Debe ser porque es muy cómodo. O porque fue el mejor manejándolo. Hablar de suspense es pensar en Alfred Hitchcock. En ‘Pacto Tenebroso’, el alemán Douglas Sirk (‘Ángeles sin Brillo’, ‘Imitación a la Vida’) parece querer jugar con las mismas herramientas que dominaba el director de ‘Vértigo’ e incluso (o eso parece) le llega a homenajear con cierto plano de un inocente vaso de luminosa leche, que el sospechoso marido prepara a su sufrida esposa, para que pueda dormir mejor (las buenas intenciones y maneras, ante todo). Señalar que la película está editada en DVD en España; pertenece a esa colección “Film Noir”, de precio tan apetitoso, que más de uno ya conoceréis.

Una cosa que nunca recomiendo es leerse la contraportada de un DVD. Rara vez lo hago y nunca paso de las dos o tres primeras líneas; me da igual, normalmente, de qué va una película, elemento que, me doy cuenta, para muchos es esencial a la hora de decidirse entre varias opciones. En la mayoría de los casos no falla, leer la sinopsis del DVD es enterarse de puntos importantes de la trama que es mejor recibir de sorpresa viendo el film. Pero bueno, allá cada uno con sus costumbres. Es como con los títulos de crédito, que se hablaba el otro día. Independientemente de las razones, lo cierto es que las personas que más respeto sienten por el cine se quedan a verlos; los que menos consideración le tienen, se largan en cuanto pueden. Pero bueno, yo no soy de matemáticas.

‘Pacto Tenebroso’ (‘Sleep, My Love’, 1948) comienza con una mujer terriblemente asustada en un tren. Pronto descubrimos que ella creía estar durmiendo en su casa (lógica su reacción) y que no tiene ni idea de cómo ha podido llegar a entrar en el transporte y alojarse en su compartimento. Cuando llega a casa, descubre que, en mitad de la noche, inconscientemente, disparó contra su marido, al que, menos mal, sólo hirió en un brazo. Juntos deciden que lo mejor es que la mujer vea a un especialista, con la esperanza de que su salud mental mejore…

Lo que son los clásicos. En hora y media puede pasar de todo, sin que tengas la sensación de rapidez atropellada; aquí fluye todo perfectamente. Te presentan a un buen número de personajes, te cuentan de todo (una y otra vez), la acción no deja de desarrollarse constantemente y al final te cierran la historia con un fulminante “the end”, que te deja unos segundos pensando en todo lo visto. Por eso resulta tan refrescante verlos y volver a verlos, son grandes películas hechas para el público, al que exigen tanto como cuidan.

Quizá, bien mirado, no es reflexionar lo que más le conviene al espectador de ‘Pacto Tenebroso’. Quiero decir, la trama, simple y por momentos algo absurda, está muy bien oculta entre la gran realización de Douglas Sirk y las convincentes interpretaciones de todo el reparto. Desde luego, si se rasca, uno encuentra que el “super-plan-maligno” que está detrás de todo flaquea por varios sitios y que algunas reacciones de los personajes no son muy creíbles. Por no hablar de esa imposible boda japonesa donde todos hablan inglés (eso sí, acaba por resultar desternillante que la pareja de recién casados esté deseando ir a la cama y no dejen de retrasarles el momento).

Pero ya digo, no hay verdadero problema. Esto es cine, es magia, es olvidarse de todo por un rato, es entrar en un mundo diferente y que te cuenten una historia que te atrape. Y vaya si atrapa. Sirk se ocupa de que no pienses ni un momento, atándote al asiento de principio a fin, basándose sobre todo en una historia tan tenebrosa como el pacto del título y en una puesta en escena magistral. Destacar también la preciosa fotografía en blanco y negro, llena de contrastes, aprovechada a la perfección para crear ese ambiente de pesadilla, locura y misterio.

El reparto de ‘Pacto Tenebroso’ está encabezado por Claudette Colbert, Don Ameche y Robert Cummings. Colbert, estrella de sobra conocida por todos, interpreta a la protagonista, una mujer con una gran fortuna cuyo juicio es puesto en duda durante casi todo el metraje, por casi todos los personajes de su entorno. Casi, porque ahí está Cummings, el enamorado, para ponerse de su parte; el actor cumple, pero quizá otro en su lugar podría haber aportado un poco más de chispa y ambigüedad. Ameche encarna al marido, un hombre del que sospechamos desde el primer momento. A través de él y del personaje de Cummings vamos pasando de un film de suspense a uno de cine negro, con mujer fatal, traición y tiroteos incluídos. Como curiosidad, y ya que mencioné a Hitchcock, añadir que Cummings protagonizaría, años más tarde, ‘Crimen Perfecto’, con una trama algo similar a la que nos ocupa.

En definitiva, un entretenido y elegante film de suspense. Nada del otro mundo, en realidad, pero sí una ración de refrescante cine bien hecho, especialmente si lo ponemos en relación con el actual, cada vez más dividido entre el producto prefabricado para hacer taquilla y el aburrido cine de autor pretencioso. Ya, quizá me he levantado pesimista; no he dormido mis doce horas.

José Luis Borau, el director de cine nacido en Zaragoza en 1929, fue elegido el jueves para cubrir el sillón B de la Real Academia Española (RAE) que dejó vacante Fernando Fernán-Gómez.

Borau es autor de películas como ‘Mi querida señorita’, ‘Furtivos’, ‘La Sabina’, ‘Tata Mía’ o ‘Leo’, o series de televisión como ‘Celia’. Ha sido actor, productor, director, crítico, profesor de cine y, sobre todo, guionista. Con José Luis Borau –preside actualmente la Junta de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), pero declara que no volverá a firmar este copromiso— el guión, que él considera un género literario, ingresa en la Real Academia Española.

José Luis Borau había propuesto que Rafael Azcona, recientemente fallecido, entrase en la Real Academia. Pero el guionista rechazó la oferta. Juntos habían escrito el guión de ‘Las hermanas del Don’ que, de momento, permanece “en un cajón” y Borau reconoce que echa muchísimo de menos a su colega.

Desde hace tres años, Borau prepara el libro ‘El cine en nuestro lenguaje’, un encargo de la cátedra ‘Jorge Guillén’ de la Universidad de Valladolid que refleja la influencia que ha tenido el cine en el lenguaje de las últimas décadas y que aparecerá en los próximos meses. El cineasta declaró refiriéndose a la investidura como miembro de la RAE que su “discurso de ingreso será un resumen de ese libro y una demostración palpable, por si cabía alguna duda, del peso del cine en la lengua y la literatura españolas”. Según el cineasta, “el libro encaja muy bien con la Academia porque busca nuevos giros, nuevas expresiones y nuevos vocablos, pero si le interesa otro aspecto trataré de cumplirlo lo mejor que pueda”.

‘El cine en nuestro lenguaje’ recoge expresiones, vocablos y palabras que forman parte del lenguaje de todos los días y que provienen de películas, como por ejemplo, “Nadie es perfecto”, de ‘Con faldas y a lo loco’ o “Siempre nos quedará París”, de ‘Casablanca’. De los hermanos Marx hemos adoptado varias, valgan los ejemplos de: “¡Más madera, es la guerra!” o “¡Y dos huevos duros!”.

Otros casos no son de frases imitadas tal cual, sino de términos que han entrado en nuestro vocabulario gracias al cine: “Rebeca”: se llama así a la prenda por la película de Alfred Hitchcock. “Hombres machos”, según Borau, entra en España por influencia de los films mexicanos. “Bocata” lo inventaron los actores y técnicos italianos durante el rodaje de coproducciones y que italianizó la palabra bocadillo. En su obra, Borau también incluye expresiones como “La cagaste, Burt Lancaster”, que hoy en día ya está bastante pasada de moda.

Más información en Blogdecine sobre Fernando Fernán-Gómez y Rafael Azcona.

Fuente | El País.

Como todos los años, con motivo de la celebración de los premios Oscar la revista Vanity Fair dedica un número a Hollywood y el cine. En esta ocasión se trata de un fabuloso homenaje a Alfred Hitchcock, que recrea algunas escenas de sus películas más famosas, protagonizadas por las estrellas cinematográficas actuales.

Una sorprendente galería que incluye a Scarlett Johansson y Javier Bardem convertidos en Grace Kelly y James Stewart en La ventana Indiscreta, Jodie Foster emulando a Tippi Hedren en Los Pajaros, Naomi Watts como Marnie, la ladrona, Renée Zellweger como la Novak en Vertigo, Marion Cotillard acuchillada en la ducha de Psicosis y Charlize Theron como Grace Kelly en Crimen Perfecto.

También aparecen Gwyneth Paltrow y Robert Downey Jr en Atrapa a un ladrón, Emile Hirsch y James McAvoy recreando una escena de Extraños en un tren, o Keira Knightley y Jennifer Jason como la tímida protagonista y la malvada ama de llaves de Rebecca.

Tang Wei, Josh Brolin, Casey Affleck, Eva Marie Saint, Ben Foster, Omar Metwally y Julie Christie embarcados en Naufragos y Seth Rogen recordándonos la mítica escena de Con la muerte en los talones.

Podéis disfrutar de todas las fotos a continuación:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Poprosa

Alfred Hitchcock, probablemente el director de cine más popular de la historia, aunque no estaría de más hacer una especie de encuesta y comprobar si Steven Spielberg le ha robado ese “título” (creo que la cosa estaría muy reñida). Cuando se habla de él se tiende, un poco injustamente, a separar su obra en dos períodos, el británico y el americano, dándole mucha más importancia al segundo, en el cual realizó películas tan grandes como ‘Psicosis’, ‘Los Pájaros’ o ’ Vértigo’, por poner sólo tres ejemplos.

Un servidor considera también una obra maestra un film realizado en 1955 con James Stewart y Doris Day, y ganador del Oscar a la mejor canción, a la que siempre aludo en los posts de estrenos cuando me toca hacerlos, Qué será será. Dicho film es un remake lujoso, por decirlo de alguna manera, de la película que hoy nos ocupa, de igual título, y realizada en 1934, y entre cuyos actores figura el pequeño gran Peter Lorre.

Así pues, en base la historia es la misma que el famoso remake realizado 20 años después, aunque la forma de enfocarla de don Alfredo es bastante diferente. Por supuesto, la referencia debería ser la presente, aunque todos estaremos de acuerdo (o no) que la de 1955 es bastante superior por muchos y diferentes motivos, como el extraordinario uso del suspense o la interpretación de Stewart, incluso Doris Day estaba mejor de lo que solía estar (Day era una actriz que cuando la dirigían podía estar deslumbrante). En la versión de 1934 se va directo al grano, la película dura apenas una hora y cuarto, por lo que no hay tiempo para pararse en algunas cosas en las que sí se paró en la posterior versión.

Quizá por eso, la película tiene un ritmo perfecto, que alcanza su cenit en el estupendo y conciso clímax final. Hasta ese momento hay secuencias dignas de elogio, y por la que don Alfredo se ganó muy merecidamente todos los piropos que críticos y espectadores le hicieron a lo largo de las décadas. Baste apuntar por ejemplo, cierta visita a un dentista, momento éste de una tensión increíble en la que el espectador no sabe en ningún momento que es lo que va a suceder. Porque si habría algo que achacarle algo a esta película es que adolece de cierta previsibilidad, pero nada alarmante que impida disfrutar del film.

En cuanto a los actores, contar con Peter Lorre haciendo de villano es una garantía para cualquier película. Sin embargo, creo que aquí Lorre no está a la altura de otras interpretaciones. Su personaje, un poco increíble, está interpretado con un exceso de histrionismo, algo con lo que Lorre siempre estuvo rayando, pero en este caso es evidente que se le fue la mano. En el lado de los buenos, destacar el trabajo de Edna Best, actriz hoy totalmente olvidada, y que cumple a la perfección con su papel de heroína, marcando un antecedente en los típicos papeles femeninos de Don Alfredo (ya sabéis, su obsesión por las rubias). Excelente el detalle de guión, y que viste muy bien al personaje, de su afición por las armas.

Una película muy buena, que sin lugar a dudas, permanece entre lo mejor de Hitchcock de su etapa británica, haciendo gala ya de un perfecto equilibrio entre calidad y comercialidad. Este gran inglés sabía como hacer buen cine sin olvidarse ni un sólo momento del público en general. Pocos supieron mezclar ambos elementos con tanta sabiduría como él (Qué curioso, el nombre de Spielberg me vuelve a venir a la mente). Por si os interesa, ‘El Hombre que Sabía Demasiado’ está editada en dvd en una más que endeble edición de Divisa, algo muy raro en esta distribuidora. A ver si un día se animan a una reedición como Dios manda.

Sin duda alguna, la wikipedia es la alternativa a las enciclopedias de toda la vida. Lugar obligado de consulta en Internet. Bajo el fenómeno de los wikis, unos apasionados de Alfred Hitchcock, de su figura y de su cine, tienen creado un wiki con toda la información habida sobre el director británico. Actualizan con frecuencia, e incluyen un blog donde van hablando y planteando ideas sobre su figura.

Esta enciclopedia, hecha por internautas, sobre Alfred Hitchcock, me ha resultado muy interesante porque trata toda su cinematografía anterior a su época en Estados Unidos, que es donde realizó sus películas más conocidas, y sus obras maestras. Sin duda, ese periodo británico menos conocido para el aficionado normal, merece un repaso y un descubrimiento, con excelentes obras de las que luego haría nuevas versiones en su época americana (yo reconozco que soy un apasionado defensor de ‘Los 39 escalones’).

Pero lo que me ha llamado la atención es un proyecto en el que están subiendo todas las películas de Hitchcock, en un resumen de 1.000 fotogramas. Es como si nos trasladasen el storyboard de la película, pero con imágenes de la misma, no dibujos. El proyecto debe ser agotador, y tiene su mérito, porque viendo fotograma a fotograma cada película se descubren detalles que durante el visionado de la película se nos pueden escapar. Como digo, lugar de obligada visita para aquellos que son seguidores de este grande entre los grandes.

Ver películas de Alfred Hitchcock en 1.000 fotogramas

Vía | Blog Flume
Más información | Hitchcockwiki
En blogdecine | Reglas para hacer un thriller al estilo Hitchcock

Una de las características de las películas de Alfred Hitchcock, además del McGuffin y de los problemas en los que se veía involucrado un personaje normal y corriente, son los cameos que el director hacía en sus películas.

Los que lo tienen en mente, solían ser apariciones fuera de plano o paseos por delante de la pantalla, siempre identificado por su personal y característica anatomía.

Alguien se ha encargado de reunir todos sus cameos en un vídeo, diferenciando los mismos por apartados. Sirve para descubrir aquellas películas en las que pensábamos que el gran Hitchcock no salía.

Más información | YouTube

Este año Freixenet ha decidido cambiar en su tradicional spot navideño las burbujas y los famosos por un cortometraje dirigido por un realizador de prestigio.

El escogido ha sido Martin Scorsese que se ha marcado un divertido homenaje a Alfred Hitchcock, en el que además de encargarse del guión, también aparece interpretándose a sí mismo.

El corto, titulado The Key to Reserva (La clave reserva), fue rodado en Nueva York en octubre, con total libertad para el director que sólo contaba con dos condiciones, que no hubiera violencia y que el protagonista fuera el cava.

Podéis disfrutar del resultado en la web de Freixenet, tanto en versión original como doblada, o en el vídeo (es una versión recortada) disponible a continuación.

Más información | El Periódico.com

Además no cualquier obra de Hitchcock ¡no! ni más ni menos que Rebecca, una de sus películas más hipnóticas, maravillosas y geniales, que un tal Riccardo Milani tendrá el valor de manipular a su estilo (el cual, por cierto, desconozco totalmente), con Cristiana Capotondi y Alessio Boni como pareja protagonista, y Mariangela Melato en el papel de la inquietante ama de llaves.

Lo dicho, para tirarse al mar, para llorar… de todo menos esperar nada bueno.

Vía | Cineblog.it

Y sigo golpeándome duramente contra la pared, ya que la década de los 50 está llena de grandes películas y elegir sólo diez títulos de todos mis favoritos me ha resultado muy, pero que muy difícil. Allá vamos:

• ‘Con la Muerte En los Talones’. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock. Mezcla absolutamente genial de calidad y comercialidad en un film enormemente influyente en el cine posterior. Sensacional Cary Grant, sobre todo en sus momentos humorísticos.

• ‘La Noche del Cazador’. Única película que dirigió el excelente Charles Laughton, y las malas críticas del momento le hicieron no volverse a poner nunca más detrás de la cámara. Un perverso cuento de hadas, con un inmenso y terrorífico Robert Mitchum.

• ‘Los Siete Samurais’. Obra inmortal del genial Akira Kurosawa, donde rendía tributo a su amado western. La pelota le fue devuelta años después con un magnífico remake, del cual Kurosawa se sintió tan orgulloso que le regaló una espada de samurai a John Sturges. Impecable retrato de personajes.

• ‘Senderos de Gloria’. Mi favorita de Kubrick, y uno de los films antibélicos más impresionantes que se hayan hecho. Aquí en España no se estrenó hasta 1985, cosas de la estúpida censura que tanto jodió la marrana durante años en nuestro país. Impresionante Kirk Douglas y emotivo e inolvidable final.

• ‘Rio Bravo’. Uno de los géneros que mejor dominaban Howard Hawks era el western. Éste fue uno de los mejores, y uno de los más influyentes. Sensacional de principio a fin, con una impecable galería de secundarios, como Walter Brennan o Dean Martin, en la que probablemente sea su mejor interpretación.

• ‘Tú y Yo’. Remake de un film anterior del propio Leo McCarey, en el que el director mejoraba lo que ya era maravilloso. Inolvidables Cary Grant y la recientemente fallecida Deborah Kerr. En los 90 tuvo dos revisitaciones, una como inspiración en ‘Algo Para Recordar’ y otra, como remake, en la blandengue ‘Un Asunto de Amor’, y en la vida real doy fe de que alguna pareja puso en práctica algunas cosas de esta maravillosa película.

• ‘Traidor en el Infierno’. En los 50 Billy Wilder realizó inolvidables películas, pero a ésta le tengo un especial cariño por ser de las primera que vi. William Holden ganó un Oscar por su carismática interpretación. De lo mejorcito en películas de campos de concentración.

• ‘Al Este del Edén’. Mi preferida de las tres películas con James Dean como intérprete principal, y también de las que dirigió Elia Kazan. Impresionantes todos los momentos con el gran Raymond Massey, perfecto en el papel de padre de Dean. Una de esas películas con las que aprendí a amar el cine desde muy pequeñito.

• ‘El Árbol del Ahorcado’. Uno de los memorables westerns del gran Delmer Daves, con un inolvidable Gary Cooper. A recordar la mítica canción interpretada por Marty Robbins, y que da título a la película.

• ‘El Hombre Tranquilo’. Uno de los films más memorables del gran John Ford, en el que absolutamente todo es perfecto. Pocas parejas han tenido la química de John Wayne y Maureen O´Hara en esta película. La edición de dvd que hay en nuestro país es simple y llanamente una falta de respeto a esta inmortal obra y al espectador en general. ¿Hay alguien que aún no la ha visto?

Y ahora podéis, si queréis, aportar vuestra favoritas de una década como la de los 50. Seguramente volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los años 60.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40

Ahora que están echando en Telemadrid películas de Hitchcock los domingos por la noche, uno no puede más, incluso cuando ya he visto casi todas sus películas (en los años 80 TVE echó un ciclo del mago del suspense completo y sencillamente soberbio), que volver a quedar rendido ante las imágenes y secuencias que nos regala.

Pero, ¿qué trucos utilizaba para sorprendernos continuamente? Es decir, ¿qué pasos o puntos debemos tener en cuenta para lograr que una película aburrida se convierta en un thriller al estilo Hitchcock? En borgus.com nos comentan 12 técnicas básicas para realizar una película en su estilo. Conviene leerlas todas, porque las mismas incluyen ejemplos y son una guía para entender más su cine. Y algunas sorprenden. Por ejemplo la 4, donde se comenta que los diálogos sólo hay que utilizarlos cuando no tienes otra forma de hacer las cosas. En este sentido, me ha roto de un plumazo la comedia de diálogos rápidos y sobrepuestos uno encima del otro. Aunque claro, a él le funcionaba y hacía thriller.

Vía | Reel Pop blog

El Ciudadano Kane de Orson Welles se sigue manteniendo en primer lugar, absoluto, indiscutible e indiscutido. Pero entre los 10 primeros puestos hay algunas sorpresas. El Padrino subió al segundo lugar, desplazando Casablanca a un tercer puesto. Toro Salvaje de Martin Scorsese trepó 20 posiciones con respecto a su ubicación en la lista de 1997, para alcanzar nada más y nada menos que el 4to. lugar, por encima de Singin’ in the Rain (5), Lo que el viento se llevó (6) y Lawrence de Arabia (7).

Spielberg tiene su puesto asegurado entre los 10 primeros lugares con Schindler’s List (8). Vértigo de Alfred Hitchcock escaló 52 casillas para obtener un merecido noveno lugar y El Mago de Oz se ubica en el décimo puesto, después de descender 4 lugares.

La única novedad entre los 20 primeros lugares, es The General, de Buster Keaton. Curiosamente, La Guerra de las Galaxias (en el puesto 13) aventaja a 2001, Una Odisea del Espacio (15 lugar).

Hace ya tiempo en este blog os pusimos un enlace a una web en la que teníamos un mapa interactivo con las localizaciones de los rodajes que se hayan llevado a cabo en Nueva York.

Pues si hay otra ciudad de cine, no tan importante como la ciudad de los rascacielos, es San Francisco. Varias películas han hecho famosa esta ciudad, incluyéndola no solo como localización para exteriores, sino como una protagonista más de la película.

Un ejemplo es ‘Vertigo’, una de las obras maestras del señor Hitchcock. En Vertigo Then and Now, se han encargado de ir colgando enlaces con fotografías actuales de las localizaciones que usó el maestro del suspense en 1958.

Bien pensando, puede servir de guía para ir a ver ciertos lugares de San Francisco, más allá de los que propongan en diario del viajero.

(Gracias Luis Italia)

En blogdecine | Localizando rodajes en la ciudad de Nueva York

La revista Premiere —sobre la que nos comunicó Carlanga que había editado su último número en papel, aunque sigue existiendo por Intenet— ha publicado una lista de los 25 mejores carteles de cine de la historia.

Los cinco primeros son los que aparecen en la imagen de más arriba: en el número uno, ¿cómo no?, Saúl Bass, el genio del arte gráfico y de los títulos de crédito, con ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder’, 1959), de Otto Preminger. Bass, además, ha realizado secuencias, como algunas carreras de ‘Grand Prix’. Él se atribuía la planificación de la escena de la ducha de ‘Psicosis’, cosa que Hitchcock nunca admitió. Como director, también firma algunos films, entre ellos ‘Fase IV’ (‘Phase IV’, 1974).

El cartel que está en el número tres de la lista es del mismo autor que el primero, Saul Bass. Se trata de ‘Vértigo. De entre los muertos’, film que, como ya sabemos, dirigió Alfred Hitchcock. Más adelante, en la lista, está ‘El hombre del brazo de oro’, también de Bass.

‘El descenso de la muerte’ ‘Downhill Racer’ (1969) se clasifica en cuarto lugar. Como dicen en la Premiere, en la distribuidora tuvieron el gran valor de hacer un cartel de una película de Robert Redford sin que se le viese. Y les quedó realmente bonito. La película fue ignorada por el público, pero el cartel, diseñado por Steve Frankfurt, se convirtió en un hito para los pósters fílmicos.

El quinto cartel de los que podemos ver en la imagen es el de ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, 1956). En mi opinión es más kitsch que bonito, pero también eso merece ser reseñado.

El resto de la lista seguiría así:

6. ‘Gilda’
7. ‘La calle 42’ (‘42nd Street’)
8. ‘El ataque de la mujer de 50 pies’ (‘Attack of the 50 Ft. Woman’)
9. ‘El ladrón de Bagdad’ (‘The Thief of Baghdad’)
10. ‘2001, una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey?)
11. ‘King Kong’
12. ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’)
13. ‘La quimera del oro’ (‘The Gold Rush’)
14. ‘El hombre del brazo de oro’ (‘The Man With the Golden Arm’)
15. ‘La momia’ (‘The Mummy’)
16. ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of The Lambs’)
17. ‘Contratado para matar’ (‘This Gun for Hire’)
18. ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany’s’)
19. ‘Los viajes de Sullivan’ (‘Sullivan’s Travels’)
20. ‘El submarino amarillo’ (‘Yellow Submarine’
21. ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary’s Baby’)
22. ‘La tentación vive arriba’ (‘The Seven Year Itch’)
23. ‘El autoestopista’ (‘The Hitch-Hiker’)
24. ‘Eva al desnudo’ (‘All About Eve’)
25. ‘El demonio de las armas‘(‘Gun Crazy’ o ‘Deadly Is the Female’ 1950)

Fuente: Premiere

El director independiente Chase Palmer planifica el rodaje de ‘Number Thirteen’, un thriller que explora la producción de la inacabada primera película británica de Alfred Hitchcock, ‘Number 13’, que también se tituló ‘Number 13’ (1922). Los protagonitas serán Ben Kingsley, Emily Mortimer (‘Match Point’, de Woody Allen o ‘El chico’, de Jon Turteltaub), Ewan McGregor (los tres en la foto superior) y Dan Fogler, que interpretará al director de joven.

El guión también es de Chase Palmer, que debuta en la dirección. Según la trama inventada por Chase, Hitchcock acaba en medio de un dilema y de un triángulo amoroso con dos de los intérpretes de su película mientras el rodaje. El actor protagonista aparece muerto. El montador comienza a sospechar del director y trata de desvelar la verdad.

Jason Berk y Matt Lane, de Union Square Entertainment, son los productores, junto con Gail Mutrux. Union Square será quien financie la película, cuyo rodaje dará comienzo en febrero.

Vía: Variety, Movies2, Production Weekly

Algunos ejemplos de estos carteles se pueden ver en la imagen de la izquierda: arriba, a la izquierda el cartel de ‘El verdugo’, de Luis García Berlanga; a la derecha, ‘El cochecito’, de Marco Ferreri. Abajo, la lámina de ‘Pánico en la escena’, de Alfred Hitchcock, y ‘Primera Plana’, de Billy Wilder.

La exposición sigue la aparición del libro ‘Mac Cartel’, que se presentó el día 2 de octubre en el Cine Verdi Park de Barcelona, con la presencia del cartelista y del escritor Paco Baena.

Según nos dice el mismo Mac, en sus comienzos encontraba rutinario el diseño de los carteles, y quería darles un tratamiento más artístico, propio de la pintura. Macario es admirador de los grandes pintores, en especial de Fortuny y de Velázquez. Él, a su vez, también es pintor y, según sus propias palabras, el cartel es una pintura artística. Además considera que es importante reflejar el espíritu de la película, por lo que no le bastaba con copiar unas fotos de los protagonistas y, siempre que le era posible, no acometía su diseño hasta después de haber visto la película. Cuidaba, además del dibujo, de la composición e incluso de la disposición, forma y color de la grafía, ya que pensaba y piensa que esta forma un todo con el cartel.

Puesto que desempeñó su labor a lo largo de más de treinta años (su primer cartel firmado fue Nagana, en 1955, y el último, El placer de matar, realizado en 1988), a causa de la variación de las tendencias cartelísticas y, por supuesto, de su evolución personal, hay en su diseños una gran variedad de estilos. Así se puede observar un marcado cambio; en su primeras obras ofrecía un diseño más sencillo que luego, con el paso del tiempo, se va haciendo más abigarrado y barroco, y presenta un mayor abanico cromático.

También se puede observar como muchas veces, en una misma época, los diseños guardan entre sí una similitud. Por ejemplo en 1962 nos encontramos con carteles como Hatari, El montacargas o Panorama desde el puente con un diseño que utiliza la fotografía en blanco y negro combinada con el dibujo en color, o bien, en 1964, en las películas La cesta, Miguelín y Tom Jones presentan un diseño similar, formado por un dibujo central y, a su alrededor, las figuras en blanco y negro de los protagonistas.

Queremos destacar que Mac ha tocado todos los géneros cinematográficos: la comedia, el western, el de terror, el de aventuras, etc. A lo largo de la exposición se ha querido poner esto de manifiesto, por lo que están presentes todos ellos.

Entre sus carteles podemos encontrar retratos de muchos de los actores y actrices más famosos de la historia del cine, tanto españoles como extranjeros (buena parte de ellos se convirtieron en sus admiradores). Como se puede ver, algunos de estos son auténticas obras de arte.

Como nos dice el propio Macario Gómez, él intentaba no repetir; quería que cada obra fuese distinta y tuviera su propia identidad. En algunas ocasiones existen carteles diferentes para una misma película, debido a que a veces realizaba varios diseños a la vez (tal es el caso, por ejemplo, de Un infierno en la ciudad, para cuyo estreno realizó dos carteles). Hay otras ocasiones en que el diseño corresponde a momentos distintos, ya que provienen de dos encargos diferentes, uno de ellos en la fecha del estreno y el otro posterior, con motivo de la reposición de la película. En este caso puede haber variaciones conceptuales: los derechos de la película se pueden haber vendido, con lo que el cliente es una distribuidora diferente de la inicial, o al haber pasado mucho tiempo han variado las condiciones o el entorno. Por ejemplo, entre los dos carteles de La jauría humana habían pasado diez años. En el primero, Marlon Brando aparece de frente, y en el segundo, de perfil (esto mismo ocurre con El rostro impenetrable). Es de suponer que esto se debe al carisma que cobró este perfil después su utilización en el cartel de la película El padrino, que se estrenó en ese intervalo.

En ocasiones tampoco podía expresarse libremente por causa de la censura. Así, un cartel en el que dibujó a Brigitte Bardot con un escote que los censores consideraron excesivo se lo devolvieron tachado con lápiz de plomo, por lo que tuvo que repetirlo poniéndole un escote menor (sustituyó el inicial, de pico, por otro cuadrado), pero se negó a firmarlo. Otro ejemplo lo tenemos en el caso de Operación: Londres llama a Polo Norte: había colocado a los pies del águila una cruz gamada que, a instancias de la censura, se vio obligado a sustituir por una cruz de hierro.

Estos últimos párrafos están extraídos del catálogo y pertenecen a Elena Cervera.

Firmado Mac. Carteles de cine de Macario Gómez. Filmoteca Española. Magdalena, 10. Madrid. De lunes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00. Hasta el 31 de diciembre.

La programación de octubre del cine Doré se puede consultar aquí.

Vía: Ministerio de Cultura, El País

Blog sobre traducciones mal hechas.

Daré algunos ejemplos más de películas con títulos o frases famosas que no significan lo que el del original:

La expresión ‘Hidden Agenda’ en inglés significa algo como tener segundas intenciones, unas intenciones ocultas y, generalmente, aviesas. La película ‘Hidden Agenda’ (1990), de Ken Loach, se tradujo aquí con el torpísimo y absurdo título de ‘Agenda oculta’. En el film, nadie tenía una agenda, lo que ocurría era que el gobierno había dado una falsa información sobre un atentado, con la intención — secreta y traicionera — de templar los ánimos. La única posibilidad es que, como en tantos términos políticos y económicos, se haya adoptado el anglicismo y haya gente que lo utilice en español traducido literalmente, pero incluso de ser así, sería incorrecto. Similar es el caso—que alguien mencionó en los comentarios del otro artículo—de ‘Cortina rasgada’ (‘Torn curtain’, 1966) de Alfred Hitchcock, que en realidad se refería al telón de acero.

Existe una frase que no es un título, pero que se ha quedado tan marcada en el inconsciente colectivo que probablemente nadie aceptará que se diga que está mal traducida. Se trata del perínclito “Teléfono, mi casa” de ‘E. T.’. Obviamente, lo que decía el bichejo en el original no era “teléfono”, sino “llamar”. “Phone”, además de un sustantivo, es el infinitivo del verbo “telefonear”. “Phone home” está bien dicho en inglés, no le faltan palabras entremedias, a lo mejor al principio un “I want to…” o “I need to…”, pero como abreviación no tiene defectos gramaticales. Sin embargo, ese “teléfono mi casa” era tan incorrecto que nos hacía muchísima gracia y quizá esto le benefició al alienígena para que nos cayera más simpático. “Llamar a casa” debería ser lo que se hubiera dicho en la traducción. Como adelanté en el artículo anterior, a veces estas malas traducciones suenan mejor que una correcta o, por lo menos, nos hemos hecho a ellas. Pueden leer más sobre la traducción de E. T. aquí.

Y, perdón por repetirme, pero diré de nuevo parte de lo que expuse en la entrada en la que decía que el doblaje se hacía bien y las traducciones para los doblajes, mal: Evidentemente, me diréis que lo haga yo, que es muy fácil criticar sin hacerlo una misma, que me meto con una cosa que no conozco… Tendréis razón, pero también es verdad que quien traduzca un guión tiene una responsabilidad. Personas que desconocen cosas bastante básicas como las que he mencionado en éste artículo y en el anterior, no deberían estar haciendo el trabajo de profesionales y cobrando por ello. Y, si lo hacen, al menos debería haber alguien que supervisara su trabajo y corrigiera lo que hacen mal.

Con las decisiones de cambiar los títulos que toman las distribuidoras, muchas veces, estoy de acuerdo, por ejemplo ‘Rear Window’ (ventana trasera) está mucho mejor como ‘La ventana indiscreta’. Estoy de acuerdo porque respetar la intención del autor original en una traducción no siempre pasa por ir a lo literal. Lo que en un país tiene sentido para todo el público, en otro puede no significar nada. Y respetar la intención del autor consiste en buscar el equivalente que haga el mismo efecto en los espectadores — lectores o receptores del medio que sea — de donde se presenta la versión traducida. En muchos otros casos, como el flagrante ‘Rosemary’s Baby’ traducido por ‘La semilla del diablo’ estoy muy en desacuerdo, especialmente porque te está desvelando cosas de la película.