se grabe algún plano en Gijón. El coordinador general de la productora Alta Realitat, Raül Perales, ha destacado que el hecho de que Noruega, al no formar parte de la Unión Europea y no tener firmado el convenio europeo de cine, “permite crear un diseño de película” tal y como desean.

Fuente | La Vanguardia.

El tren Oviedo Express trae a la compañía de teatro que representa ‘La Regenta’ a la cuidad asturiana donde transcurre la Madame Bovary de Clarín. Allí, la situación de la novela se reproduce, aunque en un contexto del siglo XXI: la esposa del alcalde es una joven con una madre que parece su hermana y casada con un hombre que parece su padre. Los actores teatrales supondrán un revulsivo en la localidad e incluso el adulterio de Ana Ozores se repetirá mientras los ensayos de la representación tienen lugar en Oviedo.

Los protagonistas de ‘Oviedo Express’ son Carmelo Gómez, en el papel de Benjamín Olmo, un actor que vive su personaje en todo momento; Aitana Sánchez-Gijón como la actriz Mariola Mayo, que representa a la Regenta sobre el escenario; Maribel Verdú como Mina, la madre de la Regenta de la vida real, que es Bárbara Goenaga, con el mobre de Emma, es decir, de la auténtica Madame Bobary, la de Gustave Flaubert. Najwa Nimri es Bárbara, la amante del marido de Emma, que está interpretado por Alberto Jiménez. Jorge Sanz interpreta al actor que a su vez interpreta a Álvaro Mesía. Víctor Clavijo hace de Leopoldo, el adaptador y director de la obra teatral. Silvia Marty es Petra, una actriz secundaria, y Rulo Pardo es el tramoyista Pirandello, al que todos llaman Pirindolo.

Con este argumento tan metalingüístico como reflexivo, ‘Oviedo Express’ desarrolla una historia que es convencional en cuanto a su narración, pero que retoma la locura digna de un genio que es habitual en Gonzalo Suárez, es decir: los momentos absurdos y los diálogos imposibles, llenos de juegos de palabras, de filosofía y de humor. En el film hay frases tan memorables como “este collar que a María Antonieta le costó la vida ahora sólo cuesta un huevo”. Es ésta una de las facetas que más me atraen de este escritor, guionista y cineasta, por lo tanto, aprecio que haya vuelto a volcarse en este estilo de escritura después de films fallidos como ‘El portero’.

La estética de la cinta, con fotografía del hermano del director, Carlos Suárez, quizá se ve algo anticuada, pero eso no quita que haya algunos planos compuestos como si de cuadros se tratase, como por ejemplo, el que muestra a Carmelo Gómez, vestido de cura del siglo XIX, haciendo ondear su capa con la ciudad detrás.

Es difícil evaluar el trabajo de los intérpretes, ya que hay en la película una artificialidad y una teatralidad buscadas. Además de que esos diálogos sólo pueden decirse con una media sonrisa, con una especie de sorna. A pesar de esta dificultad, me parece entrever que si alguno de los actores no está a la altura de los demás es Jorge Sanz, mientras lucha por lograr una dicción más o menos comprensible. Así y todo, su personaje tiene momentos grandiosos. Si no digo nada de los demás es porque están bien.

Suárez, además de llenarlo todo de esa tremenda sabiduría sobre el arte de la interpretación, ya sea teatral o cinematográfica, y sobre la creación; también sabe penetrar muy profundamente en la psique humana y en los conflictos que pueden presentar tanto los otros como nosotros mismos. Fantasmas personales, miedos, envidias, celos, egolatría… El retrato psicológico de todos los caracteres que pueblan el film está llevado con grandísima habilidad. Es interesante también la forma que tiene de representar dentro de la obra de teatro a la ciudad de Vetusta, como ojos que miran y lenguas que cuchichean, situando espectadores tanto sobre las tablas, como en las butacas de ese teatro de Oviedo, como fuera de la propia película, en nosotros cuando acudimos a la sala.

En lugar de recomendar o dejar de recomendar esta película de forma genérica, lo que haría es dividir a la audiencia y sugerir que la vean todos los seguidores de Gonzalo Suárez pues, sin ser uno de sus mejores films, tiene elementos muy personales de gran valía. A quienes no hayan disfrutado otras películas del asturiano, les diría que ésta tiene quizá un hilo conductor más racional y convencional que puede hacérsela más llevadera, pero que seguirán encontrando ese punto absurdo que, si hasta ahora no era de su agrado, tampoco lo va a ser en esta ocasión. Así que sería preferible que se abstuviesen de acudir. Quienes aún no conozcan la obra de Suárez podrían empezar por aquí como por cualquier otra, aunque la mejor en mi opinión es ‘El detective y la muerte’, seguida de ‘La reina anónima’.

En Blogdecine | Tráiler de ‘Oviedo Express’ e información sobre su rodaje.

Richard Gere y su mujer, Carey Lowel, acudieron a San Sebastián para presentar ‘La gran estafa’ (‘The Hoax’), de Lasse Hallstrom. Esa noche, el actor recibió el Premio Donostia, en el Kursaal, de manos de la actriz Aitana Sánchez-Gijón. Para completar la velada, presentó la película del escritor y presidente del jurado Paul Auster, ‘La vida interior de Martin Frost’, que se proyectaba fuera de concurso.

Más ídolo de masas que actor de prestigio, Richard Gere tiene una carrera llena de taquillazos poco respetados: ‘Pretty Woman’, ‘American gigoló’, ‘Oficial y caballero’, etc…

Por lo que se cuenta de la rueda de prensa y la llegada del actor, su comportamiento se podría parecer al de Tom Cruise en el programa de Oprah Winfrey, que ya le mereció una parodia en ‘Scary Movie 4’. ¿Seguirá Gere los preceptos de la Cienciología o se habrá contagiado de su personaje en ‘Mr. Jones’? El director del festival, Mikel Olaciregui, declaró que “Me quedé hasta cortado”, por el abrazo con el que le saludó el actor, con quien sólo había hablado por teléfono una vez. También abrazó a una periodista cuya pregunta no había comprendido.

“Llevo mucho tiempo viviendo este tipo de situaciones”, aseguró Gere, de 58 años, “No esperaba esta recepción tan generosa, las caras de la gente tan abiertas, tan alegres, con tanto cariño. ¿Cómo no voy a responder a esto?”. Al principio de su carrera “Quería escaparme, ahora estoy madurando y veo que así es la vida”.

Gere comentó que seguía ” teniendo la actitud de no saber lo que hacer cuando crezca. El premio me llega en un momento raro de mi vida. Siento que ni siquiera he llegado a la mitad de mi carrera. El premio supone un extraordinario aliento para ser y trabajar mejor en el futuro. Me hace sentir humilde y muy agradecido”.

Aunque negó haber pedido el boicot, declaró que “China está viviendo un momento decisivo en su historia, pero puede tomar diferentes caminos. Obviamente, la grandeza económica debe ir acompañada de la grandeza moral y humana. Los Juegos Olímpicos son una oportunidad fantástica, con la llegada de atletas, periodistas y gente del mundo entero, para demostrar su grandeza humana. Me encantaría el éxito de China pero no lo tendrán si siguen abusando de los derechos humanos, de los tibetanos y de otras minorías. Tenemos que asociarnos todos para conseguir la grandeza de China, en beneficio no sólo de los chinos, sino del mundo entero”.

En Blogdecine |

• Dafoe y Gazzara, ganadores del Premio Donostia

• Max Von Sydow y Matt Dillon, Premio Donostia

Fuente | El País

Hace más de un año que conocimos la noticia de que Uribe había decidido trasladar La carta esférica de Arturo Pérez-Reverte a la gran pantalla.

A los pocos meses Aitana Sánchez Gijón se unió al reparto para protagonizar la película junto a Carmelo Gómez, y en septiembre, coincidiendo con el inicio del rodaje, mi compañera Beatriz nos informó con todo detalle de los nombres y circunstancias que completaban este proyecto. Así que sólo nos faltaba el trailer, para acabar de convencernos o de desanimarnos, según cada uno.

Cierto es que de los trailers no hay que fiarse lo más mínimo, pero a mi tanto el trailer corto, como el largo, encontrados en Off-Hollywood, de momento no me dicen nada (bueno), y eso que me encantó la novela.

Seguiremos esperando novedades, a ver si tienen mejor pinta.

Evidentemente, que ese amor por un tipo de cine que le ha marcado, no llega para hacer una gran película, además hay que tener talento, o que todos los elementos de un film casen a la perfección. Personalmente, pienso y creo que Serra tiene un gran talento como director. Pero en ésta su ópera prima, me parece que fallan otros elementos como el guión y una dependencia demasiado evidente de todo ese cine a referenciar. Puede que premeditado, puede que sin querer, y encima, nosotros los críticos a subrayar una y otra vez que se ha inspirado en films míticos, como el magistral ‘Perros de Paja’, de la que prácticamente toma casi todo su argumento, pareciendo que le restamos méritos. Y ahora tampoco seáis malpensados, no voy a decir que ‘Bosque de Sombras’ sea una mala película, ni muchísimo menos, pero tampoco me parece esa gran obra que se empeñan en decir en algunos sitios.

Sobre su argumento poco que decir, cogéis ‘Perros de Paja’ y es lo mismo cambiando algunas cosillas aquí y acá. Bromas aparte, el film narra las vacaciones que dos parejas de ingleses pasan al norte de España, a finales de los 70, en un lugar alejado de la mano de Dios, y cerca de un pueblecillo rural, con una gente con la que pronto empezarán a tener problemas, derivados sobre todo de la incomunicación y de un marcado choque cultural.

Ni que decir tiene que lo que más me ha gustado del film es la impecable labor de Serra como director, con todas esas referencias de las que antes os hablaba. Aunque dichas referencias tienen un doble resultado. Por un lado, en el apartado formal es donde la película alcanza sus mayores logros. Su aspecto visual es magnífico, con ese bosque como lugar en el que ocurren la mayoría de los acontecimientos, perfectamente fotografiado, sobre todo cuando llueve, recurso muy bien utilizado en consonancia con lo que se va contando. Personalmente lo que más me llena es ese look de western que tiene el film, y la forma en la que Serra utiliza la cámara, moviéndola cuando es necesario y sosteniendo el plano cuando la acción lo requiere. En ese aspecto, me asombra el estilo del director, y digo que me asombra, porque esta película no parece en absoluto rodada por un principiante, aunque este argumento no sea válido para muchos, ya que a lo largo de la historia del cine nos encontramos con óperas primas impresionantes. Pero con ello sólo quiero decir que el film se aleja totalmente de lo que estamos acostumbrados a ver en nuestra cinematografía, cuando se trata de óperas primas.

Pero por otro lado, creo que argumentalmente el film no tiene la fuerza necesaria. Yo sí veo jusificada toda la explosión de violencia que sucede en el film. Hay una escena en concreto que la justifica, y todos sabemos cuál es. Sin embargo, me pasa algo muy curioso con la película en general, y es que no llego a impresionarme. La sigo con cierto interés, a veces por delante del director, debido a esas referencias demasiado obvias con el film de Peckinpah, y otras veces no tanto. Pero al margen de eso, creo que al film le falta esa fuerza que pretende tener, carece de la grandeza necesaria para enmarcar al film dentro de las obras importantes. Y el crescendo tampoco me parece del todo conseguido, influyendo en un supuesto clímax final, que creo no existe.

Respecto al trabajo actoral nos encontramos de todo. Las actrices Virgine Ledoyen y Aitana Sánchez-Gijón creo que son meros objetos sexuales, sobre todo el primero (por razones más que evidentes), y que no aportan nada al relato después de que todo estalle, es como si sus personajes se desvanecieran. Paddy Considine es un claro reflejo del personaje de Dustin Hoffman en la película que Serra va a odiar el resto de su vida, pero no veo bien reflejada su frustración con respecto a su pareja, y no me terminan de convencer algunas de sus decisiones. Gary Oldman les gana la batalla de lejos. El actor está fantástico, aunque un servidor ha tenido que joderse porque en mi ciudad tuve que aguantar la horrorosa versión doblada, y he oído la voz de su eterno doblador, que siempre me distancia de la labor del actor. Aún así, su cometido es altamente disfrutable, y da la sensación de que se lo pasó en grande.

Sin embargo, Oldman no me parece el mejor del reparto, sino Lluís Homar, quien está absolutamente antológico en un personaje que nunca sabes por dónde va a salir, y en el que se encuentran concentrados muchos sentimientos dispares, desde el desprecio hacia los que viene de fuera, hasta el profundo amor que siente por los suyos. Creo que es el personaje mejor definido, y uno siente realmente el despedirse de él cuando la proyección termina. Homar y su personaje están al frente de los lugareños del sitio donde acontece la acción, encarnados todos estupendamente, aunque salgan poco en pantalla.

SPOILER. Dejo para el final la referencia con la que yo he disfrutado más. En el enfrentamiento final entre Considine y Homar, ese duelo bajo la lluvia, suena una música campaneante salida de un crucial objeto para cierto personaje. Es imposible no acordarse de ‘La Muerte Tenía Un Precio’ y el duelo final entre Gian Maria Volonté y Lee Van Cleef, donde cierto reloj jugaba un papel importante. FINAL SPOILER. Evidentemente, la escena no tiene la misma intención, pero un servidor se emocionó en demasía, y agradece profundamente a Serra el devolverle a cierta tarde de domingo de hace muchos, muchos años, en un ya desaparecido cine, en el que disfruté de esa joya de Sergio Leone con la que un servidor descubrió su amor por el Séptimo Arte. Por cierto, y ya que aquí he hablado de música, me parece sensacional el uso de la música en el film de Serra, con esa txalaparta apareciendo en los momentos más inesperados, y dotando al film de cierta aureola casi mágica.

Una correcta película, que bebe demasiado del cine que su director ama, y que nos deja enormemente pendientes de su próximo trabajo, algo que no se puede decir de un montón de colegas suyos de profesión, incluídos los que ya tiene algunas películas en su haber.

En Blogdecine:

• ‘Bosque de Sombras’, de Koldo Serra, atmósfera interesante
• ‘Bosque de Sombras’, absurda violencia

Este viernes 16 de febrero se estrena en España ‘Bosque de Sombras’, el primer largometraje de Koldo Serra, con un reparto internacional muy llamativo encabezado por el gran Gary Oldman. La película pudo verse en un pase especial, sorpresa (tú vas sin saber la película que te van a proyectar, un peligro para quien pague los más de 7 euros que vale la entrada), durante el pasado festival de Sitges al que un servidor asistió gracias a Blogdecine; en ese pase tuvimos la suerte de escuchar al propio Serra explicando algo de la producción del film y de cómo consiguió a gente como Oldman (supongo que en el DVD se comentará esto y mucho más). Su película parte de un argumento interesante, pero el desarrollo va destapando lagunas del guión y aunque Serra consigue algunos momentos de gran fuerza visual, el resultado final no es satisfactorio, quedando un producto herido que no consigue levantarse. Dicho esto, soy el primero en recomendar ir a verla, no es una película común en este país y merece esa oportunidad que damos por sentado para las obras indutriales norteamericanas.

‘Bosque de Sombras’ nos sitúa en un genérico norte de España, a finales de los 70, en el verano más cálido de los últimos años. Norman y Lucy son un matrimonio inglés que no atraviesa su mejor momento. Unas vacaciones junto a unos amigos, Paul e Isabel pasa por ser la solución. Alejados de Londres, lo que se presenta como un idílico fin de semana de naturaleza y caza en el caserío recién comprado por Paul, no acabará como ellos hubieran deseado. El choque cultural con los lugareños encabezados por Paco y el encuentro fortuíto de una casa abandonada, desencadenará una espiral de violencia entre ellos.

He titulado la crítica como “absurda violencia” porque, como ya se suponía al ver el trailer y leer la sinopsis, la película es dura y contiene pocas concesiones al espectador, incluyendo algunas escenas violentas que logran incomodar, sobre todo una escena de violación que sufre el personaje de Virgine Ledoyen; pero, y sobre todo en este caso, la mayor parte de la violencia es tan gratuita como bastante absurda. No resulta nada convincente todo lo que se hacen los personajes a base de fuerza y escopeta. En absoluto es creíble ese huracán de violencia que se desata a partir de la mitad de la película. Sí, de acuerdo, las gentes de los pueblos pueden ser la hostia de brutos, pero de ahí a violar a una mujer por el mero hecho de que le sale de… las narices, pues hay un largo camino. Cuando empiezan a disparar, en serio, te quedas con una cara de “pero bueno, ¿esto a qué viene?”. Desde luego, la violencia anima la película, pero aparece de la nada y justificada de una forma nada convincente. Al margen dejo el tema de la niña que se encuentran los protagonistas, algo sacado de la manga del guionista y que no se aprovecha para mucho, salvo para acelerar la sangre (fácilmente) a los violentos camperos-cazadores.

Sin duda, lo que más llama la atención de ‘Bosque de Sombras’ (que me perdone Serra) es su reparto, compuesto por actores españoles de renombre y actores internacionales de mayor renombre aún. Como dije antes, destaca sobre el resto (por méritos propios) Gary Oldman, quien no necesita presentación por ser uno de los actores más importantes de nuestro tiempo. Oldman cumple con lo que se podía esperar de él y mucho más, porque a ver quién es el listo que no duda cuando le oye hablar en español sobre la formación en este campo del actor; Viggo Mortensen quedaría totalmente en ridículo si comparáramos su acento con el que logra Oldman en ‘Bosque de Sombras’ (pero bueno, me diréis, con razón, es que Oldman es un gigante al lado de Mortensen, de acuerdo). Aparte de este detalle (importante, porque hay que entender al actor y la preparación del papel es un factor clave, ¿o no?), Oldman está inmenso en todo momento, logrando que el espectador se ponga de su parte automáticamente y consiguendo momentos realmente para el recuerdo (no puedo decir uno en concreto, pero hay por ahí un poster en inglés que desvela la mejor escena del actor). Sin duda, lo mejor de la película. Pero ahí tengo que mencionar también a Lluis Homar, impecable, otro que llena la pantalla y cuando la comparte con Oldman es cuando la película alcanza su mayor nivel. A Homar le quedará una escena cercana al desenlace (de nuevo no puedo hablar) que a más de uno le recordará a muchos otros filmes por la lluvia pero no sería justo negar a Serra que logra un clímax sensacional (desgraciadamente, la resolución del mismo es bastante decepcionante). Por otra parte, tenemos a Paddy Considine, que al lado de los dos que he mencionado queda aún peor de lo que hace realmente; su labor podría resumirse diciendo que está muy soso y que no logra transmitir lo que se espera de su personaje, con mayor importancia de lo que parece en un principio. En cuanto a las dos chicas, ambas guapísimas, Aitana Sánchez-Gijón y Virginie Ledoyen, decir que parece que estén para lucir su (estupendo) tipo. Prueba de ello es una escena totalmente gratuita en la que las dos se dan un baño en medio del bosque y vemos cómo se desnudan; una escena insertada con calzador y sin ningún valor salvo el deleite para la vista de todo espectador masculino (gracias, Serra).

‘Bosque de Sombras’ es una película fallida, en un gran intento que no funciona, absurda por momentos, muerta desde el defectuoso guión (el guión que deja ver el film, claro, el escrito no lo he leído) pero animada y casi puesta resucitada gloriosamente gracias a los excelentes Gary Oldman y Lluis Homar, y a la contenida y sutil dirección de Koldo Serra, a quien desde luego se le desea lo mejor para su segundo largometraje, que esperemos no tarde en llegar. Contando con la suerte de un guión mejor construido y un reparto donde prime más la calidad que el nombre, Serra se superará. Aquí esperamos.