Ya tenemos los primeros nombres del reparto de la nueva película de Alex Proyas, una adaptación del famoso poema épico ‘El paraíso perdido’ de John Milton. Djimon Hounsou (‘Gladiator’, ‘Diamante de sangre’) y Rufus Sewell (‘Dark City’, ‘Los pilares de la Tierra’) se han incorporado esta semana al ambicioso proyecto, que ya contaba con la participación confirmada de otros dos actores, Bradley Cooper y Benjamin Walker (a quien veremos próximamente encabezando el elenco de la peculiar ‘Abraham Lincoln: Vampire Hunter’).

Según se ha informado, la historia de ‘Paradise Lost’ girará en torno a Lucifer, interpretado por Cooper (la imagen que tenéis arriba es un diseño oficial del personaje), un ángel caído que tras ser expulsado del paraíso decide vengarse e iniciar una guerra contra su hermano, el arcángel Miguel, a quien encarna Walker; se sabe que Hounsou dará vida a Abdiel, el ángel de la muerte, pero se desconoce el papel que ha aceptado Sewell. Al parecer, la película se filmará en 3D y será una visión muy limitada del clásico escrito por Milton, llena de acción y efectos visuales, supongo que en la línea de lo que ha hecho Tarsem con ‘Immortals’. Ya veremos. Está previsto que el rodaje de esta producción, de Legendary Pictures, arranque a finales de este año, y el estreno se espera para 2013.

PD: Repasando la filmografía de Hounsou (ojo: 47 años) he recordado que todavía no hemos visto en España la adaptación de ‘La tempestad’ (‘The Tempest’). ¿A qué esperan? Pinta bastante bien...

Vía | IMDb

Los edificios arden, la gente muere, pero el amor verdadero es para siempre

Aún recuerdo aquel octubre de 1994 cuando trabajaba en un importante cine, ya desaparecido, de mi ciudad, donde estrenamos ‘El cuervo’ (‘The Crow’, Alex Proyas, 1994), adaptación del cómic homónimo de James O`Barr. El cine se llenaba sesión tras sesión de un montón de gente —recuerdo que de todas las edades, no sólo adolescentes con acné a punto de reventar—, que acudían no motivados por la trama de la película, o el género, sino por el morbo que suponía ver el film en el que había encontrado la muerte Brandon Lee, hijo del mítico Bruce Lee. El actor, que apenas tuvo tiempo de desarrollar su carrera cinematográfica, murió por el impacto de una bala vieja que se escondía en una pistola utilizada en una de las escenas clave de la película, aquella en la que un personaje llamado Funboy dispara contra el personaje central. Muchos creían que dicha secuencia estaba incluida en el film, pero lo cierto es que se destruyeron los fotogramas que recogen la muerte de Lee.

Pero el morbo es el morbo, y más aún cuando Bruce Lee murió en extrañas circunstancias durante el rodaje de la película ‘Juego con la muerte’ (‘Game of Death’, Robert Clouse, 1978); y todavía más cuando la muerte de Brandon Lee fue vaticinada por su padre cuando éste despertó de un coma y antes de que su hijo decidiese probar fortuna en el mundo del cine. A partir de ahí muchas leyendas urbanas circularon alrededor de la fatídica muerte de Lee hijo, y eso hizo que ‘El cuervo’ fuese un éxito allá donde se estrenó, alcanzando la categoría de film de culto. Dejando a un lado todo lo que está relacionado con el terrible fallecimiento de Lee, de tan sólo 28 años de edad, lo cierto es que estamos ante una película que fue la constatación definitiva de toda una generación, la del videoclip. Tras las cámaras, Alex Proyas, en su segundo trabajo como director, y cuyo talento está muy por encima del material del que parte.

La historia de ‘El cuervo’ es la historia de una venganza. La de Eric Draven —un Brandon Lee que demuestra ser mejor actor en los momentos calmados que en aquellos en los que tiene que mostrar su rabia—, que regresando de la muerte hará justicia con aquellos que le asesinaron a él y a su novia, a la cual también violaron —elemento éste prácticamente obligado en toda historia sobre venganzas—. Su alma no podrá descansar tranquila hasta que la venganza se haya completado, y será el amor el causante de su “resurrección” y de esa sed de venganza. Una historia sencilla sobre el poder del amor verdadero —expresión utilizada en el relato hasta la saciedad—, sobre las injusticias, y sobre la eterna lucha entre el bien y el mal. Aunque el bien está representado aquí por una figura que surge de las sombras, y que lleva a la práctica el dicho de resonancias bíblicas “a quien hierro mata a hierro muere”. Ambientas en un inmediato futuro hipotético, ‘El cuervo’ no puede esconder en sus oscuras escenas la decepcionante simpleza de su argumento, y de la cual emana a ratos una filosofía de baratillo de andar por casa. Repito, a ratos.

Y es que ‘El cuervo’, película que sin duda resiste bien el estoico paso del tiempo, el gran amigo/enemigo del séptimo arte, posee esa extraña particularidad de ofrecer al mismo tiempo lo mejor y lo peor que uno se pueden encontrar en una película de estas características. El principal problema de ‘El cuervo’ reside en el retrato de algunos de sus personajes, sobre todo los malvados de la función. Alfred Hitchcock decía, muy sabiamente, que una película valía lo que valía su villano. El villano del presente film, sobre todo la pandilla que asesina a la joven pareja, es simple y llanamente ridículo. Una historia como la de ‘El cuervo’ requiere de unos personajes malvados que se queden grabados en la retina, que no puedan olvidarse, y eso no sucede en el film de Proyas. De hecho, resulta bastante decepcionante ver como Draven convertido ya en un fantasma, en un espectro, va liquidando uno a uno a los componentes de una pandilla, a cada cual más gilipollas —sobre todo el último que llega a niveles bufonescos—, tanto que para terminar con ellos no hacía falta volver de entre los muertos. Dicho de otra forma, Draven lo tiene demasiado fácil.

Tal vez, con vistas a llegar a un público más amplio, el guión, obra de David J. Schow y John Shirley, se olvida de la sutileza, y caminando por la evidencia y la obviedad, propone un film cuya verdadera fuerza se encuentra en el trabajo de dirección y en algunos pequeños detalles. Tal y como reza una de las frases de diálogo del film, “nada es trivial”, ‘El cuervo’ gana enteros en esos pequeños detalles, mucho más interesantes. Así podemos encontrarnos con la rabia de Draven en la tienda de empeños y el dueño de ésta —“cada uno de estos anillos es una vida destrozada“—, o la sordidez que se encierra tras el hecho de que la mano derecha del villano —Michael Wincott, como siempre expuesto al exceso—, una asiática perversa, desee con ansia los ojos de sus víctimas, o esas alusiones al mítico relato de Edgar Allan Poe, germen sin el cual no existirían ni el cómic de O´Barr ni la película. Alex Proyas pone todo su entusiasmo, y como buen esteta que es, dota al film de un sentido visual que lo es todo.

Dejemos a un lado los flashbacks, totalmente innecesarios —el de la violación y asesinato de Draven es efectista y tramposo hasta niveles insultantes—, a excepción del último, cuya función tiene un gran calado emocional —“toma esto, yo no lo quiero; treinta horas de dolor“—. En ellos lo peor del estilo MTV, muy presente en el film, salta a la vista, zooms exagerados, o jugueteos con las tonalidades fotográficas, que no hacían otra cosa que constatar lo que en los 80 ya venía haciéndose en films dirigidos por Tony Scott o Adrian Lyne. Afortunadamente el resto del film es un deleite visual para los ojos, y Proyas deja imágenes para el recuerdo. Esa ciudad, siempre oscura —en su posterior y superior ‘Dark City’ (id, 1998) lo desarrollaría aún mejor—, perfectamente fotografiada por Dariusz Wolski, sus amenazantes calles y recovecos proponen un mundo que parece no tener esperanza, a pesar de que la inocencia camina por ellas, representada en una solitaria niña, necesitada de amor materno, y un policía único en su especie.

Un cuervo, portador de las almas que deben pasar al otro mundo, sobrevolando dicha ciudad y acompañando a nuestro héroe, o antihéroe, se ha convertido en todo un icono. No podemos negar su influencia en el cine posterior de superhéroes, aunque el film juega con elementos muy conocidos y no puede evitar caer en algunas de las modas imperantes en el cine de aquellos años —¿por qué muchos de los clímax de cierto tipo de películas se desarrollaban en lo alto de un edificio?—, pero hay que reconocerle cierto poder evocador y cautivador, que sin duda tiene que ver con los elementos atemporales de su trama. El amor, ése que todos anhelamos y deseamos, interrumpido violentamente. La muerte como tránsito, no como final. La soledad del eterno enamorado, sumido en las sombras que lo ayudan en su venganza; y el dolor liberado, expulsado, casi exorcizado, para poder descansar en paz. Todo ello con una más que solvente puesta en escena, y un remix de canciones de grupos como The Cure, Nine Inch Nails, Rage Against the Machine y Pantera —otra de las claves de su éxito—, entre otros, que terminan de hacer el resto.

Alex Proyas tiene nueva película cociéndose en su mente. Su título, ‘Paradise Lost’ (‘El paraíso perdido’), que será la adaptación del poema épico de John Milton, poeta inglés del siglo XVII, conocido especialmente por la obra mencionada. Al parecer la adaptación será muy libre y desde una perspectiva muy, muy hollywoodiense —¿por qué eso nunca suena bien?—, una superproducción llena de efectos visuales y muy probablemente filmada en 3D, cómo no.

El film narrará una guerra por todo lo alto en el cielo entre los arcángeles Miguel y Lucifer básicamente, olvidándose de todo lo demás que narra Milton. La película estará llena de batallas aéreas espectaculares, me imagino que para que pueda lucirse en todo su esplendor el nuevo formato que gracias a James Cameron tenemos hasta en la sopa. El guión es obra de Stuart Hazeldine, y la buena noticia es que Lawrence Kasdan ha metido mano en el mismo puliendo algunas cosillas.

¿Tendremos al Proyas libre de ‘Dark City’ (id, 1998) y ‘Días de garaje’ (‘Garage Days’, 2002) o al más controlado de ‘Yo, robot’ (‘I, Robot, 2004) y ‘Señales del futuro’ (‘Knowing’, 2009)?

Vía | Comingsoon

‘Dark City’ (id, 1998, Alex Proyas) fue un fracaso debido as que su distribuidora, la New Line, no supo cómo venderla. ¿Es un film de ciencia ficción? ¿Es cine negro? ¿Se trata de un pastiche de multitud de cosas? Sea como fuere lo cierto es que el film de Proyas no lo vio casi nadie —aún recuerdo en el momento de su estreno los cuatro matados que estábamos en la sala, mientras yo me sorprendía por no ver a casi nadie en la nueva película del director de la admirada ‘El cuervo’ (‘The Crow, 1994)—; sin embargo al año siguiente todo el mundo alucinó en colores con ‘Matrix’, la odisea de los Wachowski que plagiaba en más de un punto el film de Proyas. Está claro que ‘Matrix’ tuvo un presupuesto mucho mayor, revolucionó por completo el mundo de los efectos visuales, en su reparto había una estrella taquillera y se supo vender como el no va más en el cine de acción.

No obstante no quiero ser malinterpretado, soy de los que se lo pasa de miedo con ‘Matrix’, excelente película que debió permanecer sola sin secuelas que no eran más que una mera y desvergonzada explotación de la gallina de los huevos de oro. Pero al César lo que es del César, los Wachowski se inspiraron descaradamente en el universo creado por Proyas, un plagio muy disfrutable que iba más allá de lo meramente argumental, y si no seguid este enlace que os llevará a la comparativa que de ambos films hace Jorge Morales a nivel estético. La sorpresa para algunos será mayúscula. Pero ojo, ‘Dark City’ tampoco es original al cien por cien, en realidad Proyas bebe de infinidad de influencias, entre ellas la de ‘Blade Runner’ (id, 1982, Ridley Scott) film con el que en cierto modo está hermanada.

Como habéis podido ver en la foto de arriba existe una edición en DVD del montaje del director —ese invento de Ridley Scott que vuelve locos a los consumidores de formato casero con cien mil remontajes de una misma película— y que como es lógico en nuestro país no se encuentra disponible, por lo que hay que recurrir a maravillosos reinos como el de Amazon para poder conseguirla. Al igual que la famosa obra maestra de Scott, ‘Dark City’ es una película cuya fama ha ido creciendo con el paso de los años que la han ido revalorizando hasta convertirla en lo que es, una pequeña joya del cine de ciencia ficción, no exenta de algunos errores que no empañan un film fascinante de principio a fin.

Las diferencias entre la versión estrenada en cines y el montaje del director son la eliminación de algunas escenas, como la del prólogo, unos diez minutos de metraje inédito repartidos a lo largo del film, y la supresión de la voz en off de Kiefer Sutherland, obligada a grabar por la New Line ya que consideraban la historia algo incomprensible. El montaje del director es la demostración palpable de que tal afirmación es absurda. La historia de John Murdoch es perfectamente entendible desde el inicio cuando despierta en la bañera de una habitación de hotel hasta el falso final feliz en el que tomando conciencia de sí mismo y sus poderes convierte su viejo mundo en la materialización de sus recuerdos, implantados o no. Las lecturas que se dejan entrever en su argumento son de lo más variopintas, desde la típica historia detectivesca en la que en la mejor tradición del Film Noir nada es lo que parece, hasta las teorías sobre sueños y recuerdos, la búsqueda de la identidad, el individualismo frente al colectivismo, pasando por la eterna lucha entre el Bien y el Mal, un elemento muy común en las grandes historias.

Proyas ha declarado haber estado influido por la lectura de varios libros sobre psicología y por la teorías sobre el sueño de Freud y Jung —de considerable influencia en muchos cineastas—, construyendo una historia que fascina por su tratamiento y su puesta en escena. El director viste su película de sombras, ambientada en una ciudad en la que la vida sólo sucede de noche y los recuerdos son fantasmas diurnos de difícil explicación. No sabemos la época ni el lugar, los anacronismos nos indican que éste no es importante, al final cuando los protagonistas descubren la verdad sobre la ciudad donde viven —la verdadera sorpresa del relato— la terrorífica realidad se revela como el lugar del que no podrán salir jamás, pero todos tendrán sus recuerdos, sean cuales sean, y sus sueños más la posibilidad de poder cumplirlos o mantenerlos sin el miedo invisible de que sean cambiados cada medianoche.

Los Ocultos —en el montaje del director se elimina por completo la explicación de su existencia— representan en cierto modo la propia búsqueda del ser humano en intentar explicar la existencia del alma, algo tan antiguo como la propia memoria. Extraterrestres que necesitan los cuerpos muertos de gente para poder sobrevivir, de aspecto lúgubre —el ‘Nosferatu’ de Murnau tiene mucho que ver con ello— son todo lo contrario a la humanidad. Fríos, sin sentimientos, con una memoria única, pero con una enorme curiosidad por saber qué hay detrás del gran misterio del hombre. Esa búsqueda del alma por parte de los Ocultos es quizá el elemento más ingenuo de todo el relato, y sin embargo da lugar a multitud de reflexiones que se derivan de las distintas situaciones que atraviesan algunos de los personajes. El portero del hotel que sigue comportándose igual al mando de un quiosco, la negativa de Murdoch a ser un asesino, o también cómo el poseer nuevos recuerdos cambia por completo la actitud y la vida de otras personas. Múltiples posibilidades para el logro más alto de la historia.

Rufus Sewell no es un actor conocido por la gran audiencia, pero su John Murdoch logra ser muy creíble. Jennifer Connelly, antes de ser una superestrella, compone un personaje de mujer típica del cine negro, con interpretación de canciones clásicas incluidas; Kiefer Sutherland, aún lejos de convertirse en Jack Bauer forever, tiene en su haber el personaje clave del relato, una especie de mad doctor que tiene en su poder todos los recuerdos posibles. William Hurt da vida a un curioso detective de policía, al que casi nadie hace caso, pero es de los pocos que sabe que las cosas no están bien. Richard O´Brien es el Sr. Mano —Proyas escribió el papel específicamente para el actor—, un Oscuro que decide inocularse los recuerdos de Murdoch para encontrarle pues representa una amenaza para su especie, produciéndose otra interesante reflexión con ello: el hecho de que el Sr. Mano posea los recuerdos de Murdoch responde más a una necesidad de sentirse humano, pues los recuerdos en parte es lo que nos hace únicos.

‘Dark City’ posee una extraordinaria dirección artística, obra de Richard Hobbs, en la que una ciudad entera se transforma por completo, ocultando calles y edificios y naciendo nuevas construcciones, algo así como los recuerdos que viene, van y desaparecen. Trevor Jones hace gala de una muy acertada grandiosidad en su banda sonora, y Dariusz Wolski viste de oscuridad una película que en su parte final se llena de luz, el despertar de la nueva memoria que está por construirse.

¿Similitudes entre ‘Matrix’ y ‘Dark City’? Todas. Los protagonistas viven en un mundo que no es real, controlados por unos seres que los vigilan en todo momento, el héroe de la historia termina revelándose como una especie de Mesías con superpoderes. Alex Proyas se arriesgó no dándole todo mascado al espectador, arrastrándolo a un mundo incómodo de final lógico pero jamás deseado; los Wachowski sucumbieron con inteligencia a las necesidades de las nuevas eras de espectadores jóvenes. En realidad la producción supermillonaria se lo debe todo al pequeño film, hoy de culto, de Proyas. Preferir una u otra es cosa de las inquietudes de cada uno. Un servidor se queda con las dos.

Si ayer hablábamos de dos de las modas actuales de Hollywood, el remake y el 3D, hoy le toca el turno a la tercera: los vampiros. Todo ha surgido de LatinoReview, que suele acertar bastante con los rumores de casting. Según esta Web, Universal Pictures ha decidido por fin dar luz verde a ‘Dracula: Year Zero’, lo próximo del director Alex Proyas (‘Dark City’, ‘Yo Robot’, ‘Señales del futuro’), que va a costar en torno a 100 millones de dólares y que contará con Sam Worthington al frente del reparto. De este modo, el actor australiano, convertido en toda una estrella de la noche a la mañana (gracias a “ya-sabéis-quién”), sería el nuevo rostro del mítico Drácula.

Escrita por Matt Sazama y Burk Sharpless, ‘Drácula: Año cero’ narra una historia original sobre Vlad Tepes o Vlad el Empalador, el príncipe rumano en el que se inspiró Bram Stoker para crear al vampiro más famoso de todos los tiempos en su novela de 1897. La película se centraría en cómo Vlad se convirtió en la fantástica criatura que todos conocemos, en las elecciones que le llevaron a ese final y en las tragedias que marcaron su vida. Bueno, no suena mal, la historia es interesante (al menos, la del verdadero Vlad) y Proyas no es un mal realizador. Veremos qué sale de aquí.

PD: Antes que Worthington, sonó el nombre de Brad Pitt.

Vía | LatinoReview

• ‘Señales del futuro’

Durante la inauguración de un nuevo colegio, los estudiantes guardan en una cápsula del tiempo varios objetos; Lucinda, una de las niñas, guarda un papel en el que ha escrito extraños números. Cincuenta años después, la cápsula del tiempo es desenterrada y Caleb, el hijo de John Koestler (Nicolas Cage), un profesor de astronomía viudo, recibe la misteriosa nota de Lucinda. John descubrirá enseguida que esos números esconden predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no…

Entretenido thriller de ciencia ficción que no sabe aprovechar el gran punto de partida, muy explosivo para la floja inventiva de la maquinaria industrial hollywoodiense. Alex Proyas logra algunos momentos inquietantes y Cage sorprende con un personaje mucho más contenido de lo habitual, en una película que parecía aspirar a quedar en la memoria, pero donde lo único inolvidable es su desastroso desenlace. Se ponen a la venta tres ediciones diferentes. Una sencilla, de un disco, sin nada destacable; una especial, con un segundo disco que contiene un making of y “comentarios del director” (¿una entrevista?); y una última para coleccionistas, con los dos discos más unos fotogramas originales, una alfombrilla para el ratón y un libreto ilustrado.

Críticas en Blogdecine:

‘Señales del futuro’, inquietante pero frágil thriller fantástico

‘Señales del futuro’, ambiciosa pero fallida

‘Señales del futuro’, Alex Proyas mezclando a Spielberg y Shyamalan

• ‘Ponyo en el acantilado’

Sosuke, un niño de cinco años, se encuentra, cuando juega en la playa, una pececita de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y le dice que la protegerá. Sin embargo, el padre de Ponyo, un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. Ponyo, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa…

Nueva y fantástica película del Studio Ghibli y el genial Hayao Miyazaki, tras ‘El viaje de Chihiro’ y ‘El castillo ambulante’. La película narra la tierna relación que se crea entre un niño y una mágica y pequeña criatura marina (una especie de sirenita). Visualmente excepcional, el único “pero” que podemos encontrarle es que no es tan disfrutable para los adultos como para los niños, pero bueno, dejemos una joya para los peques, que los pobres no tienen mucho (de calidad) donde elegir. Si queremos adquirir ‘Ponyo en el acantilado’ vamos a encontrar dos ediciones, una sencilla de un disco y una especial con dos; la diferencia, aparte del estuche y el precio, son dos tráileres y el storyboard completo de la película, imagino que un “extra” imprescindible para los amantes de la animación.

Críticas en Blogdecine:

‘Ponyo en el acantilado’, el encanto de la niña pez

‘Ponyo en el acantilado’, un tsunami de animación

‘Ponyo en el acantilado’, la imaginación al poder

Ponyo, la sirenita de Hayao Miyazaki

• ‘Susurros del corazón’

Shizuku es una adolescente aficionada a la lectura que tiene como plan pasar sus vacaciones de verano leyendo en la biblioteca y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, sus planes dan un giro cuando descubre que hay un mismo nombre, Seji Amasawa, en las fichas de los libros que coge en la biblioteca. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

‘Ponyo’ no es la única perla del Studio Ghibli que se pone a la venta esta semana en nuestro país. También podremos adquirir ‘Susurros del corazon’, que también cuenta con la participación de Hayao Miyazaki, quien adaptó la historia para que fuera dirigida por Yoshifumi Kondo. La edición en DVD incorpora un documental sobre el proceso de animación y el storyboard completo de la película. Echo en falta, como en la anterior, alguna entrevista con los responsables, pero bueno, tampoco es cuestión de pedir demasiado, ya es una gran noticia que podamos conseguir este tipo de películas en España.

• ‘La cuestión humana’

Simon (Mathieu Amalric) trabaja como psicólogo en el departamento de recursos humanos de una gran multinacional petroquímica. Su labor consiste en la organización de raves y juegos de rol donde los jóvenes empresarios son llevados a la extenuación para detectar sus flaquezas y aptitudes. La fría y calculadora vida de Simon se ve alterada cuando, un día, uno de los directivos le encarga una misión confidencial: investigar al director general de la empresa, al que creen perturbado mentalmente. Inmerso en una extraña conspiración, Simon irá viendo cómo su existencia se va resquebrajando, invadida por los ecos de un pasado siniestro que le harán enfrentarse a la “cuestión humana”.

Típica atracción para el público que busca algo diferente, reflexivo y denso. A mí me engañó, fue una gran pérdida de tiempo, no encontré más que un mediocre relato pseudo-intelectual sobre la deshumanización; cine “prestigioso” para minorías, que sospecho que a veces sólo ven, sufren y se duermen viendo estas películas para reafirmar su convicción de que son diferentes de los demás. En cualquier caso, todos tenemos nuestros gustos personales, nuestra forma favorita de pasar el tiempo, y nuestros momentos raros que nos influyen al ver una película, así que entiendo perfectamente que esta cosa haya recibido aplausos. ‘La cuestión humana’ sale a la venta en una cuidada edición de dos discos, que incluye una entrevista con Nicolas Klotz y Elisabeth Perceval.

Críticas en Blogdecine:

‘La cuestión humana’, la cuestión del público

‘La cuestión humana’, demoledora y monumental obra maestra

• ‘Road House (El parador del camino)’

Jefty (Richard Widmark) dirige una bolera-cabaret. En uno de sus viajes conoce a Lily (Ida Lupino), una cantante de voz áspera pero sensual a la que contrata para que anime el local. Su socio y mejor amigo Pete (Cornel Wilde) se opone, pero Jefty está locamente enamorado de ella y no cede. Tras algunas fricciones, Pete y Lily se enamoran y comienzan una relación. Jefty, loco de celos, acusa a Pete de robar las ganancias del bar…

Uno de esos clásicos que debe estar en la estantería de todo cinéfilo. El elegante Jean Negulesco a los mandos y unos excelentes Widmark y Lupino al frente del reparto (también está Cornel Wilde, vale, la película no es perfecta) ofrecen un apasionante y tenso thriller sobre el amor y los peligrosos celos. Cine negro de calidad, del que se hacía antes y no envejece. La película sale a la venta en una edición sencilla que apenas incorpora un menú y los subtítulos en castellano (algo imprescindible que aún no sé cómo no se incluyen en un buen puñado de clásicos).

Crítica en Blogdecine:

‘El Parador del Camino’, el poder de los celos

• ‘La torre de los ambiciosos’

Cuando, de repente, el presidente de una importante empresa de muebles muere, dos vicepresidentes inician una lucha por ocupar el cargo de mayor importancia. Su particular conflicto sacará a la luz lo implacable y la corrupción de la vida empresarial. William Holden, Barbara Stanwyck, Fredric March, June Allyson, Walter Pidgeon, Shelley Winters, Paul Douglas y Louis Calhern, entre otros, encabezan el gran reparto de este tenso drama dirigido por Robert Wise (‘Ultimátum a la Tierra’, ‘West Side Story’, ‘Sonrisas y lágrimas’) en 1954. La edición en DVD sale pelada de extras, para variar.

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  ‘Madame Bovary’

Emma Bovary es la insatisfecha mujer de un médico rural que ansía pertenecer a la alta sociedad francesa. Sus ambiciones y un apasionado romance con un joven aristócrata la conducirán a una situación que prevé trágicas consecuencias.

Basada en la mítica novela del francés Gustave Flaubert, y protagonizada por Jennifer Jones y Van Heflin, el film es una crítica de los falsos valores de la burguesía rural francesa del siglo XIX. Como novedad, cabe destacar que en esta adaptación, Vincente Minnelli introdujo un prólogo y un epílogo en el que el propio escritor, interpretado por James Mason, se convertía en el narrador de la historia. No he encontrado detalles de la edición, supongo que traerá lo mínimo.

• ‘Alma de bailarina’

Basada en la novela de James Warner Bellah, Joan Crawford canta y baila en esta comedia musical donde encarna a una bailarina que no acaba de decidirse entre su manager y un seductor profesional. La película, dirigida por Robert Z. Leonard, cuenta con un reparto de lujo en el que también figuran Clark Gable, los cómicos “The Three Stooges” y, en un papel secundario, el legendario Fred Astaire, que debutaba en la gran pantalla. Edición simple en DVD.

• ‘Huracán de emociones’

Convertido ya en un icono del cine de aventuras por inolvidables títulos como ‘El halcón y la flecha’ (1950) y ‘El temible burlón’ (1952), Burt Lancaster protagoniza este título rodado en las islas del Pacífico Sur y ambientado en plena Segunda Guerra Mundial. La película es una adaptación de la obra teatral de William M. Rankin, llevada a la gran pantalla por el realizador Arthur Lubin. Filmada en blanco y negro, Lancaster, que ofrece su lado más dramático, se acompañará de la increíble belleza de Virginia Mayo.

• ‘El noviazgo del padre de Eddie’

Un niño de seis años está harto de que su padre siga viudo y sin compromiso. Decidido a solucionar el problema, el joven Eddie prepara citas para su padre y supervisa la selección de la posible candidata. La película, adaptación de la novela de Mark Toby, es la clásica comedia ligera de los 60, simpática, tontorrona y eficaz, que se ve con una sonrisa. De nuevo volvemos a encontrar al siempre interesante Vincente Minelli en la dirección, mientras que el reparto está encabezado por Shirley Jones y Glenn Ford, uno de esos actores que aportaron magia al séptimo arte.

Vía | ZonaDVD

En la crítica de Juan Luis Caviaro sobre ‘Señales del futuro’ (horroroso título tipical spanish para ‘Knowing’), el autor de la misma expresa su pensamiento sobre la posibilidad de que la película hubiera sido dirigida por Steven Spielberg (si digo que me parece uno de los mejores directores de la historia del cine, ¿me vais a pegar?), o por M. Night Shyamalan (si digo que es una de las pocas esperanzas del futuro del cine… ¡plaf! ¡ay! vale, vale). Lo cierto es que viendo el film firmado por Alex Proyas, los ecos de ‘El incidente’ son evidentes, y con respecto al Rey Midas, son varios los títulos que vienen a nuestra memoria, desde ‘Encuentros en la tercera fase’ hasta ‘La guerra de los mundos’, con unas gotitas de ‘E.T’.

Proyas ha tenido mala suerte en su carrera, si lo miramos desde varios puntos de vista. En la pasable ‘El cuervo’ se muere Brandon Lee, su admirable ‘Dark City’ (de la que la mucho más popular ‘Matrix’ casi es un plagio) no funcionó en taquilla como merecía; ‘Días de garaje’, el otro film bueno de su carrera, no lo conoce ni Dios; con ‘Yo, robot’ tuvo que pagar el precio de tener que someterse al mainstream con un film muy por debajo de sus posibilidades. Y lo de ‘Señales del futuro’ parece un chiste, pero no porque nos encontremos ante un film malo, sino porque demuestra que Proyas no termina de tener la independencia que la trascendencia de sus proyectos reclaman.

No leer si no se ha visto la película.

‘Señales del futuro’ narra la historia de John, un profesor de astronomía, viudo, cuyo hijo recibe un regalo muy especial al abrir en el colegio en el que estudia una llamada cápsula del tiempo, en la que los niños de hace cincuenta años enterraron dibujos imaginándose un futuro que hoy es realidad. Un papel con una secuencia numérica traerá de cabeza a John, pues dichos números predicen catástrofes, algunas ya ocurridas (el famoso 11-S), y otras por ocurrir. John, cuya fe y creencias se acabaron el día que su esposa murió, empezará a plantearse ciertas cosas que la ciencia no puede explicar.

No creo que se pueda considerar a Proyas un autor en el sentido literal del término, en todo caso podemos decir que es un autor a punto de explotar. En ‘Señales del futuro’ se nota su mano durante casi todo el metraje, sobre todo en la creación de una más que digna atmósfera y ritmo. La incipiente amenaza de que algo horrible sucederá está presente en todo el metraje, y la podemos llegar a sentir en la puesta en escena de Proyas, capaz de filmar momentos intensos como el de cierto visitante en la habitación del hijo del protagonista, o escenas de índole más íntima, como la de Cage tumbado en el sillón, solo y sumido en sus pensamientos. Con la pericia de aquél que conoce los resortes del género, y sobre todo tiene una gran cultura cinematográfica, Proyas va rindiendo una especie de homenaje moderno a la serie B de los años 50, cuando este tipo de argumentos estaban todavía más en boga de lo que hoy están.

Y es que los argumentos apocalípticos siempre han sido del interés del público en general, sobre todo si van acompañados de cierta trascendencia, más aún si ésta tiene que ver con creencias del tipo vida en otros planetas o más allá de la muerte, por poner dos de los temas que más interesan al espectador y al ser humano en general. Pero una cosa es servir un producto entretenido, bien facturado en casi todos sus aspectos, tocando con sutileza temas apasionantes de difícil o nula explicación, y otra bien distinta, tirar por la borda un film digno, dentro de sus límites, centrando su base en unos diez minutos finales de verdadera vergüenza ajena, en los que además se nos mete con calzador un mensaje procatólico sin ningún tipo de rubor, dando la sensación de que toda la película era sólo una excusa para transmitir dicho mensaje. Y ya no me refiero a que podamos estar o no de acuerdo con la ideología (eso es cosa de cada uno, y creo que nunca debería ser una barrera a la hora de juzgar una película), sino a lo maniqueo que resulta, a lo descarado de la empresa, tanto que ‘Señales del futuro’ debe de ser uno de los ejemplos más vergonzosos a la hora de utilizar el deus ex machina, multiplicado éste a la enésima potencia.

Tan malo, descarado, insultante, bufonesco, fuera de lugar, absurdo, ridículo, y doscientos mil adjetivos más, me ha parecido el final de ‘Señales del futuro’, que a su lado la labor de Nicolas Cage hasta me parece admirable. ¿De dónde le sale a este actor su delirante habilidad para meterse en productos absurdos a más no poder? Motoritas fantasmas, remakes de films orientales que ya eran malos hasta la saciedad, secuelas inútiles, y ahora se corona con una película cuyo final entra por derecho propio en los anales de los finales más idiotas de toda la historia del cine. A su lado, una siempre bella Rose Byrne, con un personaje bastante desequilibrado en su dibujo, y un par de niños que no lo hacen mal. Alex Proyas es el verdadero protagonista de la película, pero me resisto a creer que ese final tuviera su aprobación. Y tampoco que Richard Kelly, el inicialmente previsto para escribirla y dirigirla, fuera capaz de semejante cosa.

‘Señales del futuro’ es otra de esas películas que dentro de mucho tiempo no serán recordadas, y es una pena, al menos por sus virtudes. Lamentablemente todos recordaremos el bochornoso final, que hará las delicias de todos los creyentes, que han visto orgullosos como su mensaje de salvación terrenal y espiritual ha sido incrustado de lleno en el interior de un producto mainstream cinematográfico, hoy por hoy, uno de los mejores medios que existen a la hora de extender una idea, o una moda, o una memez. Mejor obviar ese lamentable final, y disfrutar en la medida de lo posible del resto del film, donde Cage se esfuerza por no parecer él, Proyas rinde pleitesía a los dos genios nombrados, y la historia avanza con cierta fluidez e interés.

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• ‘Señales del futuro’, ambiciosa pero fallida

Un thriller apocalíptico que tiene momentos de verdadero terror, pero que queda diluido por dosis de ciencia ficción, de género fantástico, de cine de catástrofes y de profecías y numerología más próximas a Expediente X. Una película que cuenta con estimulantes ingredientes, la buena mano en la narración de tono oscuro de Proyas, pero que se desmorona según avanza el metraje, perdiendo el interés inicial para devenir en una historia fallida, por momentos aburrida, y de final tan absurdo como desilusionante.

El planteamiento de los guionistas (hasta seis los firman) es ambicioso, intentan ofrecer una cierta originalidad que queda bien establecida con la trama primaria de la cápsula del tiempo. Pero en un intento de abarcar demasiado, fracasan hasta generar falsas expectativas. Como digo, comenzando con un thriller oscuro, intrigante y que expone temas como el destino, el azar y los misterios de la numerología, acaba en un relato de ciencia ficción lamentable. Esa ambición originaria de ‘Señales del futuro’, que genera una cierta expectación por el misterio, queda traicionada a mitad del metraje, con trampas, pistas falsas, diálogos imposibles, además de decaer el ritmo y enmarañar la historia por la falta de ingenio.

A todo hay que añadir, que no encuentra tampoco un protagonista suficientemente carismático. La imposibilidad de Nicolas Cage por ofrecer una interpretación adecuada, quedando evidente su falta de inspiración. Algo a lo que ya nos tiene acostumbrados y que nuevamente muestra el mismo mutis que ya hemos visto anteriormente en las dos entregas de ‘La búsqueda’, sin ir más lejos. Ahora compone un personaje plano sin demasiado brillo, pero con cierto oficio, metiéndose en la piel de un científico convertido en padre coraje y que se echa a las espaldas la obligación de salvar el mundo con el rostro permanentemente compulgido.

A pesar de que el guión no sabe cerrar todos los nudos con solidez, no se puede negar la capacidad visual y narrativa de Alex Proyas en la pocas pero impactantes secuencias de acción. Momentos espeluznantes, que llegan por sorpresa y provocan impacto suficiente, a pesar del abuso del CGI y de cierta tendencia al exceso. El manejo correcto del suspense y la creación de una atmósfera envolvente e hipnótica son los mejores argumentos de la película, en la que Proyas pone lo mejor de sí, a pesar de las carencias del guión, intentando solventar todo el conjunto con una realización con enorme fuerza visual y que busca (y encuentra) la sorpresa constante y el espectáculo con mayúsculas.

Aquellas escenas donde el tono general se vuelve oscuro, donde el desconcierto prevalece y la historia se presta, Proyas desarrolla su personal estilo y filma los mejores momentos, pero todo hace indicar que los productores no quisieron arriesgar demasiado (el final parece demasiado impuesto para venderlo como un blockbuster) y que en la sala de montaje se quedaron momentos que hubiesen elevado el resultado global del film, sin caer en la mansedad que hace gala al final.

La idea de la llegada del fin del mundo es lo suficientemente inquietante como para que un realizador como Proyas sepa ponerle dosis de nervio y suspense, pero mezclado con tantos géneros y la necesidad de hacer más digestible el resultado debilitan este thriller fantástico que bien podría haberse convertido en todo un fenómeno.

Mi puntuación:

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Señales del futuro’, inquietante pero frágil thriller fantástico

El pasado miércoles se estrenó en nuestro país ‘Señales del futuro’, que es el título español de ‘Knowing’ (o ‘KnOw1ng’ si eres de los escriben ‘Se7en’), lo último del director Alex Proyas y el actor Nicolas Cage. La película ha sido un considerable éxito en Estados Unidos, recaudando 25 millones en su primer fin de semana, y de no ser por la llegada, también el día 8, de ‘Dragonball: Evolution’, probablemente habría repetido número uno en España. Ya veremos, pero parece que la Semana Santa no era precisamente el mejor momento para estrenar un “plato fuerte”.

Y es que ‘Señales del futuro’ tiene ingredientes para atraer a mucho público a las salas. Un punto de partida muy interesante, secuencias espectaculares y la mencionada intervención de Proyas y Cage. El cineasta tiene una buena reputación gracias a haber filmado ‘El cuervo’ y ‘Dark City’, obras de culto, aunque en el cartel de su último film sólo recuerdan que hizo ‘Yo, robot’. De Cage hay poco que decir, todos los presentes le conocemos y tenemos muy vivos en la memoria sus últimos trabajos, lo que le ha llevado a ser considerado uno de los peores actores del planeta. Justo por ‘Ghost Rider’ o ‘La búsqueda: El diario secreto’; injusto por ‘Al límite’ o ‘Adaptation: El ladrón de orquídeas’. Aquí, en ‘Señales del futuro’, ofrece su mejor versión, a pesar de que el film sea más comercial y blandito de lo que cabía esperar.

La historia comienza hace cincuenta años, en un colegio donde se entierra una cápsula del tiempo; en su interior, cartas con dibujos de lo que los niños creen que ocurrirá en el futuro. Sin embargo, una niña, nerviosa y de aspecto siniestro, ha guardado otra cosa, una hoja llena de números, aparentemente sin sentido. Pasa el tiempo y ahora estamos en la actualidad. La cápsula es desenterrada y la carta de la niña acaba en manos del hijo de John, un profesor de astronomía que ha quedado viudo recientemente y que tiene dificultades para criar a su pequeño. Por supuesto, el documento que parece ser una tontería sin sentido está lleno de cifras con sentido. Tras una noche de trabajo, John consigue descubrir la verdad, y es que la niña supo las fechas en las que ocurrirían catástrofes futuras, así como el número de víctimas. Este hecho no resultaría del todo impactante si no pudiera demostrarse en la cara del protagonista, y así resulta que John tiene por delante tres catástrofes por descubrir e intentar evitar, en la medida de lo posible, gracias a la hoja de papel.

Como cualquiera puede haber comprobado, este tipo de películas las hacen en Hollywood todas casi iguales, como churros. Basta cambiar a Nicolas Cage por Tom Hanks o Will Smith y convertir al profesor de astronomía por un escritor o un experto en el tema apropiado para resolver el misterio central; la trama va a ser básicamente igual, un cúmulo de secuencias de acción donde el protagonista hace uso de un ingenio, una suerte y una habilidad extraordinarias para superar todo lo que se le ponga por delante, enamorar a la chica de turno (que no tiene otra cosa que hacer) y salvar la ciudad, el país o hasta el planeta (que siempre queda a merced de la decisión de algún héroe norteamericano, curioso). Por último, contar con un presupuesto elevado, mucha publicidad y un realizador que se amolde a lo establecido, a ser posible con cierto pedigrí.

Alex Proyas tiene entre manos un guión (escrito por Richard Kelly y el propio Proyas, entre otros) que parte de una gran idea, pero que patina (a mi entender) escandalosamente cuando tiene que desarrollarla y, sobre todo, darle una explicación y un desenlace. Con la estrella a bordo, calmada, ordenada y dispuesta a colaborar para el buen funcionamiento del conjunto (repito, creo que Cage hace su trabajo con estupenda corrección) y secuencias ruidosas con muchos efectos especiales, sólo le quedaba a Proyas mantener el interés entre los hechos más contundentes de la película y rodear al protagonista de drama, sustancia y conflicto; que no descubra el espectador la propuesta vacía que realmente se le está poniendo por delante. El cineasta logra su cometido a medias, ofreciendo secuencias intensas y algunas aterradoras (que sin embargo, considero que se estropean por durar más de lo necesario), embelleciendo y entristeciendo una historia que podía caer fácilmente en lo ridículo.

Cosa que finalmente, en mi opinión, sí ocurre cuando Proyas se queda sin madera mágica que quemar y tiene que desvelar la sorpresa, el núcleo de todo lo que ha estado preparándose durante las casi dos horas de metraje. Así llegamos a un final delirante que puede provocar infartos de risa a más de uno, de dos y de mil. Un espectáculo de “blandos” efectos especiales que podríamos dividir en dos partes, siendo una muy terrible e interesante (por no estropear nada, diré que se trata de lo que ocurre cuando John descubre la verdad, la asimila, y tiene el sensacional acierto de escuchar a Beethoven, llegando a cierto lugar, donde culmina su particular camino), y otra verdaderamente lamentable, que pretende dar una explicación a todos los cabos sueltos de la historia, incluyendo base para debate sobre la creación y el fin de la vida humana; lo cual puede servir para que, no obstante, este título se convierta en un futuro objeto de culto. Por cierto, si habéis visto el muy prescindible remake de ‘Ultimátum a la Tierra’, seguro que encontráis un cierto parecido entre ambas películas, pareciendo que Proyas haya rodado una especie de secuela de aquélla.

Afortunadamente, ‘Señales del futuro’ es mucho más tenebrosa y disfrutable, un producto de no pensar demasiado (porque te lo cargas), de consumo rápido, y que no quedará en la memoria (salvo lo del final), pero que contiene numerosos aciertos, empezando por una atmósfera inquietante, con la que se consigue tener al espectador agarrado en la butaca. Igualmente, cabe destacar, a mi parecer, toda la primera parte, con la presentación del personaje central (hay un plano de Cage mirando ese regalo que no quiere abrir, que me parece estupendo e impropio en films comerciales de usar y tirar) y los primeros conflictos a los que se enfrenta éste, donde sobresale esa impactante secuencia con el avión, que deja sin respiración. Todo lo que sigue, como la secuencia del metro (donde cantan bastante los efectos de ordenador), no tiene la misma fuerza ni el mismo equilibrio, provocando la indiferencia en muchas ocasiones, porque huele a burda copia fabricada con prisa y por inercia.

En definitiva, creo que ‘Señales del futuro’ puede resultar un entretenimiento efectivo para todo aquel que se acerque al cine sin más pretensión que la de pasar el rato, así como también para el aficionado a la ciencia ficción que no busque ninguna maravilla, pues este producto está muy lejos de ser comparable a ‘Blade Runner’, ‘2001’ o ‘Encuentros en la tercera fase’, por poner tres ejemplos de lo mejor del género. Una lástima, porque Alex Proyas no consigue hacer sólido un material demasiado vago, hecho para sorprender con ruidos y luces, pero que parece que aspiraba a algo más; quizá en manos de otro cineasta más brillante (me parece inevitable pensar en Shyamalan o en Spielberg) se podría haber conseguido, se podría haber creado la aterradora joya del fantástico que apuntaba.

Poco después de salir el póster (ése que recuerda tanto a ‘La guerra de los mundos’), ya podemos echar un vistazo también al trailer de ‘Knowing’ o ‘Kn0w1ng’, si te va el rollo numérico (no sé qué significa esto realmente). Recordemos que la película ha sido dirigida por Alex Proyas, el tipo detrás de productos tan conocidos como ‘El Cuervo’, ‘Dark City’ o ‘Yo Robot’, y el absoluto protagonista de la misma es Nicolas Cage, a quien acompaña Rose Byrne, interpretando a su mujer (extraña parejilla).

‘Knowing’ se centra en un maestro de escuela que descubre una serie de fechas escritas en una hoja de papel que había estado enterrada durante 50 años. Las cifras resultan ser predicciones de catástrofes que han ocurrido… y que van a ocurrir. A pesar de que todo parece escrito, el protagonista cree que es posible detener esta serie de acontecimientos.

Pd: Tras ver el trailer me vienen a la mente ‘El código Da Vinci’, ‘Dark City’ y ‘El incidente’... a saber de qué va finalmente la cosa.

Vía | TheMovieBox