New Line Cinema ha lanzado de una vez el cartel y el tráiler de ‘Rock of Ages’, uno de sus títulos fuertes para 2012. Es la adaptación a la gran pantalla de un exitoso musical de Broadway que, como nos informó Beatriz hace meses, rinde homenaje al Hard Rock y el Glam Metal de los años 80. Sin duda, el mayor aliciente de cara a la taquilla es un elenco de actores en el que destacan los nombres de Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones, Malin Ackerman, Russell Brand, Bryan Cranston, Alec Baldwin y Tom Cruise. Se estrena el próximo 1 de junio.

Ambientada en 1987, ‘Rock of Ages’ gira en torno a un camarero (Diego Boneta) aspirante a estrella del rock, una chica (Julianne Hough) que llega a Hollywood con la intención de hacer realidad el sueño de convertirse en actriz, y un legendario local que, antes de cerrar sus puertas por dar una supuesta mala imagen a la ciudad de Los Angeles, ofrecerá un último gran concierto. El guion lo firman Chris D´Arienzo (autor de la obra original), Allan Loeb, Michael Arndt, Jordan Roberts y Justin Theroux (pareja de la mujer más sexy de la Historia, según una revistilla), mientras que de la puesta en escena se ha encargado Adam Shankman, de quien ya pudimos ver un musical en 2007, ‘Hairspray’. Por el tráiler, parece que los intérpretes más famosos tendrán poca participación en pantalla (Cruise no dice ni una palabra en todo el avance) pero será lo de menos si los números musicales funcionan, la nostalgia nos invade y la historia de amor entre los jóvenes protagonistas resulta divertida y conmovedora. A menos que las primeras críticas la hundan, yo me apunto, ¿y vosotros?

PD: El papel de Akerman se lo ofrecieron antes a Anne Hathaway, Amy Adams, Gwyneth Paltrow y Olivia Wilde.

Vía | Impawards

“¿Sabes que puedes hacer fuego con hielo?” – Charles Morse (Anthony Hopkins)

Ahora que estamos en la zona final de este ciclo apasionado, pues además de ésta solamente escribiré acerca de dos películas de aventuras más, hablaremos sobre una cinta excelente que tampoco tuvo el reconocimiento que, creo, merece, y que ahonda con descarnada lucidez y elegante sobriedad en uno de los dos o tres temas esenciales del cine de aventuras: la supervivencia al límite como marco de las pulsiones humanas más verdaderas e imperecederas, esas que nos despojan de toda la hojarasca social y de toda la hipocresía del mundo civilizado, y nos desenmascaran tal como realmente somos, en lo bueno y en lo malo, pues no hay cabida para moralidades de ninguna clase. Se trata de ‘El desafío’ (Lee Tamahori, 1997), pobre traslación al español del mucho más estimulante ‘The Edge’ (aunque también se barajó el sugerente ‘Bookworm’, que se traduciría como ‘Rata de biblioteca’), un filme apasionante que es mucho más de lo que en un principio parece, ya que bajo su vertiginosa narrativa late una despiadada, aunque compasiva concepción del mundo, de la naturaleza salvaje y del hombre que ya quisieran muchos otros.

El neozelandés Lee Tamahori, oriundo de Wellington, saltó a la fama de forma muy justa gracias a su debut, el formidable drama existencial ‘Guerreros de antaño’ (‘Once Were Warriors’, 1994), y aunque su carrera posterior ha dado bastante menos de lo que hubiera sido esperable, y en la actualidad no da indicios de que vaya a recuperar el pulso demostrado en los años noventa, con ‘El desafío’ filmó la que probablemente sea su obra más serena y más redonda, narrando a lo grande, como un cineasta superdotado pero sin el anhelo de demostrar nada a nadie, ni de proponer otra cosa que una ficción a ras del suelo, a la altura de la mirada humana, que es, creo, una de las características de un director de raza. Pone en imágenes un guión superlativo del dramaturgo, guionista, director y ensayista David Mamet, una de las figuras más destacadas de la literatura y el teatro norteamericano de las últimas décadas, al que han destrozado magníficos guiones algunos de los directores (otros guiones suyos, me temo, no están a la altura de su gran talento), pero que aquí ve exprimido al máximo su libreto, con respeto máximo por su escritura, y con un gran sentido de lo audiovisual como experiencia sensorial, intelectual, de nuestro tiempo.

Filmada en grandiosas localizaciones naturales de Alberta, Canadá, ya desde el mismo comienzo la naturaleza salvaje se anuncia como un elemento sobrecogedor tanto por su belleza como por su amenaza, y es que no solamente va a ser un entorno impresionante, también se va a erigir en expresión visual del combate, por la vida y entre sí, de sus dos caracteres protagonistas. Charles Morse, un hombre de mediana edad que ya se asoma a la vejez, dueño de una inmensa fortuna y marido de una supermodelo, sabe que su mujer tiene un amante en el fotógrafo Robert Green, con quien viaja hacia remotas y peligrosas zonas de las montañas después de su fiesta de cumpleaños, acompañados del asistente Stephen, sabiendo perfectamente que ese fotógrafo pretende matarle, para quedarse con su esposa y su fortuna. Por supuesto, el avión se estrellará (por cierto, qué bien filmada está esa secuencia) y comenzará una vibrante aventura en la que conoceremos, como en tantas grandes películas de aventuras, la dureza de la vida en un ambiente helado y tan exigente como ese, mientras ambos hombres desarrollan una retorcida amistad basada en el odio y en cierto respeto mutuo, que estallará en un clímax inesperado e impredecible, que diluirá finalmente cualquier norma social o prejuicio, cuando la muerte acude con retraso, pero implacable, a la cita.

Dos magníficos personajes y actores

Sería reduccionista decir que Charles representa lo bueno del hombre, lo luminoso, y Robert lo malo, lo tenebroso. El primero es un buen hombre que ha llegado a obtener cierta sabiduría, sobre todo acerca de su pasión por la cultura y el mundo natural (del que sólo tiene, en un principio, “conocimientos teóricos”), y el segundo es un arribista, un ambicioso hombre, también un luchador, mucho más joven que él que, en el fondo, admira a su adversario y le gustaría ser como él. De alguna misteriosa manera, el relato de aventuras, la peripecia, parece como convocada por un capricho del destino para que ambos caracteres se midan por fin, y a partir de ahí pueda desarrollarse un discurso existencialista, casi trágico, y con el que podemos indentificarnos plenamente, reducidos a monigotes frente a la vastedad de una naturaleza que no conoce el perdón a las criaturas frágiles. Creo que Alec Baldwin, un actor que sin duda ha ganado con los años, clava su personaje de intrigante y le da una verdad enorme. Baldwin es muy inteligente aquí y procura lucirse en un segundo plano, esperando siempre su oportunidad frente a la imponente presencia de Hopkins, y consciente de que posee menos recursos que él.

Porque Anthony Hopkins, uno de esos intérpretes excepcionales surgidos de Reino Unido y que capturan la atención de la cámara con un leve gesto, una mirada o una palabra, es el perfecto Charles Morse. Te lo crees hasta el final como ese millonario enamorado que sabe que le van a traicionar y que ahora se verá obligado a poner en práctica sus conocimientos teóricos sobre la vida salvaje. Hay algo siempre melancólico y tremendamente humano en este actor, que hace que no quieras despegar los ojos de él y comprendas todos sus actos hasta el final. Mamet le entrega el alma de la historia y Tamahori la cámara, narrando con un ritmo que no desfallece en ningún momento, con un suspense muy bien armado y con varias secuencias en el paroxismo de lo vibrante, por lo que desde el principio hasta el final es imposible aburrirse con esta película. Por si esto fuera poco, la dirección de fotografía de Donald McAlpine (un operador que ya nos deleitó con un salvaje entorno natural en ‘Depredador’ (‘Predator’, John McTiernan, 1987) y que en los últimos tiempos se prodiga poco) se aleja de un tratamiento preciosista de montañas, bosques y lagos espectaculares, y en su trabajo rige la contención y el rigor en todo momento. Para finalizar, la música del añorado Jerry Goldsmith, en una de sus últimas composiciones, aunque convencional comparada con algunas de sus joyas, imprime un dinamismo y una épica incontestables.

Conclusión

Notable película de aventuras, sin duda, con la que sientes en tu propia piel la fragilidad de la vida en lo salvaje, pero también la voluntad de supervivencia de cualquier hombre, independientemente de sus conocimientos, su riqueza o su generosidad, por lo que les iguala a todos ellos. Se ve con vértigo, pero no se olvida rapidamente. Al contrario, su profunda verdad queda en la memoria del espectador. Y para la próxima (penúltima) entrega de este ciclo, una muy diferente, tanto en temática como en nacionalidad, estética y técnica.

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La película que Woody Allen espera comenzar a rodar el mes que viene en Roma, ya no se titulará ‘The Wrong Picture’, como habían comunicado recientemente, sino ‘Bop Decameron’.

Aunque ya se habían dado a conocer casi todas las incorporaciones importantes a su reparto, hasta ahora no se había realizado un anuncio oficial al respecto. Allen ha comunicado quiénes serán los intérpretes de esta película, entre los que ha declarado que se incluirá él mismo.

Sabíamos que estarían Alec Baldwin, Roberto Benigni, Penelope Cruz, Jesse Eisenberg y Ellen Page. Ahora también se han anunciado las incorporaciones de Judy Davis, Greta Gerwig y Alison Pill, junto a la del propio director. Acompañarán a estos actores los italianos Antonio Albanese, Fabio Armiliata, Alessandra Mastronardi, Ornella Muti, Flavio Parenti, Alison Pill, Riccardo Scamarcio y Alessandro Tiberi.

‘Bop Decameron’ se dividirá en cuatro historias que nunca se cruzan, dos de ellas protagonizadas por personajes estadounidenses y las otras dos por nativos romanos. Situada en una Roma contemporánea, está ligeramente inspirada en ‘El Decamerón’, escrito en la década de 1350 por Giovanni Boccaccio, que estaba compuesto por un centenar de diferentes relatos.

Un neoyorquino, interpretado por Allen, y su esposa viajan a Italia para conocer a la familia del prometido de su hija. Esto no suena muy diferente a lo que ya hemos podido ver en ‘Midnight in Paris’, pero supongo que el desarrollo irá por un camino alternativo o el protagonismo estará en el otro lado. No se han desvelado más detalles de la trama, pero ya podemos irnos haciendo una idea.

El presupuesto de ‘Bop Decameron’ —o ‘The Bop Decameron‘, según las fuentes—es de diecisiete millones de euros. Detrás de la producción están los socios de Woody Allen Letty Aronson —la montadora— y Stephen Tenenbaum, con su productora Gravier Productions. Coproduce la italiana Medusa Film.

Se trata de la primera película que el neoyorquino rueda en Roma y que cuenta con financiación italiana. Se sabe que la producción comenzará el 11 de julio, pero no se ha comunicado aún una fecha de estreno ni el nombre de la distribuidora.

Vía | Variety.

La semana pasada, Penélope Cruz anunció públicamente que se ha comprometido a ser una de las protagonistas de lo próximo de Woody Allen. Hoy tenemos tres nombres más para el reparto, que como de costumbre (tratándose de este cineasta) será muy llamativo; ya se ha confirmado que Jesse Eisenberg (‘La red social’), Ellen Page (‘Origen’) y Alec Baldwin (‘30 Rock’) acompañarán a la actriz española en el nuevo proyecto de Allen, todavía sin título.

Tampoco se sabe nada de la trama hasta el momento, Woody Allen no ha querido dar detalles, así que lo único que sabemos es que tendrá lugar en Roma, donde se iniciará el rodaje este próximo verano. Bueno, y que habrá amor, desamor, risas y lágrimas, probablemente. Imagino que no soy el único que ve especialmente acertado el fichaje de Eisenberg, pues por su físico y su forma de hablar podría ser una estupenda versión joven del cineasta, ya demasiado mayor para interpretar papeles como los de ‘Bananas’ o ‘Annie Hall’. Recordemos que lo último de Allen, la comedia romántica ‘Medianoche en París’ (‘Midnight in Paris’), se presenta en el festival de Cannes el próximo 11 de mayo, dos días antes de su estreno en España.

Actualización: Allen ya ha confirmado el título oficial, ‘The Wrong Picture’.

PD: Baldwin ya había trabajado anteriormente para Woody Allen en ‘Alice’ (1990).

Vía | Variety

Todos estaremos de acuerdo en que la ceremonia de los Oscars del pasado domingo —ya lunes en España— fue muy aburrida. Steve Martin y Alec Baldwin nos hicieron echar de menos al pletórico Hugh Jackman del año pasado. Los discursos de los premiados fueron un coñazo, sobre todo los del guionista de ‘Precious’ —la única sorpresa de la noche y un premio bastante injusto— y el de Jeff Bridges, que aburrieron al personal. No hubo representaciones de las canciones nominadas, aunque el número musical de las bandas sonoras fue impresionante; Barbra Streisand con su sola aparición para dar el Oscar a la mejor dirección ya cantaba el premio antes de decirlo —¿qué otra cineasta podría haber entregado ese galardón a la Bigelow—, y Tom Hanks brilló por su economía de medios.

Pero hay un instante a recordar. Entre todos los chistes, la mayoría forzados y sin gracia, hay uno absolutamente delirante, la parodia realizada a uno de los sleepers del año, ‘Paranormal Activiy’, también una de las películas más baratas de la historia —subrayando con ello que éste era el año de las producciones independientes—, y una de las películas más atacadas por crítica y público. Aunque personalmente no me pareció tan mala como dicen por ahí, hay que reconocer que en la mayor parte de su metraje no pasa nada. Martin y Baldwin se ríen de ello con mucho humor. El vídeo de menos de un minuto, no tiene desperdicio, disfrutadlo.

Un año más, ha tenido lugar la ceremonia de entrega de los premios cinematográficos más seguidos del mundo (muy a mi pesar, porque creo que cada vez tienen menos interés y menos prestigio). Pero los Oscar son los Oscar, no nos las vamos a dar de exquisitos ahora. Puede que se hayan ganado, a fuerza de incoherencias, año tras año, el escepticismo del cinéfilo más exigente, pero que te concedan un Oscar tiene un enorme poder mediático, y puede ayudarte mucho en tu carrera, sobre todo en Estados Unidos. Eso es algo muy importante. Ahora bien, la entrega de esta noche ha sido la más descafeinada que recuerdo (y he visto en directo las veinte últimas).

Y no ha sido descafeinada, como quizá pensará algún lector, porque yo apenas haya acertado premios importantes. Me suele suceder todos los años, y me da lo mismo. En realidad, en términos generales, no ha sido descafeinada, sino desastrosa. Hacía mucho tiempo que los premios Oscar (o como ahora los llaman, los premios de la academia) no resultaban tan increíblemente aburridos, tan largos sin necesidad, tan soberanamente conservadores, y la realización tan absolutamente mediocre.

Presentaban la gala (cómo odio esa palabra, gala, con lo bonita que es la palabra fiesta) una pareja de actores: Steve Martin y Alec Baldwin. Y se esperaba mucho de ellos, pero el resultado ha sido una manifiesta decepción. Su apertura, con los clásicos chistes para presentar un poco a los nominados del año, tuvo algún chiste afortunado, pero resultó bastante escasa en ideas y en sorpresas, y sus posteriores apariciones confirmaron la desgana de unos guionistas que cada nueva entrega están más vagos y sorprenden menos. Algún chiste políticamente incorrecto (“aquí están los malditos bastardos, y aquí los que hicieron la película”) y poco más. El año pasado, Hugh Jackman nos encantó a todos, y podemos afirmar sin rubor que Buenafuente estuvo muchísimo más divertido presentando los Goya.

Pero el mismo concepto de entrega de premios, con una platea mirando al escenario, está ya bastante vetusto, y los intentos de los productores por hacerla más ágil y vistosa, han caído una vez más en el abandono. Eso sí, el escenario en sí era una maravilla tecnológica y lumínica, sin duda lo mejor de la noche. Pero apenas se le sacó partido: apenas un número musical de presentación con un divertido Neil Patrick Harris, y la clásica presentación de las bandas sonoras nominadas, con una espectacular coreografía. Muy poco para cuatro horas de supuesto espectáculo. Da la impresión de que ni querían romperse los cuernos, ni había presupuesto para más.

Pero bastaba ver las caras de algunos de los asistentes para corroborar que no era algo personal, sino generalizado. Morgan Freeman estaba medio dormido, y George Clooney una cara de tedio indescriptible. Menos mal que ambos estaban nominados. Pero sabían que no tenían ninguna posibilidad. Todos los premios de actores estaban cantados, pues desde hace años, con tanta entrega previa de premios de toda clase, han matado toda opción de sorpresa. Subió Jeff Bridges a recoger su Oscar, que es un Oscar en realidad honorífico a toda su carrera (la mejor interpretación del año es la de Christoph Waltz), y un Oscar sencillamente por ser quién es y se lo merece. Pero lo teníamos todos tan asumido que su discurso de diez minutos resultó una pesadilla interminable.

Tampoco hubo la menor emoción con Sandra Bullock. Ni siquiera ella se emocionó. Lleva semanas haciendo campaña para ganarlo, y subir a recogerlo era para ella un mero trámite, como firmar cheques en su productora. Este premio le va a dar un prestigio que no obtiene con sus películas, realizadas para su lucimiento personal. Muy triste. El único premio de actores que realmente fue bonito de ver, aunque estaba tan cantado como todos los demás, fue el del magnífico y elegante y cálido Christoph Waltz, que era la viva imagen de la humildad y la alegría. Su papel ya es legendario.

Pero ha habido cuestiones verdaderamente bochornosas, que ensucian más si cabe estos Oscar, y que dan ganas de que sea la última vez que se ven en directo, hasta altas horas de la madrugada. Yo llevo veinte años haciéndolo y posiblemente esta sea la última. Que salga el ganador del Oscar al mejor documental, la excelente ‘The Cove’, y tenga apenas un minuto para hablar uno de ellos, mientras que al resto les apagan el micrófono, cuando Jeff Bridges o Sandra Bullock pueden estar el tiempo que les de la gana, me parece un insulto. Como un insulto es que salga todo un señor Tom Hanks, que va de gran actor americano, a presentar la mejor película, y simplemente diga hola, abra el sobre, y lea ‘The Hurt Locker’, con una desgana alucinante. Ni interés por el suspense, ni elegancia ni nada. Había que irse ya a la cena y a las copas.

La imagen de la fiesta, sin duda, la de una Kathryn Bigelow guapísima, que no cabía en sí de gozo, habiéndose convertido en la primera mujer que gana el Oscar a mejor directora. Su película es sensiblemente inferior a ‘Avatar’ o ‘Inglourious Basterds’, y esto es una obviedad como un piano, y es sensiblemente inferior a ‘Los viajeros de la noche’, ‘Point Break’ o ‘Días extraños’. Pero da lo mismo. Es la Bigelow, y es muy grande.

Sé que me voy a morir. Supongo que siempre lo he sabido. Lo único que no sabía era cuándo. Y estoy resignada, de verdad. No me importa que esta enfermedad me mate. Pero también está matando a mi familia.

‘La decisión de Anne’ es el título con el que se estrenó recientemente en España un melodrama con Cameron Diaz y Abigail Breslin titulado originalmente ‘My Sister´s Keeper’ (‘La guardiana de mi hermana’). La película, que ha tenido bastante éxito en taquilla, está dirigida por Nick Cassavetes y se basa en la novela homónima escrita por Jodi Picoult, sobre una familia con una hija adolescente enferma de leucemia y otra que fue concebida para salvarle la vida, hasta que un día se rebela contra sus padres y decide demandarles, pidiendo el control de su cuerpo; esto es, no volver a donar nada a su hermana mayor.

Este giro argumental es lo que anima (momentáneamente) y hace parecer diferente a una película que, por lo demás, no ofrece absolutamente nada, es un burdo telefilme vestido de cine que tiene como propósito provocar la lágrima fácil en el público más sensible a este tipo de dramones. No he leído la novela, que por lo que he visto tiene un desenlace diferente (más rocambolesco), pero la película es un despropósito que gira en torno a dos situaciones: recrearse en lo mal que está la chica enferma de cáncer, y, por otro lado, asegurar un retrato de lo maravillosa que es la vida de la típica familia estadounidense. Si rascamos un poco más podemos encontrar también un extraño mensaje sobre la mejor forma de solucionar casos similares, pero quizá estoy siendo ya muy malpensado.

La historia de la familia Fitzgerald, narrada de forma torpe y caótica, con muchos flashbacks que no hacen más que subrayar una y otra vez el drama, gira en torno a la joven Kate (Sofia Vassilieva), a la que le diagnostican un terrible cáncer que acabará con su vida. El clavo ardiendo al que se agarran los padres (interpretados por Jason Patric y Cameron Diaz, en el inverosímil papel de brillante abogada que ha dejado su trabajo para dedicarse al cuidado del hogar y de su hija enferma) es tener otro niño, diseñado en un laboratorio para que pueda salvar la vida de su hermana cada vez que sea necesario. Así nace Anne (la ya popular Abigail Breslin), que desde su nacimiento ya empieza a servir de donante para Kate. Aquí se abre un interesante debate ético sobre este tipo de soluciones, donde se “crea” a alguien para poder salvar la vida a otra persona, pero a la película no le interesa que su público se ponga a pensar, y lo despacha con una truculenta trama con “final sorpresa”.

A los once años, de forma inesperada, Anne acude a un eficaz abogado (Alec Baldwin, quizá lo único rescatable de toda la película junto con Joan Allen Joan Cusack, que hace de jueza de dibujos animados) para abrir un proceso legal contra sus padres, con la esperanza de lograr una emancipación que la libere de tener que donar un riñón a su hermana Kate, tal y como estaba previsto. Aunque el espectador experimentado en este tipo de argucias argumentales mal disimuladas sospechará desde el principio lo que hay detrás de todo este tinglado, Cassavettes lo oculta hasta el último tramo del film, y cuando retira el mantel lo que hace no es sólo dejar al descubierto las miserias del mediocre guión, sino cargarse también el único elemento interesante de la trama. El resultado iba a ser el mismo de todas formas (ya te lo desvelan desde el mismo principio, con esa imagen de Breslin entristecida en el lago, recordando a su hermana), pero de esta manera se elimina el único conflicto que rompía un poco con la monotonía de la narración.

Así que todo queda centrado en lo que comentaba al principio, en una sucesión de bochornosas postales del “american way of life” al ritmo de cursis canciones pop (a cámara lenta y con pompas de jabón cayendo por todas partes, no es broma), y en el constante retrato de la tragedia de la chica moribunda, a la que le cuelan incluso un vago y tontorrón romance (el mequetrefe de Thomas Dekker) para quitárselo enseguida y que dé más pena. La película es un continuo y cansino asalto para tratar de hacer llorar al espectador, hasta el punto de que llega a resultar de lo más ridículo. De hecho, yo me llegué a sentir mal porque ya me parecía cómico todo el asunto y cada vez que mostraban a la niña, en primeros planos y con ese maquillaje tan exagerado, parecía que iba a saltar de un momento a otro para morder la yugular de sus insoportables familiares. Desafortunadamente, sólo ocurrió en mi mente.

Sí, el “melodrama” consiste en la exageración (con el apropiado acompañamiento musical) de los aspectos dramáticos y sentimentales de la trama. Y sí, el tema central de la película es la enfermedad de esta joven. Pero todo tiene un límite, y en todo caso no justifica que se descuide la estética del film (que parece un episodio televisivo de dos horas), ni las reacciones forzadas de los personajes (casi todos robóticos), ni la escasa atención a los problemas de los que no se están muriendo (el hermano como si no existiera); tampoco esquivar alegremente los conflictos éticos y morales que se derivan de la elección de los padres.

Tienes la opción de apretar las tuercas y mostrar hasta dónde puede aguantar unida una familia, pero no te puedes llevar tanto tiempo repitiendo y machacando con lo mismo: mirad qué triste es la vida que le ha tocado a esta adolescente, que quería vivir y estudiar y tener novio, y quizá un hijo algún día con el que ver la tele y celebrar la navidad, pero se va a ¡¡MORIR!!... sí, querido público, se va a morir esta pobre niña inocente, ¡¡va a dejar nuestro mundo de manera horrible!!, con lo joven que es, miradla bien, qué pena de chica, mirad su vitalidad y sus ganas de vivir, ¿¿no es una completa desgracia??, ¡¡¡llorad, maldita sea, LLORAD!!!

Bueno, esto, que evidentemente he exagerado (porque como habréis supuesto me aburre hablar de este manipulador producto), es básicamente lo que hace Nick Cassavettes con el relato de ‘La decisión de Anne’, el melodrama llevado a su más vergonzosa expresión. Así que si te interesa (o eres un gran fan de la Diaz), adelante, y si no, ya sabes, no digas que no te avisaron.

PD: Una curiosidad fascinante sobre la película. He leído que en un principio las dos hermanas las iban a interpretar Elle y Dakota Fanning, pero no fue así porque la segunda se negó a raparse la cabeza; Vassilieva no tuvo problemas con eso, porque decía que así se sentía más cerca del dolor que debía sufrir la protagonista. La verdad, no sé qué es peor.

Este año se han estrenado en España dos películas con Meryl Streep (‘La duda’ y ‘Julie y Julia’), y el próximo viernes, antes de que empiece el 2010, nos llegará la tercera, ‘No es tan fácil’. Si es que la mujer no para, y debe ser de las pocas a las que le llegan guiones, porque la mayoría de actrices con su edad no hacen más que quejarse de la falta de trabajo. En todo caso, supongo que no todas aceptarían el papel que Streep interpreta en esta alocada comedia romántica. Si no te crees lo de “alocada”, échale un vistazo al tráiler, aunque te aviso: no es mejor que el cartel y no está recomendado para menores de 45 años. Igual que la película, por lo que parece.

La historia de ‘No es tan fácil’ (‘It´s Complicated’) gira en torno a Jane, madre de tres hijos mayores y propietaria de una panadería en Santa Bárbara. Lleva diez años divorciada y aún mantiene una buena relación con su ex marido, Jake, que ahora está casado con una mujer mucho más joven. Todo se complica cuando Jane y Jake asisten a la ceremonia de graduación de su hijo y lo que iba a ser una cena inocente acaba convirtiéndose en una aventura amorosa. Ahora Jane es “la otra”.

Mery Streep, Alec Baldwin, Steve Martin, John Krasinski, Lake Bell y Rita Wilson encabezan el reparto de esta comedia dirigida por Nancy Meyers que casi, casi, casi podría titularse ‘Mamma Mia 2’. Por fin, tras ‘2012’, ‘Luna nueva’ y ‘Avatar’, los padres y las madres podrán ir felizmente al cine a ver un producto expresamente fabricado para ellos. Sólo espero que puedan digerirlo, y que no vayan luego por ahí imitando a los protagonistas…

PD: Un dato curioso: la española Sonia Grande ha sido la encargada del diseño del vestuario.

Vía | Labutaca

El caso es que los organizadores se han puesto manos a la obra raudos y veloces y ya tienen presentador. O mejor dicho, presentadores. Serán Steve Martin y Alec Baldwin. Curiosa pareja, pero me da buenas sensaciones. Martin ya tiene experiencia en esta lides, ya que fue presentador en 2001 y 2003 y su elección no sería demasiado sorprendente. La nota curiosa viene al ponerle de pareja al veterano actor Alec Baldwin. Según los productores encargados de la retransmisión son la pareja perfecta.

La combinación resulta cuanto menos curiosa, aunque como digo es probable que un duo con chispa y un buen guión pueda darle agilidad y gracia a la dilatada ceremonia. Nadie duda de la comicidad de Steve Martin, y para los que puedan dudar sobre la de Alec Baldwin, baste recordar que en la exitosa serie ‘30 Rock’ ha realizado un gran trabajo en la gran pantalla, devolviéndole a la primera plana de la interpretación y con un gran talento cómico como nunca antes había brillado.

La ceremonia se celebrará el próximo día 7 de marzo de 2010. Veremos cómo lo hacen.

Vía | El País

Nick Cassavetes es el hijo de John Cassavetes (quien no necesita presentación para los cinéfilos), y a parte de que le hemos visto como actor en numerosos films (‘Cara a cara’ o ‘Blow’) siempre en papeles secundarios, se ha labrado en los últimos años una carrera como director, que le ha reportado varios éxitos (el más popular, ‘El diario de Noa’, una noñez de tomo y lomo, con un buen punto de partida, pero estropeada por un exceso de azúcar que convertía a todos en diabéticos). En general, podemos decir que nada ha heredado del padre en cuanto a realización de films se refiere.

Aquí os traemos el tráiler de ‘My Sister´s Keeper’, que visto lo visto, suena a dramón trascendental que tira para atrás. Cameron Diaz, Jason Patric (¿por qué nunca termina de despegar este actor?, lleva así décadas), Abigail Breslin (el descubrimiento de ‘Pequeña Miss Sunshine’, que parece que sólo se quedó en eso, un descubrimiento), Alec Baldwin y Joan Cusak son sus principales intérpretes. El estreno de la película en los USA será el 26 de junio. Creo que venderán paquetes de kleenex en las taquillas.

Vía | Trailer Addict