Desde este jueves y hasta el 8 de mayo, el Teatro-Museo de Figueres (Girona) alberga una exposición sobre la relación entre Dalí y los Disney en la que se pueden ver un óleo, una acuarela, 15 dibujos preparatorios —10 de ellos inéditos— y nueve fotografías.

Pero la joya de la exposición es el cortometraje titulado ‘Destino’, una pieza de animación que el artista Salvador Dalí había creado junto con Walt Disney y que se incluirá en las versiones diamante de las películas ‘Fantasía’ y ‘Fantasía 2000’, es decir, en el combo de cuatro discos en Blu-Ray que se lanzarán a la venta el 7 de diciembre.

Hace ya más de cuatro años, en Blogdecine os contábamos que en 1946 Walt Disney encargó a Salvador Dalí la realización del cortometraje ‘Destino’, basado en la canción homónima de Armando Domínguez. El proyecto no salió adelante por problemas de presupuesto y dicen que por la Segunda Guerra Mundial. Sólo llegaron a rodarse 20 segundos de prueba. Roy Disney y el productor Baker Bloodworth decidieron sacarlo adelante en 2003, partiendo de los bocetos e instrucciones que había dejado Dalí.

Entonces sólo contábamos con la posibilidad de visionar fragmentos del corto. Sin embargo ahora, ‘Destino’ se puede ver al completo a continuación:

La breve historia animada, de algo más de seis minutos, cuenta los amores de una bailarina por un jugador de béisbol. Se conocen, se gustan, pero el tiempo, representado por el dios griego Cronos, se impone. No se puede escapar al destino, concluye el cuento animado.

El resultado de ‘Destino’ es una amalgama curiosa entre dos estilos que parecen opuestos, pero que gozan de tal flexibilidad que no han sufrido para al ser fusionados. Un rostro parecido al de Gala se anima con rasgos de las princesas de Disney y baila con un vestido de ensueño, mientras el mundo se destruye a su alrededor en pesadillas dalinianas. La música lo es todo en esta creación poética que parece un recorrido por los grandes éxitos del pintor surrealista pensado para la divulgación.

La infructuosa relación entre Dalí y Disney

Dalí y Disney se conocieron durante el rodaje de la película ‘Recuerda’, de Alfred Hitchcock (‘Spellbound’, 1945) para la que el artista había dibujado los fondos de la secuencia onírica. La directora del Centro de Estudios Dalinianos, Montse Aguer cuenta que «se quedaron impresionados el uno con el otro». Al año siguiente, Dalí firmó un contrato para trabajar durante dos meses en la factoría Disney. Aquí se fraguó el proyecto de ‘Destino’. La colaboración tenía más visos de amistad que de relación laboral: en 1957, el matrimonio Disney viajó a la casa de los Dalí en Portlligat (Cadaqués, Girona).

Nada más salió de este contrato y así finalizó el sueño hollywoodiense del arista. Dalí no quedó contento con el recorte que hizo Hitchcock para la versión final de ‘Recuerda’ —las escenas diseñadas por Dalí se pueden ver más arriba—. El cine ya le brindó decepciones similares al catalán, por ejemplo, su guión para Harpo Marx de la película ‘Jirafas en ensalada de lomos de caballo’ nunca llegó a rodarse.

Lo que sí ha quedado de este amago de colaboración son las fotografías, bocetos y otras documentaciones, que ahora se exhiben en Figueres.

En la fotografía: Salvador Dalí y Gala en el jardín de la casa de Walt Disney en Brentwood (California).

Vía | El País.

De estilos muy diferentes, pocos directores son tan sinónimo de la época dorada de Hollywood como Alfred Hitchcock y Billy Wilder, y aún menos pudieron siquiera igualar la recaudación de sus grandes éxitos. Durante los años cincuenta, como tantos otros maestros, llegaron a su plenitud profesional y de prestigio. El primero dirigió once largometrajes en esa década, entre los que se cuentan las obras maestras ‘La ventana indiscreta’, ‘El hombre que sabía demasiado’, ‘Vértigo’ y ‘Con la muerte en los talones’. El segundo dirigió nueve, algunos tan importantes como ‘Sunset Blvd.’, ‘Testigo de cargo’ (esa película tan hitchcockiana) y ‘Con faldas y a lo loco’.

Ambos llegaron a 1960 pletóricos de fuerzas, creatividad y autoconfianza. Wilder con cincuenta y tres años y Hitchcock con sesenta. Y ambos fueron nominados ese año a mejor director por sendas películas: ‘El apartamento’ y ‘Psicosis’, dos polémicos taquillazos. Se lo llevó Wilder, al mismo tiempo que el de mejor película y mejor guión original (y mejor montaje y dirección artística). Pocos podían suponer que este fulgurante inicio de década sería tan diferente del final de la misma, en la que ambos directores veteranos sufrieron por fin el fracaso en taquilla, y de forma tan paralela y similar.

Provenientes ambos de Europa, cultos y arrogantes, Wilder y Hitchcock trabajaron siempre por crear éxitos universales. No cabía para ellos la posibilidad de un cine personal para minorías, más bien que su cine llegara a cuanta más gente mejor, y se encontraban en el sitio ideal para conseguirlo. Ya ancianos, llegó al medio la teoría de los autores, y los directores a ser considerados algo más que artesanos, lo que agradó a Hitchcock y fue indiferente para Wilder. Ambos eran currantes, sobre todo, grandísimos profesionales. Sin embargo, no supieron adaptarse a los tiempos, lo que hasta cierto punto resulta meritorio, porque quizá entonces empezaron a ser autores.

Los difíciles años 60

Los años sesenta fueron el principio del final de los grandes estudios, la llegada masiva de la televisión y el cambio de tendencias en el cine. Los viejos maestros se encontraron cada vez más incómodos en el seno de Hollywood, pero Wilder aún conocería dos exitazos con ‘Uno, dos, tres’ y, sobre todo, con ‘Irma, la dulce’ en 1963, bastante atacada por la crítica, pero que dio muchísimo dinero. Hitchcock, por su parte, esperó hasta 1963 para realizar su siguiente película desde ‘Psicosis’, la extraña, oscura y vanguardista ‘Los pájaros’, que por suerte aún le dio algunas alegrías en la taquilla.

1964, sin embargo, fue el año clave en la carrera de ambos cineastas. Billy Wilder llegaba más lejos que nunca en su cruel misantropía y su subversión de los códigos sociales con su brillante ‘Bésame, tonto’, que fue destrozada por la puritana crítica de la época, y que significó también un doloroso fracaso de taquilla. Hitchcock, por su parte, firmaba la irregular ‘Marnie, la ladrona’, se obsesionaba absurdamente por Tippi Hedren, y en un descanso del rodaje llegaba más lejos que nunca y le ofrecía directamente a la actriz una proposición sexual, que fue rechazada de plano. El fracaso de la película terminó por destruir gran parte de la confianza que un Hitchcock de 65 años tenía en sí mismo.

1966 fue el año en que ambos cineastas llevaron a cabo lo que Hitchcock siempre denominó un ‘Run for cover’, es decir, un proyecto no demasiado arriesgado con el que un director intenta capear un fracaso anterior. Wilder firmó la estupenda ‘En bandeja de plata’ y Hitch ‘Cortina rasgada’. Ambas no dieron mucho dinero, pero fueron recibidas con relativo entusiasmo. Consiguieron más o menos lo que buscaban, recuperarse y redimir un poco su condición de directores estrella. Sin embargo, todo se estropearía en el siguiente proyecto de ambos.

1969 vio nacer la fabulosa ‘La vida privada de Sherlock Holmes’ y la infravalorada ‘Topaz’. La película de Wilder fue una gran producción mutilada en su montaje de manera brutal, y que sin embargo es una maravilla de equilibrio formal y ritmo, un milagro. Wilder planeó para ella una gran producción de varias horas, pero ya no tenía el poder ni la energía para enfrentarse al estudio. Como resultado, en lugar de estrenarse en 1969, lo hizo en 1970, después de innumerables cambios, y para cuando se estrenó era un desastre anunciado. Recaudó poquísimo dinero, Wilder fue tachado de anticuado, y el proyecto fue un fracaso absoluto del que el director vienés jamás se recuperó.

Hitch, por su parte, intentaba volver a las esencias, mientras procuraba coger el signo de los tiempos, con la maravillosa ‘Topaz’, que fue vilipendiada de manera atroz y significó un nuevo fracaso de taquilla para él, uno del que ya nunca se recuperó.

Ambos directores habían llegado a la década de los setenta muy tocados tanto en su confianza en sí mismos, como en la confianza que los estudios tenían en ellos. Wilder no era excesivamente mayor, pero Hitchcock tenía más de setenta años. En 1972 ambos regresaron con sendas películas: la divertida aunque algo desvaída ‘Avanti!’ y la brillante aunque algo impersonal ‘Frenesí’. Ambas películas fueron nuevos fracasos, aunque son más que interesantes y merecían mejor suerte. Y aquí acaban los paralelismos en ambas carreras, pues Hitchcock sólo pudo terminar un largometraje más, la floja ‘Family Plot’ de 1976, y Wilder conoció un éxito postrero con ‘Primera plana’ en 1974.

Hitchcock moría, solitario y amargado, en 1980, pero Wilder llegaría a dirigir un largometraje en 1981 y moriría en 2002. Ambos gigantes son, sin duda, ejemplos máximos de la necesidad de cambiar según los tiempos si se quiere prolongar un gran éxito de público, pero eso quizá puede significar dejar de ser fiel a sí mismos. Puede que el Wilder más personal sea el de ‘Bésame, tonto’, ‘En bandeja de plata’ y ‘Sherlock Holmes’, pero curiosamente el más personal Hitchcock fue el más exitoso: ‘La ventana indiscreta’, ‘Con la muerte en los talones’, ‘Psicosis’. Ironías del cine.

Hoy estamos de aniversario con ‘Psicosis’, una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock y de la historia del cine. Fue estrenada en España tal día como hoy de hace 49 años (aunque su estreno oficial en los países que sufren menos retraso fue en el verano de 1960) y merece la pena recordar esta magna cinta, que por cierto contiene cierto momento por el que siempre será recordada, y que supone una de las escenas más sorprendentes que se hayan filmado nunca.

Ahora, la historia sobre la escena de la ducha en ‘Psicosis’ ha sido desvelada aportando toda la verdad en la obra ‘Girl in Alfred Hitchcock’s Shower’ de Robert Graysmith. Y lo más interesante es que Graysmith ha averiguado y puesto luz sobre todo lo que rodeó a esa famosa escena, que no ha resultado ser tan cierto todo lo que sus protagonistas, en especial Hitchcock, contaron sobre la misma.

Una escena con apenas setenta cortes de dos o tres segundos y en la que Janet Leigh sufre una sorpresa mortal, que deja a los espectadores sumidos en el más absoluto suspense. Un montaje rápido, planificado hasta el milímetro y con el apoyo fundamental en las notas estridentes y absolutamente magistrales de Bernard Herrmann.

Lo que descubre Graysmith en su obra es que Janet Leigh mintió siempre cuando afirmaba que el cuerpo desnudo que aparecía en la escena era ella en todo momento. En realidad, y gran sorpresa de este libro, es que había una doble de cuerpo. Una modelo (y stripper) de nombre Marli Renfro que apenas cobró unos 500 dólares por esta escena y que, como el autor comenta, fue portada de Playboy ese mismo año para poco después disiparse su nombre. Todo surgió cuando supo que Renfro fue asesinada por un psicópata obsesionado con ‘Psicosis’. Curiosa (y letal) coincidencia que puso sobre la pista a Graysmith que averiguó cómo el asesino de Renfro fue encontrado diez después de cometer el homicidio.

Graysmith, famoso ser el mismo que escribió la obra sobre el asesino del Zodíaco que David Fincher adaptó en su gran película ‘Zodiac’, ahonda en esta fascinante historia que se publica precisamente coincidiendo también con la proximidad del treinta aniversario de la muerte del maestro Alfred Hitchcock.

Vía | The Guardian

‘La conspiración del pánico’

Director: D.J. Caruso

Intérpretes: Shia LaBeouf, Michelle Monaghan, Michael Chiklis, Ethan Embry, Rosario Dawson, Anthony Mackie, Billy Bob Thorton, Anthony Azizi

Película de acción, bastante mejor de lo esperado, sobre todo gracias a una espectacularidad bien entendida y a una total falta de pretensiones, aún cuando pretenden homenajear a cierto mítico film de Sci-Fi. Se editan dos ediciones, una para pobres y otra para ricos, que es la que interesa. El famoso disco de extras trae un final alternativo (dentro de nada todas las películas tendrán varios finales para explotar el mercado al máximo), documentales del rodaje y curiosidades varias. Servidor no se la comprará porque ya le llegó con verla en el cine.

Críticas en Blogdecine:

• ‘La conspiración del pánico’, de Spielberg a Michael Bay

• ‘La Conspiración del Pánico’, el loco atentado de la hermana de HAL

‘Hermanos por pelotas’

Director: Adam McKay

Interpretes: Will Ferrell, John C. Reilly, Mary Steenburguen, Richard Jenkins, Adam Scott, Kathryn Hahn, Andrea Savage, Lurie Poston, Elizabeth Yozamp

John C. Reilly suele ser excusa suficiente para ver cualquier película, y más aún si está acompañado de Steenburguen o Jenkins. Pero la sola presencia de Will Ferrell me produce urticaria. No la he visto en su estreno en cine, ni creo que la disfrute ahora que se edita en DVD, es muy probable que no me pierda nada. La edición viene acompañada de unos pocos extras con comentarios de algunos de los actores y el director; escenas eliminadas y un documental.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Hermanos por pelotas’, radiografía de lo absurdo

• ‘Hermanos por pelotas’ (‘Step Brothers’), una buena idea desaprovechada

‘The Punisher (El castigador)’ – Versión extendida

Director: Jonathan Hensleigh

Intérpretes: Thomas Jane, John Travolta, A. Russell Andrews, Omar Avila, James Carpinello, Mark Collie, Russ Comegys, Antoni Corone, Rick Elmhurst, Ben Foster

Oportunista edición con un montón de extras de esta película que, personalmente me parece una de las peores adaptaciones que se han hecho jamás de un personaje de cómic. Jane es demasiado blando para el papel, y Travolta resulta demasiado paródico. La violencia es descafeinada, y de la trama mejor no hablar a no ser que queramos romper a reír. Entre los numerosos extras podemos encontrarnos con varios reportajes sobre el rodaje de la película, una escena eliminada, y una galería de portadas del cómic. Vamos, para perder el tiempo.

‘Una conejita en el campus’

Director: ¿A quién le importa?

Intérpretes: Anna Faris, Colin Hanks, Emma Stone, Kat Dennings, Hugh M. Hefner, Christopher McDonald, Beverly D´Angelo, Katharine McPhee, Rumer Willis

Una comedia en la que se narra la historia de una expulsada de la mansión Playboy que terminará cambiando las vidas de un grupo de chicas universitarias poco integradas socialmente. Ya me imagino las artimañas que utilizará para lograrlo. Escenas eliminadas, un vídeo musical y poco más en los extras. ¿Alguien va a comprar esta película? Ni siquiera mi compañera Beatriz, tan amante de la comedia moderna como es, se ha dignado a hablar de ella en el blog en caso de que la hubiera visto, que no me extrañaría nada.

‘Atrapado en un pirado’

Director: Brian Robbins

Intérpretes: Eddie Murphy, Scott Caan, Elizabeth Banks, Gabrielle Union, Pat Kilbane, Mike O´Malley, Judah Friedlander, Kevin Hart

Esta vez, Murpphy da vida nada más y nada menos que a una nave alineígena (así, como suena) que llega a nuestro planeta buscando la solución para salvar el suyo. Entre nosotros enseguida se enamorará de una mujer, y tendrá que lidiar con sus sentimientos y toda la tripulación que lleva en su interior. Delirante. La edición contiene varios extras, como un final alternativo, documentales de rodaje, escenas eliminadas, tomas falsas, etc. Repito la pregunta de la película anterior: ¿Alguien va a comprarla?

‘El nido vacío’

Director: Daniel Burman

Intérpretes: Oscar Martínez, Cecilia Roth, Carlos Bermejo, Inés Efron, Eugenia Capizzano, Omar Núñez, Jean Pierre Noher, Ron Richter

Película intimista sobre un escritor en crisis, que prefiere esconderse de los problemas que afrontarlos, y prácticamente le disgusta todo lo que le rodea. Interesante a ratos, y bastante pretenciosa en otros, resulta ejemplar la manera de concluirla y poco más. Eso sí, las interpretaciones son de primer orden. El DVD viene con los típicos extras, o sea, poca cosa.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El nido vacío’, inteligente retrato psicológico de un hombre en crisis

‘El premio’

Director: Mark Robson

Intérpretes: Paul Newman, Edward G. Robinson, Diane Baker, Elke Sommer, Sergio Fantoni, Kevin McCarthy, Gérad Oury, Sacha Pitoëff

Ejemplar thriller de suspense en el que Newman da vid a un ganador del premio Nobel que, observando un raro comportamiento entre sus colegas en Suecia, decidirá por su cuenta investigar una serie de extraños acontecimientos, descubirendo cosas inesperadas. El por lo general, correcto Robson, demuestra aquí un dominio narrativo inusitado, que le acerca al mismísimo Hitchocock. De hecho, si nos dijeran que la película está firmada por Don Alfredo, todos nos lo creeríamos. Se trata de una ecición especial de coleccionistas, pero de momento no se tiene información al respecto, a no ser que la única diferencia que haya con la anterior edición (editada hace apenas unas semanas) sea la de que ésta trae subtítulos en castellano para que los amantes del verdadero cine podamos disfrutarla.

‘Lars y una chica de verdad’

Director: Craig Gillespie

Intérpretes: Ryan Gosling, Emily Mortimer

Ingeniosa comedia que habla sobre la incomunicación y el aceptar a loas demás tal y como son. por momento se vuelve algo repetitiva, e incluso tiene algún bajón de ritmo, pero es una de las propuestas más originales vista en los últimos años. El DVD al parecer viene pelado de extras. Pues muy mal, podrían haber editado una de esas “para coleccionistas” con una muñeca hinchable de regalo. Lo que iban a vender.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Lars y una chica de verdad’, qué pedazo de freak
• ‘Lars y una chica de verdad’, brillante alegoría sobre la soledad

• ‘Lars y una Chica de Verdad’, incomunicación

‘Los limoneros’

Director: Eran Riklis

Intérpretes: Hiam Abbass, Ali Suliman, Danny Leshman, Doron Tavory, Rona Lipaz-Michael, Amnon Wolf, Amos Lavi, Linon Banares, Makram Khoury

Película que tuvo un sonado éxito de público en el pasado Festival de Berlín, que cuenta una historia con el eterno conflicto palestino-israelí de fondo. Una mujer palestina se enfrenta el ministro de Defensa isaraelí, pues su casa linda con su campo de limoneros, los cuales son considerados una amenaza para la vida familiar del ministro y ordenan que los talen. La mujer pondrá todo su empeño en impedirlo. El DVD viene con muy pocos extras.

‘Recuerda’

Director: Alfred Hitchcock

Intérpretes: Ingrid Bergman, Gregory Peck, Michael Chekhov, Leo G. Carroll, John Emery, Steven Geray, Paul Harvey, Donald Curtis

Reedición de una de las obras maestras de Alfred Hitchcock, en cuya concepción trabajó el mismísimo Dalí. Un acercamiento del maestro del suspense al psicoanálisis que despierta tanto rechazo como fascinación. Servidor se encuentra entre los segundos. Peck da vida al nuevo director de un centro psiquiátrico con problema de amnesia y un gran complejo de culpabilidad. Una doctora le ayudará a desenmarañar el enigma de su mente. Imprescindible.

Más información | Zona DVD

En muchas campañas de publicidad, los niños pequeños son utilizados casi siempre con resultados muy del agrado del público. Esto es porque todo el mundo cae rendido ante la inocencia de un niño, y su sola presencia despierta siempre buenos sentimientos. Seguro que más de una vez os habréis preguntado como serían ciertos famosos de pequeños. Haciendo un rastreo por la red, en el blog de una de nuestras lectoras, la encantadora loca Mda, me he encontrado con algo que es imposible pasar por alto.

Aquí os dejo tres muestras, realmente sorprendentes, y graciosísimas. El gran Hitchock, con esa mirada de reojo, cierto toque de superioridad (y que parecen tener todos los genios). ¿A quién estará mirando? Probablemente a una despampanante rubia, futura actriz fetiche de alguna de sus obras maestras. El menos grande Woody Allen, con sus eternas gafas, y esa expresión tan típica, como lamentándose de algo, probablemente pensando en su primera visita al psiquiatra. Y vuestro admirado Tarantino, con esa mirada de no me mires que te pego, mientras se prepara para soltar su primer “mother fucker”.

Vía | acid-a

Por fortuna Tippi Hedren, no sólo sobrevivió al duro rodaje del emblemático título de ‘Los Pájaros’, sino que después pudo continuar interpretando, incluso tras su siguiente trabajo con Hitchcock ‘Marnie, la ladrona’. A pesar de las amenazas y la presión que tuvo que soportar.

Unas sobrecogedoras declaraciones de la actriz, madre de Melanie Griffith, que desmitifican un poco al orondo genio, y que logra aumentar su lado más oscuro y quizás menos aireado. Ella lo dice abiertamente:

«Alfred Hitchcock intentó destruir mi carrera».

Después de verla en un anuncio de televisión, Alfred se fijó en ella y la quiso de inmediato para protagonizar su nueva película. Así, una joven modelo se veía de la noche a la mañana inmersa en Hollywood, de la mano de uno de sus genios. Él lo tenía todo planeado, cada plano, cada escena con su peculiar minuciosidad, así que no suponía gran riesgo para el debut de una inexperta, pero bella y rubia actriz.

Luego vendrían escenas en las que le tuvo que sufrir el ataque real de pájaros. Llegando a sufrir por su físico. Y, claro, se percató que por eso la eligió. Ninguna actriz de renombre hubiese soportado ese trance.

Hitchcock llegó a revelar que:

«El problema de hoy en día es que no torturamos lo suficiente a las mujeres».

Palabras perversas propias de su ironía, pero que se llevaron a la realidad en el rodaje de la escena del ataque final. Así, encerraron a Hedren en una habitación comentádole que se usarían pájaros mecánicos para el rodaje. Momentos antes de empezar le dijeron que no, porque no quedaba bien y así se vió contra la pared atacada por pájaros reales que le arrojaban. Así durante tres días de infernal rodaje, con distintas ubicaciones de cámara, algo de maquillaje, pero sufriendo heridas reales.

Luego, el resultado merecería la pena y sería un título clave en su carrera (y uno de los mejores del director), y por supuesto su trampolín. Pero los planes de Alfred con ella no fueron más allá de un segundo título y un contrato leonino, con el que se quedaría en casa sin trabajar, cuidando a su hija y cobrando un sueldo. Para que ningún otro pudiera tenerla a sus órdenes.

Como digo muy interesante todo lo que cuenta Hedren, y que arroja un poco de luz sobre el lado más oscuro de Alfred Hitchcock. Lo recoge el diario Times de Londres, pero se puede ampliar ésta y otras anécdotas del director en el recomendable libro de Donald Spoto: ‘Alfred Hitchcock. La cara oculta del genio’.

Vía | Times Online
Más información | Times Online

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• Alfred Hitchcock

Mucha literatura se ha escrito del maestro del suspense, y no quiero ahondar más, pero hoy toca recordarlo de alguna forma, puesto que se cumple el aniversario de su nacimiento. Y como es complicado aportar algo nuevo a un clásico del cine como Alfred Hitchcock, tan estudiado y analizado, pues voy a mojarme y a elegir las cinco películas suyas que más me han gustado y siguen haciéndolo. Porque ese es el gran valor de los clásicos como él. Poder ver y volver a ver sus obras y siempre seguir disfrutando y sintiendo la misma sensación de emoción e intriga.

Y ya que me mojo, entre tantas películas inolvidables, pues lo hago en orden creciente. De la quinta a la primera y que más me ha fascinado y considero su obra sublime. Ni que decir tiene que son sobradamente conocidas, pero no por ello dejan de ser interesantes, ni dejar de estudiar sobre ellas, aprendiendo nuevos datos y conocer algo más a este maestro del séptimo arte (como la lección del vídeo que encabeza la entrada). Vamos a ello.

5ª.- ‘La ventana indiscreta’ (‘Rear Window’, 1954). Siendo una producción encajada en el puro entretenimiento, Sir Alfred logró alcanzar una soberbia madurez como narrador, convirtiendo una historia de vouyerismo en una verdadera metáfora, plena de suspense, con un enorme agudeza para tratar un asunto tan peliagudo, pero a la vez fascinante. Además de poder disfrutar de una de las más bellas apariciones de Grace Kelly, también logró que James Stewart brillara a gran altura, su papel de mirón y fotógrafo escayolado es uno de sus mejores trabajos. Interesante, magistral y entretenida de principio a fin. El maestro nos supo convertir en metaespectadores atrapados por su inspiración. Lo mejor: la emoción creciente conforme avanza la historia a la que nos arrastra el protagonista.

4ª.- ‘Encadenados’ (‘Notorius’, 1946). Enorme historia de amor con uno de sus más famosos macguffins. Película redonda, que volvió a demostrar que se podía aunar éxito comercial con un resultado artístico impecable. También es cierto que contó con un soberbio guión (de Ben Hecht, ahí es nada), al que supo dotar de imágenes impactantes e imborrables en la memoria del buen cinéfilo. Inolvidables tanto Cary Grant como Ingrid Bergman, que aportaron su dosis de glamour, pero sobre todo una palpable química en pantalla. Lo mejor: el apasionado beso en el balcón del hotel.

3ª.- ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960). Mítica cinta con algunas de las escenas más nombradas, imitadas y admiradas de la historia del cine. Con un presupuesto ridículo, demostró lo que es capaz de hacer sentir, utilizando a otra de sus rubias fetiche (Janet Leight), para acabar con ella de forma cruel a la mitad de la historia (en la prodigiosa escena de la ducha) y hacernos temblar en el resto del relato, en una acertada aproximación al terror y marcado un nuevo camino para el género. Inolvidable de principio a fin, siempre acompañada por una magistral partitura del genial Bernard Herrmann. Lo mejor: Norman Bates (y el fantástico trailer).

2ª.- ‘Extraños en un tren’ (‘Strangers on a train’, 1951). Contar como base la intrigante historia de Patricia Highsmith, adaptada por la mano de Raymond Chandler, es ya un material de partida que en manos de un virtuoso cineasta como Hitchcock podía y debía deparar una película interesantísima. No sólo fue así, sino que la mano del maestro supo otorgarle su particular punto de vista, su sello personal, para introducirnos en su particular universo obsesivo a través de la narración (con un fascinante arranque con montaje en paralelo). Las diferencias con la obra original son evidentes, pero a Hitchcock le gustaba planificar al detalle la película en su mente, tanto que, incluso llegó a manifestar, que le aburrían los rodajes. Pero realmente logró un inspirado trabajo, un título capital, con tintes de film noir, lleno de detalles, de planos impactantes y con una atmósfera intrigante y turbadora. Lo mejor: el inicio de la película es de manual de dirección y montaje.

1ª.- ‘Vértigo (de entre los muertos)’ (‘Vertigo’, 1958). Aquí tengo que dejar evidencia de mi debilidad, puesto que se trata de una de esas películas que siempre formarán parte de mi memoria cinematográfica y que siempre encabezaría en uno de esos listados de lo mejor de lo mejor. La obra cumbre de Alfred Hitccock, con dos de los mejores personajes que creó (aunque casi todos sus protagonistas siempre fueron magníficos), como son el atormentado Scottie (James Stewart) y la subyugante Madeleine/Judy (Kim Novak). Enorme muestra de sus verdaderas obsesiones, con un fuerte contenido sexual implícito, lleno de referencias fetichistas y turbadoras, utilizando elementos propios del género de suspense, con elementos cuidadísimos, lleno de minuciosidad en el planteamiento (incluso más si cabe que otros títulos famosos del director) que dio como fruto una obra absolutamente fascinante. Por cierto, este año cumplen 50 años de su estreno. Lo mejor: todo, desde los créditos iniciales de Saul Bass, a la banda sonora de Herrmann, o las infinitas lecturas que se pueden extraer.

Más información | Hitchcockwiki

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• Alfred Hitchcock

Debe ser porque es muy cómodo. O porque fue el mejor manejándolo. Hablar de suspense es pensar en Alfred Hitchcock. En ‘Pacto Tenebroso’, el alemán Douglas Sirk (‘Ángeles sin Brillo’, ‘Imitación a la Vida’) parece querer jugar con las mismas herramientas que dominaba el director de ‘Vértigo’ e incluso (o eso parece) le llega a homenajear con cierto plano de un inocente vaso de luminosa leche, que el sospechoso marido prepara a su sufrida esposa, para que pueda dormir mejor (las buenas intenciones y maneras, ante todo). Señalar que la película está editada en DVD en España; pertenece a esa colección “Film Noir”, de precio tan apetitoso, que más de uno ya conoceréis.

Una cosa que nunca recomiendo es leerse la contraportada de un DVD. Rara vez lo hago y nunca paso de las dos o tres primeras líneas; me da igual, normalmente, de qué va una película, elemento que, me doy cuenta, para muchos es esencial a la hora de decidirse entre varias opciones. En la mayoría de los casos no falla, leer la sinopsis del DVD es enterarse de puntos importantes de la trama que es mejor recibir de sorpresa viendo el film. Pero bueno, allá cada uno con sus costumbres. Es como con los títulos de crédito, que se hablaba el otro día. Independientemente de las razones, lo cierto es que las personas que más respeto sienten por el cine se quedan a verlos; los que menos consideración le tienen, se largan en cuanto pueden. Pero bueno, yo no soy de matemáticas.

‘Pacto Tenebroso’ (‘Sleep, My Love’, 1948) comienza con una mujer terriblemente asustada en un tren. Pronto descubrimos que ella creía estar durmiendo en su casa (lógica su reacción) y que no tiene ni idea de cómo ha podido llegar a entrar en el transporte y alojarse en su compartimento. Cuando llega a casa, descubre que, en mitad de la noche, inconscientemente, disparó contra su marido, al que, menos mal, sólo hirió en un brazo. Juntos deciden que lo mejor es que la mujer vea a un especialista, con la esperanza de que su salud mental mejore…

Lo que son los clásicos. En hora y media puede pasar de todo, sin que tengas la sensación de rapidez atropellada; aquí fluye todo perfectamente. Te presentan a un buen número de personajes, te cuentan de todo (una y otra vez), la acción no deja de desarrollarse constantemente y al final te cierran la historia con un fulminante “the end”, que te deja unos segundos pensando en todo lo visto. Por eso resulta tan refrescante verlos y volver a verlos, son grandes películas hechas para el público, al que exigen tanto como cuidan.

Quizá, bien mirado, no es reflexionar lo que más le conviene al espectador de ‘Pacto Tenebroso’. Quiero decir, la trama, simple y por momentos algo absurda, está muy bien oculta entre la gran realización de Douglas Sirk y las convincentes interpretaciones de todo el reparto. Desde luego, si se rasca, uno encuentra que el “super-plan-maligno” que está detrás de todo flaquea por varios sitios y que algunas reacciones de los personajes no son muy creíbles. Por no hablar de esa imposible boda japonesa donde todos hablan inglés (eso sí, acaba por resultar desternillante que la pareja de recién casados esté deseando ir a la cama y no dejen de retrasarles el momento).

Pero ya digo, no hay verdadero problema. Esto es cine, es magia, es olvidarse de todo por un rato, es entrar en un mundo diferente y que te cuenten una historia que te atrape. Y vaya si atrapa. Sirk se ocupa de que no pienses ni un momento, atándote al asiento de principio a fin, basándose sobre todo en una historia tan tenebrosa como el pacto del título y en una puesta en escena magistral. Destacar también la preciosa fotografía en blanco y negro, llena de contrastes, aprovechada a la perfección para crear ese ambiente de pesadilla, locura y misterio.

El reparto de ‘Pacto Tenebroso’ está encabezado por Claudette Colbert, Don Ameche y Robert Cummings. Colbert, estrella de sobra conocida por todos, interpreta a la protagonista, una mujer con una gran fortuna cuyo juicio es puesto en duda durante casi todo el metraje, por casi todos los personajes de su entorno. Casi, porque ahí está Cummings, el enamorado, para ponerse de su parte; el actor cumple, pero quizá otro en su lugar podría haber aportado un poco más de chispa y ambigüedad. Ameche encarna al marido, un hombre del que sospechamos desde el primer momento. A través de él y del personaje de Cummings vamos pasando de un film de suspense a uno de cine negro, con mujer fatal, traición y tiroteos incluídos. Como curiosidad, y ya que mencioné a Hitchcock, añadir que Cummings protagonizaría, años más tarde, ‘Crimen Perfecto’, con una trama algo similar a la que nos ocupa.

En definitiva, un entretenido y elegante film de suspense. Nada del otro mundo, en realidad, pero sí una ración de refrescante cine bien hecho, especialmente si lo ponemos en relación con el actual, cada vez más dividido entre el producto prefabricado para hacer taquilla y el aburrido cine de autor pretencioso. Ya, quizá me he levantado pesimista; no he dormido mis doce horas.

José Luis Borau, el director de cine nacido en Zaragoza en 1929, fue elegido el jueves para cubrir el sillón B de la Real Academia Española (RAE) que dejó vacante Fernando Fernán-Gómez.

Borau es autor de películas como ‘Mi querida señorita’, ‘Furtivos’, ‘La Sabina’, ‘Tata Mía’ o ‘Leo’, o series de televisión como ‘Celia’. Ha sido actor, productor, director, crítico, profesor de cine y, sobre todo, guionista. Con José Luis Borau –preside actualmente la Junta de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), pero declara que no volverá a firmar este copromiso— el guión, que él considera un género literario, ingresa en la Real Academia Española.

José Luis Borau había propuesto que Rafael Azcona, recientemente fallecido, entrase en la Real Academia. Pero el guionista rechazó la oferta. Juntos habían escrito el guión de ‘Las hermanas del Don’ que, de momento, permanece “en un cajón” y Borau reconoce que echa muchísimo de menos a su colega.

Borau opina que la salud del guión es, “aquí y en todo el mundo, mala. No hay buenas historias, no hay ideas. En Hollywood hacen tontería detrás de tontería, el esplendor de los años 30, 40 y 50 ha pasado a la historia. El cine carece de buenos guionistas, por eso la pérdida de Rafael Azcona es… Una figura así es muy difícil de sustituir”. Continúa diciendo que “tener la doble cualidad de ser un cineasta en potencia y escritor no es fácil. La tercera pata del problema son los productores, que quieren hacer lo que ya conocen”. Y, cuando le preguntan por los autores salidos de la televisión, responde que “es cierto que está siendo una cantera, pero la televisión marca mucho. Estando muy cerca, cine y televisión son distintos, tienes que conocer muy bien los límites de los respectivos campos a la hora de concebir las imágenes, la importancia de los diálogos…”

Desde hace tres años, Borau prepara el libro ‘El cine en nuestro lenguaje’, un encargo de la cátedra ‘Jorge Guillén’ de la Universidad de Valladolid que refleja la influencia que ha tenido el cine en el lenguaje de las últimas décadas y que aparecerá en los próximos meses. El cineasta declaró refiriéndose a la investidura como miembro de la RAE que su “discurso de ingreso será un resumen de ese libro y una demostración palpable, por si cabía alguna duda, del peso del cine en la lengua y la literatura españolas”. Según el cineasta, “el libro encaja muy bien con la Academia porque busca nuevos giros, nuevas expresiones y nuevos vocablos, pero si le interesa otro aspecto trataré de cumplirlo lo mejor que pueda”.

‘El cine en nuestro lenguaje’ recoge expresiones, vocablos y palabras que forman parte del lenguaje de todos los días y que provienen de películas, como por ejemplo, “Nadie es perfecto”, de ‘Con faldas y a lo loco’ o “Siempre nos quedará París”, de ‘Casablanca’. De los hermanos Marx hemos adoptado varias, valgan los ejemplos de: “¡Más madera, es la guerra!” o “¡Y dos huevos duros!”.

Otros casos no son de frases imitadas tal cual, sino de términos que han entrado en nuestro vocabulario gracias al cine: “Rebeca”: se llama así a la prenda por la película de Alfred Hitchcock. “Hombres machos”, según Borau, entra en España por influencia de los films mexicanos. “Bocata” lo inventaron los actores y técnicos italianos durante el rodaje de coproducciones y que italianizó la palabra bocadillo. En su obra, Borau también incluye expresiones como “La cagaste, Burt Lancaster”, que hoy en día ya está bastante pasada de moda.

Más información en Blogdecine sobre Fernando Fernán-Gómez y Rafael Azcona.

Fuente | El País.

Como todos los años, con motivo de la celebración de los premios Oscar la revista Vanity Fair dedica un número a Hollywood y el cine. En esta ocasión se trata de un fabuloso homenaje a Alfred Hitchcock, que recrea algunas escenas de sus películas más famosas, protagonizadas por las estrellas cinematográficas actuales.

Una sorprendente galería que incluye a Scarlett Johansson y Javier Bardem convertidos en Grace Kelly y James Stewart en La ventana Indiscreta, Jodie Foster emulando a Tippi Hedren en Los Pajaros, Naomi Watts como Marnie, la ladrona, Renée Zellweger como la Novak en Vertigo, Marion Cotillard acuchillada en la ducha de Psicosis y Charlize Theron como Grace Kelly en Crimen Perfecto.

También aparecen Gwyneth Paltrow y Robert Downey Jr en Atrapa a un ladrón, Emile Hirsch y James McAvoy recreando una escena de Extraños en un tren, o Keira Knightley y Jennifer Jason como la tímida protagonista y la malvada ama de llaves de Rebecca.

Tang Wei, Josh Brolin, Casey Affleck, Eva Marie Saint, Ben Foster, Omar Metwally y Julie Christie embarcados en Naufragos y Seth Rogen recordándonos la mítica escena de Con la muerte en los talones.

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Vía | Poprosa