Proyecto Humano… ¿Por qué la gente cree en esa mierda? Sabes, aunque esa gente exista, con sus instalaciones en lugares secretos, no me jodas, ¡es muy fuerte!, aunque hayan descubierto la cura para la infertilidad, ¡no tiene importancia! Demasiado tarde. El mundo se ha ido a la mierda. ¿Sabes qué? Era demasiado tarde antes de que esto de la infertilidad ocurriera, hostias.

-Theo Faron

Hay películas que resultan tan insoportables, tan poco condescendientes con el espectador, que verlas una primera vez resulta un verdadero suplicio, pero que regresar a sus imágenes y volver a resistirlas se convierte en un verdadero calvario. ¿Por qué entonces, en casos como éste, volvemos a insertar el Dvd en el reproductor y damos click al play? En mi caso, y sospecho que en el caso de algunos más, este mazazo nos perturba, pero al mismo tiempo nos hace libres.

Por suerte para los cinéfilos, y para el cine, y para el arte, existen algunos directores muy capaces de olvidarse de lo que espera recibir la mayoría en una sala de cine, y de dedicarse a lo que tienen que hacer. Es decir, de convertir el arte, la cultura, en un instrumento de combate, al mismo tiempo que redefinen y formulan sus límites estéticos. Uno de esos elegidos es, a mi entender, el realizador mexicano Alfonso Cuarón, un tipo que está muy lejos de dormirse en los laureles de su maravilloso ‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’, y al que sólo le preocupa la verdad.

Otros directores pueden preocuparse de arreglarle el fin de semana a la masa de espectadores que acuden al cine a olvidarse de sus problemas, y con ello pueden contribuir a engrosar la cuenta corriente propia y la de otros. Pero dentro de pocos años pasarán justamente al olvido. Sin embargo hay directores que quieren hacer honor a su profesión. Prefieren ofrecerle algo al espectador que no le guste, hablar de cosas valiosas y de una forma auténtica, antes que firmar el enésimo ejercicio de diversión para que el personal se sienta a gusto consigo mismo (¿acaso no han pagado una entrada? tienen derecho por tanto a exigir que el cineasta les divierta).

Ahora bien, ¿hay un exceso de autocomplacencia por parte de Cuarón? ¿Un ego desatado? Nada de eso. Su dirección es asombrosa primeramente por su humildad. La primera y más importante de las decisiones de su puesta en escena es el naturalismo absoluto, y el ascetismo más suicida. Filmada en super 35, haciendo uso de grandes angulares que posibilitan una extraordinaria profundidad de campo, el repetido uso de la cámara en mano da lugar a algunos de los planos secuencias más notables de la historia del cine. Pero el objetivo de Cuarón a la hora de elaborar estos complejísimos planos no produce la sensación de la búsqueda de lucimiento, sino de la búsqueda de la verdad.

La combinación insuperable de los planos secuencia (por ejemplo, el de la importante muerte de un personaje que creíamos esencial en el futuro del relato), la coreografía de los actores y de los técnicos, convoca una tensión psíquica que no se logra por otros medios. Con estos planos secuencia Cuarón se erige como uno de los dos o tres directores con más pericia y talento de su generación. Y los lleva a cabo como si fueran fáciles. Imposible imaginar el inmenso trabajo de preproducción que requieren, y el esfuerzo de un equipo fabuloso perfectamente orquestado.

Cuarón, de este modo, aprovecha el gran éxito y poder que le supuso llevar a buen puerto la tercera aventura del niño mago para viajar a Londres, y allí y en sus alrededores filmar esta adaptación de la talentosa escritora (casi nonagenaria) de novelas policiacas P.D. James, cuyo relato ‘Children of men’ fascinó a Cuarón lo suficiente como para embarcarse en este proyecto que, hasta la fecha, tan poco dinero ha reportado, y que a pesar de que goza de cierto prestigio crítico, no es un película ni por asomo famosa. Aunque eso a quién le importa.

No creo que sea justo quedarse con su anécdota principal, la que narra que en el mundo ya no nacen niños y que la humanidad se enfrenta a su final. La película no se centra sólo en ello, y esa es una de las razones de su grandeza. Otras películas sí se quedan en la superficie y no llegan más allá, pero en ‘Hijos de los hombres’ esto no es más que una excusa para trazar un exacto y tenebroso retrato no de la cloaca de mundo del futuro, sino de la cloaca de mundo infecto que nos ha tocado vivir. El espectador, me temo, no siente, aunque se trate de una ficción futurista, que le instalen en un mundo futuro. No, en realidad sentimos que alguien ha bajado a los infiernos de este mundo, este y no otro.

De ahí su poderosísima verdad, y su brutal impacto. Observamos los guettos y confinamientos (en realidad, fortalezas del horror para inmigrantes) que existen por todo el mundo. Asistimos, estupefactos, a la hipocresía y violencia salvaje de los que se llaman nuestros gobernantes o nuestros salvadores de las barbaridades de estos gobernantes. Somos testigos de la cárcel del mundo moderno, de su suciedad, su demencia y corrupción. No hay esperanza, y Cuarón no está dispuesto a proporcionarnos paños calientes. Y en medio de todo este horror (que es el mundo tal cual, queramos o no verlo), aún hay espacio para rayos de esperanza.

Esa esperanza es la que alguna que otra vez puede disfrutar en su itinerario al filo de la muerte el desengañado Theo (interpretado con gran humanidad y sobriedad por el estupendo intérprete Clive Owen), y que toma cuerpo con las apariciones maravillosas de Julianne Moore o Michael Caine, dos de los mejores intérpretes vivos. Theo es un hombre, por lo demás, superado absolutamente por las circunstancias, y que apenas puede lidiar con la situación que le ha tocado vivir, a la que le han llevado una mezcla de principios e instinto de supervivencia.

Con una selección de canciones magnífica, que sin cargar las tintas en sus códigos genéricos, sino ecléctica pero igualmente devastadora, y con la formidable dirección de fotografía de Emmanuel Lubezki (sin duda, el operador más dotado de su generación), la vorágine de ‘Hijos de los hombres’ nos repele y nos atrae al mismo tiempo.

Apenas hay, por tanto, momentos para la risa o la relajación, sumidos además en ese mundo grisaceo y decolorado, espantoso de puro real. Los diseñadores de ese futuro se plantearon, de hecho, una solución muy alejada a la que llevó a Ridley Scott a construir su ‘Blade Runner’. Todo lo que allí es poesía impostada, aquí es una verdad dolorosa y fugaz; lo que allí es una atmósfera como verdadero protagonista, aquí es un elemento más de la narración y un apoyo anímico a los personajes. Lo que allí es un final feliz anticlimático aquí es un final ambiguo y descarnado, que nos deja el corazón en un puño y nos empuja a pensar, a cambiar y a mejorar. No lo haremos, pues somos personas. Pero quizá seamos un poco más lúcidos.

‘Hijos de los hombres’ es, junto a ‘La joven del agua’, la mejor y más bella película estrenada en el mundo en 2006. Creo esto tan firmemente como que el mundo se va a la mierda y que no se merece maravillas como la última película, hasta la fecha, de Alfonso Cuarón.

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Basta echar un vistazo a las tres fotografías que acompañan a este texto para hacerse una rápida idea de la formulación plástica, de intensa raigambre centroeuropea, conque el mexicano Alfonso Cuarón fraguó la tercera aventura del niño mago más famoso del mundo. Son mucho más que elaboradas imágenes de postal, pues sus sombras, encuadres, ecos sonoros están al servicio de la que probablemente es la mejor, con muchísima diferencia, de todas las que forman esa saga famosísima. Y llegó en el momento en que parecía que nos encontrábamos ante otra serie de películas adocenada, lujosa y repetitiva.

‘El prisionero de Azkabán’ es siniestra y emocionante, además de otros grandes adjetivos que un admirador de una obra artística puede dedicarle en un ensayo o reflexión al objeto de su admiración. Pero no voy a deshacerme en una retahíla de parabienes y elogios, pues no quiero que esto sea una mera crítica al uso. He empezado dando una idea de mis sentimientos sobre esta película, pero lo que quiero es desentrañar el arte de su puesta en escena, evocando sus imágenes. Vamos a intentar averiguar de qué manera Cuarón nos cuenta esta historia, y por qué, ya que lo que la hace especial es su puesta en escena, de altísima precisión y aliento poético.

Comenzamos como siempre con Harry en la casa de sus tíos, sufriendo el desprecio de los muggles. Pero hay unos cuantos detalles que diferencian este reiterado inicio de los otros. El que quizá sea más importante es el propio Harry. Radcliffe parece haber dejado ya la infancia y haberse asomado a la pubertad. Su personaje está acostumbrado a la humillación y la soledad, pero en esta ocasión sabe darle un halo de desesperación, de violencia contenida. Otro detalle importante es la elección de Cuarón de los grandes angulares que crean una sensación prodigiosa de profundida de campo, unidos a un trabajo de cámara muy fluido, que potencia la posibilidad del plano secuencia. Al disponer de toda la imagen a foco, y del aspecto 2.40:1, un director menos dotado que Cuarón podría haber desperdiciado lo que esto ofrece, pero el realizador mexicano le saca todo el partido posible en la venganza de Harry contra la impertinente amiga de los Dursley.

El resultado no puede ser más dinámico (en otras palabras, más cinematográfico) y la secuencia de apertura, bufa y de ritmo impecable, se encarga ya de asentar lo que será una constante: la impredicibilidad y la frescura. Pero también lo espectral y desasosegante. Harry casi huye de la casa de sus tíos y se encuentra con un terrorífico perro negro (que luego sabremos es Sirius), en un ambiente fenomenal. Un parque lleno de sombras, en el que Harry es una sombra más, perdido y solo en el mundo. La puesta en escena es lo bastante hábil para saltar, de golpe, a la comedia loca con la llegada del bus del colegio. Sin saltos de ritmo, nos vemos metidos en una carrera frenética en la que el conductor es un anciano ciego y una cabeza colgante ¡que salta sin cuello, con rastas y aspecto de fumeta!

No cabe comienzo más magistral para el arranque de un filme juvenil. Potter llegará ante el ministro (cuyo ayudante es una versión coñera de Igor), y después se encontrará a sus amigos y compañeros de colegio. La secuencia en la que se le avisa del gran peligro que corre con Sirius Black, está filmada en un solo plano, y es un ejemplo del esfuerzo estético y narrativo de Cuarón. Con una planificación invisible (a menos que uno se fije en lo complejo de su movimiento), los actores en ese ambiente (más de una docena) interactúan entre sí al fondo y delante de Harry como en una dificilísima coreografía, pero resultando muy creíbles. El plano finaliza con un primerísimo primer término de Harry en la oscuridad, avisando de su difícil futuro.

Pero no toda la puesta en escena está basada en complicados planos secuencia, también en momentos de tensión y terror, como el primer encuentro con el dementor, que casi le cuesta la vida a Harry, y que Cuarón finaliza con una cortinilla de iris cerrándose en su pupila. Una vez más, Harry parece preso de cierta invisible mala suerte, y recién despertado de la pesadilla del dementor parece más frágil que nunca. Cuarón monta un genial plano de su cara reflejándose en el cristal de la ventanilla del tren, salpicada por la lluvia, y encandenando a la lluvia salpicando en un charco de barro por la que pasan las ruedas de los carros que les llevan al castillo. No cabe más belleza en una pantalla.

Cuarón, que nunca había leído nada de Harry Potter, parece moverse como pez en el agua, y de ser capaz de dejar su huella personal, en este encargo que parece un proyecto personal por la pasión conque está filmado. Ahí tenemos ese recoger el paso del tiempo con la figura del sauce boxeador siempre protagonista, pues sus ramas florecerán, o se helarán, y sus hojas se caerán, indicando en qué estación del año nos encontramos en breves escenas. Y tiene además un oscuro sentido narrativo, pues el sauce boxeador será, seguramente de forma involuntaria, el catalizador del clímax con el que Harry sabrá quién ofreció a Lord Voldemort en bandeja a sus padres.

Y es que esta es la única película de toda la saga en la que no aparece, ya sea brevemente, o en un recuerdo, o metamorfoseado, el gran enemigo de Potter, pero de alguna forma, está ahí presente. Su amenaza se intuye, se susurra en cada vericueto de este relato. De hecho no hay ningún gran enemigo al que vencer, al menos físico, y ese es un gran mérito pocas veces comentado. En realidad, a lo que los protagonistas tienen que vencer es a su propio miedo, a sus debilididades (la luna llena…), a su pasado, a las mentiras, y al tiempo. Por supuesto que los dementores son un formidable oponente, pero su gran poder consiste en los miedos y el dolor de sus víctimas.

Después de haber demostrado de qué forma introduce elementos casi de dibujos animados, Cuarón vuelve a repetir la jugada con la secuencia en la que el sauce boxeador agarra a Harry y Hermione, para, sin problemas de continuidad tonal y rítmica, servirnos de seguido la compleja y larga secuencia del descubrimiento de Colagusano y los secretos de Sirius y Lupin. Parece que todo marcha bien, pero la luna llena aparece y todo resulta un desastre. Y es que pareciera que el destino se ha aliado contra los protagonistas. Aquí entra en juego un elemento que sólo los grandes narradores controlan: la cuestión del azar como predestinación, como conmoción emocional.

No es sólo que ya sabemos los terribles acontecimientos que origina la fuga de Colagusano, sino que la tan largamente anhelada y nunca alcanzada estabilidad familiar de Harry se le desvanece entre los dedos en el mismo momento en que comenzaba a saborearla. Es terrible observar cómo un niño sin padres, solitario y humillado en su hogar, pierde la posiblidad de irse con Sirius dos minutos después de oirle decir que podrían vivir juntos. Por eso la posterior transformación del hombre lobo tiene un ambiente de pesadilla, con unas sombras tan alargadas, que le dan esa atmósfera de irrealidad, de espeluznante aventura.

Pero no todo acaba ahí, aunque podría haberlo hecho, pues nos veremos inmersos en la que quizá sea la paradoja temporal (pues Harry y Hermione retroceden en el tiempo a fin de evitar la tragedia) más perfecta de la historia del cine. Por primera vez, por supuesto gracias al ingenio del relato original, cambiar el pasado es plausible. Y lo es porque cuando vivíamos los acontecimientos por primera vez los cambios ya estaban hechos, pero no vemos más que detalles. Cuando volvemos a vivir lo mismo averiguamos el porqué de esos detalles, y comprendemos que ya se estaba cambiando el destino. Durante esos magistrales, intrigantes, maravillosos minutos, se asiste al prodigio de la fusión del ingenio con la emoción juvenil. No recuerdo, sinceramente, mejor película de aventuras juveniles.

Pero es que estamos hablando de belleza. ¿No es el vuelo sobre el hipogrifo buena muestra de la inspiración insuperable de Cuarón? Pero es que es imposible preferir cualquier escena sobre el resto, pues todas forman un conjunto inolvidable.

El director colombiano Rodrigo García rodará ‘Mother And Child’, un drama más adecuado a su estilo que la última película que ha estrenado, ‘Passengers’. Este nuevo proyecto presentará la intersección de tres vidas: la de una mujer de cincuenta años, la de la hija a la que dio en adopción treinta y cinco años atrás y la de una mujer que desea adoptar un bebé.

En la producción de ‘Mother And Child’ aparecen los importantes nombres de los mexicanos Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. La financiación les llegará desde Focus Features. Julie Lynn, presidenta de Mockingbird Pictures, coproduce. Iñárritu había producido también la penúltima película del hijo de García Márquez, ‘Nueve vidas’.

Se está llevando a cabo la elección del reparto. El rodaje comenzará en Los Ángeles a finales de año o principios del que viene con un presupuesto de cuarenta y cinco millones de dólares.

“Alejandro leyó una versión del guión casi terminada y me retó a acabarla”, dice García, quien lleva más de siete años trabajando en esta historia. “Todo tiene lugar en el presente, pero era difícil escribirlo porque explora treinta años de las vidas de estas tres mujeres”.

García dice que gracias a Iñárritu, Curaón y Del Toro, se ha reflotado un proyecto en una época en la que los dramas realistas y directos son difíciles de financiar. “Si no fuese por estos tipos, estoy seguro de que aún estaría tratando de venderlo con poquísima suerte”, afirma.

‘Rudo y cursi’ será la primera película que estrene este trío de productores dentro de Cha cha cha, el acuerdo para financiar y distribuir cinco filmes que tienen con Universal Pictures y Focus Features International. Está dirigida por Cuarón y protagonizada por Gael García Bernal y Diego Luna.

Vía | The Hollywood Reporter.

Un proyecto que reúne a algunos de los mejores directores del panorama actual, para que filmen una historia sobre ese extraño y poderoso sentimiento llamado amor, en el marco de una ciudad como París, con un reparto de auténtico lujo, debe llevar, automáticamente, la etiqueta de imprescindible visionado. Posiblemente, la falta de una promoción y una distribución adecuadas han posibilitado que muchas personas se perdieran ‘Paris, je t’aime’; ya sabéis, estad atentos a su salida en alquiler o en venta, así la véis en versión original, que es como hay que disfrutarla. Este film es una composición de 18 historias, 18 cortometrajes de unos 5 minutos de duración cada uno, cuyo débil nexo de unión son los dos elementos mencionados anteriormente: amor y París.

Lo cierto es que me acerqué a esta ‘Paris je t’aime’ con una doble sensación de interés y de temor; por una parte, la cantidad de nombres conocidos y sobrados de talento componían un jugoso caramelo; por otra, las películas colectivas no suelen conseguir grandes resultados, decepcionando en su conjunto y dejando al descubierto una evidente operación de marketing. El film que nos ocupa vuelve a caer en el defecto ya de serie de este tipo de producciones, de no conseguir integrar todas sus historias, cada una va por su lado, representado de esta forma la diversidad de estilos de sus responsables. Sin embargo, finalmente, a uno esto le acaba resultando algo de relativa poca importancia, gracias a la magnífica factura de algunas de las 18 historias (cada una titulada como una zona de París), e inevitablemente fascinado por el carrusel de artistas que ha participado en este singular proyecto. Evidentemente, yo me quedo con un rostro y una historia.

A la hora de seguir comentando ‘Paris, je t’aime’, me resulta imposible no dividirla en sus 18 segmentos. Son los siguientes:

• ‘Montmartre’, escrito y dirigido por Bruno Podalydès. El comienzo del film resulta como todo su conjunto, desigual, con este cortometraje de comienzo divertido y final apresurado. El protagonista, el propio Podalydès, mantiene el peso de la historia y lo hace bastante bien. No es de los mejores segmentos, por supuesto, pero se deja ver.

• ‘Quais de Seine’, dirigido por Gurinder Chadha. Un muchacho y sus amigos se dedican a lanzar piropos a las chicas que pasan por su lado; pero se cruza una joven árabe y el muchacho se queda colgado por ella. Todo muy flojito, incluyendo a los actores, y una trama que no tiene desarrollo. Afortunadamente, pasa rápido.

• ‘Le Marais’, escrito y dirigido por Gus Van Sant. Mucho miedo le tenía a este cortometraje, después de haber tenido que soportar las últimas, absurdas y totalmente vacías obras de este realizador. Sin embargo, la brevedad de la historia permite que no se nos aburra con interminables planos sin sentido y, además, cuenta con el protagonismo de un inspirado Gaspard Ulliel (ya sabéis, el joven Lécter). Para mí, correcto.

• ‘Tuileries’, escrito y dirigido por Joel y Ethan Coen. Steve Buscemi (¿a alguien le puede caer mal este tipo?), turista en París en manos de los estupendos Coen. Evidentemente, éste segmento era de los más interesantes a priori. Y no falla. Es como una diminuta película de los hermanos cineastas. Muy divertida, con un toque cruel. De lo mejor de todo ‘Paris, je t’aime’.

• ‘Loin du 16e’, escrito y dirigido por Walter Salles y Daniela Thomas. Uno de los segmentos más breves y de menos contenido, pero elegante y con su mensajito bien aplicado. Es el típico cuento de la pobre que cuida al bebé de la rica. Lo protagoniza Catalina Sandino Moreno. Correcto.

• ‘Porte de Choisy’, dirigido por Christopher Doyle. Uno de los que más me decepcionaron. El prestigioso Doyle (al que cierto director que yo admiro le debe mucho) naufraga con una confusa historia protagonizada por Barbet Schroeder. Lo mejor, la forma, la estética. Muy flojo.

• ‘Bastille’, escrito y dirigido por Isabel Coixet. De una de las decepciones a una de las sorpresas. Esperaba muy poco de Coixet, una realizadora que difícilmente soporto, por cuestiones, digámoslo así, extracinematográficas. Su cortometraje es uno de los mejores del conjunto, no me cuesta reconocerlo lo más mínimo; de factura impecable, con una música magnífica. Atención a los cameos de Javier Cámara y la fantástica Leonor Watling. Recuerda mucho a lo que hacen Jean Pierre-Jeunet o Wong Kar-Wai (algo habitual en la española).

• ‘Place des Victoires’, escrito y dirigido por Nobuhiro Suwa. La estupenda Juliette Binoche protagoniza esta historia sobre la trágica pérdida de un hijo pequeño y la siempre difícil vuelta a la normalidad. La actriz está muy bien pero Suwa no aprovecha del todo el material. Hay una breve y llamativa aparición de Willem Dafoe. Correcta pieza.

• ‘Tour Eiffel’, escrito y dirigido por Sylvain Chomet. Otro de los mejores cortometrajes del conjunto. Una sencilla, divertida y emocionante historia de amor narrada por el hijo de dos mimos; cuenta cómo su padre conoció a su madre por casualidad. Visualmente es fantástica.

• ‘Parc Monceau’, escrito y dirigido por Alfonso Cuarón. Otra decepción. Esperaba algo grande de Cuarón, cuya ‘Hijos de los Hombres’ me pareció la mejor película del pasado año; y esperaba aún más cuando había leído que su cortometraje era el mejor de todos, con un plano secuencia magistral. Ni de lejos. El plano está muy bien, pero no aporta nada. Es la cámara siguiendo un paseo tranquilo de Nick Nolte y Ludivine Sagnier, que hablan y hablan sin decir nada relevante. El final, no obstante, tiene su gracia. Simplemente correcto.

• ‘Quartier des Enfants Rouges’, escrito y dirigido por Olivier Assayas. Uno de los peores, bajo mi punto de vista. Assayas confecciona una insípida historia sobre una actriz famosa que requiere de cierta “ayuda” para mantenerse despierta y activa. Lo único bueno es la presencia de la siempre interesante Maggie Gyllenhaal. Muy floja pieza.

• ‘Place des fêtes’, escrito y dirigido por Oliver Schmitz. De lo malo a lo bueno en pocos segundos; es lo bueno de los cortometrajes. Un hombre que vagabundea por París se enamora de una chica a la que ayuda en unos aparcamientos subterráneos; a diferencia del segundo segmento, éste está lleno de emoción y tiene un desenlace sensacional. Uno de los mejores trabajos.

• ‘Pigalle’, escrito y dirigido por Richard LaGravenese. Curiosa historia llena de sorpresas con unos soberbios Bob Hoskins y Fanny Ardant, veteranos amantes en busca de esa chispa… ¿perdida? Otro corto con un final bastante bueno. No es de los mejores, pero casi.

• ‘Quartier de la Madeleine’, escrito y dirigido por Vincenzo Natali. Junto al de Cuarón, éste era el otro “cortometraje estrella” de ‘Paris je t’aime’ (según los sitios que yo había leído). Y aquí sí que coincido. Con una estética apabullante, mezcla de pasado y presente, te atrapa desde el primer fotograma. Historia romántica con un turista perdido (Elijah Wood) y una vampiresa hambrienta (Olga Kurylenko). Sensacional.

• ‘Père-Lachaise’, escrito y dirigido por Wes Craven. Otra de las gratas sorpresas. No sólo por estar firmada por Craven, sino porque ya daba por hecho que Rufus Sewell era un actor muy limitado, y aquí está estupendo. Lo mismo que la atractiva Emily Mortimer, aunque eso ya es más normal. Ojo al cameo sorpresa. La visita a la tumba de Oscar Wilde destapa las diferencias de unos recién casados; sin embargo, no todo está perdido… Sin ser una genialidad, de los mejores.

• ‘Faubourg Saint-Denis’, escrito y dirigido por Tom Tykwer. Doble interés en este segmento: Tykwer y Natalie Portman. Él por haber triunfado con la complicadísima adaptación de ‘El Perfume’; ella porque, sencillamente, es maravillosa, y aquí lo vuelve a demostrar. El resultado es un cortometraje excelente, con un montaje vibrante que deja la piel de gallina, y un final extraordinario. Indudablemente, para mí, el mejor de todos.

• ‘Quartier Latin’, dirigido por Gérard Depardieu y Frédéric Auburtin. Otra de las joyitas de ‘Paris, je t’aime’. Ben Gazzara se reúne con Gena Rowlands (responsable, por cierto, del estupendo guión), con la presencia esporádica de Depardieu, que ejerce de anfitrión. Los viejos amantes hablan de su pasado, presente y futuro. Un corto bastante bueno.

• ‘14e arrondissement’, escrito y dirigido por Alexander Payne. Ésta era otra de las razones para ver este film colectivo, siendo Payne uno de los directores más interesantes de hoy día. Su historia, una “comedia triste”, la protagoniza Margo Martindale, que tiene varios momentos magníficos, y uno no tiene ninguna duda de porqué es la última; incluso divierte pensar que Payne ha sido el único que ha seguido al pie de la letra el título. Una buena conclusión.

En definitiva, ‘Paris, je t’aime’ no es lo que podríamos catalogar de gran película, o de puzzle perfecto, pero contiene algunas piezas de auténtico lujo, sensacionales. Un pequeño placer cinematográfico que ningún aficionado al séptimo arte debería dejar pasar. Por mi parte, sólo poner una importante pega: faltó la aportación de Wong Kar-Wai.

La película ‘Crónicas’, que se estrena hoy, 22 de junio, es el trabajo del ecuatoriano Sebastián Cordero, tras ‘Ratas, ratones, rateros’. Cuenta con actores muy importantes: John Leguizamo (‘Moulin Rouge’, ‘Los amigos del novio’), Alfred Molina y Leonor Watling. Y quizá lo más célebre de su cartel sean sus productores: Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón.

‘Crónicas’ nos cuenta la historia de Manolo Bonilla, presentador estrella de un programa de noticias sensacionalistas de Miami, que viaja junto con su equipo a una pequeña ciudad ecuatoriana para cubrir la historia de un asesino en serie de niños, el “Monstruo de Babahoyo”. La muerte accidental de un niño lleva a los habitantes de la ciudad al borde del linchamiento de Vinicio Cepeda, un vendedor de biblias y catecismos. Sin embargo, la intervención de Manolo salva la vida del hombre. Vinicio es encarcelado por homicidio involuntario y ofrece a Manolo información sobre el “Monstruo” a cambio de que el presentador emita un reportaje sobre su injusto encarcelamiento pues el programa tiene tanta influencia en el público que eso serviría para que lo dejasen en libertad.

Aunque está calificada de thriller, sus mayores méritos están en el retrato social y en la ambientación. La crudeza y naturalidad con las que están presentadas las situaciones hacen al espectador entrar rápidamente en el mundo que se retrata en ‘Crónicas’ y es con afán observador con lo que mantenemos el interés por ver más y más escenas. En este sentido, el trabajo de Cordero es excelente y suficiente para convertir el film en algo extraordinario y digno de verse.

Por el lado más interno, ni la historia ni los personajes logran esa misma identificación. Al menos, no los principales. El suspense no existe, pues desde un principio se conoce el resultado de la investigación, y no se va progresando en la obtención de informaciones ni nada por el estilo. Esta parte se estira demasiado en el tiempo y se le dan demasiadas vueltas a lo mismo. Pero no señalo estos aspectos como crítica negativa, sino simplemente para argumentar la opinión dada más arriba sobre que se trata de un film social, antes que de un thriller. Añadiría que lo que se expone al final del film no es la resolución de un misterio policial, sino un dilema moral. Este dilema está planteado de forma algo torpe y, así, no se sufre desde la butaca empatizando con los personajes. Por ello, el final de nuevo es lo más decepcionante del film.

Los actores principales son también la parte menos atractiva de la película. Leguízamo hace bien su papel, aunque se pelea con el idioma español y salta de vez en cuando al inglés de manera absurda. En cuanto a Leonor Watling, cuesta trabajo decidir si la antipatía que desprende es por su propia causa o por el personaje. Si se trata de lo segundo, se podría decir que hace un buen trabajo. Dejando a un lado a los tres periodistas, el resto de los actores, es decir, los lugareños, despliegan unas interpretaciones magníficas, llenas de naturalidad y que pueden llegar a conmover. Merece especial mención Damián Alcázar, en el papel de Vinicio Cepeda, que puede pasar de una sonrisa embaucadora a una cara de inocencia rayana en el retraso mental.

Aquí podemos ver los festivales por los que ha pasado y las críticas que ha recibido.

Tráiler de ‘Crónicas’.

En definitiva: una película muy interesante por su tratamiento y por los ambientes que presenta. Un film que se puede disfrutar mucho más como observación de aquellos pueblos ecuatorianos y de sus gentes que como cine de género.

Nos quedó pendiente ayer hablar de Luz silenciosa, película de Carlos Reygadas también presentada el martes a competición.

Reygadas ya había participado anteriormente en el Festival de Cannes, con su ópera prima, Japón (2002), en La Quincena de los Realizadores, y Batalla en el Cielo (2005), en la Sección Oficial.

Su nuevo film está ambientado en un poblado menonita del norte de México y los diálogos entre los personajes son en un antiguo dialecto del idioma holandés. La historia se centra en uno de los miembros de esta comunidad, casado y padre de familia, que se enamora de otra mujer.

La película fue recibida con grandes aplausos, y en general la prensa ha resaltado su belleza y su capacidad de emocionar. Pero también son muchos los que han criticado su larga duración, su ritmo excesivamente lento y la falta de música, a lo que Alfonso Cuarón, ha respondido con las siguientes palabras :

Algunos periodistas están sobre-narrativizados o son huevones. Esta película nos lleva al cine de la contemplación, así que no pueden verla pensando que están viendo una película de (Sylvester) Stallone

Reygadas es vanguardista, hay que aplaudirlo y agradecerlo (...) Es un artista único

Alejandro González Iñárritu también dio su visión al respecto:

Es una película de gravedad, generosidad, belleza, poética. Es un cine que es más pensativo no basado en una narrativa, una historia de amor muy espiritual

Pues si están tan convencidos, digo yo que habrá que hacerles caso, eso sí, entre unos y otros, los periodistas este año están recibiendo palos por todas partes.

Mientras esperamos poder hacer nuestras propias comprobaciones, Balix de Mexico nos envía el trailer de Luz silenciosa (muchas gracias) que podéis ver a continuación.

El RoRRo es un blogger venezolano aficionado al Nescafé, al beisbol y al cine. En los últimos meses, ha hecho de esta última afición, su profesión, desde que comenzó a trabajar en una empresa distribuidora y exhibidora cinematográfica venezolana.

Por esta razón, RoRRo se encuentra en el Festival de Cannes, escogiendo películas para la empresa. Y, desde allá, ha escrito algunas notas en su página (sobre sus encuentros con Harvey Weisntein y Sarah Polley, con Brangelina —Angelina Jolie y Brad Pitt— y con cierta señora obesa que muestraba sus generosas ubres a los traseúntes desprevenidos en La Croissette). En una de sus crónicas, en la que reseña brevemente todas las películas que ha visto (El Orfanato, dirigida por Juan Antonio Bayona y producida por Guillermo del Toro, es la que más le ha gustado hasta ahora), El RoRRo escribe:

Por alguna razón, las conversaciones en los pasillos del Palais han dejado de ser sobre si es Wong-Kar Waï o Emir Kusturica quien debe ganar la Palma de Oro este año, para pasar a ser sobre el Cha Cha Cha de Cuarón, Del Toro y González Iñarritu, a la espera de que nos llegue su primer film: Rudo y Cursi, reuniendo a Diego Luna y Gael García Bernal.

Con Cha, Cha Cha refiere el RoRRo al reciente anuncio de “Los (llamados) Tres Amigos” —Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro— sobre su nueva aventura colectiva.

Los detalles son más o menos conocidos. Los tres directores mexicanos han sumado a su grupo a Carlos Cuarón (hermano de Alfonso Cuarón y coautor del guión de Y tu mamá también) y a Rodrigo García (hijo del Nobel colombiano Gabriel García Márquez), para realizar cinco películas por 100 millones de dólares. Universal Pictures y Focus Features International financiarán y manejarán la distribución y las ventas internacionales del proyecto colectivo.

Pero más allá de los detalles del convenio, se me antoja que Cha, Cha, Cha confirma lo que siempre he sospechado: que el cine no sólo se hace colectivamente, sino que se promociona y se vende mejor en grupo, más que en solitario. Los Tres Amigos parecen haberlo entendido así. Ellos solos se han dado a la tarea de transformar el cine mexicano y darle toda la proyección internacional que se merece.

Tengo la sospecha de que pronto veremos cinco nuevos éxitos aztecas en nuestras pantallas.

El próximo 1 de junio, se estrenará ‘Crónicas’, el thriller dirigido por Sebastián Cordero y producido por Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón. El film está protagonizado por John Leguizamo, Leonor Watling, Damián Alcázar, José María Yazpik y Alfred Molina.

La película plantea una metáfora muy actual sobre crimen, tragedia, ambición y sensacionalismo que conduce al espectador a preguntarse quién es el verdadero monstruo: ¿El criminal, los medios o nuestra sociedad?

‘Crónicas’ nos cuenta la historia de Manolo Bonilla, presentador estrella de un programa de noticias sensacionalistas de Miami, que viaja junto con su equipo a una pequeña ciudad ecuatoriana para cubrir la historia de un asesino en serie de niños, el “Monstruo de Babahoyo”. La muerte accidental de un niño lleva a los habitantes de la ciudad al borde de linchar a Vinicio Cepeda, un humilde vendedor ambulante. Sin embargo, la intervención de Manolo salva la vida del hombre. Vinicio es encarcelado por homicidio involuntario y ofrece a Manolo información sobre el “Monstruo” a cambio de que Manolo emita un reportaje sobre su injusto encarcelamiento. Manolo acepta, atraído por el lado oscuro que intuye en Vinicio, y pronto empieza a saltarse las reglas, decidido a ser el héroe que, sin ayuda de nadie, detenga al asesino.

El film ha recorrido numerosos festivales:

• Selección ‘Un Certain Regard de la 57 edición del Festival de Cannes (2004).

• Sección ‘Contemporary World Cinema’ del Festival de Toronto 2004.

• Mención especial del Premio Horizontes al actor Damián Alcázar del Festival de San Sebastián 2004.

• Nominada como Mejor Drama al Gran Premio del Jurado del Festival de Sundance 2005.

• Premio Mayahuel a la Mejor Película Iberoamericana, Mejor Guión (Sebastián Cordero) y Mejor Actor (Damián Alcázar) del Festival de Cine de Guadalajara (México) 2005.

La película ha cosechado excelentes críticas:

“Un thriller de suspense realmente bueno.” The Hollywood Reporter

“El guionista y director Sebastián Cordero logra una dinámica de excitante suspense y soberbias interpretaciones.” L.A. Weekly

“Un crudo y poderoso thriller de suspense.” USA Today

“El tipo de película que te atrapa cuando la ves.” Chicago Sun Times

“El resultado es razonablemente absorbente y provocativo, con Leguizamo soberbio en una seria e intensa interpretación.” Los Angeles Times

“Una sobria, inquietante y devastadora experiencia.” New York Observer

“Crónicas es el tipo de tenso y fabuloso thriller que clama por un remake de Hollywood. Sólo que el remake no será tan bueno ni de lejos, así que visionad el original.” Philadelphia Inquirer

“Uno de los mejores films del año.” Greenwich Village Gazette

“El tipo de película ‘pequeña’ que raramente consigue hacerse un hueco en el sistema dominante de Hollywood… una inquietante obra, electrizante y sobrecogedora.” MTV.

Fuente: Versus Enterntainment

Entre las películas del año pasado, si hay una que merece la pena conservar para poder dedicarle varios visionados, esa es Hijos de los Hombres de Alfonso Cuarón, que Universal lanzará en DVD el próximo 28 de marzo.

Nada que añadir a las críticas que hicieron en su día mis compañeros Chico Viejo y Red Stovall, con las que estoy completamente de acuerdo (aunque al igual que a Beatriz también me molestaron un poco las gotas de sangre en la cámara).

Todavía no me explico el vacío que le hizo al film la Academia de Hollywood en la pasada edición de los Oscars (al igual que a Bobby, otro peliculón). Puede ser que prefirieran tener el camino lo más despejado posible para poder premiar a Scorsese... ¡Ya me estoy perdiendo otra vez en suposiciones inútiles! La verdad es que con injusticias como esta me cuesta mucho evitarlo.

Pero a lo que íbamos, el DVD se compone de dos discos con varios extras, entre ellos un documental de Alfonso Cuarón en el que examina los temas del film, cómo se realizaron algunas de las escenas más peligrosas (esto tiene que ser impresionante), Comentarios de Slavoj Zizek, efectos visuales, escenas inéditas, el argumento analizado por Clive Owen y Julianne Moore, y el proceso creativo de la visión de futuro del director.

Empiezo ya a contar los días que me faltan para tener Hijos de los Hombres en mi poder, 10, 9, 8…

La Sociedad Americana de Cinematógrafos (Directores de fotografía), ha otorgado su premio a la mejor fotografía de 2006 a Emmanuel Lubezki por Hijos de los hombres de Alfonso Cuarón.

Los otros filmes nominados eran Apocalypto, The Good Shepherd (El Buen Pastor), El Ilusionista y La Dalia Negra. Estos dos últimos coinciden también en las nominaciones a los Oscars 2007, junto a El Truco Final (El Prestigio) y El Laberinto del Fauno.

La Academia de Hollywood sólo ha tenido en cuenta a Hijos de los hombres en esta categoría, la de mejor guión adaptado y la de mejor montaje. Como hemos podido comprobar han pasado totalmente de las peticiones de público y crítica (con vídeo incluido) para nominarla como mejor película.

A mí que el film de Cuarón me impresionó tanto como a mis compañeros Chico Viejo y Red Stovall, me resulta totalmente injusto no encontrarlo en esta candidatura, ni tampoco en la de mejor director, pero después del vergonzoso vacío aplicado a Bobby, la maravillosa película de Emilio Estevez, que ha sido ignorada totalmente, la verdad es que no sé de que me extraño.

Para que luego digan que los premios quedan bien repartidos. Eso sí, por lo menos me alegro por este merecido reconocimiento a la mejor fotografía, veremos si repite el próximo domingo.