Del mismo modo que cada vez estoy más convencido (y ya explicaré mis razones) de que los años sesenta y setenta contienen las cimas más importantes de la historia del cine, cimas muy distintas, pero de algún modo incluso superiores (estética, técnica, intelectual, narrativa, temática, filosófica, conceptualmente), a las alcanzadas en los años cuarenta y cincuenta, que fueron a su vez muy distintas a las alcanzadas en los años veinte y treinta (y todo este subrepticio avance del cine, más que epigonal, constituye una prueba absoluta, al menos para mí, de que el cine es un arte, y un arte vivo que se renueva constantemente, incluso en el caótico momento actual…), también me propongo demostrar en las siguientes líneas que el lapso de tiempo enclavado entre los años 1975 y 1986 conforma el intervalo temporal en el que tuvieron lugar los cambios más drásticos, desde una perspectiva global, del cine como industria, como arte y como vehículo de entretenimiento, en todo el mundo. Y ello, quizá, porque esos años convulsos contienen algunos dramas sociales, políticos y económicos que, forzosamente, vieron reflejada su huella en el cine.

Muchos nos asombramos de la radical diferencia, en libertad, en la consecución de obras maestras (o al menos de obras realmente notables), en la fuerza creativa de nuevos y antiguos maestros, existente entre los años setenta y los años ochenta. Es casi un abismo. O sin el casi. Más aún cuando la situación, en prácticamente todo el mundo, ofrecía muchas razones para un optimismo gigantesco a principios de los años setenta, con la aparición de las nuevas generaciones de cineastas, los primeros surgidos en Estados Unidos de las escuelas de cine, que ya estaban demostrando su enorme talento y empuje; también con la desaparición de las impurezas formales de la Nouvelle Vague francesa, el Free Cinema británico, y otros movimientos revolucionarios cuyos máximos exponentes abandonaban el costumbrismo para profundizar como nunca antes en la psicología, el existencialismo, la soledad del hombre, y casi su espiritualidad; terminando con los nuevos directores, alemanes, rusos, asiáticos, africanos. Todo ello podría haber significado, tras el derrumbamiento definitivo del sistema de estudios y del dañino concepto de lo canónico y académico, la plenitud del cine como arte. Está claro que no tuvo lugar. ¿Qué ocurrió?

Pongámonos en perspectiva, en los años inmediatamente anteriores a 1975. En 1968, 1970 y 1974, John Cassavetes había dirigido las primordiales ‘Faces’, ‘Husbands’ y ‘Una mujer bajo la influencia’ (‘A Woman Under the Influence’), cambiando para siempre la dramaturgia clásica en el seno del cine independiente. Entre tanto, Dennis Hopper había mostrado en ‘Easy Rider’ (1969) que la libertad total, en el cine, era posible en un momento en el que se necesitaba, más que nunca, respirar. El gigante Coppola había logrado aunar el cine de género norteamericano, con las nuevas formas europeas, en su colosal díptico de ‘El Padrino’ (‘The Godfather’, 1972) y ‘El padrino, parte II’ (‘The Godfather, part II’, 1974) y en su hipnótica ‘La conversación’ (‘The Conversation’, 1974). Spielberg se acercaba a la plenitud de ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975), mientras que Lucas ya había llegado a la de ‘American Graffiti’ (1973). Debutaba Malick con ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973). Polanski alcanzaba la cima de ‘Chinatown’ (id, 1974). Esto solamente en el cine norteamericano. El cine español, por su parte, experimentaba la desaparición del dictador que durante treinta y seis años había controlado las vidas de todos, y una generación de nuevos directores se unía al empuje de los antiguos pero todavía vigentes.

En el comienzo de la etapa a la que nos referimos, Akira Kurosawa dirigió una de sus más bellas películas: ‘Dersu Uzala’ (‘Deruzu uzâra’, 1975), y es el maestro japonés uno de los máximos ejemplos de lo que intento decir, porque a pesar de los elogios de la crítica, del Oscar de Hollywood, de su aureola de filme colosal, de su enorme conquista para decirlo con brevedad, ese triunfo no se tradujo en un nuevo comienzo en su carrera después del enorme fracaso (principalmente político) de ‘Dodes’ka-den’ (1970), con la que había intentado (y logrado ampliamente a mi parecer) presionar sobre los límites de su talento, y ensancharlos. Después de ese título, sólo rodaría seis películas en tres décadas. Pero para otros, ser un poeta del cine tuvo un precio mucho más alto. La crisis de la economía sueca (y del cine sueco) golpeó duro a Ingmar Bergman, que se refugió del acoso de hacienda, laboral e íntimamente, afrontando la última etapa de su carrera con mayor economía de medios (suerte que sin merma de su genio creador).

Pronto fue tan difícil hacer cine ambicioso en Hollywood como ser autor de cine en Europa. El abandono de Tarkovski de su tierra natal, fue en paralelo a la sucesión de varios desastres financieros que terminaron con lo intocable de los directores estrella. No solamente el desastre enorme de ‘Corazonada’ (‘One From the Heart’, 1982), con Coppola perdiendo hasta la camisa en un juego a todo o nada que había ganado milagrosamente en ‘Apocalypse Now’, sobre todo el fiasco gigantesco de la irregular (aunque con momentos sublimes) ‘La puerta del cielo’ (‘Heaven’s Gate’, 1982), el hundimiento de la United Artists y el fin de la carrera de Cimino y de la de tantos otros, con Spielberg echando a perder gran parte de su carrera y casi pidiendo perdón por hacer alguna película más personal, con Scorsese esperando hasta que llegase su oportunidad (que llegó en los años noventa), y con muchos otros grandes cineastas preguntándose (y haciéndonos preguntar) qué había sido del optimismo de los setenta y qué lo había sustituido en los ochenta.

Desaparecido Malick del mapa (según dicen, de profesor de filosofía por Francia, para volver en 1998 con una película primordial, que cambió el cine americano para siempre, en una nueva época que también comentaré), con Polanski volviendo tras la bellísima ‘Tess’ (id, 1979) con otro grandísimo fracaso, su ‘Piratas’ (‘Pirates’, 1986), que tampoco es que fuera una película a la altura de su talento, tenemos otro ejemplo máximo en la aventura en Estados Unidos de Sergio Leone (nunca un gran creador pero sí un narrador poderoso y un cineasta enamorado de su oficio), que comenzó precisamente en 1975 y concluyó casi al final de esta época apócrifa, en 1984, su ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’, 1984), con un fracaso económico de consideración, la muerte de Leone por un ataque al corazón, y la constatación, en la segunda mitad de la década de los ochenta, de que las circunstancias industriales habían cambiado enormemente. Y no solamente para peor, para mucho peor, pues cualquier proyecto mínimamente ambicioso o arriesgado era una odisea homérica hacerlo realidad.

Los estudios convertidos en cajas registradoras, el gusto del espectador cada vez más degradado, y los Oscar, ese chiste anual, premiando a ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ (‘One Flew over the Cuckoo’s Nest’, Milos Forman), ‘Rocky’ (id, John G. Avildsen, 1976)‘Kramer contra Kramer’ (‘Kramer vs. Kramer’, Robert Benton, 1979), ‘Gente corriente’ (‘Ordinary People’, Robert Redford, 1980), ‘Carros de fuego’ (‘Chariots of Fire’, Hugh Hudson, 1981), o ‘Amadeus’ (id, Milos Forman, 1984), antes que a obras maestras como ‘Taxi Driver’ (id, Scorsese, 1976), ‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man’, David Lynch, 1980), u otras ya nombradas. Cada vez se hacía más patente la industrialización extrema del cine americano y su búsqueda de beneficios a toda costa, y el oasis de autor (muchas veces también engañoso) del cine europeo. Diferenciación que existe hasta el día de hoy.

En 1985 Kurosawa hace su última gran obra maestra, ‘Ran’. Las tres siguientes ni se acercarán en genio a ella. También en 1985, Tarkovski filma en Suecia su último filme, ‘Sacrificio’ (‘Offret’), y muere un año después en París. Bergman ya ha anunciado su retirada (que traicionaría una y otra vez con pequeños proyectos) y Bresson había filmado su última película en 1983, a pesar de que no moriría hasta 1999. Muere Truffaut sorpresivamente en 1984. En Estados Unidos, la ruina económica de Coppola es total y debe aceptar cualquier encargo que le vayan dando, mientras Lucas, que produjo una película de Kurosawa (su genial ‘Kagemusha’ de 1980) deja de dirigir aventuras hasta 1999 (y no hacía falta que volviera poniéndose el listón tan bajo). ¿Realmente la situación global, económica, social, ideológica, era tan deprimente como para renegar de las conquistas realizadas y permitir que el cine se convirtiera en un producto de consumo como la coca-cola? Parece ser que sí. Los malos, quien quiera que sean, habían ganado en 1985, justo cuando parecía que ocurriría todo lo contrario.

De pronto, el gran cine, el cine que propone valores estéticos, narrativos, conceptuales, visuales, filosóficos, morales, técnicos, intelectuales… ese cine, que forzosamente es el más personal y el más difícil de consumir por parte del espectador, porque le supone un cierto nivel y una lucha consigo mismo y con la sociedad cínica que le ha tocado vivir, ese, es el cine raro, incomprensible, aburrido, pagado de sí mismo, extraño y por lo tanto elitista y propio de esnobs. Mientras que el cine académico, canónico, ese que tuvo su tiempo y lugar varias décadas atrás, el que se preocupa antes de la historia que de la forma, es el mejor valorado, el válido y de calidad. Pero, por suerte, el pasado nunca vuelve (por mucho que algunos se empeñen) y este retroceso estético y narrativo se rompe en mil pedazos cada vez que un verdadero artista coge una cámara. Porque puede que 1986 fuera un punto de inflexión, de no retorno, que murieran o quedaran mudos los grandes maestros, pero llegaron otros grandes artistas que poco a poco les sustituyeron.

Como Zhang Yimou, que justo empieza su legendaria carrera en 1988, se lleva el Oso de Oro en Berlín y prepara el camino para la más gloriosa etapa del cine chino de todos los tiempos. Como la plenitud de David Lynch o Martin Scorsese. Como el relevo de los grandes directores de aventura desaparecidos, recogido el testigo por el insigne James Cameron, cuyas cimas de acción pura todavía no han sido superadas. Con otros como David Cronenberg, Jim Jarmusch, los hermanos Coen, Bertrand Tavernier, Wim Wenders… intenta recuperarse Polanski (y lo logrará en el futuro), Oliver Stone se planta en el panorama americano como un gran director, el cine indie neoyorquino vuelve a sus orígenes. Poco a poco, como islas en medio de un océano gris, un cine vivo y que recoge el pulso y la vida de su tiempo, va haciendo acto de presencia. A menudo con cuentagotas, pero afianzándose, hasta llegar a la más que interesante época que comienza en 1998 y que llega hasta nuestros días, época que ya comentaremos.

Volvemos de nuevo a contaros cosas interesantes que ocurren y que nos cuentan en la red, pero desde otras páginas, webs o blogs diferentes al nuestro. Cuestiones que se nos han pasado o a las que no hemos podido dedicar el tiempo y el espacio suficiente en Blogdecine. Con este repaso bimensual, esperamos remediar esas lagunas o, por lo menos, traeros un breve compendio de temas que seguro os interesarán para informaros una tarde de domingo:

• Los chicos de la estupenda revista audiovisual Extraños en el paraíso nos avisan de que en el Museo del ABC (C/ Amaniel 29, 31 [M] San Bernardo – Madrid) expondrán, hasta el próximo 12 de junio, ciento veinte dibujos originales de Akira Kurosawa, pertenecientes en su mayoría a story-boards de algunas de sus más bellas películas. Además, acompañan a estos dibujos algunas piezas de vestuario y fragmentos de sus películas, por los que ningún amante del cine de Kurosawa, uno de los directores más importantes de la historia del cine, debería perderse esta oportunidad.

• La incombustible página Microsiervos nos trae un divertido juego. Los ejemplos de interfaces de ordenador creados para películas son innumerables, y quizá con un vistazo seamos, o no, capaces de recordar de qué título es ese interfaz en concreto. Una curiosidad a la que merece la pena echar un vistazo.

• En Videodromo nos hacen un pequeño resumen de la clase magistral que Michael Radford dio hace pocas horas en la Mostra de Valencia, y que al parecer fue de lo más interesante. Cuestiones tales como la interpretación, el casting, los ensayos o el subtexto. Siempre viene bien escuchar a gente con experiencia que te cuenta de primera mano el trabajo diario de un director de cine, ya sea en pre-producción como en rodaje.

• La web Filmarketing sigue proponiendo material de calidad, y ahora nos cuelga un espectacular trailer, con imágenes del venidero documental de la BBC ‘Human Planet’, que promete seguir poniendo el listón muy alto (tanto temática como narrativamente) en esto del cine documental. No todo en la vida es aguantar cine de ficción, muchas veces predigerido y prediseñado, también hay imágenes plenamente cinematográficas que nos muestran el mundo en que vivimos.

• Nuestros compañeros de ZonaFandom nos cuentan que ya se está preparando la versión cinematográfica (animada, gracias a Dios que algunos aún tienen algo de cabeza..) de uno de los juegos más adictivos, salvajes y mejor hechos de los últimos tiempos, el ‘Mass Effect’ (cuya segunda parte es una gozada indescriptible), y que verá la luz en 2012, a cargo de T.O. Entertainment. Conque sea la mitad de intensa del juego, ya tienen batantes adeptos ganados.

Y eso es todo por esta semana. No dudéis, lectores de Blogdecine, en mandarnos cualquier sugerencia o página que consideréis debería ir en esta sección, que seguramente tengan su hueco. Podéis escribirnos desde nuestro formulario de contacto.

Como sabréis, el pasado martes se cumplieron cien años del nacimiento de uno de los más grandes directores de toda la Historia. El 23 de marzo de 1910 nacía en Tokio Akira Kurosawa, “El emperador”, el maestro japonés más occidental, el responsable de obras de arte tan influyentes como ‘Rashomon’ (1950) o ‘Los siete samuráis’ (1954). No hemos hablado mucho sobre este fundamental cineasta en Blogdecine, así que vamos a aprovechar su centenario para llenar un poco ese vacío.

Descendiente de auténticos samuráis, Kurosawa empezó su relación profesional con el cine en 1938, cuando se interesó por un programa de aprendiz de director organizado por un gran estudio, el mítico Toho (de donde sale Godzilla, por ejemplo). Tras trabajar como asistente de Kajiro Yamamoto, en 1943 tiene su primera gran oportunidad dirigiendo ‘La leyenda del gran judo’ (‘Sugata Sanshiro’), una película propagandística que obtuvo un gran éxito de público; inevitablemente, los inicios del cineasta están marcados por la segunda gran guerra y el control del gobierno japonés (si bien la censura no le dejaría pasar ni una escena romántica).

Siete años tras su primer film se estrenó ‘Rashômon’, ganadora del León de Oro en la Mostra de Venecia y de un Oscar honorífico (dicen que fue la razón de crear la categoría de “mejor película de habla no inglesa”); es el título con el que Kurosawa empieza a ser conocido y venerado internacionalmente. De fuerte carácter, con fama de gran perfeccionista en los rodajes y admirador confeso de John Ford, el japonés fallecería el 2 de septiembre de 1998, cinco años después de su último trabajo, ‘Madadayo’.

A continuación, diez títulos que ningún cinéfilo puede dejar pasar, las que considero que son las diez películas imprescindibles de Kurosawa. Echad un vistazo:

• ‘El perro rabioso’ (‘Nora inu’, 1949)

En la Tokio de la posguerra, un joven detective ha perdido su pistola, y con ella su honor. Para colmo, el arma es usada para el crimen, por lo que el protagonista deberá hacer lo imposible por resolver el caso, en una búsqueda que le llevará por los bajos fondos de la ciudad. Por suerte no está solo, le acompaña un veterano policía del que aprenderá más de una lección. Una de las joyas de cine negro que rodó Kurosawa, asfixiante (casi se nota el calor) y entretenidisíma, protagonizada por los sensacionales Toshiro Mifune y Takashi Shimura.

• ‘Rashômon’ (1950)

Una de las míticas, de imprescindible visionado para cualquier aficionado al cine. En esta ocasión, Kurosawa nos traslada al siglo XII, donde, bajo las ruinas de un templo, se habla sobre un complicado caso asesinato. Al parecer, un bandido ha sido acusado de haber matado a un señor feudal y de violar a su esposa, pero… ¿quién dice la verdad? La película se hizo famosa por su estructura dividida, para mostrar las diferentes versiones de los implicados en el crimen. Debería estudiarse en las escuelas.

• ‘Vivir’ (‘Ikiru’, 1952)

Una de las películas más emocionantes de este genial cineasta. Protagonizada por un impresionante Shimura, ‘Vivir’ se centra en la reflexión y el cambio de actitud de un veterano y aburrido funcionario, que se da cuenta que ha estado desperdiciando el tiempo cuando se enfrenta al final de su vida. Preciosa, humana, crítica y, de nuevo, perfectamente digerible para el público occidental.

• ‘Los siete samuráis’ (‘Shichinin no samurai’, 1954)

Japón, siglo XVI. Un pueblo de campesinos está harto de tener que entregar sus cosechas a una banda de ladrones, así que deciden contratar a un grupo de mercenarios para que los defiendan. Y así da comienzo una auténtica gozada de más de tres horas; fotografía impresionante, ritmo endiablado, personajes memorables, diálogos fantásticos, secuencias abrumadoras… Sencillamente, una de las mayores obras de arte que ha dado el cine.

• ‘Trono de sangre’ (‘Kumonosu-jô’, 1957)

Misma época. De vuelta a casa tras una contienda victoriosa, un general se encuentra con una anciana que le revela un destino de riqueza y poder. Desde ese momento, e influido poderosamente por su mujer, el general quedará envenenado y no se detendrá ante nada por cumplir su destino. Kurosawa adapta ‘Macbeth’ de Shakespeare, resultando una película fascinante, con uno de los finales más impresionantes de su filmografía.

• ‘La fortaleza escondida’ (‘Kakushi-toride no san-akunin’, 1958)

De nuevo, el Japón feudal del siglo XVI, pero ahora como fondo para un espectacular film de aventuras centrado en un samurái que debe escoltar a una princesa por tierras enemigas. Una de las películas más famosas de Kurosawa, aunque el motivo sea lo mucho que llegó a influir en George Lucas y su saga de ‘Star Wars’. Para muestra, los dos entrañables personajes de la imagen, que acabarían siendo convertidos en R2D2 y C3PO.

• ‘Yojimbo’ (1961)

Otro de los títulos más famosos del realizador. Esta vez saltamos al siglo XIX, y seguimos el camino de un misterioso y poderoso samurái, que llega a un pequeño pueblo destruido por la violenta rivalidad de dos clanes. La película fue versionada posteriormente por Sergio Leone, provocando una demanda por plagio; curiosamente, la trama proviene de ‘Cosecha roja’, de Dashiell Hammet, y es lo más parecido a un western que ha rodado Kurosawa en su vida, como señalaba Alberto en su crítica. El final es antológico y ha sido copiado en muchas ocasiones.

• ‘El infierno del odio’ (‘Tengoku to jigoku’, 1963)

Si tuviera que quedarme con cinco títulos, me sería imposible prescindir de éste. Extraordinario drama criminal centrado en un secuestro. El asunto es que el secuestrador cree haberse llevado al hijo de un importante hombre de negocios, pero en realidad ha raptado al de uno de sus empleados. Es una película maravillosa, completísima, que esconde muchas sorpresas y que obliga a reflexionar sobre la vida y la justicia. También tiene otro gran desenlace.

• ‘Barbarroja’ (‘Akahige’, 1965)

Ambientada en el siglo XIX, la historia se centra en un joven arrogante que regresa a su hogar tras acabar sus estudios de medicina, siendo destinado a una clínica desastrosa dirigida por un doctor al que llaman Barbarroja. De nuevo, la relación entre el maestro y el aprendiz en otra obra maestra que desgraciadamente supuso el punto y final de la mítica relación entre Kurosawa y Mifune, que por cierto aquí está especialmente inspirado, componiendo un personaje inolvidable. Tres horas de puro cine.

• ‘Dersu Uzala, el cazador’ (‘Dersu Uzala’, 1975)

Un explorador del ejército ruso se pierde en tierras siberianas, donde tiene la fortuna de encontrarse con un pequeño y experto cazador nómada que le ayudará a sobrevivir y entender un modo de vida diferente. Basada en las experiencias reales de Vladímir Arséniev, se llevó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y a pesar de lo que pueda parecer a simple vista (dos horas y media, y temida producción rusa), es unos de sus trabajos más entretenidos y emotivos del cineasta; es una película humilde y preciosa que se graba en la memoria.

Recientemente, en uno de esos debates que tanto me gusta iniciar por la sola intención de hablar de algo más que de pósters, tráilers y blockbusters basados en famosos cómics, alguien comentó algo en torno a la violencia en el cine, un tema que a lo largo de los años, hasta la actualidad (y lo que te rondaré, morena), siempre ha estado en boca de todos, y que es empleado, de cuando en cuando, por los medios de comunicación de forma asquerosamente manipuladora e ignorante. Pero es lo que hay en estos tiempos de bienpensantes y de bienintencionados que, a mi modo de ver, no tienen mucha idea de cómo funciona el ser humano ni de para qué sirve el arte.

Vayamos al grano y cojamos al toro por los cuernos, argumentando una idea que ya dejé más o menos esbozada en aquella locura de texto en torno a ‘300’: no existen gran arte, esto es, un arte importante, que sobreviva al tiempo, sin violencia, sin una investigación sincera y valiente de por qué el hombre es esta criatura ambivalente y terrible, incapaz de madurar sin dolor y sin sufrimiento. De la capacidad del artista para introducir la violencia, o simplemente para entenderla, depende, por ejemplo, encontrarse ante una buena película o una película que no valga la pena. Así de sencillo. Me explico.

Quizá lo mejor sería también dejar claro qué es violencia para el que suscribe esta entrada. Porque si acudimos a la RAE lo que aparece es lo siguiente:
violencia.

(Del lat. violentĭa).

1. f. Cualidad de violento.

2. f. Acción y efecto de violentar o violentarse.

3. f. Acción violenta o contra el natural modo de proceder.

4. f. Acción de violar a una mujer.

Pero esto seguramente les sepa a poco a la mayoría, a mí incluido. Yo creo que lo que entendemos todos por violencia en realidad es una concepción muy reduccionista de ella. Porque supongo que estaremos de acuerdo en que la violencia es algo más que ríos de sangre y de casquería fina. Eso, más bien, es grafismo gore. Morbo (que a veces comparto, todo sea dicho…) por presenciar la destrucción del cuerpo humano, su fragilidad material. Pero violentarme, lo cierto es que no me violenta nada, la mayoría de las veces. Puede impresionarme por su salvajismo o asquearme, o provocarme rechazo, pero para que me violenten algo más tiene que suceder en la pantalla.

Estoy por afirmar que la violencia es imprescindible para crear una buena película. Ahora bien, cualquiera le dice algo como esto a un profesor de comunicación audiovisual, o a un periodista de espectáculos, y se te queda mirando como si acabaras de llegar de marte. Pero es que el arte ha de provocar una intensa conmoción emocional, ese milagro que tan raras veces ocurre y que tanto tiene que ver con violentarse, con despertarse de un estado de modorra intelectual en el que se acepta lo que hay. Por eso quizá el arte ha de ser incómodo, desagradable por naturaleza, aunque sólo sea a un nivel muy sutil.

A mi modo de ver, el arte comienza y termina con el hombre corriente, o con el ser humano en toda su complejidad y en su terrible dualidad. Si esto es así (y creo fervientemente que es así), es imposible crear arte sin dar testimonio de la oscura violencia que le define. Porque en sí misma la violencia no es buena ni mala, es y nada más. El sexo, incluso el más cariñoso, es violento. El nacimiento de un bebé es violento. La violencia no es oscura o malvada. Es el hombre el que puede ser oscuro y malvado. Ni más ni menos. Está en nuestra naturaleza desatar la violencia de nuestro interior, pero también darle una forma creativa o destructiva. Quizás esa sea la línea que separa a los dos grandes grupos de personas: los que crean (¿artistas, o personas creativas?) con la violencia, y los que destruyen con ella.

Haciendo memoria conozco pocas secuencias más violentas en toda la historia del cine que aquella en la que George Bailey (inolvidable James Stewart) golpea a su amigo Bert (fordiano, como siempre, Ward Bond) después de que su mujer huya de él porque ni siquiera le reconoce, en la que quizá sea una de las más hermosas películas que he visto jamás, ‘It’s a Wonderful Life’. He de reconocer que cada vez que veo este momento doy un respingo involuntario en mi asiento. Me siento literalmente como si fuera yo el que golpease a ese personaje, y no sólo eso, siento la culpa de haberlo hecho y la ceguera de la locura que embarga a George Bailey. El drama de esa película (no olvidemos que dram en griego significa acción) está tan bien formalizado, es tan intenso, que la violencia te purifica.

Me parece el mejor ejemplo para argumentar que la violencia en el arte ejerce, cuando es un arte elevado e importante, de catarsis emocional, de liberación. Por eso quizá es tan importante que el artista sea tan honesto, tan sincero. De lo contrario la catarsis puede convertirse en justificación de la violencia, en espectáculo de ella, tal como sucede en la deleznable ‘La naranja mecánica’, que con la excusa de hablar sobre la violencia termina haciendo un show insufrible y divertido con ella. Si a lo largo de la historia el cine se ha enfrentado con ese problema, y ha tenido en figuras importantísimas del cinematógrafo como Akira Kurosawa u otros artistas, a personas capaces de hablar de ello y de mostrarlo de forma cruenta pero lúcida, es porque el cine está en disposición de no entregarse al morbo por el morbo, como algunos creen, y a tratar temas resbaladizos con dignidad.

Pero volveremos al tema una y otra vez, y los medios de comunicación encontrarán a sus cabezas de turco, como el ínclito Quentin Tarantino, quien una vez dijo, a tenor de una protesta de algún periodista sobre la violencia de sus películas, que haría la película más violenta de todos los tiempos algún día. ¿Cuánto nos apostamos a que sale alguien con el tema antes y durante el estreno en cines de ‘Inglourious Basterds’? Pero ya pasó con el estreno de ‘Bonnie & Clyde’, con la que Arthur Penn escandalizó a su época en cuanto al tratamiento de la violencia en el cine. No sólo había muchos tiros en aquella secuencia, sino un salvajismo psicológico lleno de desesperación. Y es que la violencia física depende de la psicológica, más aún en un mundo globalizado donde encendemos la televisión y vemos incontables muertes en genocidios de medio mundo, para después servirnos una cerveza.

“No hay nada moral o inmoral en el arte, un artista puede expresarlo todo”, decía Oscar Wilde. Sin duda para el Kubrick de ‘La naranja mecánica’ o para el Gibson de ‘La pasión de Cristo’, esto significa que pueden inundarnos de violencia sin sentido y encima vanagloriarse de lo valientes que son. Pero en mi opinión, aquel gran artista quería decir que el arte no es un medio ideológico (algo de lo podríamos hablar en otra entrada), ni de mensaje anti o pro violencia. La belleza anda por otro lado, y a lo mejor para llegar a ella no hay más remedio que mostrar lo terrible, porque en lo terrible anda encerrado lo bello, y lo bello en lo terrible.

Pero pensemos, ya para terminar, en el cuento de caperucita. Repasémoslo, pero sin el lobo. Caperucita iba a ver a su abuelita, y para eso escogió el camino del bosque, siguió andando y…siguió andando, y después siguió andando y…bueno pues al final llegó a casa de su abuelita, y juntas se comieron las galletas que le había hecho su madre. ¿A quién le importa ese cuento sino aparece el lobo, es decir, la violencia, la tensión? De hecho, queremos que aparezca el lobo. ¿Cómo íbamos sino a aprender que hay que tener cuidado cuando vas solo por un bosque sombrío?

Si aún no habéis visto ‘El infierno del odio’ de Akira Kurosawa, y os gusta el cine, deberíais poneros a ello cuanto antes. Un tenso thriller sobre el secuestro por error del hijo del chófer de un importante hombre de negocios. Es enormemente claustrofóbico, y su influencia en la narrativa cinematográfica posterior es evidente en la obra de muchos directores conocidos (como sucede con muchos de los trabajos de Kurosawa). Protagonizada por un inmenso, como casi siempre, Toshirô Mifune, la tenéis editada en dvd. Ahora, en estos tiempos de remakes innecesarios, pronto seremos testigos de la reescritura, en todos los aspectos, de esta película.

Hace años que Martin Scorsese tiene los derechos del mismo, por lo que prestará servicios de productor para el proyecto en cuestión. Del guión se encarga el siempre interesante David Mamet. Hasta aquí todo bien, pero que el director encargado de poner en imágenes la nueva versión sea Mike Nichols es algo que me hace temer lo peor. No es que considere a Nichols un inepto, películas como ‘Lobo’ o ‘Armas de mujer’ demuestran lo contrario, y suele ser un buen director de actores. Pero es lo bastante impersonal como para que caiga en sus manos una película de tal talante.

Vía | Las Horas Perdidas

El día 6 de septiembre se cumplirán diez años de la muerte de Akira Kurosawa, que había nacido el 23 de marzo de 1910.

‘Rashomon’ fue muy aclamada en su momento y se consideró innovadora gracias a la estructura con diferentes puntos de vista que mostraba. Su estreno se produjo en Japón el 26 de agosto de 1950 y aún hoy en día cuando un film hace un juego de perspectivas similar se recuerda el guión de Kurosawa. Cuando se exportó la película al año siguiente, obtuvo, entre otros reconocimientos, el León de Oro de Venecia en el Festival de 1951 y el Oscar a la mejor película de habla extranjera.

Debido a esta importancia, se está realizando una restauración digital que se estrenará el 18 de septiembre en el Samuel Goldwyn Theater de Beverly Hills como acontecimiento especial dentro de la retrospectiva titulada ‘Akira Kurosawa: Film Artist’.

Kadokawa Culture Promotion Foundation, el Centro Cinematográfico Nacional de Japón, The Film Foundation de EE. UU. y The Academy of Motion Picture Arts and Sciences están financiando la restauración, que está supervisada por Michael Pogorzelski, director del Archivo Fílmico de la Academia estadounidense.

Es la primera película japonesa de la que la academia norteamericana realiza una restauración, aunque se habían restaurado hasta la fecha ‘El héroe sacrílego’ (‘Shin Heike Monogatari’, 1955), de Kenji Mizoguchi; ‘24 ojos’ (‘Nijushi no hitomi’, 1954), de Keisuke Kinoshita, y ‘El castillo de arena’ (‘Suna no utsuwa’, 1974), de Yoshitaro Nomura.

La restauración de ‘Rashomon’ consiste en un escaneado digital en 4K, en la reparación de los daños y de la información digital y en el rodaje del resultado digital en celuloide para producir un nuevo negativo. Se lleva a cabo en el laboratorio Lowry Digital y YCM. La remasterización del sonido se hace en DJ Audio y Audio Mechanics (todos ellos se encuentran en Burbank, California).

Fuente | Kadowa Pictures.