Qué alegría comprobar que ya queda menos para poder ver lo nuevo de Wes Anderson, casi dos años después del estreno en España de la divertida ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’, 2009). Aquí os dejo el primer tráiler de ‘Moonrise Kingdom’, el séptimo trabajo de este peculiar director, cuyo rodaje os adelanté en marzo del pasado año. El vídeo es exactamente lo que cabe esperar, dos minutos de situaciones y diálogos genuinos del universo creativo de Anderson, quien ha podido contar de nuevo con un reparto espectacular.

Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Jason Schwartzman, Jared Gilman y Kara Hayward, entre otros, protagonizan una película que han escrito Wes Anderson y Roman Coppola; por si fuera poco, Alexandre Desplat se encarga del score original. La historia de ‘Moonrise Kingdom’ está ambientada durante los años 60 en una localidad de Nueva Inglaterra, y gira en torno a dos chicos enamorados; cuando se ven obligados a huir juntos, lejos de quienes les rodean, todo el pueblo se moviliza para encontrarlos, destapando en el proceso viejos rencores y relaciones secretas. Llegará a los cines en el mes de mayo, al menos en Francia y EE.UU. ¿Qué os parece? tiene buena pinta, ¿no? Ya sé que no hay inmensas explosiones, coches volando por los aires, bobas supermodelos meneando el trasero ni tipos con abdominales perfectos luciéndose mientras dan puñetazos, pero oye, los raros también tenemos derecho a ver cine. Ya era hora.

PD: Murray ha intervenido en todas las películas de Anderson excepto en una, su opera prima, ‘Ladrón que roba a otro ladrón’ (‘Bottle Rocket’, 1996).

Tras haber escuchado la banda sonora de ‘El árbol de la vida’ en repetidas desde hace algún tiempo y con gran expectación tras el éxito del film en Cannes, solo me cabe una conclusión: la música fluye de forma magistral. Al margen de la polémica por el sentido del film, por ese debate sobre si la nueva obra del peculiar Malick es absolutamente pretenciosa o impecablemente majestuosa (reconozco que me muevo en el término medio, cosa difícil y más aún de explicar), la banda sonora de Alexandre Desplat es rotundamente una de las mejores del año.

Malick, una especie de Salinger del cine, no ha repetido nunca compositor en sus pocas pero trabajadas películas. Quizás su afán en búsqueda de perfección, el apoyo de piezas musicales clásicas o que no todos los compositores terminan de soportar la dura tarea de ponerle música a sus trabajadas imágenes, el caso es que ha contado con George Tipton, Ennio Morricone, Hans Zimmer, James Horner y ahora era el turno de Desplat.

Alexandre Desplat es reconocido como uno de los más inspirados y mejores compositores de bandas sonoras de la actualidad. Este genio francés tendente al minimalismo, a transmitir el máximo sentimiento con apenas un piano (o al menos con escasa orquestación habitualmente), con pocos acordes pero repetitivos y mágicos, posee trabajos de altura que lo avalan. El hecho de que Malick contara con él es sin duda una gran noticia, podría verse en un reto harto complicado. Acompañar el ambicioso y personal film de Malick abordando un tema tan complicado y cargado de tintes metafísicos no es, desde luego, tarea fácil. Pero el resultado es simplemente fantástico.

La música de Desplat fluye con suavidad a lo largo del metraje y subraya con precisión y emoción las sensaciones que Malick narra. Desde la simplicidad más armoniosa a tonos más sombríos, la música acompaña con precisión, delicadeza y acentuando el ejercicio introspectivo al que Malick somete al espectador con su historia. Buen ejemplo de esa fluidez son sus temas ‘Motherhood’ en tono más optimista y que acompaña a la madre y su entrega y dedicación con los hijos o ‘Fatherhood’ con la que encuentra un aire más sombrío, como clara contraposición, pero sin perder la excelente armonía del conjunto.

Desde luego que el trabajo de Desplat cumple con los requisitos que, como él mismo manifestó en una entrevista, le requirió Malick: que la música fuera como un río que fluye a través de la película. Y así es. Desde luego Desplat es un maestro y con este exigente trabajo consigue demostrar su enorme inspiración y capaz de estar a la altura hasta del más ambicioso de los directores.

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Resulta curioso que la última película completada de Terrence Malick —recordemos que tiene otras dos películas más, una en fase de postproducción, y la otra en sabe Dios qué fase— haya sido número uno de taquilla en nuestro país. Imagino que el hecho de estar protagonizada por un actor tan famoso como Brad Pitt, más una calculada campaña de promoción, han bastado para llevar al público a las salas y convertir ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’, 2011) en la película más vista el pasado fin de semana. Curiosamente ostenta otro récord, el de ser la película que más reclamaciones ha provocado, hasta tal punto que en un determinado cine de nuestra querida tierra se entrega una hoja explicando que el film no es convencional, y que si el espectador no está a gusto con lo visto durante la primera media hora se le dará la oportunidad de cambiar de sala. A estas alturas, el número de personas que han hecho efectivo ese derecho es significativo.

No es algo nuevo, y de paso se hace un plus de publicidad a la película, y gratis. Pero seamos sinceros, o hablemos claro. ‘El árbol de la vida’ no es una película para ser degustada por cualquier paladar, eso es cierto. Ahora bien, no creo que para defenderla haya que usar precisamente ese argumento tan vago. Que sí, que Malick es especial, que anda de ermitaño por la vida, y sus aspiraciones son la de hacer la película más grande jamás hecha, algo que parece quedar impreso en los cinco largometrajes que ha dirigido hasta la fecha, y queda más claro que el agua, ésa que tanto le da por filmar a veces sólo porque sí, que no es un director para el gran público. No obstante, y siendo admirador de dos de las películas de su filmografía —‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973) y ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, 1998)—, me uno irremediablemente a ese grupo de espectadores que han visto/sufrido la última obra de Malick.

Creo que fue en estas mismas páginas donde mi compañero Adrián Massanet, que ama a Malick sobre todas las cosas, incluido James Cameron, decía que un artista —llámese en este caso, cineasta— no experimentaba jamás. Me gustaría saber qué coño ha estado haciendo Malick desde sus inicios, porque bien es sabido que este director se toma su tiempo para sus films, y no sólo durante la fase de preproducción, sino durante el mismo rodaje. En ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005), película capaz de hacer roncar a una piedra —haced la prueba, funciona—, en un preciso momento el director decidió filmar a Q’orianka Kilcher corriendo entre la vegetación sólo porque a Malick le gustaba la luz del sol en el pelo de la actriz. En ‘El árbol de la vida’ otro tanto de lo mismo, planos y planos filmados a capricho del director para al final tener más metros de película de los necesarios, improvisaciones por aquí, experimentos por allá.

Que la luz queda bien en la cara de Brad Pitt, rápido travelling sobre el actor, luego ya le meteremos la música clásica de turno, que siempre queda bien. Que la rama de aquel árbol —no, no es el del título, ése es otro mucho más profundo metafóricamente hablando— queda bonita en cámara, pues a filmarla, pero partida o desenfocada, que mola más. Que aquel riachuelo produce una extraña sensación de paz al filmarlo entre las dos y cuarto del mediodía y las tres menos cuarto, pues a filmarlo también. Si eso no es experimentar, entonces no sé lo que es, y si Malick no es un artista, pues tampoco. A mí no me importa el proceso de rodaje de un film más allá de lo informativo o lo anecdótico, si el cineasta experimenta o no. Me interesan los resultados o si el viaje que propone el director a través de su mirada es o no fascinante, es o no provechoso, es o no entretenido, entendiendo por entretenimiento cualquier tipo de historia que me deje pegado a la pantalla. Y ‘El árbol de la vida’, a pesar de sus enormes aspiraciones y pretensiones, no me produce nada de eso, me aburre soberanamente. Su discurso incluso me repatea.

La triste pérdida de un hijo por parte de un matrimonio en el Texas de los años 50 es el eje central de una historia que abarca desde la mismísima creación del universo hasta la búsqueda final de Dios. Aunque voces gritonas digan lo contrario, ‘El árbol de la vida’ posee planteamiento, nudo y desenlace, y aunque Malick intenta crear una especie de puzzle cuyo sentido final tal vez no conozcamos nunca —podríamos estar ante una de esas películas que se transforman a cada nuevo visionado, y ni me importa—, dichos elementos de la narración más clásica están presentes en la película. El mezclarnos de la forma en la que Malick lo hace responde a las inquietudes del director, a querer divagar sobre cuestiones filosóficas de toda índole, de dónde venimos, qué fuimos en un principio, qué somos, dónde radica el secreto de la vida plena, qué es la muerte y hasta dónde influye en la vida. Con imágenes, en las que han tenido mucho que ver Douglas Trumbull y Emmanuel Lubezki, que acercan a Malick a Kubrick, el director de ‘Días del cielo’ (Days of Heaven’, 1978) se pierde en su propias pretensiones.

Imágenes como la que encabeza este texto son de lo más inspiradas, no lo niego, como no le niego a Malick la capacidad de hacer gran y buen cine, pero de nada me vale sentirme embriagado por una metáfora visual de tal calibre, si a continuación Malick me saca de quicio con un travelling sobre una hoja, o un árbol, o una piedra, y que nadie me venga con lo de la comunión con la naturaleza, ni con la ruptura de la estructura narrativa que Malick pretende hacer. Tal ruptura no existe, están bien diferenciadas las partes que ensambladas deben ser un todo, uno que falla enormemente desde su pobre discurso religioso —ese final, que es incoherente con el resto del film—, hasta el íntimo drama de una familia rota por la desgracia, o los recuerdos de un hombre a cerca de su autoritario padre. Sí es verdad que rompe con algunos convencionalismos, ofreciendo una película que se siente, alejada de todo disfrute típico. Las sensaciones como objetivo final del arte. Nada en contra, salvo que las sensaciones que provoca en un servidor son muy distintas a las provocadas en aquellos que se han rendido ante Malick, y casi todas sinónimos de sopor.

Brad Pitt demuestra que cada vez es mejor actor, lo que a cierta altura del relato da prácticamente igual, porque su interpretación está sujeta ante la prepotente cámara de Malick —travellings acercándose rápido tanto a personajes como objetos es la marca de la casa—, Jessica Chastain posee cierta fragilidad, pero escenas como la de ella flotando literalmente debajo de un árbol —sí, la paz de su jardín y demás vainas— rozan el más profundo ridículo. Los tres actores que dan vida a los tres hermanos están sensacionales y Sean Penn, en su segunda colaboración con Malick, parece tan perdido como su personaje. Al final nos queda una espléndida banda sonora de Alexandre Desplat, y la sensación de haber pasado una eternidad en el cine.

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Terrence Malick, aunque se resiste a ser fotografiado y a conceder entrevistas, lo que le confiere un aura de misterio y la sensación de que se trata de un ermitaño incapaz de relacionarse con el mundo, ni está solo ni está desconectado del mundo. Le acompañan (le han acompañado siempre), en su viaje estético y vital, nombres como los del filósofo Martin Heidegger, el poeta Walt Whitman o el escritor, poeta, agrimensor, naturalista, activista, anarquista, conferenciante y fabricante de lápices Henry David Thoreau. Y por su visión panteísta y su condición de creador de imágenes, está realmente conectado al hombre, a la vida y al mundo. Desde 1973 ha dirigido cinco largometrajes y, aunque jamás será acreedor de (siempre sospechosos, o casi siempre) consensos de ninguna clase y en ningún lugar, ahora goza de un enorme prestigio como cineasta y de una libertad en sus proyectos con la que pueden ejercer su misión muy pocos (contados con los dedos de una mano) directores en el mundo. Un privilegio conquistado, y no regalado por nadie, a base de coherencia y de una total fidelidad a sí mismo y a su misión de escultor de imágenes y sonidos cinematográficos. Imágenes y sonidos que da la impresión de pertenecerle sólo a él, en verdad, y con los que ha construido una obra breve en títulos pero enorme en cuanto a su capacidad de arrastre, su vuelo poético, su refinada e inimitable búsqueda de lo invisible. Esa indagación abstracta en regiones del alma y de la mente que para muchos artistas queda vedada.

Ahora, tras su paso triunfal por Cannes (no exento de voces que la aborrecían), ha llegado a España la última de estas películas (dicen que ya tiene terminado el rodaje de la siguiente, y que prepara una séptima) y son esperables y lógicas las reacciones dispares (hasta opuestas) ante una película absolutamente inclasificable, alejada de cualquier otra que podamos ver en una pantalla ahora o nunca, y ante la que no es posible acercarse, y mucho menos realizar un análisis medianamente serio y valioso, haciendo uso de las herramientas o los arquetipos que tantas veces se emplean cuando se trata de escribir sobre una obra cinematográfica, pues sus múltiples aristas (conceptuales, filosóficas, formales, temáticas, técnicas, líricas) lo impiden, ya que Malick llega quizá más lejos que nunca en su particular y muy radical concepción del cine. Pero, aunque radical, palpitan en sus imágenes, aunque sea en el subsuelo de ellas, algunas de las indagaciones espirituales de los más grandes directores norteamericanos (Ford, Capra, Lynch), europeos (Truffaut, Erice, Resnais) o asiáticos (Ozu, Mizoguchi, Yimou), y participan de una universalidad incontestable, que las convierte en plenamente accesibles para cualquier ser humano. Una película que, además, encuentra en sus enormes desequilibrios estructurales su verdadera razón de ser y su indescriptible éxtasis emocional. No es la perfección, ni la verdad, lo que aspira a capturar esta hermosa película, sino la escurridiza, luminosa y percutante energía de la vida misma.

Muchos se acercarán a esta película y sentirán un irresistible y feroz rechazo. Probablemente abandonen la sala o se sientan defraudados. No es nada nuevo. Reacciones similares tuvieron lugar cuando ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, 1998) o ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005), vieron la luz. La probabilidad de que esto ocurra será mucho mayor si el espectador no conoce la obra previa de Malick, o si no es consciente de que este director no tiene el menor interés, nunca lo ha tenido, en entretener o enamorar al espectador con una historia bellamente filmada. No son cosas que le interesen o que le muevan para salir de su casa y ponerse a filmar una película. Tampoco le interesa una narración convencional, o filmar un episodio de la vida de un personaje como lo haría cualquier otro director. Aún quedan algunos artistas en el mundo que son capaces de elaborar un mundo propio en las páginas de un libro, o en las imágenes y sonidos de una película simplemente porque ellos respiran y beben eso como una forma de vida, y una misteriosa chispa en su interior les obliga a establecer sus propias reglas y a no hacer algo que a se haya hecho, o no de la misma forma. Es decir, son creadores. Y no pueden dejar de serlo. Ni siquiera les interesa la narración, ni la trama. Sólo una cosa les importa, y es permitirnos, a nosotros, asistir a las secretas conexiones de todas las cosas vivas, como demiurgos o profetas capaces de comprender todo lo que nos destruye y nos llena de paz, todo lo que tememos y lo que amamos, lo que nos aprisiona y nos hace libres.

Amar es perdonar, comprender, aceptar

Algunos analistas que la habían visto decían que ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’, 2011) era una obra de enormes ambiciones, que trataba de conectar poéticamente al ser humano con los orígenes del universo, y que en su secuencia se buceaba en cuestiones metafísicas inextricables y crípticas. Todo ello desde una puesta en escena muy autocomplaciente y forzada, hasta grandilocuente. Para mí, la realidad es muy otra. No existe tal ambición desmesurada (al menos, en lo temático) ni tales elementos crípticos. Siendo una película con algunos grandes defectos (sobre todo en su zona final), sorprende por la enorme contención de su estrategia estética y porque, aunque su carácter espiritual la lleva a mostrar imágenes como la creación de una supernova o el surgimiento de un enorme dinosaurio en una playa, sorprendentemente su cámara jamás se aleja de la realidad de una familia de Texas, del nacimiento de un niño, del pulso vital de lo cotidiano. Su único interés es el hombre, y el corazón de esta película es el perdón como la única y definitiva prueba de amor pleno y definitivo, y como territorio final de redención y sosiego. Y a partir de ahí la imaginación de Malick propone una zambullida sin límites a los misterios indescrifrables de la infancia, y es de tal calibre su aportación que se inscribe con letras de oro en la larga tradición de esas maravillosas películas que han hecho de la transición de niño a adulto la medula espinal de su secuencia.

El director se crió en Waco, Texas, en una familia conflictiva de grandes altibajos económicos y sentimentales, y tuvo una adolescencia marcada por el contacto con la naturaleza y el aprendizaje de los resortes violentos del mundo que le rodeaba. Su hermano murió en circunstancias que nadie conoce bien del todo. Pero sí se conoce que él se ha sentido durante años terriblemente culpable por ello. Estamos, por tanto, ante una confesión fílmica en toda regla, y ante la expresión dramática de unos demonios interiores violentísimos y muy dolorosos, pero también ante la evocación plácida, sensorialmente apabullante, de unos recuerdos muy intensos. En la ficción son los recuerdos de un hombre roto y perdido en una gran ciudad, agobiado por enormes edificios de cristal y acero, y por un trabajo que le aporta dinero y posición, pero que le vacía por dentro y no le hace feliz. Ese hombre, al que aporta su rostro el imprescindible Sean Penn, es un alter-ego evidente del propio director, y cuando no vaga por el fotograma o conversa oscuramente con su padre en un ascensor que le lleva a ninguna parte, se evade en la remembranza de su infancia con sus dos hermanos, que en la cosmogonía de Malick viene a representar el paraíso perdido que ya vimos en las sociedades preindustriales de las Islas Solomon de ‘La delgada línea roja’ o en la Virginia salvaje de ‘El nuevo mundo’. Se trata de un hombre que anhela recuperar una inocencia y una alegría que en su vida parecen perdidas, y que pasan por aceptar las propias enormes limitaciones y que la muerte es invencible y caprichosa, pero que no puede arrebatarle todo lo bueno que ha conocido.

Pero para ello tendrá que recordar (es decir, volver a pasar por el corazón) muchos acontecimientos terribles y oscuros que le marcaron para siempre y que sólo ahora, siendo un hombre maduro, puede intentar comprender. De este modo, la película es un enorme flash-back, que en los primeros momentos son como fogonazos que golpean su cuerpo y que luego, durante dos horas, serán el eje central del relato. Nos convertiremos en él, y nos sentiremos completamente identificados (yo mismo me he sentido estremecedoramente retratado en mi relación con mi padre y con mi hermano) en su vértigo emocional, y seremos testigos privilegiados de la vida rutinaria de una familia media de mediados del siglo XX en un barrio residencial como pudo haber miles en Estados Unidos. Seremos parte de esa familia y se nos permitirá compartir sus momentos de euforia y sus miserias y épocas de dolor. Pero nunca desde lo moral o lo narrativo, y siempre desde lo sensorial, lo fugaz, crisol de instantes irrepetibles que, en su misma esencia, llega a convocar una tensión psíquica y espiritual muy difícil de describir y que sólo las grandes obras de arte pueden atesorar, y se descubre uno llorando ante sus imágenes, sin saber muy bien si las lágrimas están provocadas por la belleza de esas imágenes o por lo desgarrador y lacerante de algunas escenas. O quizá porque uno comprende que realmente ya no está solo en el mundo.

Rasgos de una complejísima puesta en escena

Bien sabrán los lectores que el rodaje tuvo lugar hace más de dos años, y que se llegaron a filmar casi 600.000 metros de película. Después del rodaje, Malick se dedicó, durante muchos meses, a pulir su obra obsesivamente, añadiéndole por primera vez elementos digitales, y el resultado es uno de los aspectos cinemáticos más perfectos de la historia del cine. Ya en el rodaje repitió el mismo esquema con el eminente operador Emmanuel Lubezki, cuando ambos convinieron en que toda luz sería natural, que todos los lugares de rodaje se verían completamente privados de cables o utensilios eléctricos, y que todos los planos serían cámara en mano, salvo muy pocos de grúa, que precisamente tuvieron lugar en el árbol que preside la casa. La cámara de Malick es más nerviosa y fluctuante que nunca, y no tiene miedo de efectuar furiosos barridos y panorámicas de derecha a izquierda y viceversa, así como de picar, contrapicar y torcer la cámara si con todo ello puede expresar con mayor potencia el estado anímico de sus personajes. Pero también caben en ella esos rasgos contemplativos, serenos, de obras anteriores, en los que queda patente su capacidad innata para la observación pura de la naturaleza, no como un entorno preciosista, sino como una metáfora de lo que quiere expresar y también como conexión de sus criaturas con algo más grande y eterno que ellos mismos. Los grandes poetas siempre observaron la naturaleza, no por un amor entrañable o ingenuo hacia ella, sino como constatación de que estamos unidos al entorno natural por lazos inmortales que, a su vez, nos vuelven a nosotros inmortales. En el cine, puede que haya muy pocos que comprendan (es un experto geólogo y conoce todas las plantas) o se acerquen a un río o a un bosque como lo hace él.

En ‘El árbol de la vida’, con un aspecto de 1.85:1, se han utilizado cámaras de 35 mm, así como cámaras submarinas y otras Panavisión 65 mm. También se ha trabajado, para los complejísimos planos del universo y de la creación del mundo, con cámaras Phantom de alta velocidad y cámaras digitales. En la pantalla, se tiene la sensación de obtener la película más heterogénea, a un nivel plástico, de toda la obra de Malick. Por otro lado, es la primera vez que filma imágenes de la vida contemporánea, siempre preocupado por un pasado más o menos reciente. Sin duda, es un cambio importante. Pero también prosigue en su obsesión por la luz cortada del amanecer y del atardecer, como la atmósfera perfecta para fijar los recuerdos. El montaje sigue siendo abrupto e impredecible, con cortes chocantes que superponen el mismo plano o simplemente le arrebatan segundos, o con enormes contrastes entre un plano y otro, tanto de significado como de tonalidad, lo que muchas veces trastoca drásticamente el flujo emocional de una secuencia y nos pone en la incómoda necesidad de tener que rellenar los huecos de la historia, siguiendo los hilos de los gestos o las réplicas. Todo es tan veloz, tan vertiginoso, como un recuerdo, y también, como tal, a menudo no sabemos si lo que estamos viendo es un hecho objetivo y dramatizado o bien un pensamiento o un anhelo o una necesidad de incluir en ese recuerdo actos o frases que nunca se hicieron o nunca se dijeron. En otras ocasiones, casi parece que asistamos más a un sueño, o al recuerdo de un sueño. Pero en lugar de desorientarnos o de confundirnos entre sueños y recuerdos, nunca perdemos el mapa emocional y sentimental de los personajes y eso nos ayuda a seguir la película con total perfección, sin perder jamás la tensión interna de la secuencia.

La cámara está muy encima de los actores, incluso de los bebés, en secuencias complejísimas. Malick trabajaba con un equipo mínimo y buscaba el ambiente propicio para que los acontecimientos ocurriesen realmente, más que ser fingidos o interpretados. Una técnica muy complicada de llevar a cabo, y que requiere de muchas horas y de una delicadeza y una dureza extremas. Pero de esta forma Malick es capaz de apresar numerosos instantes casi mágicos, en los que el azar, la improvisación, y hasta la verdad, hacen su aparición de repente. Todo para construir algunos de los momentos más hermosos del cine reciente: el niño que comienza a tocar la guitarra en segundo término y el padre le acompaña, abrumado por la emoción, con su piano; la mariposa que vuela alrededor de la madre y finalmente se posa en su mano; los niños de pocos meses de edad jugando en el jardín de la casa y compitiendo por el cariño de su madre con muy diferentes tácticas; el bebé que apenas gatea por el suelo enfrentándose a la enorme escalera de la casa, escalera que terminará en una buhardilla que más adelante albergará algunos de sus sueños recurrentes; los hijos aprovechando la ausencia del dictatorial padre para convertir la casa en un espacio de anarquía y risas; la piedad de un dinosaurio cazador hacia su presa, cuando ya la tiene acorralada; la reunión celestial de familias en una playa de ensueño… Malick se lanza con toda su potencia visual a hablar con Dios, a preguntarle por qué los seres queridos mueren y por qué nos sentimos tan solos, para así librarse de la culpa del hermano muerto, para situar al hombre más allá de lo narrativo y buscar la belleza de lo que no se ve, pero se siente.

Dicen que Sean Penn, al ver su personaje reducido a un mero fantasma en la película, se ha cogido un buen cabreo. Pero a mi modo de ver, su presencia fugaz, casi trastornada, es vital para la película, y ejerce de ancla y de pregunta ante la respuesta que son los recuerdos, y si su segmento hubiera disfrutado de mayor tiempo, el enorme peso de las vivencias de los chavales habría quedado aún más desequilibrado y la película, ya de por sí agotadora, se hubiera aniquilado a sí misma en una sucesión de viajes hacia el pasado y hacia el presente. Brad Pitt, cuyo personaje estaba previsto que lo interpretara el fallecido Heath Ledger, borda un dificilísimo trabajo de contención y de explosión, que fácilmente podría haber caído en lo exagerado o incoherente, pero que este actor cada vez más dueño de su talento, es capaz de clavar con una precisión admirable. Sin embargo, la unión de todos los personajes al final, las imágenes del interior torturado de Penn, la elegíaca secuencia de la playa en la que la madre sigue hablando con Dios y tienen lugar tantos reencuentros, queda bastante forzada, y no acaba de encontrar el necesario tempo y la necesaria fuerza expresiva, como si Malick hubiera necesitado de una hora más para ensamblarla debidamente, y aunque no empaña todo lo demás, ni mucho menos, desmerece bastante del largo segmento de los niños, en cuyos juegos y descubrimientos está, de lejos, lo más valioso de esta audaz película. También en la relación de un hijo con su padre, tan generoso y cálido como estricto y violento, maestro de los sinsabores y la agresividad de un mundo despiadado.

Las conquistas de una obra revolucionaria

Y así, poco a poco, odiaremos a un padre que representa la oscuridad, mientras la madre representa la luz. Pero luego sentiremos piedad por un progenitor que también es un hombre roto y vacío, para el que la vida es demasiado dura y pesada, y que detrás de toda su dureza esconde mucho dolor y mucha frustración. Y poco a poco iremos viendo como el perdón y la aceptación y comprensión total del otro es la llave para que el pasado por fin se cierre y, quizá, se abra un futuro que parece cada vez más negro. ‘El árbol de la vida’ se instala en este presente oscuro dominado por el capitalismo salvaje y la crítica situación individual de cada uno, pero vuelve la mirada a un pasado que puede darnos la libertad, la energía y la alegría de volver a empezar y así construir un mundo, y sobre todo un interior de cada uno, más libre y esperanzador. Terrence Malick, aunque siempre narra algunas de las más terribles negruras del alma del hombre común, tiene plena confianza en él, y no se cansa de esperar que lo mejor de él reemplace a lo peor y que seamos capaces de encontrar la belleza en el mundo que nos rodea y dejemos de revolcarnos en nuestras miserias. La música de Alexandre Desplat (quien, al parecer, ha tenido una relación creativa con Malick tan tortuosa y llena de problemas como la tuvieran Hans Zimmer o James Horner), uno de los compositores más inspirados de la actualidad, es complejísima y también incide en toda esta búsqueda de esperanza a través del camino del dolor y la oscuridad. Más que llamar la atención sobre sí misma, con melodías o sinfonías destacadas, se incrusta a la perfección en el collage audiovisual que construye Malick, acompañada también de grandes piezas de Bach, Brahms y otros.

Obra lírica antinarrativa, verdadera investigadora de nuevas formas cinematográficas, y a la vez compulsiva confesión en forma de arte, ‘El árbol de la vida’ es una experiencia sensorial obligatoria para todo aquél que no encuentre ya satisfacción en las formas más obsoletas y anticuadas del cine como cuentacuentos, y sí como el exacto soporte de los recuerdos y de los sueños.

* Especial Terrence Malick en Blogdecine

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• Festival de Cannes 2011: ‘El árbol de la vida’, un precioso y amargo viaje (por Juan Luis Caviaro)

Ya ha empezado a circular por Internet el primer cartel de ‘Carnage’, lo nuevo de Roman Polanski. En España se estrenará como ‘Un dios salvaje’, al igual que la obra de teatro en la que se basa, escrita por Yasmina Reza y titulada originalmente ‘God of Carnage’. La película se presentará en la 68ª edición del festival de Venecia (es uno de los títulos que compiten por el León de Oro) y llegará a nuestro país el próximo 18 de noviembre.

El póster, a lo Andy Warhol, parece reflejar la progresión anímica de los protagonistas a lo largo del relato, es llamativo y atípico, y eso siempre está bien. Como veis, Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet y Christoph Waltz son los protagonistas de ‘Un dios salvaje’, coescrita para la gran pantalla por Polanski y Reza. En cuanto a la trama, se centra en dos parejas que se reúnen después de que sus hijos, que van al mismo colegio, se hayan peleado, tratando así de encontrar una solución al problema; sin embargo, el encuentro es un desastre, ambos matrimonios se acusan unos a otros de ser malos padres, y la amarga discusión deja al descubierto importantes grietas en las dos familias. ¿Qué os parece, os interesa o pasáis?

PD: FilmMusicReporter confirma que la música del film la compone Alexandre Desplat (con quien Polanski había trabajado en ‘The Ghost Writer’), y no Alberto Iglesias, como se había dicho.

Vía | Impawards

“Harry, no sientas pena por los muertos, sino por los vivos, sobre todo si no han conocido el amor”.

Albus Dumbledore (Michael Gambon)

Casi diez años después de que se estrenara ‘Harry Potter y la piedra filosofal’ (‘Harry Potter and the Sorcerer´s Stone’), y tras ocho entregas de diversa calidad, las aventuras cinematográficas del joven mago creado por J.K. Rowling encontraron su inevitable final. Convertido por Warner Bros. en todo un evento mundial, el desenlace, esta ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II’ (‘Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2’), llegó a los cines de 59 países el pasado 15 de julio, con el añadido de ser la primera película de la saga que podía verse en 3D; el resultado en taquilla fue inmejorable, logrando el estreno más taquillero de la Historia. Aun así, como era de esperar, a partir de esta segunda semana sus cifras han empezado a caer drásticamente, siendo prácticamente imposible que supere la recaudación total conseguida por ‘Avatar’.

En cualquier caso, la buena noticia, porque por desgracia ninguno de nosotros verá un céntimo de esas inmensas ganancias, es que se ha hecho un buen trabajo concluyendo la historia de Harry Potter. Una historia que quedó interrumpida ocho meses atrás, con esa siniestra escena que daba fin a la intensa ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte I’ (‘Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1’), en la que un Lord Voldemort eufórico profanaba la tumba de Albus Dumbledore para robar la varita de Saúco; el arma que necesitaba el líder de los mortífagos para acabar, de una vez por todas, con la vida del muchacho que sobrevivió a su mortal ataque cuando apenas era un bebé, conservando desde entonces en la frente la famosa cicatriz con forma de rayo. La segunda parte de ‘Las Reliquias de la Muerte’ retoma la narración con esa misma escena, para luego mostrarnos un oscuro y triste Hogwarts, y a su nuevo director, Severus Snape, observando en silencio a través de un ventanal. El inicio es muy significativo, nos han señalado al personaje más importante de esta decisiva aventura.

Mientras tanto, Harry, Ron y Hermione, tras escapar milagrosamente de la mansión de los Malfoy (a costa de perder a otro amigo, y es que las muertes se suceden sin parar en una saga que fue perdiendo su carácter infantil, oscureciéndose cada vez más), tienen que seguir con la misión casi suicida que les encomendó Dumbledore; hallar y destruir los horrocruxes en los que Voldemort ocultó partes de su alma, con la esperanza de alcanzar la inmortalidad. Por fortuna (la suerte y la casualidad, grandes amigas de los creadores), los tres amigos no tardan en encontrar un nuevo horrocrux en Gringotts, gracias a la interesada ayuda de Griphook, que los guía hasta la cámara de Bellatrix. Tras escapar a lomos de un dragón (repitiéndose la escena del vuelo sobre el lago de la tercera parte), y pasando rápidamente por Godric´s Hollow Hogsmeade para conocer al hermano de Dumbledore (fugaz encuentro que sirve de poco), los jóvenes magos llegan a Hogwarts para buscar el último horrocrux, mientras el ejército de Voldemort espera fuera, acechando, amenazando con destruir el colegio y matarlos a todos si no entregan a Harry. Hasta que el señor tenebroso se cansa y comienza la espectacular batalla final, un extenso clímax que deja sin respiración.

En su momento resultó muy polémico que la Warner optara por dividir el séptimo y último libro de la saga en dos películas (curiosamente, que Peter Jackson esté haciendo lo mismo con ‘El hobbit’ no ha causado tanta controversia), pero hoy, tras haber visto las dos mitades de ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte’, parece claro que fue una decisión afortunada. Desde luego hay que ser ingenuo para pensar que la razón del estudio no fue la de exprimir al máximo las posibilidades económicas de la franquicia más rentable de la historia del cine, pero lo cierto es que ha acabado beneficiando a la adaptación cinematográfica del último capítulo, para cuya producción se ha contado con más tiempo y más medios, evitando un más que probable caos narrativo, recortando y resumiendo acontecimientos (ya sabemos que no son muy hábiles haciendo eso). No diré que no se podría haber condensado la historia en menos tiempo (quizá una sola película de tres horas), pero estoy convencido que el equipo creativo de estas dos películas, encabezado por el cineasta David Yates y el guionista Steve Kloves, no habría estado tan afortunado; necesitaban la tranquilidad de las dos películas.

Con la primera parte de ‘Las Reliquias de la Muerte’ más enfocada a plantear la última aventura, a la búsqueda de los horrocruxes, a las explicaciones y las averiguaciones, a los personajes y el recuerdo de cómo se ha llegado hasta allí, y qué queda por hacer… la segunda parte puede centrarse casi por completo en el dramático asalto de Hogwarts (donde no solo combaten magos, también criaturas fantásticas) y el definitivo enfrentamiento entre Harry y Voldemort, muy emocionante porque parece que el chico tiene todas las de perder, y con él todos los que rechazan a los mortífagos. De todos modos, aun con las dos películas, y más de cuatro horas en total para adaptar el séptimo libro, quedan algunas situaciones mal expuestas (todo el lío de la Varita de Saúco) y se percibe cierta prisa por despachar otras, como si se hubieran visto obligados a incluirlas por los fans, y no supieran muy bien qué hacer con ellas (la hermana de Dumbledore). Se corría el riesgo de no dejar contento a nadie, pero como digo, aquí no hay mucho tiempo para reflexionar, los malos acorralan a los buenos y no hay escapatoria, la película se acaba, la saga se acaba.

Y aunque hay arritmias y momentos confusos e incoherentes (Voldemort parece tonto a veces), se pasa por alto gracias a la lujosa producción, los espectaculares efectos visuales, la estupenda fotografía (Eduardo Serra), la deliciosa música (Alexandre Desplat), un reparto muy convincente (Ralph Fiennes, Alan Rickman, Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, un sorprendente Matthew Lewis…, y los tres protagonistas, Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson, viviendo con intensidad los últimos minutos de unos personajes con los que han crecido, que conocen como la palma de su mano), y la inspirada dirección de Yates. El realizador, muy atento con sus actores, se muestra más cómodo y suelto con la cámara en este doble capítulo final, demostrando ingenio con la planificación del ataque a Hogwarts, donde no te pierdes pese al caos. Haciendo balance, los aciertos (impresionante el flashback de Snape, hizo que mirara por vez primera a mi chica, que no podía contener las lágrimas, y la abrazara y la besara) pesan mucho más que los errores, y para mí ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II’ es una de las mejores películas de la saga. Un digno y emotivo final.

“Harry Potter, el niño que vivió...ha venido a morir. ¡Avada Kedavra!” – Lord Voldemort

Bueno, pues todo ha terminado. Casi diez años, y ocho películas, después, uno de los mitos del cine comercial norteamericano ha llegado a su fin y todo el mundo, o casi, lo está viendo en los cines este fin de semana. En lo personal, no comparto los aplausos que acompañan el final de la proyección, el fanatismo ni la nostalgia por una serie que, en su mayor parte, no ha aportado nada significativo al gran cine de aventuras, aunque sí ha aportado millones de dólares a una industria que anda bien necesitado de ellos. Ya se sabe, esto del cine es un negocio muy caro, y productos como Harry Potter representan una inversión más que segura. La película está recaudando lo inimaginable, y aún recaudará mucho más en semanas venideras y en el mercado doméstico. Al menos, la conclusión, dividida en dos partes, es más que digna, y los que nos acercamos a una sala de cine, ese lugar sagrado que tantas veces nos ha hecho más lúcidos o nos ha ayudado a olvidar por un par de horas el gris presente, no salimos defraudados, seamos fervientes seguidores o no. La franquicia ha conseguido su objetivo más allá del éxito: perdurar en el linaje de las aventuras juveniles.

No estoy en absoluto de acuerdo con los que dicen que hay que valorar al díptico final como una película completa. Ambas han sido distribuidas con meses de diferencia, y la experiencia emocional de una tarde de julio es autosuficiente. Los largometrajes se valoran en lo personal, en lo anímico, por su existencia independiente. La primera parte, que significó una sorpresa tan grande en su momento, la magnífica ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte I’ (‘Harry Potter and the Deathly Hallows, part I’, David Yates, 2010) se cortó de una forma que devolvía a la saga cierto espíritu folletinesco, muy de agradecer. Era probable que la segunda parte de la historia final continuara beneficiándose de la solidez de la primera, de su enigmático encanto. Y así ha sido, aunque, en el fondo, se echa en falta a un verdadero creador capaz de sorprender y de estremecer con un climax que sólo se cumple a medias, y que no satisface del todo a los que esperábamos un final apoteósico.

El caso de David Yates es en verdad extraño. Nadie en sus cabales considera otra realidad que ésta: está claro que no es más que un artesano, un profesional, colocado por la Warner para llevar a cabo un encargo lujoso. El de dirigir las últimas cuatro películas, ajeno a los divismos o las necesidades artísticas de otros directores de mayor talento que el suyo, como el de Alfonso Cuarón (uno de los pocos verdaderos creadores del cine actual). La quinta parte, con un guión que se ceñía a la irregular quinta novela, contó con una realización suya más académica imposible. La sexta, destrozando la mejor novela, no fue muy diferente en cuanto a dirección. La séptima fue otra cosa. Este director, curtido en tv movies, demostraba una serenidad, un empaque en la realización, que era impensable con sus créditos previos. Es lo que tiene trabajar y tomarse en serio lo que haces. Ahora, en esta octava y definitiva película, muchos de los dones de la séptima vuelven a encontrarse aquí: una ejemplar dirección de actores, un sentido de la atmósfera notable, un ritmo más que notable. Pero a la hora de rematar una de las sagas más rentables de todos los tiempos, a Yates le falta contundencia, fuste, imaginación. No llega a ser un gatillazo, pero cerca le anda.

Un icono autoconsciente de serlo

La confrontación entre Harry Potter y Tom Riddle/Lord Voldemort, tiene algo de la confrontación, mucho más esperada, entre Anakin Skywalker y Obi-Wan Kenobi: tanta es la expectativa, tanta la fe (y esa es la palabra) depositada en ese momento audiovisual, que haría falta un creador superlativo para no defraudar al espectador. Y si George Lucas nunca lo fue, muchísimo menos David Yates. Hay algo decididamente endémico, ausente de las imágenes de los veinte minutos finales. No es falta de convicción, es que el mito no está a la altura de sí mismo, por mucho que cada plano, cada corte, sea consciente de que llegó el final, pensando siempre en los anhelos de los cientos de millones que los verán en una sala de cine. Por suerte, antes de eso, Yates, su guionista Steve Kloves, y su equipo de cineastas han continuado con esa tensión inasible, ese oscuro relato, que en la anterior parte de este díptico devolvió la ilusión por una aventura sólida y bien hilvanada, sin duda favorecida por la ausencia de vasallaje hacia la representación de un año escolar entero en Hogwarts, lo que redunda en el dibujo de docenas de personajes, todos ellos capitales para entender el final del relato.

Harry, Ron y Hermione continúan en la búsqueda de los horrocruxes, lo que les llevará a descubrimientos cuantos menos sorprendentes, y en el camino, se encontrarán en una defensa de Hogwarts que recuerda a tantos relatos en los que un grupo de personas, encerradas, se enfrentan a una amenaza exterior. Todo comienza con una secuencia a modo de prólogo que es impresionante y que mete al espectador de cabeza en un drama de fantasía que se construye con total naturalidad, aunque se vea interrumpido por una serie de visiones de Potter resueltas visualmente con un estilo que no me agrada demasiado, consistente en cortes de montaje más cercanos al videoclip que al cine. Por suerte, de nuevo, sucesivas visiones de Harry respecto a los movimientos de Voldemort estarán mucho mejor filmadas. Como bien filmada está la incursión del trío en Hogsmeade y la presentación del hermano de Dumbledore, interpretado por ese actor de carácter que es Ciarán Hinds.

La subsecuente batalla en Hogwarts dará lo prometido, en cuanto a intensidad, aunque muchas cosas (la muerte de algunos personajes muy queridos y realmente bonitos) será escamoteada en el montaje, así como una mayor sensación de pérdida y una mayor oscuridad. Pero la película echa el resto en dos momentos fundamentales: el magnífico flash-back que explica las verdaderas intenciones de Severus Snape (genialmente interpretado por el gran Alan Rickman, y uno de los personajes más formidables de la saga) y el encuentro de Harry con sus seres queridos fallecidos. Ahí sí existe una sensación de pérdida, de orfandad, terrible, emocionante, que le hace a cualquiera (sea seguidor o no de la franquicia) un nudo en el estómago, por la contención y la verdad que se extrae de esas imágenes y esos sonidos. Y si hablamos de sonidos, son muy superiores a los efectos visuales, pues cada objeto (los horrocruxes, la espada de Gryffindor, las varitas…) posee un sonido identificativo, y cada secuencia está muy cuidada en el aspecto sonoro, como corresponde a una aventura audiovisual moderna.

Tanto Radcliffe, el menos dotado del trío de protagonistas, como Watson y Grint, soportan el peso de la acción de esta película con envidiable solidez, y salvo soluciones dramáticas que no termina de funcionar como deberían (la sorpresa de Harry al final, el enamoramiento de Hermione y Ron) casi todas las escenas están muy bien dirigidos, con una intención clara, y una puesta en escena más que profesional. El genial operador portugués Eduardo Serra crea algunas imágenes superlativas, como el Hogwarts destruido al atardecer, el Hogsmeade nocturno iluminado tan solo por fuentes de luz apagadas, las catacumbas fantasmagóricas de Gringotts, los claroscuros de la sala de los menesteres. No tengo duda de que él es el gran artífice de las imágenes más potentes de estas dos películas, por ser Yates un director tan impersonal. En otros casos sería, quizá, diferente. Y el gran músico, el más grande de la actualidad, Alexandre Desplat, entrega una partitura turbia, estremecedora, muy superior a veces a la mirada del director, y por eso la enriquece y la completa. Sin ser tan redonda como la primera parte de este díptico, el placer de vivir una aventura tan grandilocuente es casi inevitable, como inevitable es la búsqueda de aventuras todavía superiores.

Conclusiones

Menos impresionante que la primera parte de este díptico, ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte II’ es una conclusión más que aceptable de una saga que a tanta gente ha encandilado a lo largo de una década. Sus defectos, algunos, y sus virtudes, bastantes, alegran la existencia de los cinéfilos que, como yo mismo, esperan el resucitar de un género, el de aventuras, necesitado de grandes talentos. Se acabó la saga. Ya vendrán otras. El tiempo dirá si realmente mereció la pena.

Hoy, después de casi diez años (recordemos que la primera entrega se estrenaba el 30 de noviembre de 2001) concluye (tristemente para muchos seguidores, satisfactoriamente para muchos detractores) una de las sagas más rentables de todos los tiempos, la que tuvo lugar gracias a las millonarias ventas de las novelas de J.K. Rowlings. Los siete volúmenes han dado para ocho películas, para buenos y malos títulos de aventuras, para que la Warner cosechase un dineral en recaudación de taquilla y de DVD y Blu-ray. A estas alturas, ya no va a ganar nuevos adeptos ni nuevas indiferencias, pero podemos hacer un repaso de lo que ha dado de sí, absteniéndonos de comentar su clamoroso éxito económico, una franquicia que aunque a grandes rasgos no aporta nada nuevo al género de la fantasía aventurera, posee bastantes alicientes narrativos, aunque también bastantes componentes negativos, o por lo menos grises, un reparto lleno de buenos actores (también de algunos menos dotados) y una cuarteto de directores, a cual más dispar.

Las buenas (más que buenas) sensaciones que a muchos nos provocó el visionado de la primera parte de la última película, se esperan en la segunda parte, que está recibiendo muy buenas críticas, y que en un principio seguirá en esa buena línea abandonada algunos títulos atrás. Tanto a las novelas como a las películas puede reprochárseles el bajón que tuvo lugar a partir de la cuarta entrega (que se publicó justo cuando la primera película empezaba a filmarse, no creo que sea casualidad), ya que la quinta novela podría haber dado mucho más de sí, y la quinta película siguió el mismo camino o peor. Pero para el final de este evento cinematográfico, parece que se lo han tomado muy en serio, contratando además a uno de los mejores músicos y a uno de los mejores operadores del cine actual, además de con unos guiones mucho más elaborados. Una gran noticia para los que todavía creían que esta serie podía ser algo especial. Sobre todo ha sido algo muy irregular.

8 títulos

Todo comenzaba unas Navidades en las que la atención mediática estaba centrada en la adaptación de ‘El señor de los anillos’, con ‘La comunidad del anillo’ (‘The Fellowship of the Ring’, Peter Jackson, 2001) a mitad de diciembre, y aunque en un principio se pretendió una cierta rivalidad con ‘Harry Potter y la piedra filosofal’ (‘Harry Potter and the Philosopher’s Stone’, Chris Columbus, 2001), ambas tuvieron una buena acogida, sobre todo la primera, y no hubo ganadora ni perdedora en ese artificial combate. Columbus fue una elección cauta: un director comercial, que no lo hacía del todo mal, y que iba a plegarse sin problemas a una producción de este calibre, aceptando un guión que se limitaba a seguir la novela punto por punto, o casi. Sin embargo a la película le falta imaginación visual, riqueza fantástica, parece demasiado académica y muy poco aventurera, sin dinamismo y sin fuerza expresiva. Un blockbuster temeroso de arruinar una futura franquicia que se sospechaba más que rentable. Inevitables actores anglosajones: un anciano Richard Harris lideraba el reparto, con el gran Alan Rickman clavando a Snape, y otros como Robbie Coltrane o John Hurt en papeles más pequeños.

Los tres chavales protagonistas, Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint cumplían más o menos bien, siendo tan pequeños, lo mismo que en la segunda parte, ‘Harry Potter y la cámara secreta’ (‘Harry Potter and the Chamber of Secrets’, 2002) de nuevo dirigida por Columbus, con todavía menos imaginación para el cine de aventuras, y con nuevas caras, como un guiñolesco Kenneth Branagh. Desactivado el elemento sorpresa, hasta algunos fans acérrimos de las novelas parecían desencantados con un díptico inicial sin nada destacable que ofrecer, con algunas secuencias más o menos potables (la lucha final contra el basilisco, la secuencia del espejo, la de la araña gigante), pero en un conjunto bastante gris y sin chispa, más allá de la ilustración de unas novelas. Pero todo cambió con la tercera parte, que en mi opinión es una verdadera joya. ‘Harry Potter y el prisionero de Azkaban’ (‘Harry Potter and the Prisoner of Azkaban’, Alfonso Cuarón, 2004) elevaba la serie hacia territorios inimaginables de la aventura fantástica, con una sensibilidad, una fuerza narrativa y un sentido de lo maravilloso como pocas veces se dio en la pasada década.

De pronto parecía que la saga podía convertirse en bastante más de lo que había sido hasta entonces, algo que se vio confirmado por la estupenda cuarta parte, ‘Harry Potter y el cáliz de fuego’ (‘Harry Potter and the Goblet of fire’, Mike Newell, 2005) en la que por fin veíamos a Voldemort reencarnado, con Ralph Fiennes bordando el papel, con un espectáculo superlativo. Una buena película Potter, sin duda, con un gran final, pero la saga se vio estropeada por la gris quinta parte de la saga, ‘Harry Potter y la orden del Fénix’ (‘Harry Potter and the Order of the Phoenix’, David Yates, 2007), que dirigió un cineasta con pocos créditos y menos imaginación, y que hizo regresar a la saga a sus anodinos comienzos. Una peliculita sin casi aventuras y sin casi nada de emoción, salvo la parte final, con el combate de grandes magos y la muerte de Sirius. Siguiendo la estela de esa película, estropearon una de las dos mejores novelas de la saga, ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ (‘Harry Potter and the Half-Blood Prince’, 2009) destrozaba el original literario y se convertía en una comedieta para adolescentes. Muchos temíamos que no hubiera más buen cine en esta saga.

Pero llegó la séptima parte, ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 1’ (‘Harry Potter and the Deadly Hallows, part I’, David Yates, 2010) y muchos nos tuvimos que tragar nuestras palabras, ante semejante derroche de buen gusto, suspense y aventuras, que esperemos (salvo sorpresa mayúscula…) serán los detonantes de la película final. Diez años que se han pasado en un suspiro, en los que el grupo de actores ha envejecido o ha llegado a la mayoría de edad, y en los que el cine comercial se ha hecho dueño de un aparato de marketing gigantesco, pero por lo menos han dado de sí dos buenas películas de aventuras (la cuarta y la séptima, esperando poder ver la octava) y una joya sin paliativos (la tercera).

El reparto

Como en otras sagas famosas, o en otras películas célebres que han fagocitado a sus actores, muchos se preguntan qué será ahora de Radcliffe, Watson y Grint. En cuanto a actores consagrados que han encarnado a (algunos preciosos) personajes, como Gary Oldman, Ralph Fiennes, Michael Gambon, Jim Broadbent, Emma Thompson, John Cleese, Brendan Gleeson, Imelda Staunton, Jason Isaacs, y otros estupendos intérpretes, no hace falta elucubrar mucho, pues sin Harry Potter ya eran ellos mismos. Pero es ese trío de chavales los que levantan interrogantes. De los tres, bajo mi punto de vista, la que tiene más futuro es Emma Watson, que es la más dotada interpretativamente y la que más ha crecido como actriz. Es de esperar que le cueste un poco hacer olvidar al espectador a su Hermione Granger, pero estoy casi seguro de que lo puede conseguir. Lo de Radcliffe ya es otra cosa. Siendo el actor menos dotado de los tres, pero también habiendo interpretado a uno de los personajes más famosos de la historia del cine.

No imagino a Radcliffe, la verdad, y no es mala leche por mi parte, llevando una carrera interesante de actor. Sí me imagino a Rupert Grint, quizá, convirtiéndose en un buen actor de comedia, porque tiene aptitudes, y es raro encontrarlas en alguien tan joven. Ya veremos lo que dan de sí. De momento sus proyectos futuros no llaman demasiado la atención, quizá es demasiado pronto para pensar en olvidar la saga, pero ya Scorsese ha proclamado su interés y admiración por Grint como intérprete, y se advierte en Watson a una muchacha muy inteligente que puede sorprender con decisiones futuras. Todo es una incógnita. Pero tampoco se pueden quejar. Puedo afirmar sin temor a equivocarme que son los tres actores jóvenes más afortunados del planeta, aclamados, multimillonarios y famosos, y esto lo saben ellos muy bien, independientemente de cómo les vaya en el futuro.

La música y la fotografía

Arriba del todo he puesto el corte que más me gusta de todos los scores de la saga, que es el momento de la tercera parte en que a Potter le suben al enorme hipogrifo y se marca un vuelo espectacular por los alrededores de la escuela, casi una liberación espiritual. Fue la última partitura musical que el insigne John Williams, creador del tema principal, escribió para la saga. Si lo pensamos bien, era la opción más lógica que Williams empezara siendo el compositor de la primera película, y que su estilo, que tan bien mezcla grandilocuencia con intimismos, fantasía con aventura, marcara el rumbo a seguir. En la segunda parte compartió créditos de la música por primera vez en su carrera, con el desconocido William Ross, por razones no explicadas, y en la tercera firmó la más bella de todas sus partituras para la saga. Cansado de tanta trilogía, le cedió el testigo a Patrick Doyle, que hizo un estupendo trabajo para la cuarta parte. Lamentablemente, no llamaron más al músico británico, y fue sustituido por el anodino Nicholas Hoopper.

Menos mal que para las dos últimas películas de la saga, han llamado a uno de los músicos más en forma de la actualidad, uno que en el cine de ahora mismo creo que está entre los cinco mejores del mundo, por grandiosidad, por lirismo, por personalidad. Se trata del músico francés Alexandre Desplat, cuya carrera ha sido meteórica los últimos cuatro o cinco años, y que nos regaló con una partitura fenomenal, la cual recogía las mejores esencias de la creación original de Williams, y la llevaba a terrenos mucho más líricos y personales. He podido escuchar la partitura de la última película, y es aún más valiente que la anterior, complementándose perfectamente con ellla, en unos acordes mucho más tenebrosos y menos comerciales, lo que la aúpa a una de las mejores de la saga. Una verdadera maravilla.

En cuanto a la fotografía, no es algo en lo que la saga haya destacado especialmente. Como no podía ser de otra manera, en la película de Cuarón obtenemos una bella iluminación de Michael Seresin, pero para el resto, los trabajos de Bruno Delbonnel, Slawomir Idziak (que es un buen operador, pero que en la quinta parte ofreció una labor sin inspiración alguna), Roger Pratt (ídem) o John Seale (ídem de ídem). Pareciera que no querían saturar de claroscuros ni de pictoricismos a una saga que era susceptible de ello, y a la par con una escenografía algo plana, siguieron unas directrices muy conservadoras en cuanto a lo lumínico. Sólo Seresin ofreció algo más que interesante. Pero para la séptima película, y de nuevo por suerte, se contrató a uno de los mejores fotógrafos de cine de los últimos treinta años, el portugués Eduardo Serra, que a sus sesenta y ocho años logró un aspecto fenomenal para la séptima parte, y muy seguramente para la octava y final que se estrena hoy, dotándola de atmósfera, de riqueza expresiva, de claroscuros psicológicos…todo lo que debía haber sido la fotografía de la saga desde sus comienzos.

En unas veremos y comentaremos la octava y definitiva película. No es la mejor saga de todos los tiempos, ni siquiera la mejor aventurera, pero buenas dosis de fantasía y aventura ha dado (también de conservadurismo y romanticismo pasado de moda) y quizá esta conclusión apuntale un poco más el no demasiado grande prestigio de unas películas que andan necesitadas de él para perdurar en el imaginario y trascender el hype del momento.

‘Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte II’

Título original: Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2. Dirección: David Yates. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 130 min. Género: Aventuras, fantástico. Interpretación: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Ralph Fiennes (lord Voldemort), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Bill Nighy (Rufus), John Hurt (Sr. Ollivander), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Imelda Staunton (Dolores Umbridge), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Timothy Spall (Peter Pettigrew), Julie Walters (Sra. Weasley), Tom Felton (Draco Malfoy), Bonnie Wright (Ginny Weasley), Matthew Lewis (Neville). Guion: Steve Kloves; basado en la novela de J.K. Rowling. Producción: David Barron, David Heyman y J.K. Rowling. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Eduardo Serra. Montaje: Mark Day. Diseño de producción: Stuart Craig. Vestuario: Jany Temime. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: Se acerca el momento de la confrontación final entre Harry Potter y Lord Voldemort. Todo se termina aquí…

¿Qué podemos esperar?: Nunca he sido fan confeso de esta saga y no creo que Alfonso Cuarón haya firmado una de las cumbres de la fantasía con la mejor película de la saga, la tercera entrega. Pero sí me parecen, salvo la lamentable antepenúltima entrega y el primer título, productos con un mínimo de dignidad y bastante entretenidos. La última entrega promete ser un clímax final toda ella entera.

‘Betty Anne Waters’

Título original: Conviction. Dirección: Tony Goldwyn. País: USA. Año: 2010. Duración: 107 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Hilary Swank (Betty Anne Waters), Sam Rockwell (Kenny Waters), Melissa Leo (Nancy), Minnie Driver (Abra), Juliette Lewis (Roseanne), Peter Gallagher (Barry), Karen Young (Elizabeth Waters), Clea DuVall (Brenda). Guion: Pamela Gray. Producción: Andrew Sugerman, Andrew S. Karsch y Tony Goldwyn. Música: Paul Cantelon. Fotografía: Adriano Goldman. Montaje: Jay Cassidy. Diseño de producción: Mark Ricker. Vestuario: Wendy Chuck. Distribuidora: Filmax.

Sinopsis: La historia verdadera de una mujer que dedicó 18 años de su vida a liberar a su hermano de la cárcel. Cuando Kenneth Waters es condenado a cadena perpetua por el asesinato de una mujer en Massachusetts, su hermana, Betty Anne, empleada en una cafetería, casada y con dos hijos, decide luchar para demostrar que es inocente. Sin estudios, uno de sus mayores obstáculos será licenciarse en Derecho para poder reabrir el caso y defenderlo ella misma ante un tribunal. No será fácil, pues también significará dejar de lado su vida para centrarse en la de él. Además, la lucha promete ser larga ya que el Estado no va admitir su error tan fácilmente.

¿Qué podemos esperar?: Una de esas típicas películas sobre la esperanza y la lucha continua por conseguir algo por muy difícil que sea. El blandito Goldwyn tras las cámaras. Dios nos coja dormidos.

‘Cirkus Columbia’

Dirección: Danis Tanovic. Países: Bosnia-Herzegovina, Francia, Reino Unido, Alemania, Eslovenia, Bélgica y Serbia. Año: 2010. Duración: 113 min. Género: Drama. Interpretación: Miki Manojlovic (Divko), Mira Furlan (Lucija), Boris Ler (Martin), Jelena Stupljanin (Azra), Milan Strljic (alcalde). Guion: Danis Tanovic; basado en la novela de Ivica Djikic. Producción: Amra Baksic Camo, Marc Baschet, Cédomir Kolar y Mirsad Purivatra. Fotografía: Walther Van Den Ende. Montaje: Petar Markovic. Diseño de producción: Dusan Milavec y Sanda Popovac. Vestuario: Jasna Hadzimehmedovic-Bekric. Distribuidora: Wanda Visión.

Sinopsis: Bosnia y Herzegovina, 1991. Los comunistas han caído y Divko Buntic regresa a la pequeña ciudad donde creció para reclamar la casa familiar. Después de vivir exiliado 20 años en Alemania, Divko aparece con su llamativo Mercedes rojo, su novia Azra, joven y sexy, su gato negro de la suerte y los bolsillos llenos de marcos alemanes.

¿Qué podemos esperar?: A Tanovic hay algunos que aún no le perdonan el robar el Oscar a ‘Amelie’ (‘Le fabuleux destin d’Amélie Poulain’, Jean-Pierre Jeunet, 2001) con la floja ‘En tierra de nadie’ (‘No Man´s Land’). Suena a dramón de los gordos.

‘Convención en Cedar Rapids’

Título original: Cedar Rapids. Dirección: Miguel Arteta. País: USA. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Comedia. Interpretación: Ed Helms (Tim Lippe), John C. Reilly (Dean), Anne Heche (Joan), Sigourney Weaver (Macy), Stephen Root (Bill), Kurtwood Smith (Orin), Isiah Whitlock Jr. (Ronald), Alia Shawkat (Bree), Thomas Lennon (Roger), Rob Corddry (Gary). Guion: Phil Johnston. Producción: Jim Burke, Alexander Payne y Jim Taylor. Música: Christophe Beck. Fotografía: Chuy Chávez. Montaje: Eric Kissack. Diseño de producción: Doug J. Meerdink. Vestuario: Hope Hanafin. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Tim nunca ha salido de su pequeña ciudad. Nunca ha disfrutado de una estancia en un hotel. Y nunca ha tenido una experiencia como la de Cedar Rapids, en Iowa. Enviado a la convención anual de seguros en representación de su compañía, Tim pronto se sentirá desorientado a causa de tres veteranos del evento que le mostrarán de qué va aquello y ampliarán sus horizontes. Para un tipo que suele actuar según los cánones, la convención resultará ser todo menos convencional.

¿Qué podemos esperar?: ¿Sería mucho pedir una comedia que no trate el espectador como si fuese imbécil?

‘El fin es mi principio’

Título original: Das ende ist mein anfang. Dirección: Jo Baier. Países: Alemania e Italia. Año: 2010. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Bruno Ganz (Tizizano), Elio Germano (Folco), Erika Pluhar (Angela), Andrea Osvárt (Saskia). Guion: Folco Terzani y Ulrich Limmer; basado en el libro de Tiziano Terzani y Folco Terzani. Producción: Ulrich Limmer. Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Judith Kaufmann. Montaje: Claus Wehlisch. Diseño de producción: Eckart Friz. Vestuario: Gerhard Gollnhofer. Distribuidora: Isaan Entertainmet.

Sinopsis: Un hombre que ve acercarse su fin decide llamar a su hijo para reunirse con él por última vez en su casa de La Toscana. Su intención es compartir unas valiosas conversaciones sobre la vida que ha llevado como corresponsal de prensa en el sureste asiático, los cambios políticos y sociales de los que ha sido testigo, y la transformación espiritual que ha experimentado en sus últimos años. Pero lo más importante para él es transmitir a su hijo cómo prepara el terreno para la última gran aventura que le queda por vivir.

¿Qué podemos esperar?: Si se tratase de uno de esos dramas tranquilos, intimistas y reflexivos, realizados con buena mano, yo ya me daba con un canto en los dientes.

‘Nuestra canción de amor’

Título original: My own love song. Dirección y guion: Olivier Dahan. Países: USA y Francia. Año: 2010. Duración: 102 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Renée Zellweger (Jane), Forest Whitaker (Joey), Madeline Zima (Billie), Elias Koteas (Dean), Nick Nolte (Caldwell), Annie Parisse (Nora), Chandler Frantz (Devon). Producción: Olivier Dahan y Alain Goldman. Fotografía: Matthew Libatique. Montaje: Richard Marizy. Diseño de producción: Jan Roelfs. Vestuario: Marie-Sylvie Deveau. Distribuidora: Emon.

Sinopsis: Jane, una ex cantante que se quedó paralítica tras un accidente, recibe noticias de su hijo, Devon. El chico se pone en contacto con su madre porque quiere invitarla a su comunión. A pesar del temor que le produce a Jane encontrarse con su hijo al cabo de unos años y afrontar su pasado, su amigo logra convencerla de emprender el periplo a través de Estados Unidos. A lo largo del viaje y gracias a las personas que encontrarán en la carretera, Jane compondrá su canción de amor más bella.

¿Qué podemos esperar?: Todo huele a que será una película sobre todo de actores. Por si acaso preparemos los cleenex también.

Vía | LaButaca.net

Estamos llegando al final, algo tendrá que pasar.

(Daniel Radcliffe)

Como ya sabéis, mañana se estrena ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte II’ (‘Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2’), y con ella llega la conclusión de las aventuras cinematográficas del joven mago creado por J.K. Rowling. En esta entrada os traigo algunos de los vídeos más interesantes y emotivos que ha lanzado Warner Bros. para promocionar la última entrega de la saga, que podrá verse en salas 2D, 3D e IMAX. Una entrega que está destinada a arrasar en taquilla, y de hecho, aun sin llegar a las carteleras, ya está batiendo récords. Hay que destacar que las críticas que se han publicado hasta el momento ponen la película por las nubes, lo que debe estar haciendo insoportable la espera para los fans de Potter, imagino que tan ilusionados como entristecidos y temerosos por ver en la gran pantalla el desenlace de una historia que se ha extendido a lo largo de ocho largometrajes y diez años.

Recordemos que ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte II’ ha sido dirigida por David Yates (responsable de las cuatro últimas entregas) a partir de un guion de Steve Kloves, que continúa los acontecimientos de ‘Las reliquias de la muerte: parte I’, centrándose en la búsqueda y la destrucción de los horrocruxes por parte de Harry, Hermione y Ron, la única manera de acabar con Voldemort. Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint encabezan un extenso y llamativo elenco en el que destacan los nombres de Ralph Fiennes, Alan Rickman, Helena Bonham Carter, David Thewlis, Maggie Smith, Ciarán Hinds, Jason Isaacs, Julie Walters, Michael Gambon y John Hurt, entre otros. Arriba os he dejado un vídeo que resume la primera parte de ‘Las reliquias de la muerte’, para recordar dónde se quedó la historia, antes de ver cómo termina; abajo tenéis uno dedicado a los últimos días del rodaje de la saga, y dos que repasan las mejores imágenes de todas las películas de Harry Potter. Disfrutadlos.

PD: John Williams comenzó la música de la saga y Alexandre Desplat la ha terminado.