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RSS Alfred Hitchcock

Ahora que están echando en Telemadrid películas de Hitchcock los domingos por la noche, uno no puede más, incluso cuando ya he visto casi todas sus películas (en los años 80 TVE echó un ciclo del mago del suspense completo y sencillamente soberbio), que volver a quedar rendido ante las imágenes y secuencias que nos regala.

Pero, ¿qué trucos utilizaba para sorprendernos continuamente? Es decir, ¿qué pasos o puntos debemos tener en cuenta para lograr que una película aburrida se convierta en un thriller al estilo Hitchcock? En borgus.com nos comentan 12 técnicas básicas para realizar una película en su estilo. Conviene leerlas todas, porque las mismas incluyen ejemplos y son una guía para entender más su cine. Y algunas sorprenden. Por ejemplo la 4, donde se comenta que los diálogos sólo hay que utilizarlos cuando no tienes otra forma de hacer las cosas. En este sentido, me ha roto de un plumazo la comedia de diálogos rápidos y sobrepuestos uno encima del otro. Aunque claro, a él le funcionaba y hacía thriller.

Vía | Reel Pop blog

Este vídeo recoge los mejores cameos de directores que aparecen en sus películas

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Este vídeo recoge los mejores cameos de directores que aparecen en sus películas

Es más habitual que los actores prueben su talento como directores pero también hay cineastas que deciden colocarse delante de las cámaras. Entre los valientes (o egocéntricos) la mayoría se limita a interpretar papeles breves o realizar simples cameos en sus películas, como Quentin Tarantino, que tiene una divertida participación como narrador en esa gozada titulada 'Los odiosos ocho' ('The Hateful Eight').

La tensión del film y la afición del autor por mostrarse ante su público nos llevan al rey de los cameos, Alfred Hitchcock. Hay muchos más; Martin Scorsese, Roman Polanski, David Lynch, James Cameron o M. Night Shayamalan son otros realizadores que se han dirigido a sí mismos, como broma, sello personal, último recurso o porque creyeron que no había nadie mejor para el papel. A continuación os dejo un recomendable vídeo que recopila las mejores escenas de directores que aparecen en sus propias películas:

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El imprescindible Cary Grant

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El imprescindible Cary Grant

"Para tener éxito con el sexo contrario diles que eres impotente; ellas no podrán evitar el refutarlo."

Un 18 de enero nacía Cary Grant —nombre verdadero: Archibald Alexander Leach—, uno de los mejores actores jamás aparecidos frente a una cámara. Era tan bueno que hasta solía interpretar de espaldas mejor que nadie, tal y como lo muestran algunas de las secuencias más memorables de su filmografía, llena de títulos imprescindibles. Grant podía presumir de formar parte de la inspiración para James Bond, cuyo autor, Ian Fleming, le consideraba el mejor para interpretar a 007. Que Grant nunca haya ganado un Oscar —sólo le nominaron dos veces— es una de las grandes insjuticias en el mundo del cine. En su vida personal, fue un defensor acérrimo del uso del LSD; se le consideraba bisexual y se le atribuye una relación con Randolph Scott, con quien vivió durante doce años. Era la elegancia personificada; en dicho aspecto nadie ha sido jamás capaz de igualarle.

Películas imprescindibles para un buen homenaje: 'Arsénico por compasión' ('Arsenic and Old Lace', Frank Capra, 1944), él decía que era la peor película que había hecho, pero se trata de una de las cumbres de la comedia; 'Un corazón en peligro' ('None But the Lonely Heart', Clifford Odets, 1944), su segunda nominación al Oscar a mejor actor principal, probablemente el personaje más arrriesgado de toda su filmografía; 'Tú y yo' ('An Affair to Remenber, Leo McCarey, 1957), por tener una cita en lo alto del Empire State con Deborah Kerr; 'Con la muerte en los talones' ('North By Northwest, Alfred Hitchcock, 1959), por ser el falso culpabe perfecto en una de las más emocionantes aventuras de su autor; 'Charada' ('Charade' Stanley Donen, 1963), por amar a Audrey Hepburn en una trama de suspense muy retorcida.

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'Hitchcock/Truffaut', tráiler del prometedor documental

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'Hitchcock/Truffaut', tráiler del prometedor documental

Todo buen cinéfilo tiene en su colección una copia de 'El cine según Hitchcock', el excelente libro-entrevista de François Truffaut con Alfred Hitchcock respondiendo a las preguntas que le planteaba el cineasta francés sobre su obra. Además, el texto ha tenido una gran influencia en multitud de directores, algo que se aborda en 'Hitchcock/Truffaut', un apetitoso documental que pudo verse hace unos días en el Festival de San Sebastián y del que ahora os traigo su tráiler.

David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, James Gray, Arnaud Desplechin, Paul Schrader, Kiyoshi Kurosawa y Richard Linklater son los directores que se han prestado a participar en 'Hitchcock/Truffaut'. El orquestante de todo es Kent Jones, que hace unos años ya dedicó junto a Scorsese otro documental a la figura de Elia Kazan, que pasó mucho más desapercibido que el que ahora nos ocupa.

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Cine en el salón: 'Doble cuerpo', imitación del maestro

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Cine en el salón: 'Doble cuerpo', imitación del maestro

Vaya por delante: 'Doble cuerpo' ('Body double', Brian De Palma, 1984) es una película extraña. Más allá del obvio homenaje a dos de los mejores títulos de Hitchcock, y más allá de atesorar muchos de esos momentos de virtuosismo con la cámara por los que tan conocido se hizo Brian De Palma, hay algo en el tono de la narración, en sus caricaturescos personajes, en lo sobreactuado de los actores y en lo previsible de todo el conjunto que ha provocado que, después de más de veinticinco años sin verla, el recuerdo que de ella tenía se haya visto completamente trastocado.

Claro está, por aquél entonces yo era un núbil adolescente que comenzaba a consumir como un poseso todo aquello que caía en mis manos —sin mucho criterio, he de confesar— y, hasta donde mi memoria alcanza, la sorpresa de encontrarme con una cinta que se adentraba en el mundillo del cine dentro del cine, que aventuraba una tímida mirada al mundo de la pornografía con todo lo que ello implicaba —a las claras, tetas— y que jugaba con el espectador al constante despiste eran razones más que suficientes para dejar un muy agradable poso al que no había vuelto a asomarme.

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Cine en el salón: 'Morir todavía', ecos de grandeza

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Cine en el salón: 'Morir todavía', ecos de grandeza

Aunque esta entrada de Cine en el salón debería haber venido dedicada a dar cierre al repaso de esa terna de cintas animadas con las que Don Bluth alcanzó grandes cotas hace tres décadas; hacemos una pequeña pausa y aprovechamos la oportunidad que nos brinda hoy el estreno de esa nueva versión de 'Ceninienta' ('Cinderella', Kenneth Branagh, 2015) con la que la Disney sigue abundando en la inservible recreación en imagen real de sus clásicos animados de siempre, para traer a este particular rincón de Blogdecine el segundo título de la filmografía de un director que, a la vista de sus últimas incursiones cinematográficas, parece haber perdido el rumbo tan bien marcado con el que arrancó su trayectoria allá por 1989.

Proveniente del mundo del teatro, donde se había labrado un nombre de peso gracias a los diversos acercamientos que su compañía, la Rennaisance Theatre Company, había hecho sobre textos de Shakespeare, un Kenneth Branagh de 28 años se lanzaba a la aventura del cine con la adaptación de 'Enrique V' ('Henry V', 1989), un filme por el que sería comparado rápidamente con Laurence Olivier, que le valió la atención de la Academia estadounidense a través de tres nominaciones que lo habrían premiado como Mejor Actor y Mejor Director y de las que sólo consiguió la de Mejor Diseño de Vestuario en la ceremonia celebrada en febrero de 1990 y que es de esas rarezas que ostenta un 100% de votos positivos en Rotten Tomatoes.

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Alfred Hitchcock: 'Frenesí', perversión y humor

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Alfred Hitchcock: 'Frenesí', perversión y humor
-¿La violó antes de asesinarla?
-Efectivamente, no hay mal que por bien no venga

En la época en la que Alfred Hitchcock hizo ‘Topaz’ (id, 1969) quería llevar al cine un proyecto, entre otros, sobre un asesino psicópata de extraña relación con su madre. El film llevaría el título de ‘Frenesí’, pero su dureza y las similitudes con su mítica ‘Psicosis’ terminaron por convencerle de lo contrario. Hasta que cayó en su manos una novela titulada ‘Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square’, de Athur La Bern, y que enseguida vio que cuadraba con su estilo, y terminó por ponerle el mismo título que el anterior proyecto.

Lo que tenemos aquí es probablemente la película más retorcida del maestro del suspense, un film lleno de una violencia extrema, con un asesino psicópata que viola y estrangula a sus víctimas, mujeres, ofreciendo a Hitchcock la posibilidad de sacar lo peor del ser humano, con diálogos de una fiereza, como el apuntado arriba, y que a día de hoy sería prácticamente imposible dejarlos en una película. ‘Frenesí’ representa la vuelta a Inglaterra por parte de su director, demostrando estar en más forma que nunca, al firmar la que sería su última obra maestra.

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Alfred Hitchcock: 'Topaz', el film maldito

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Alfred Hitchcock: 'Topaz', el film maldito

En los años sesenta Hollywood estaba padeciendo una histórica crisis a tener del auge de la televisión; las viejas estrellas empezaban a desaparecer, y directores como Hitchcock se encontraban en una encrucijada. Tras el éxito de ‘Cortina rasgada’ (‘Torn Curtain’, 1966), el director británico quiso realizar un film sobre un asesino psicópata, cuya historia guardaba demasiados paralelismos con ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), así que la desestimó en beneficio de ‘Topaz’ (id, 1969), que la Universal le encargó, dada la popularidad de la novela de Leon Uris.

El propio Uris empezó a escribir el guión de la película, pero debido a las famosas diferencias creativas con el director, éste enseguida le sustituyó por Samuel A. Taylor. La historia, de espionaje, contiene un claro mensaje anticomunista, algo que nunca fue del agrado de Hitchcock puesto que en la medida de lo posible siempre procuró evitar la política en sus películas. El personaje central, con claras reminiscencias de 007, fue ofrecido a Sean Connery, quien lo rechazó porque estaba interesado en desvincularse lo más posible de su imagen del agente secreto.

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Alfred Hitchcock y Paul Newman: 'Cortina rasgada'

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Alfred Hitchcock y Paul Newman: 'Cortina rasgada'

‘Cortina rasgada’ (‘Torn Curtain’, Alfred Hitchcock, 1966) se realiza en pleno apogeo de las películas de espías. Sean Connery ya había interpretado cuatro veces a James Bond, y pronto empezaron a predominar films de idéntica índole o en las que la espionaje se tornaba algo más serio, caso de por ejemplo la imprescindible ‘El espía que surgió del frío’ (‘The Spy Who Came in from the Cold’, Martin Ritt, 1965) o ‘Llamada para un muerto’ (‘The Deadly Affair’, Sidney Lumet, 1966). ‘Cortina rasgada’ partió de un hecho verídico de dos diplomáticos ingleses que desertaron a Rusia.

Al británico le interesó sobre todo el saber cómo reaccionaría la esposa de un desertor, y ése es uno de los pilares fundamentales del film que nos ocupa, que además cuenta con dos de las estrellas del momento, Paul Newman y Julie Andrews, ambos muy del disgusto de Hitchcock. Para los personajes quería a Cary Grant, pero era demasiado mayor, y a Eva Marie Saint, sin embargo la productora impuso a los citados debido a sus respectivas famas, pensando sobre todo en la taquilla, donde el film fue un completo éxito.

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Verdad y mentira en Hollywood (2)

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Verdad y mentira en Hollywood (2)

Una variante de películas biográficas con escasa continuidad fue la que empieza, más o menos, con 'Shakespeare enamorado' ('Shakespeare in love', 1998). Aunque llena de estupendos detalles históricos fascinantes, la película de John Madden depende enteramente de la inventiva y el ingenio de su guión, que firma Tom Stoppard.

Frente a una posibilidad de un Shakespeare real, la película, jocosa, imagina a un Shakespeare viviendo en un mundo shakesperiano: así el dramaturgo habla y habita un mundo que se presta a que suceda otra vez más una de sus obras o, mejor dicho, varias de ellas. El creador, por supuesto, se encontraba escribiendo una de sus primeras tragedias, el romance entre Romeo y Julieta, lo que servía para revisitarla sin los rigores o exigencias de la adaptación directa.

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Alfred Hitchcock: 'Marnie, la ladrona'

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Alfred Hitchcock: 'Marnie, la ladrona'

Tras filmar ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960) Alfred Hitchcock anunció que su próximo película sería la adaptación del libro de Winston Graham que terminaría siendo ‘Marnie, la ladrona’ (‘Marnie’, 1964), y que la misma estaría protagonizada por Grace Kelly, en lo que sería su regreso triunfal al gran cine. El anuncio creó una gran expectación y Hitchcock no cabía de felicidad en sí mismo, hasta que el príncipe Rainiero, alegando problemas en Mónaco, mostró su desacuerdo y todo quedó en nada.

El director británico, claramente decepcionado, abandonó el proyecto y se centró en el que sería su siguiente éxito, ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, 1962). En dicho rodaje conoció a Tippi Hedren, de la que enseguida quedó prendado –su pasión por las rubias− y no tardó en ofrecerle a Hedren el papel que le inmortalizaría, el de la cleptómana y frígida Marnie, en una de las películas de su director consideradas menores durante mucho tiempo, y a la que el paso del tiempo creo que ha colocado en su justo lugar, al lado de las mayores.

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