Uno año más, aunque quizás este con especial énfasis, las nominaciones al Oscar proclamadas por Hollywood se mueven en la complacencia, el aburrimiento, la falta de riesgo y de justicia. Nada nuevo sobre el cielo, aunque centrándonos en el apartado de las bandas sonoras esto se hace aún más evidente.

Tenemos a una favorita, que como al film que acompaña, suena a imposible creer que no ganará la dorada estatuilla. A un genio que hace doblete, otro habitual que se cuela sin mucho ruido y a nuestro favorito. Y no sólo por un compositor patrio. Pero desgranemos las nominaciones, escuchando de fondo las bandas sonoras nominadas al Oscar 2012 y veamos sus posibilidades reales y las olvidadas.

‘The Artist’ por Ludovic Bource

En una película de estas características, donde se apuesta por el silencio de los actores, la música cobra especial protagonismo. No es de extrañar que el score de Ludovic Bource juegue un papel primordial en el film. Y buen parte de su éxito en la carrera de premios que llega. Pero a pesar de tener detractores que le acusan de “beber” de otras músicas, de diversos temas, de ser una especie de refrito, lo cierto es que la banda sonora cumple con las preferencias de la Academia de Hollywood. Y más para lo que ya se ha encalomado como la película de la temporada.

El compositor francés, casi un desconocido, aporta ese punto original a una historia de otra época y consigue trasladar el aire nostálgico y evocador que transmite el film. Aún así, no es que sea una de esas bandas sonoras que entusiasmen con suficiente profundidad. Ya veremos si pasado el hype de ‘The Artist’ Bource logra otro trabajo de suficiente altura. De momento, esta es la favorita y es difícil imaginarse que no gane.

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‘War Horse’ y ‘Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio’, por John Williams

La doble nominación para un maestro como Williams puede sonar a meritorio, pero lo cierto es que puede pesar en su contra. Precisamente a la hora de repartir votos no suele ser buen indicador poseer opciones por duplicado. Aunque no vamos a negar que el trabajo en el film animado de Spielberg es magnífico, quizás parezca excesiva la nominación, o mejor, muy conservadora si echamos un vistazo a otras opciones descartadas y con suficiente o más méritos.

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No podemos pensar lo mismo de ‘War Horse (Caballo de batalla)’, donde sí que logra un score a la altura de lo que se puede esperar de su genialidad, experiencia y saber hacer. Temas románticos, evocadores, que subrayan el drama y que demuestra que Williams es capaz de dar una lección soberbia de maestría. Si no tuviéramos a la película silente tan bien situada, el Óscar debería recaer en las manos, nuevamente, de este genio.

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‘La invención de Hugo’, por Howard Shore

Gran trabajo el de Shore para el film fantástico de Scorsese. Ha sabido darle la magia, envolver con una gran orquestación el ambiente y ese tono parisino peculiar. Es un trabajo muy completo del veterano Shore y era sin duda una de las grandes favoritas. Teniendo ‘La invención de Hugo’ una banda sonora espléndida nos tememos que no será la premiada, aún cuando no debería sorprender porque el trabajo es de gran calidad. Un score muy completo, que suena a magia y al nivel de los mejores trabajos del compositor.

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‘El topo’, por Alberto Iglesias

Ha llegado por méritos propios a estar entre las nominadas. Dejar fuera este año a Alberto Iglesias era poco menos que un sacrilegio. También hubiera tenido cabida su trabajo para ‘La piel que habito’, ya que con ambas ha demostrado ser el compositor más inspirado y evocador del año.

Con este trabajo, Alberto Iglesias demuestra lo que es capaz de hacer, capaz de sumergirse en clima de espionaje de la historia del film. Una auténtica joya de banda sonora, repleto de cortes soberbios que acompañan el suspense de la trama y que pone al compositor español en la cúspide de entre los grandes compositores actuales. Un trabajo sobrio, muy clásico, perfectamente acoplado, sin fisuras. Muy meritoria la nominación, pero mucho nos tememos que esto ha sido ya el máximo premio que le esperaba este año por parte de Hollywood.

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Las olvidadas: bandas sonoras que hubieran merecido la nominación

No podemos concluir este repaso musical a las nominaciones al Oscar 2012 sin recordar los trabajos que bien merecían haber logrado estar entre los cinco finalistas. Desde Desplat por ‘El árbol de la vida’ (aunque pase muy desapercibida en el film, no le resta un ápice de brillantez)

• Alan Silvestri por ‘Capitán América’

• El incombustible John Powell por ‘Rio’ (que sí cuela una canción como nominada)

• Michael Giacchino por ‘Super 8’

• Hasta Henry Jackman por ‘X-Men: primera generación’.

¿Cuáles echáis de menos y cuál es vuestra favorita? es la hora de las apuestas.

En Blogdecine: Oscar 2012 | Nominaciones

Hace unos minutos se han dado a conocer las nominaciones a los Oscar 2012. Lo cierto es que habido alguna que otra sorpresa, pero la más llamativa ha sido la presencia de ‘Tan fuerte, tan cerca’ en la categoría de mejor película y la ausencia de ‘Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio’ en cinta de animación. Hace unos días que ya conocíamos que ‘Pa negre’ no iba a estar nominada, por lo cual su ausencia no nos pilla por sorpresa, pero la presencia española la tenemos con ‘Chico & Rita’ en la categoría de mejor película animada, a la que hay que añadir la nominación para Alberto Iglesias en mejor banda sonora. ‘La invención de Hugo’ es la película más nominada (opta a 11 premios), pero ‘The Artist’, con 10 nominaciones, se presenta como la gran favorita. ¿Por cuál apostáis vosotros?

Os recuerdo que Billy Crystal volverá a presentar la gala (de la cual podéis ya ver el tráiler) este año tras la deserción de Eddie Murphy, y que la entrega de los Oscar 2012 se hará el próximo 26 de febrero. Os dejo ya con la lista de candidatos al Oscar de 2012.

Mejor película

• ‘The Artist’
• ‘Los Descendientes’ (‘The Descendants’)
• ‘Tan fuerte, tan cerca’ (‘Extremely loud and extremely close’)
• ‘Criadas y señoras’ (‘The help’)
• ‘La invención de Hugo’ (‘Hugo’)
• ‘Midnight in Paris’
• ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ (‘Moneyball’)
• ‘El árbol de la vida’ (‘The tree of life’)
• ‘War Horse (Caballo de Batalla)’ (‘War Horse’)

Mejor dirección

• Michel Hazanavicius por ‘The Artist’
• Alexander Payne por ‘Los Descendientes’
• Martin Scorsese por ‘La invención de Hugo’
• Woody Allen por ‘Midnight in Paris’
• Terrence Malick por ‘El árbol de la vida’

Mejor guión adaptado

• ‘Los Descendientes’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Los idus de marzo’ (‘The ides of march’)
• ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
• ‘El topo’ (‘Tinker, tailor, soldier, spy’)

Mejor guión original

• ‘Nader y Simin, una separación’ (‘Jodaeiye Nader az Simin’)
• ‘The Artist’
• ‘La boda de mi mejor amiga’
• ‘Margin call’
• ‘Midnight in Paris’

Mejor actor

• Demián Bichir por ‘A better life’
• Jean Dujardin por ‘The Artist’
• George Clooney por ‘Los Descendientes’
• Brad Pitt por ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
• Gary Oldman por ‘El topo’

Mejor actor de reparto

• Christopher Plummer por ‘Beginners (Principiantes)’
• Max von Sydow poe ‘Tan fuerte, tan cerca’
• Jonah Hill por ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
• Nick Nolte por ‘Warrior’
• Kenneth Branagh por ‘My week with Marilyn’

Mejor actriz

• Glenn Close por ‘Albert Nobbs’
• Rooney Mara por ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The girl with the dragon tattoo’)
• Viola Davis por ‘Criadas y señoras’
• Meryl Streep por ‘La dama de hierro’ (‘The iron lady’)
• Michelle Williams por ‘My week with Marilyn’

Mejor actriz de reparto

• Janet McTeer por ‘Albert Nobbs’
• Bérénice Bejo por ‘The Artist’
• Melissa McCarthy por ‘La boda de mi mejor amiga’

Mejor película de animación

• ‘A cat in Paris’
• ‘Chico & Rita’
• ‘Kung Fu Panda 2’
• ‘El gato con botas’ (‘Puss in boots’)
• ‘Rango’

Mejor película de habla no inglesa

• ‘Bullhead’ (Bélgica)
• ‘In darkness’ (Polonia)
• ‘Footnote’ (Israel)
• ‘Profesor Lazhar’ (‘Monsieur Lazhar’) (Canadá)
• ‘Nader y Simin, una separación’ (Irán)

Mejor dirección artística

• ‘The Artist’
• ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Midnight in Paris’
• ‘War Horse (Caballo de batalla)’

Mejor fotografía

• ‘The Artist’
• ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘El árbol de la vida’
• ‘War Horse (Caballo de batalla)’

Mejor diseño de vestuario

• ‘Anonymous’
• ‘The Artist’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Jane Eyre’
• ‘W.E.’

Mejor largometraje documental

• ‘Hell and back again’
• ‘If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front’
• ‘Paradise Lost 3: Purgatory’
• ‘Pina’
• ‘Undefeated’

Mejor corto documental

• ‘The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement’
• ‘God Is the Bigger Elvis’
• ‘Incident in New Baghdad’
• ‘Saving Face’
• ‘The Tsunami and the Cherry Blossom’

Mejor montaje

• ‘The Artist’
• ‘Los Descendientes’
• ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’

Mejor maquillaje

• ‘Albert Nobbs’
• ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2’
• ‘La dama de hierro’

Mejor banda sonora

• ‘Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio’
• ‘The Artist’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘El topo’
• ‘War Horse (Caballo de batalla)’

Mejor canción original

• Man or muppet de ‘Los Muppets’
• Real in Rio de ‘Rio’

Mejor cortometraje de animación

• ‘Dimanche/Sunday’
• ‘The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore’
• ‘La Luna’
• ‘A Morning Stroll’
• ‘Wild Life’

Mejor cortometraje de ficción

• ‘Pentecost’
• ‘Raju’
• ‘The Shore’
• ‘Time Freak’
• ‘Tuba Atlantic’

Mejor sonido

• ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
• ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’
• ‘War Horse (Caballo de Batalla)’

Mejor montaje de sonido

• ‘Drive’
• ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’
• ‘War Horse (Caballo de Batalla)’

Mejores efectos visuales

• ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2’
• ‘La invención de Hugo’
• ‘Acero puro’ (‘Real steel)’
• ‘El origen del planeta de los simios’
• ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’

PD: ¿Os atrevéis a hacer ya vuestra quiniela?

Vía | Web Oficial de los Oscar

Hace apenas unos minutos Lluis Homar e Inma Cuesta anunciaban las candidaturas a los Goya 2012, los cuales premiarán las mejores películas españolas de 2011, y así sabremos qué cinta nacional tomará el testigo de ‘Pa Negre’, la gran triunfadora de la pasada edición. No obstante, fue una pena que las bodas de plata de los Goya estuvieron marcadas por la polémica entorno a la dimisión de Álex de la Iglesia, por aquel entonces presidente de la Academia, lo cual hizo que el principal foco de interés de la gala fuese ver las reacciones de Angeles González-Sinde, en especial por el primer momento en el que coincidiese en público con el director de ‘Muertos de risa’.

Una vez descubiertas las nominaciones, podemos decir que la gran triunfadora es ‘La piel que habito’ al llevarse 16 nominaciones, algo en lo que quizá tenga que ver el hecho de que Almodóvar haya reingresado en la Academia tras haberla abandonado allá por el 2004. En segunda posición queda ‘No habrá paz para los malvados’ (elegida por vosotros como mejor película española de 2011) con 14, seguida por ‘Eva’ con 12 (aunque se queda sin el premio gordo de la nominación a mejor película), ‘Blackthorn’ con 11 y ‘La voz dormida’ con 9. De hecho, hay no pocas categorías que están dominadas por las cuatro películas con un mayor número de nominaciones, en lo que me parece una opción muy poco arriesgada, ya que cuesta creer que coincida que sean las mejores en tantas categorías. También llama la atención que ‘Midnight in Paris’ haya sido reconocida en las nominaciones como española, pero luego se la haya omitido para los premios más importantes de esta edición número 26 de los premios del cine español.

Conviene recordar que el Goya de honor de este año es para Josefina Molina, siendo así la tercera mujer que lo recibe, y la primera directora. Se ve que la llegada de Enrique González Macho a la dirección de la Academia va a intentar equilibrar un poco esta injusticia. Os recuerdo también que este año Eva Hache sustituye a Andreu Buenafuente como presentadora en esta 26ª entrega de los Goya, la cual se llevará a cabo el próximo 19 de febrero, apenas una semana antes de que sepamos los ganadores de los Oscar. Os dejo con la lista completa de candidatos.

Mejor Película

• ‘Blackthorn’

• ‘La piel que habito’

• ‘La voz dormida’

• ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Dirección

• Mateo Gil por ‘Blackthorn’

• Pedro Almodóvar por ‘La piel que habito’

• Benito Zambrano por ‘La voz dormida’

• Enrique Urbizu por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Interpretación Masculina Protagonista

• Daniel Bruhl por ‘Eva’

• Antonio Banderas por ‘La piel que habito’

• Luis Tosar por ‘Mientras duermes’

• José Coronado por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Interpretación Femenina Protagonista

• Verónica Echegui por ‘Katmandú, un espejo en el cielo’

• Salma Hayek por ‘La chispa de la vida’

• Elena Anaya por ‘La piel que habito’

• Inma Cuesta por ‘La voz dormida’

Mejor Dirección novel

• Paula Ortíz por ‘De tu ventana a la mía’

• Kike Maillo por ‘Eva’

• Paco Arango por ‘Maktub’

• Eduardo Chapero-Jackson por ‘Verbo’

Mejor Guión adaptado

• Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca y Rosanna Cecchini por ‘Arrugas’

• Icíar Bollaín por ‘Katmandú, un espejo en el cielo’

• Pedro Almodóvar por ‘La piel que habito’

• Benito Zambrano e Ignacio del Moral por ‘La voz dormida’

Mejor Guión original

• Miguel Barros por ‘Blackthorn’

• Martí Roca, Sergi Belbel, Cristina Clemente y Aintza Serra por ‘Eva’

• Woody Allen por ‘Midnight in Paris’

• Enrique Urbizu y Michel Gaztambide por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Actor revelación

• José Mota por ‘La chispa de la vida’

• Jan Cornet por ‘La piel que habito’

• Marc Clotet por ‘La voz dormida’

• Adrián Lastra por ‘Primos’

Mejor Actriz revelación

• Blanca Suárez por ‘La piel que habito’

• María León por ‘La voz dormida’

• Michelle Jenner por ‘No tengas miedo’

• Alba García por ‘Verbo’

Mejor Interpretación masculina de reparto

• Juan Diego por ’23-F: La película’

• Lluis Homar por ‘Eva’

• Juanjo Artero por ‘No habrá paz para los malvados’

• Raúl Arévalo por ‘Primos’

Mejor Interpretación femenina de reparto

• Maribel Verdú por ‘De tu ventana a la mía’

• Pilar López de Ayala por ‘Intruders’

• Ana Wagener por ‘La voz dormida’

• Goya Toledo por ‘Maktub’

Mejor Película Documental

• ‘30 años de oscuridad’

• ‘El Cuaderno de barro’

• ‘Escuchando al juez Garzón’

• ‘Morente’

Mejor Música Original

• Lucio Godoy por ‘Blackthorn’

• Evgueni Galperine y Sacha Galperine por ‘Eva’

• Alberto Iglesias por ‘La piel que habito’

• Mario de Benito por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Canción original

• Debajo del limón de ‘De tu ventana a la mía’

• Nana de la hierbabuena de ‘La voz dormida’

• Nuestra playa eres tú de ‘Maktub’

• Verbo de ‘Verbo’

Mejor Sonido

• Daniel Fontrodona, Marc Orts y Fabiola Ordoyo por ‘Blackthorn’

• Jordi Rossinyol, Oriol Tarragó y Marc Orts por ‘Eva’

• Iván Marín, Marc Orts y Pelayo Gutiérrez por ‘La piel que habito’

• Licio Marcos de Oliveira, Ignacio Royo-Villanova e Ignacio Royo-Villanova por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Dirección de Fotografía

• Juan Antonio Ruiz Anchía por ‘Blackthorn’

• Arnau Valls Colomer por ‘Eva’

• José Luis Alcaine por ‘La piel que habito’

• Unax Mendía por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Dirección Artística

• Juan Pedro de Gaspar por ‘Blackthorn’

• Laia Colet por ‘Eva’

• Antxón Gómez por ‘La piel que habito’

• Antón Laguna por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Maquillaje/Peluquería

• Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver por ‘Blackthorn’

• Concha Rodríguez y Jesús Martos por ‘Eva’

• Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero por ‘La piel que habito’

• Montse Boqueras, Nacho Díaz y Sergio Pérez por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejores Efectos Especiales

• Arturo Balseiro y Lluís Castells por ‘Eva’

• Raúl Romanillos y David Heras por ‘Intruders’

• Reyes Abades y Eduardo Díaz por ‘La piel que habito’

• Raúl Romanillos y Chema Remacha por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Diseño de Vestuario

• Clara Bilbao por ‘Blackthorn’

• Paco Delgado por ‘La piel que habito’

• María José Iglesias García por ‘La voz dormida’

• Patricia Monné por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Montaje

• David Gallart por ‘Blackthorn’

• Elena Ruiz por ‘Eva’

• José Salcedo por ‘La piel que habito’

• Pablo Blanco por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Dirección de Producción

• Andrés Santana por ‘Blackthorn’

• Toni Carrizosa por ‘Eva’

• Toni Novella por ‘La piel que habito’

• Paloma Molina por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor Película de Animación

• ‘Arrugas’

• ‘Cartago Nova’

• ‘Papá, soy un zombi’

• ‘The little wizard’

Mejor Película Hispanoamericana

• ‘Boleto al paraíso’

• ‘Miss Bala’

• ‘Un cuento chino’

• ‘Violeta se fue a los cielos’

Mejor Cortometraje de Ficción

• ‘El barco pirata’

• ‘El premio’

• ‘Matar a un niño’

• ‘Meine liebe’

Mejor Cortometraje Documental

• ‘Alma’

• ‘Nuevos Tiempos’

• ‘Regreso a Viridiana’

• ‘Virgen Negra’

Mejor Cortometraje de Animación

• ‘Birdboy’

• ‘Ella’

• ‘Quien aguanta más’

• ‘Rosa’

Mejor Película Europea

• ‘Jane Eyre’

• ‘Melancolía’ (‘Melancholia’)

• ‘The Artist’

• ‘Un dios salvaje’ (‘Carnage’)

Ubicada durante la Guerra Fría, ‘El topo’ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’, 2011), de Tomas Alfredson, adapta una de las novelas de John Le Carré para hablar de un espía británico jubilado de forma sospechosa, al que le llega la noción de que puede haber un infiltrado en su organización. Sin levantar mucho polvo y guardando la compostura, comienza a mover algunos hilos para desenmascarar al agente doble y, en el proceso, se topará con otras traiciones con las que no contaba.

La estética de ‘El topo’ está henchida de intencionalidad, aunque no se presenta llamativa en cuanto a lo que muchos llaman puesta en escena. La ambientación es feísta porque así se quiere fotografiar la época, como comentará uno de los personajes: “El Occidente se ha vuelto muy feo”. Así, aunque aparezcan envidiables vehículos y edificios singulares, no hay brillos, sino un sentir rancio o desgastado. Suponen una opción visual muy impactante esas cápsulas insonorizadas con poliespán naranja donde tienen lugar las reuniones de la cúpula. Los planos frontales de perspectiva caballera se emplean muchas veces para componer espacios muy marcados. Se hace tanto aquí, como en la biblioteca que, vista desde fuera, a través de las ventanas, también compone un bello encuadre. Al tratarse de un film de espionaje, se utilizan mucho estas visiones a través de los vidrios y destaca, en este sentido, en particular, la escena que transcurre en un único plano y que se nos muestra dividida por cuatro ventanas iguales por las que va desfilando una mujer que acaba de descubrir otro tipo de deslealtad.

El montaje de Dino Jonsäter es una de los labores que más sobresalen del film, al ejecutarse con valentía, con uso de elipsis dentro del plano que casi lo convierten en descontinuo –jump-cuts–, además de con un modo ágil de desplegar algunas escenas como si fuesen retazos, sin dejar que concluyan y tomándolas principiadas. Alfredson escoge la opción sobria de no marcar sobre pantalla con carteles en qué ciudad transcurre cada secuencia o de no emplear transiciones que dejen claro cuándo se produce un salto atrás en el tiempo. Si bien esta elegancia lo ennoblece, habrá que dignarse acometerla cuando sean otros elementos los que den la pista de si nos encontramos en el flashback o en el tiempo real o establezcan la ubicación ya que, tal como está, exige que sea el espectador quien adivine más que deduzca estas cuestiones. La música de Alberto Iglesias acompaña perfectamente al conjunto, marcando sin disimulos todas las emociones que se quieren transmitir.

Se hallan en este thriller excelentes instantes, no exentos de tensión, como la consecución de escenas que contienen el momento en el que el espía que ejecuta los deseos del protagonista debe colarse en los archivos y extraviar un librito. Pero estos momentos no suponen la mayor parte del metraje. No obstante ese brío en el cambio de los planos, el ritmo de ‘El topo’ es pausado. No critico que predominen los diálogos –por otra parte, grandiosos– o que todo se ejecute con calma, ya que es el modus operandi en los films de espionaje, género que disfruto siempre. Pero el tempo interno de las escenas no ha de relacionarse necesariamente con el ritmo del progreso del argumento, es decir, con la velocidad con la que se introduce nueva información o se suceden los giros. Si bien lo primero me parece perfecto que se haga con parsimonia y no estoy pidiendo acción ni trepidancia, en lo segundo encuentro que el film resulta torpe a la hora de comenzar a entrar en la cuestión principal y que da muchos palos de ciego al inicio, pasado el magnífico arranque en Budapest, para llegar por fin a centrarse en la investigación cuando hace su aparición hijo pródigo, Ricky Tarr.

Esto puede deberse, claro está, a que las pesquisas se sitúan en segundo término de transcendencia con respecto a las cuestiones personales. En efecto, la intriga por conocer resolución poco atrapa ya que, si los whodunnit o las novelas de Agatha Christie son denostados porque todo consiste en elegir –pinto, pinto, gorgorito– entre varios sospechosos, aquí el interés es aún menor al tratarse de una fórmula idéntica, pero con menos opciones. Y no es nada difícil presuponer cuál de los posibles culpables despuntará como traidor.

Lo que interesa, decíamos, son los comportamientos de los personajes o lo que surca sus mentes. La opción, por principio, me parece preferible, pero ya que es la escogida, echo en falta que se trate con mayor hondura. Me engancharía percibir en el protagonista un sufrimiento interno al pasar por dilemas morales, dudas sobre su afiliación o algún sentimiento ante lo que está llevando a cabo, además de la humillación por ser cornudo. Gary Oldman realiza una buena interpretación y no es por falta de expresividad por lo que digo esto, sino porque su lealtad permanece férrea durante toda la película y, aunque eso lo pueda retratar como mejor persona, es más rico el personaje lastrado por los conflictos éticos que el entero.

De esa manera, resultan más sugestivos personajes secundarios, como el de Tom Hardy, en quien sí se perciben esos titubeos. No porque los intérpretes estén más en su línea, sino por lo que sugieren sus personajes. Así, me quedo con lo que atañe a otros, ya sea a John Hurt en su escasa, pero acertada intervención; ya sea a Colin Firth con su discreción extrema; ya sea Toby Jones, quien con su furia casi histérica es quien más me llama la atención de todo el reparto, o el comedido Mark Strong, además del ambiguo Benedict Cumberbatch. Cualquiera de ellos hace patente, mejor que el principal, el absurdo, no ya de las ideas de un bando o del otro, sino de la forma de combatir que se ponía en práctica durante la Guerra Fría. Esta crítica está entre las lecturas posibles de la película, pero no constituye la primordial y es una lástima porque, de haber sido así, podría haber supuesto lo más enriquecedor del film, ya que nos invitaría a la deliberación.

Encuentro méritos en ‘El topo’ que se refieren principalmente a la atmósfera y la plena adecuación de la propuesta al canon de los films de espionaje. Considero que contiene momentos de gran cine y secuencias nada desdeñables. Pero más allá de cuestiones o instantes determinados, el conjunto no se me antoja tan certero como habría esperado, debido a que percibo la progresión argumental deshilvanada y patosa. O a que, si lo que importa es lo personal, echo en falta que el protagonista pase por algún conflicto moral con respecto a sus ideas que sirva de plataforma para la reflexión sobre aquella época tan convulsa.

Otra crítica en Blogdecine | ‘El topo’, el lado humano de los espías, por Míkel Zorrilla.

Mi puntuación:

El próximo 24 de octubre en Hollywood se celebra la entrega de premios de su Festival de cine y uno de los galardonados será el compositor español Alberto Iglesias. Ayer se dieron a conocer el productor, guionista, director revelación y compositor, respectivamente, que recibirán su correspondiente estatuilla.

Es el inicio de la carrera de premios que en breve empezará a invadirnos con lo mejor del año. Y en esa carrera, Alberto Iglesias parte en buena posición. Este galardón del Festival de cine de Hollywood reconoce su buen trabajo realizado para dos películas de este año: ‘El topo’ (‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’), thriller dirigido por Tomas Alfredson y que se basa en una novela de John Le Carre, y la ya estrenada ‘La piel que habito’ de Pedro Almodóvar.

Tremendo el año de Alberto Iglesias que se completa con un tercer trabajo en la producción franco-española ‘Le Moine’ de Dominik Moll y que, desde luego, se convierte en uno de los más inspirados, requeridos y, esperemos, que nuevamente premiado. Con dos nominaciones al Oscar (por ‘El jardinero fiel’ y ‘Cometas en el cielo’), esperemos que no tarde mucho en conseguir la estatuilla. Méritos está haciendo.

Vía | The Hollywood Reporter
Sitio oficial | tinkertailorsoldierspymusic.com
En Spotify | Playlist de ‘Tinker, Tailor, Soldier, Spy’

Afortunadamente, evité leer crónicas sobre la película y ver enteros los tráilers, a pesar de que el bombardeo con el estreno de Almodóvar ha sido tan apabullante que resultaba casi imposible. En esta crítica no desvelaré nada que pueda estropear las sorpresas o el disfrute del film, por lo tanto, no habrá problema en seguir leyendo. Pero sí alertaría sobre el peligro de que se destripe lo más chocante ante la lectura de muchos otros documentos que pululan por todos los medios, por lo que recomendaría prudencia a los lectores que quieran ver ‘La piel que habito’ y aún no hayan acudido a las salas. En otras películas puede importar menos, pero en esta, si todavía estáis a tiempo de acercaros al cine virginalmente, os aseguro que lo pasaréis mucho mejor que si ya sabéis con qué vais a encontraros.

No es que comprenda a polarización ante la película de Pedro Almodóvar se ha dado entre la crítica, es que se produce dentro mismo de mi propio cerebro. Tanto podría admirar y loar lo que el manchego ha conseguido con este film como sumarme a quienes tachan su cinta de ridícula. Boyero declaraba no comprender los aplausos dirigidos a la película tras las risas que se escapan en momentos que no buscan la comedia. Y es que esa era mi actitud irreprimible: esas carcajadas inoportunas, esos momentos ridículos engrandecen el disfrute de este retrato de psiques enfermas en el que la única forma de penetrar es dejándose llevar y aceptando que todo vale. Por supuesto, la película no es perfecta, por supuesto, hay muchísimos momentos que al director se le escapan de las manos, pero… ¿podría ser eso lo que la hace grande? Quién sabe.

Gozándola así, quizá como se disfrutan las películas malas o como se aprecian las de calidad, esta adaptación libre de ‘Tarántula’, de Thierry Jonquet, me ha parecido la mejor propuesta de Almodóvar en varios años. Entre las últimas estaban las fallidas y las anodinas, pero en este caso, si bien podríamos aplicar el primer adjetivo, sería de manera muy relativa, y el segundo claramente no se le podría imponer jamás.

¿Cómo evaluar ‘La piel que habito’?

La pregunta que todo esto me plantea es: si no estaba en la intención de su director provocarte una reacción y esa reacción es positiva –la risa y el estupor en este caso–, ¿puedes decir que la película es, en definitiva, buena? ¿O, como al autor se le han escapado sus efectos, es necesario hablar de fallo? No sabría responder y de la respuesta es de donde debería venir mi calificación hacia ‘La piel que habito’. Si consideramos la película como un ser nacido, pero individual y autónomo, que ya no ha de responder ante sus creadores; si nos olvidamos de papá Pedro, este film podría ser grandioso, probablemente dentro de los preceptos del trash o de otro tipo de supuestos que no buscan la limpieza de un film de un único género, sino algo sui géneris, que vaya más allá. Si debemos retrotraernos a adivinar lo que hay detrás, es decir, lo que intentó hacer su autor, hablaríamos de engendro descompensado y desbordado. Aunque, por otro lado, quién nos dice que Almodóvar no se recrea también de todas esas marcas de estilo y de todos esos exabruptos que probablemente, si los viese en un film ajeno, celebraría.

Tan almodovariana como la que más

Para quienes dicen que Almodóvar está haciendo algo que se sale de su estilo: encontramos la inverosímil dicción de la señora del telediario, las pistolas guardadas en los cajones de la cocina, la exclamación de “¡Tigrinho!” o el disfraz de este, el zapato de la Cenicienta, el voyeurismo, la conveniente fortuna de lo sucedido para que en el epílogo todo encaje, los referentes al cine clásico, las ubicaciones pintorescas en La Mancha o Galicia, la música de violines que Alberto Iglesias ha compuesto emulando el terror más viejo, etc… La cinta está plagada de momentos inolvidables y, como conjunto de instantes insólitos difícilmente podría ser superada.

La fotografía de José Luis Alcaine acompaña esos grandes planos de composiciones muy estudiadas que le gustan al cineasta para armar una reproducción de grandes espacios diáfanos, limpios y de un blanco aterrador. Decisiones como la sobreimpresión entre las dos caras que divide la pantalla, los rótulos muchas veces innecesarios y sumamente ostensibles con una tipografía que es probable que Almodóvar haya elegido fea a propósito, o algunas de las imágenes de los flashbacks, que entran sin demasiada suavidad, son también retazos de la firma del autor que no oculta ni por un momento su presencia. El trato de la piel de Elena Anaya, con un retoque especial que la embellece, pero la convierte en artificial nos hace pensar, al mismo tiempo, que ni siquiera busca el realismo.

Pero también ese amour fou que se establece sin tapujos en la frase del titular –en boca del personaje de Marilia, Marisa Paredes– y que para el director no es nuevo en absoluto, pues las reminiscencias de ‘Átame’ aquí son numerosas. Que no se trate de un psicothriller de Polanski en el que el terror psicológico esté llevado y orquestado a la perfección, sino una versión retorcida e ibérica del más enfermo de todos ellos, le aporta, como decía, la grandeza que, si se quiere, se le puede encontrar al film. El juego temporal que funciona en espiral responde a esta narración enrevesada que solo se podrá comprender por completo cuando se cuente con todos los elementos.

Actores

Antonio Banderas hace un trabajo asombroso, en el que está capacitado para asustar y para reconfortar sin demasiada mediación, y en el que sabe guardar el enigma que la película se reserva durante muchos minutos para dar el mazazo buscado. Se viene diciendo que Elena Anaya está brillante. Su papel es tan confuso y bizarro –en el sentido francés de la palabra–, que me cuesta juzgar su interpretación. Marisa Paredes tiene momentos en los que parece que no se cree lo que está diciendo y otros en los que se excede en el dramatismo, pero como aportación a esa locura que es ‘La piel que habito’ resulta imprescindible. Los secundarios como Jan Cornet, Blanca Suárez, Fernando Cayo, José Luis Gómez, Eduard Fernández o Bárbara Lennie son quienes actúan de manera, digamos, normal, es decir, como si estuviesen en cualquier otra película. El ensimismamiento se lo reservan los tres principales y Roberto Álamo, en el papel que sirve de detonante y que, al mismo tiempo, más sobra de toda la cinta.

Resumiendo…

Hipnótica en su primer tramo, con los planos detalle que parecen del CSI más pulcro, absorta, desmesurada, desvergonzada, no sabría decir si sobreactuada, desquiciada, ambiciosa, valiente a más no poder… así es ‘La piel que habito’. Ni mucho menos se trata de la película para quien busque el clasicismo a la hora de narrar. No es que bordee el ridículo, sino que sobrepasa esa línea y cae de lleno en él, logrando momentos que, si se saben abrazar, pueden ser lo mejor al mismo tiempo que lo peor. El guion, escrito por Pedro y su hermano y productor, Agustín, aúna en una sola película todo lo que la familia Almodóvar nos ha estado aportando en décadas. Por una vez los saltos de tono y la mezcla de géneros podrían haber funcionado a su favor.

Otra crítica en Blogdecine | ‘La piel que habito’, enfermiza obsesión, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Anoche se clausuró la 68ª edición del Festival de Cine de Venecia, con la entrega de unos premiso que la prensa ha calificado de justos, pese a que maestros como David Cronenberg, Roman Polanski y William Friedkin, que habían recibido elogiosos comentarios, se hayan ido con las manos vacías y a que los favoritos más cacareados, como ‘El topo’, de Tomas Alfredson (’Let me In’) o ‘Life without Principle’, Johnnie To, no estén entre los galardonados. No sabemos si la crítica internacional tiene mal olfato para vaticinar los premiados o si los gustos del jurado son demasiado particulares… pero puestos a elegir, aunque sea sin haber visto ninguna de las películas a concurso, me quedaría con lo segundo.

El León de Oro a la mejor película se lo llevó ‘Faust’, una adaptación, rodada en alemán, del texto de Goethe del ruso Aleksandr Nikoláyevich Sokúrov, responsable de ‘Madre e hijo’, ‘El arca rusa’ y ‘Moloch’; que se ha calificado de “caótica pero poética”. El presidente del jurado, Darren Aronofsky, declaró antes de entregar el premio que la película había conmovido a todos los miembros del jurado por igual. Es decir que, al parecer, en esta ocasión, a diferencia del premio de Cannes a Apichatpong Weerasethakul, sí hubo unanimidad.

En las categorías actorales es donde sí aparecen películas que la prensa esperaba ver entre las premiadas. Es el caso de ‘Shame’, de Steve McQueen, por la que Michael Fassbender obtiene Copa Volpi al mejor actor, y ‘Tao Jie’ (’ A Simple Life’), de Ann Hui, que se lleva el de mejor actriz la anciana Deannie Yip.

El León de Plata a la mejor dirección fue para el chino Cai Shangjun por ‘Ren shan ren hai’ (‘People Mountain People Sea’). El gran premio del jurado fue para Emmanuele Crialese por ‘Terraferma’, mientras que el Osella al mejor guión fue para el griego Yorgos Lanthimos (‘Canino’), por ‘Alps’. El Osella a la mejor fotografía se lo llevó Robbie Ryan por ‘Cumbres borrascosas’ (‘Wuthering Heights’), y el Premio Marcello Mastroianni a los actores emergentes fue para los dos protagonistas de la japonesa ‘Himuzu’: Shôta Sometani y Fumi Nikaidô.

Asimismo, el festival rindió homenaje a Marco Bellocchio con el León a la Carrera durante una ceremonia presidida por otro Bernado Bertolucci en la que se proyectó la versión restaurada de ‘En el nombre del padre’ (‘Nel Nome del padre’, 1971).

El filme de ciencia ficción de Kike Maíllo, ‘Eva‘, presentado fuera de concurso, ha conseguido el premio dedicado a la infancia Vittorio Veneto.

En la ceremonia de clausura se proyectó ‘Damsels in Distress’, de Whit Stillman.

Lo que dijo la crítica sobre ‘El topo’

La mencionada al inicio, ‘El topo’ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’), de Tomas Alfredson, había recibido, tras su proyección, grandes elogios de la prensa: “diligente, honrada, astuta”, decía Indiwire y The Guardian se equivocaba al profetizar: “La mejor película y la clara favorita al León de Oro”. Time-Out recalcaba “maravillosa adaptación […] Excelente elenco”. Daily Mail parecía el único medio que le encontraba defectos: “La película requiere concentración. No es aburrida, pero puede parecérselo a algunos espectadores, especialmente los más jóvenes […] Oldman está estupendo y sería un justo candidato al Oscar”. También sobre el español Alberto Iglesias, aseguraban que “conseguirá una nominación al Oscar por la banda sonora. Eso se lo puedo garantizar desde ya”.

Vía | Web oficial del Festival de Venecia.

¿Podemos dejarlo para mañana? Es que el tigre me ha dejado hecha polvo.

Vera (Elena Anaya)

Aquí adoran a Pedro Almodóvar. A las ocho y media de la mañana (de ayer) teníamos el pase de su nuevo trabajo, ‘La piel que habito’, y en cuanto ha aparecido su nombre en la gran pantalla, los aplausos y los vítores han resonado con fuerza en el Gran Teatro Lumière. A estas alturas ya he visto casi todas las películas de la sección oficial del Festival de Cannes 2011 y hasta ahora no había presenciado algo semejante. Se derriten con el cineasta manchego, que ha generado mucha expectación con su llegada a la Croisette, acompañado por los protagonistas de ‘La piel que habito’. Solo Antonio Banderas le eclipsó en atención mediática, respondiendo siempre el malagueño con encanto y profesionalidad, sin rastro de divismo alguno, acercándose a la gente que le esperaba para pedir un autógrafo o una foto. Almodóvar dijo que tenía prisa. Debió dejarse la plancha encendida.

Aunque está basada en la novela ‘Tarántula’, la película es totalmente “almodovariana”; el director español se sirve de la obra de Thierry Jonquet para trasladarla a su terreno, para volver a sus personajes y sus temas, incorporando nuevas ideas pero manteniéndose fiel a su estilo. Es un trabajo que al menos superficialmente se desmarca de las historias que suele firmar Almodóvar, al incluir elementos de terror y ciencia-ficción (pudiendo atraer a espectadores que normalmente no tienen interés en su cine), pero ‘La piel que habito’ lleva su firma, es suya y de nadie más, así que sus seguidores no se sentirán decepcionados. Al margen de la codiciada Palma de Oro, que se la puede llevar perfectamente, tengo curiosidad por saber cómo funcionará esta película en taquilla, me parece demasiado siniestra para convertirse en un éxito. Lo que sí deben hacer cuanto antes es montar otro tráiler, con el lamentable teaser que lanzaron para Cannes solo provocarán más temores infundados. Visualmente es impecable, la inspirada música de Alberto Iglesias encaja como un guante y la relación entre los protagonistas es gozosamente inusual y perversa. Se agradece ver algo tan arriesgado.

El personaje principal sobre el que gira la sorprendente trama de este peculiar thriller de tortuosa venganza (se acuerda uno de Park Chan-wook en algún momento) es un respetado y ambicioso cirujano plástico obsesionado con la idea de crear una nueva piel, resistente a los mosquitos o al fuego (su mujer sufrió graves quemaduras en un accidente de tráfico). La comunidad científica rechaza por cuestiones de ética las investigaciones del doctor Robert Ledgard (interpretado por un convincente Antonio Banderas, posiblemente en su mejor papel hasta la fecha), pero él no piensa detenerse ante nada, llegando a límites insospechados. Años después de la tragedia, Robert consigue a la persona ideal en la que probar sus hallazgos. No os conviene saber más. “Es un intenso drama que a veces se inclina por el noir, a veces por la ciencia-ficción, y otras por el terror”; las palabras de Almodóvar tras acabar el montaje definitivo de su decimoctavo trabajo.

Le faltó añadir que también hay una buena dosis de comedia (a veces bruta, a veces sutil, y algunos se confunden, y se molestan porque no entienden de qué se ríen los demás) y de sexo, dando como resultado un cóctel explosivo, intenso y retorcido, terriblemente enfermizo. Comienza con tibieza ‘La piel que habito’, algo torpe presentando a Robert (las discusiones científicas son tan ingenuas que no te crees ningún diálogo) y de su única paciente/prisionera (Elena Anaya, preciosa pero desafortunada con su composición); es a raíz de la entrada del tigre, y posterior extenso flashback cuando Almodóvar toma por fin las riendas del relato con seguridad y nos sumerge en una espiral de intriga y violencia, regada de contundentes escenas sexuales y destellos humorísticos marca de la casa. Puede que alguno se sienta incómodo con tanto desfase, pero lo que pide esto es liberarse y disfrutar, pase lo que pase en la pantalla.

A la rueda de prensa, repleta de periodistas (imposible entrar si no eres rosa), acudieron el director y los protagonistas principales de su nuevo trabajo, Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez y Roberto Álamo. Almodóvar estaba encantado y no dudó en hablar de manera empalagosa de su trayectoria y su nueva película: “Empecé con la comedia pop, pasé por el melodrama… Ahora he llegado al thriller, que hoy por hoy es mi género favorito, reúne las mejores posibilidades para transitar por otros géneros… Porque yo me salto las reglas de los géneros. No se puede rodar hoy un thriller con la inocencia de los años cincuenta. De hecho, para buscar referencias pensé más en el terror, en los primeros trabajos de Fritz Lang, y durante meses estuve tentado de hacer un film a su manera, rodarla en blanco y negro y muda. Pero me di cuenta que no encajaba con la historia”. También reconoció las influencias de ‘Los ojos sin rostro’, que le fascina, y ‘Frankestein’, a lo que añadió que cree que hay algo de Prometeo, cambiando la luz por transgénesis. Por su parte, Banderas agradeció la oportunidad de volver a trabajar con Almodóvar veinte años después de ‘Átame’, aclarando que el suyo ha sido “un trabajo gestualmente económico, de tormento sin gesto, de frialdad, porque Pedro buscaba un horror frío”.

Caviaro en Cannes (II)

Continúo hoy con esta sección donde voy a intentar acercaros un poco más el festival de Cannes, sus lugares, sus normas, sus gentes, su identidad… la experiencia de estar aquí.

Ingenuo de mí, pensé que podría entrar en la rueda de prensa de ‘Midnight in Paris’, la película que abrió la 64ª edición de Cannes. Tuve que conformarme con seguirla a través de uno de los muchos monitores que hay en el enorme complejo del Palais des Festivals.

Sí pude entrar en la de ‘The Artist’, una de las películas más afortunadas de la sección oficial. Jean Dujardin se quitó la chaqueta y se puso a firmar autógrafos a todo el que se lo pidió. Conté los asientos para prensa: 150. Y somos más de 4.000 acreditados. Entran los que tienen acreditación rosa y se cierran las puertas. Incomprensible.

Si estás acreditado, te quedaste fuera de la rueda de prensa y quieres una foto o un autógrafo, puedes quedarte esperando en la puerta del “WiFi Cafe”, una de las dos salas que tenemos reservadas para trabajar. En la imagen, Tilda Swinton, que visitó Cannes por ‘We Need To Talk About Kevin’, también de la sección oficial.

Por ahí en medio está Brad Pitt, tras la rueda de prensa de la apasionante ‘The Tree of Life’. Si ampliáis mucho la imagen, con uno de esos fantásticos programas de las series policiacas estadounidenses, es posible que veáis la barba del actor. Mucha gente, muchos nervios, y si no llegas una hora antes, es casi imposible conseguir un buen sitio.

De vez en cuando te encuentras con algún famoso paseando por la Croisette (me he cruzado con Mads Mikkelsen o Henry Hooper) o viendo alguna película. Ahí tenéis a Adrien Brody, intentando pasar desapercibido. Pero con esa nariz es complicado.

Es posible encontrarse con gente del mundo del cine en los pases de la tarde de la sección “Un Certain Regard”, pues suelen acudir directores y actores para presentar sus películas. Tras la experimental y suicida ‘Arirang’, un emocionado Kim Ki-duk fue aplaudido durante varios minutos (por los pocos que aguantamos hasta el final).

“Estoy deseando que se acabe el festival”. Es una frase que cada vez empieza a oírse más por aquí. Es agotador. Al menos los que venimos con ilusión y humildad, a ver películas y escribir sobre ellas, aunque se duerma poco o se coma mal. Por segunda noche consecutiva me pasé un rato por la lujosa Terrazza Martini. Por allí también pasan famosos, y puedes ver cortometrajes durante horas. Y ahí me tenéis, plenísimo de energía, protagonista de mi propio “photocall”. Por extraño que os parezca, solo firmé un autógrafo. Sí, bueno, me tomaron por Jake Gyllenhaal, durante unos segundos, pero también cuenta.

Por fin se estrenó el pasado día 5 la última película de Icíar Bollaín, ‘También la lluvia’, un relato escrito por Paul Laverty que en un principio iba a dirigir Alejandro G. Iñárritu (en su lugar optó por ‘Biutiful’). Como sabéis, este drama situado en Bolivia, protagonizado por Luis Tosar y Gael García Bernal, es uno de los títulos favoritos para triunfar en la próxima entrega de los premios Goya, al ser nominada en trece categorías, incluyendo mejor película, dirección, actor y guion. Algunas candidaturas más tiene ‘Pan negro’ de Agustí Villaronga, y ‘Balada triste de trompeta’ de Álex de la Iglesia, que ha logrado quince. Ninguna de las tres puede presumir de éxito de público. Pero que nadie se alarme, De la Iglesia prepara ya su nueva película, y eso que repite incansablemente que su cargo en la Academia es un trabajo de 24 horas que solo le trae disgustos. Ojo, la película del presidente de la Academia que entrega los Goya tiene quince nominaciones, y la de la vicepresidenta trece. No es que huela a chamusquina, es que apesta.

Antes de continuar quiero descubrir todas mis cartas y dejar algo claro: no suelo ver cine español. Por lo general, no me interesa, ni sus temas, ni las formas de tratarlos; y otras veces no puedo verlo (‘Pan negro’ no llegó a los cines de mi ciudad). Ya sé que el cine español no es un género, es idiota verlo de esa manera, pero es evidente (desde mi punto de vista) que muchas están cortadas por el mismo patrón, esto es, que ves una y has visto cien. No pasa con todas, desde luego, ahí está ‘Buried (Enterrado)’, no se parece a ninguna otra hecha en este país. No es fácil el problema de “nuestro cine”, pero lo más grave es que sus responsables no se dan por aludidos, miran a otra parte, acusan a otros, y siguen trabajando de la misma manera, ciegos, sin plantearse de verdad dónde fallan y por qué no conectan con el público. ‘También la lluvia’ cuenta con un atractivo reparto y es la candidata de España para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa; podéis mirar sus cifras en taquilla, o echar un vistazo a la sala cuando vayáis a verla, la mayoría de las butacas estarán vacías.

Animado por la idea de disfrutar de otro trabajo de uno de los mejores actores de este país, Luis Tosar, en un relato que puede estar nominado al Oscar, y teniendo en cuenta la entusiasta valoración de mi compañera Beatriz, me senté a ver ‘También la lluvia’ con sumo interés, convencido de que iba a encontrar un buen motivo para tener esperanza en el cine que se hace aquí. No recuerdo en qué momento desvié por primera vez la mirada, ya desesperado, pero desde el mismo arranque noté que algo no funcionaba, que estaba poniendo demasiado de mi parte para que me interesara lo que estaba sucediendo en la gran pantalla. Se supone que la película te está contando un gran drama, vemos a los personajes sufrir, hablan de cosas importantes… pero casi nada parece verdadero, tiene uno la sensación de estar asistiendo a un ensayo, en el que los actores no están poniendo toda la carne en el asador, confiados en que todo mejorará más adelante.

La película nos traslada a Bolivia en el año 2000 para narrarnos hasta tres historias paralelas, relacionadas entre sí de diversa manera. La principal, de la que derivan las otras, es la de un equipo español que pretende rodar una película centrada en la conquista de América; más concretamente en la injusta situación vivida por los indígenas y en el enfrentamiento, por este motivo, entre algunos miembros de Iglesia y el imperio. Los personajes principales de esta trama son el productor Costa (Tosar), a quien en apariencia solo le preocupa el rodaje y que se lleve a cabo de la forma más barata posible, el director Sebastián (Bernal), un joven idealista que parece fascinado por la reivindicación de los derechos de los indios americanos, y un veterano actor, Antón (Karra Elejalde), que interpreta a Cristobal Colón. Mientras se cuece la filmación, que funciona como un viaje temporal, cuyas escenas cobran vida como si realmente estuvieran ocurriendo en ese momento (la aventura en tierras americanas es otra de las líneas de acción), asistimos a una revuelta popular por la privatización del agua (la conocida Guerra del agua de Cochabamba).

No sale en el cartel, y su nombre no le sonará a nadie, pero el verdadero protagonista de ‘También la lluvia’ es Juan Carlos Aduviri. Sobre él debería recaer el peso de la narración, porque está sensacional en su doble papel de Daniel, luchador padre de familia, y Hetuey, líder indígena. Mientras la cámara lo enfoca, la película se llena de energía y alcanza su mejor tono, el drama se vive, se siente, se palpa, y poco importa que haya otros a su alrededor que no están tan inspirados o que Bollaín se pierda intentando controlar un relato que le viene grande; todo lo que le ocurre a Daniel/Hetuey tiene interés, parece auténtico y tiene fuerza. Por desgracia, tenemos que volver una y otra vez a la parte de la filmación y las (inverosímiles) dudas de Costa y Sebastián, cuyo plan estalla en pedazos al encarar una crisis real, la desesperación de los bolivianos por la escasez de agua, un hecho que revela la hipocresía de nuestro sistema actual, apoyado en heridas que siguen abiertas, como bien expone Antón, el personaje más coherente y carismático de todos los que integran el equipo de rodaje español.

Fracasa la exposición del viaje emocional de Costa y Sebastián (imposible que no se sienta atraído por la verdadera rebelión que tiene ante sus ojos), con unos actores muy desafortunados (Tosar tiene alguna escena muy buena, donde se deja llevar por sus entrañas, pero Bernal está fatal, es un error de casting), que quedan en evidencia ante la presencia de Aduviri y la fantástica interpretación de Elejalde. El guion parte de una jugosa premisa pero requiere demasiadas “casualidades” para avanzar (la conversación telefónica junto a Daniel, la detención casi en la cruz, la petición de auxilio justo cuando el equipo se marcha), lo que se agrava con la mecánica realización de Bollaín, que no saca partido al juego de realidades (Satoshi Kon lo habría bordado), entre otras razones porque las recreaciones no resultan verídicas, y debería haber visto ‘Hijos de los hombres’ (2006) antes de planificar la secuencia final (esa nefasta cámara lenta). Sí puede presumir esta producción (con inversión francesa y mexicana) de la música de Alberto Iglesias y de la fotografía de Alex Catalán, lo mejor junto a los dos actores destacados de una película fallida, efectista, equivocada.

Si se conjugan dos relatos acaecidos en distintas épocas suele ser para extraer un paralelismo en el que los hechos de uno resuenan en los del otro, aportándoles un nuevo significado, y viceversa. Al mismo tiempo o como otra opción, el recurso puede servir para demostrar que nada ha cambiado, a pesar del paso de los siglos, o que los cambios no han sido suficientes. ‘También la lluvia’, el último film de Icíar Bollaín, que cuenta con un guion del reconocido Paul Laverty, explota todas estas posibilidades.

Para llegar a extraer todos esos alcances, la película necesita plantear numerosos elementos que, cuando por fin se hayan conjugado, compondrán una poderosa historia que, más allá de las claras y logradas intenciones de protesta social, contendrá un profundo conflicto humano de gran interés. Con todo ello quiero decir que ‘También la lluvia’ tarda bastante en arrancar, pero que, cuando lo hace y, más adelante, en su tramo final, resulta muy efectiva emotivamente, sin por ello perder la capacidad crítica.

Esta mezcla de dos relatos, el del desembarco de Cristóbal Colón y el del equipo de rodaje que recrea el descubrimiento, además de propiciar ese resonar de significaciones, permite un estudio metalingüístico del estado del cine y de las complicaciones que surgen durante una filmación, que quizá no estaba entre las intenciones del guionista, pero que queda muy patente. Cualquiera que tenga ganas locas de dirigir una película o que sienta una enorme frustración por no haberlo hecho podrá curarse de sus anhelos con el visionado de ‘También la lluvia’.

Bollaín realiza aquí su película más ambiciosa, con un espléndido resultado, que se cuaja gracias a una acertada elección de los tonos de la fotografía y a una generosa dirección de producción. Si he criticado a otras películas de la directora una falta de fuerza narrativa o de cohesión de las historias, nada de eso puedo reprochar a ‘También la lluvia’. Al contar con un guion lleno de contenido, ni siquiera el flojo montaje que otras veces ha perjudicado sus narraciones puede echar el producto por tierra. El acompañamiento de la banda sonora de Alberto Iglesias completa una perfecta puesta en imágenes.

Diálogos y personajes

Laverty logra, asimismo, que los personajes sean potentes. Crea seres de marcada personalidad, muy diferenciados unos de otros y que encajarán perfectamente en el conflicto, cada con un punto de vista o una opinión sobre los hechos, de forma que el espectador cuenta con todas las perspectivas para obtener una conclusión propia y uno un discurso ya masticado.

La elección de cada intérprete para cada papel es idónea. Los dos protagonistas son Gael García Bernal, como el director de cine, amable y de apariencia débil, pero al mismo tiempo, tozudo y aferrado a su proyecto, y Luis Tosar, en el papel de un productor que en apariencia piensa solo en «la pela», pero que sufrirá una profunda evolución psicológica. Ambos están impecables en sus roles. Karra Elejalde es el que, en un principio parece menos integrado en su personaje o en la historia, pero según va avanzando el film, da la sensación de que fuese entrando en calor y en el último tramo resulta igual de poderoso que los demás actores.

El descubrimiento es Carlos Aduviri, el conflictivo indígena, que pondrá todo patas arriba y obligará a unos acomodados europeos a replantearse el mundo en el que viven. ‘También la lluvia’ cuenta, también, con grandes secundarios, como Raúl Arévalo y Carlos Santos —ambos en la fotografía siguiente— o Cassandra Ciangherotti.

Al igual que ocurría en la magnífica ‘Vania en la calle 42’, se produce un efecto de ensayo general con los diálogos que los actores prueban para el rodaje de la película sobre Cristóbal Colón. A pesar de que las declaman sin el vestuario, o ya con los trajes, pero sin meterse por completo en el papel, las frases suenan a reales gracias a ese paralelismo del que hablaba en el primer párrafo: esos diálogos servirían para 1492, pero también para el tiempo presente.

En definitiva, ‘También la lluvia’ es una gran cinta, por la que espero que Icíar Bollaín obtenga una nominación a los Oscar. Sin embargo, me da la impresión de que casi todo el mérito debe achacarse a un guion que conjuga muy bien una crítica social nada velada —la explotación que hacían Colón y sus hombres no es tan diferente a la que ejerce el productor con los sueldos de los extras—, unas intenciones de denuncia —con respecto a la privatización del agua— y los conflictos humanos y personales que, queramos o no, son en realidad lo que suele engancharnos a las películas. Grandes personajes, muy bien interpretados por sus actores, se incluyen en una realización muy competente que sitúa a ‘También la lluvia’ como una de las mejores películas, si no la mejor, de su directora.

Mi puntuación: