Menudo fin de semana. ¡Las han ido dejando todas para el final! Es que hay de todo... Ahora el problema es muy diferente al habitual, ahora la cuestión es cuál ver, personalmente, de las ocho que se estrenan hoy, sólo hay una que no me interesa. Tenemos acción y ciencia ficción con Bruce Willis, una comedia de Steven Soderbergh con Matt Damon, lo nuevo de Ang Lee, de Mamoru Oshii... y una comedia sangrienta y aparentemente gamberra con Megan Fox. No es todo, mirad, mirad:

‘Los sustitutos (Surrogates)’

Dirección: Jonathan Mostow. País: USA. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Ciencia-ficción, acción. Interpretación: Bruce Willis (Greer), Radha Mitchell (Peters), Rosamund Pike (Maggie Greer), James Francis Ginty (Canter), James Cromwell (Canter adulto), Ving Rhames (el Profeta), Michael Cudlitz (coronel Brendon), Boris Kodjoe (Andrew Stone), Jack Noseworthy (Miles), Devin Ratray (Bobby). Guión: Michael Ferris y John Brancato; basado en el cómic de Robert Venditti y Brett Weldele. Música: Richard Marvin. Fotografía: Oliver Wood.

Sinopsis: La acción de ‘Surrogates’ nos traslada hasta un futuro en el que los humanos viven aislados e interactúan entre sí por medio de robots que son una versión mejorada de sí mismos. Mediante sus propias réplicas, dos agentes del FBI (Bruce Willis y Radha Mitchell) investigan los asesinatos de varios de estos androides.

¿Qué podemos esperar? En el mejor de los casos, una trepidante cinta de acción con alta dosis de efectos especiales y un Willis carismático que nos haga disfrutar de un buen espectáculo. En el peor de los casos, una ridícula tomadura de pelo (nunca mejor dicho, ¿eh, Willis?) que echa por tierra un interesante punto de partida. Ya veremos, Mostow es capaz de ofrecer cualquier cosa, pero confío más en lo primero. No es lo que más ganas tengo de ver este fin de semana, pero sí creo que es el estreno más potente de hoy viernes, y desde luego no pienso perdérmela. ¿Aguantarán los basterdos en el número uno de la taquilla?

‘Destino: Woodstock’

‘Taking Woodstock’. Dirección: Ang Lee. País: USA. Año: 2009. Duración: 110 min. Género: Comedia. Interpretación: Demetri Martin (Elliot Teichberg), Imelda Staunton (Sonia Teichberg), Emile Hirsch (Billy), Liev Schreiber (Vilma), Jonathan Groff (Michael Lang), Dan Fogler (Devon), Henry Goodman (Jake Teichberg), Paul Dano, Eugene Levy (Max), Jeffrey Dean Morgan (Dan). Guión: James Schamus; basado en el libro “Taking Woodstock” de Elliot Tiber y Tom Monte. Música: Danny Elfman. Fotografía: Eric Gautier.

Sinopsis: Año 1969. Elliot (Demetri Martin), un decorador afincado en Greenwich Village, Nueva York, al que las cosas le van francamente mal, debe volver a su pueblo en el estado de Nueva York para ayudar a sus padres a llevar un viejo motel llamado El Monaco. El banco está a punto de quedarse con el negocio; el padre de Elliot amenaza con quemar el edificio, pero no ha pagado el seguro; y él ni siquiera tiene dinero para llegar a casa de sus padres. Al enterarse de que a un pueblo vecino le han denegado el permiso para celebrar un festival hippy de música, Elliot llama a los organizadores pensando que puede ser la ocasión de revitalizar el motel. Tres semanas después, medio millón de personas se dirigen hacia la granja de su vecino en White Lake. Elliot está a punto de sumergirse en una experiencia que definirá a toda una generación, cambiará su vida y la cultura pop para siempre.

¿Qué podemos esperar? De lo nuevo de Lee sólo podemos esperar lo mejor. El realizador taiwanés vuelve a cambiar de género tras la intensa ‘Deseo, peligro’, y nos ofrece ahora una comedia dramática sobre la organización del mítico Festival de Woodstock, en el que actuaron Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Who y Santana, entre otros. Éste es el estreno que más me interesa.

‘El secreto de sus ojos’

Dirección: Juan José Campanella. Países: Argentina y España. Año: 2009. Duración: 129 min. Género: Drama. Interpretación: Ricardo Darín (Benjamín Espósito), Soledad Villamil (Irene Menéndez), Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Isidoro Gómez), Guillermo Francella (Sandoval). Guión: Eduardo Sacheri y Juan José Campanella; basado en la novela “La pregunta de sus ojos” de Eduardo Sacheri. Música: Federico Jusid. Fotografía: Félix Monti.

Sinopsis: Benjamín Espósito (Ricardo Darín) ha trabajado toda la vida como empleado en un Juzgado Penal. Ahora acaba de jubilarse, y para ocupar sus horas libres decide escribir una novela. No se propone imaginar una historia inventada. No la necesita. Dispone, en su propio pasado como funcionario judicial, de una historia real conmovedora y trágica de la que ha sido testigo privilegiado. Corre el año 1974, y a su juzgado se le encomienda la investigación sobre la violación y el asesinato de una mujer. Espósito asiste a la escena del crimen, es testigo del ultraje y la violencia sufrida por esa muchacha. Conoce a Ricardo Morales (Pablo Rago), quien se había casado con ella poco tiempo antes y la adora con toda su alma. Espósito intentará ayudarle a encontrar al culpable.

¿Qué podemos esperar? Según mi compañero Adrián, nuestro corresponsal de guerra en San Sebastián, un thriller romántico que consigue todo lo que se propone. También nos ha comentado, en uno de sus estupendos repasos nocturnos a la jornada del Festival, que esta película ha sido de las más aplaudidas, siendo calificada de “grandiosa”, y que huele a Concha de Oro. Siendo así, creo que no hay que decir mucho más. Otra que hay que ver.

‘¡El soplón!’

‘The Informant!’. Dirección: Steven Soderbergh. País: USA. Año: 2009. Duración: 108 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Matt Damon (Mark Whitacre), Scott Bakula (agente Brian Shepard), Joel McHale (Bob Herndon), Melanie Lynskey (Ginger Whitacre), Lucas Carroll (Alexander), Tom Wilson (Mark), Andrew Daly (Marty), Tom Papa (Mick Andreas), Ann Dowd (agente Kate Medford), Howie Johnson (Rusty). Guión: Scott Z. Burns; basado en el libro “The informant! (A true story)” de Kurt Eichenwald. Música: Marvin Hamlisch. Vestuario: Shoshana Rubin.

Sinopsis: ¿En qué estaba pensando Mark Whitacre? Whitacre (Matt Damon), un ejecutivo con un porvenir brillante dentro de la macroempresa Archer Daniels Midland (ADM), en el área de la industria agrícola, se convierte de pronto en un soplón. Mientras informa al FBI de la conspiración de su empresa para fijar precios a nivel multinacional, Whitacre se contempla a sí mismo aclamado como héroe y objeto de un ascenso. Pero antes de que suceda eso, el FBI necesita pruebas, así Whitacre se presta con entusiasmo a llevar una grabadora oculta en su maletín, y se imagina que es algo así como una especie de agente secreto.

¿Qué podemos esperar? Una comedia elegante y fresca, de la mano de Soderbergh y Damon, dos de los responsables de la exitosa trilogía sobre Ocean y su banda de exquisitos ladrones. La película se vio en el Festival de Venecia y hasta allí se desplazaron ambos para promocionarla; lo más llamativo fue que el director dijo que se plantearon hacer un drama, pero entonces se compararía con ‘El dilema’, y siendo la de Michael Mann una obra maestra, saldrían perdiendo, así que hicieron una comedia. ¿Cómo les habrá salido? El tráiler es muy divertido, esperemos que el conjunto también lo sea.

‘Jennifer´s Body’

Dirección: Karyn Kusama. País: USA. Año: 2009. Duración: 102 min. Género: Comedia negra, terror. Interpretación: Megan Fox (Jennifer Check), Amanda Seyfried (Needy Lesnicky), Johnny Simmons (Chip), Adam Brody (Nikolai), J.K. Simmons (Sr. Wroblewski), Amy Sedaris (Toni), Chris Pratt (Roman Duda), Juno Ruddell (Warzak), Kyle Gallner (Colin Gray). Guión: Diablo Cody. Producción: Daniel Dubiecki, Mason Novick y Jason Reitman. Música: Theodore Shapiro y Stephen Barton. Fotografía: M. David Mullen.

Sinopsis: Jennifer (Megan Fox), una estudiante de instituto en una pequeña ciudad, es poseída por un demonio hambriento. De “diablesa del instituto”, bellísima (y ella lo sabe), dominante y extremadamente engreída, se convierte en parte de una verdadera alianza diablesa/diablo. La resplandeciente y bella Jennifer se transforma en una pálida y enfermiza criatura ávida de carne, y los chicos que hasta entonces no habían tenido ninguna oportunidad con la indiferente Jennifer, adquieren de repente un nuevo cariz a la luz de su insaciable apetito. Entretanto, Needy (Amanda Seyfried), amiga de toda la vida de Jennifer y relegada siempre a vivir a su sombra, ha de esforzarse por proteger a los jóvenes de la ciudad, incluyendo al empollón de su novio, Chip (Johnny Simmons).

¿Qué podemos esperar? Una comedia sangrienta, con mala uva y diálogos ingeniosos, para lucimiento de la señorita Fox, etiquetada como la mujer más sexy del planeta. La historia pinta a chorrada, y no nos podemos fiar de la directora, pero ojo a quién produce y, sobre todo, quién ha escrito el guión. Para convencerse, recomiendo ver el tráiler (aunque lo mejor es el avance “red band”, restringido para adultos), creo que da una idea muy aproximada de lo que podemos encontrar si pasamos por taquilla. Una opción a tener en cuenta si te va el batido de terror y comedia. Los fans de Megancita no se la pueden perder.

‘Oceanworld 3D’

Dirección: Jean-Jacques Mantello. País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 85 min. Género: Documental. Guión: Jean-Jacques Mantello y François Mantello. Música: Christophe Jacquelin. Fotografía: Gavin McKinney.

Sinopsis: ‘Oceanworld 3D’ es el primer largometraje documental totalmente rodado en Digital 3D. Esta película es un homenaje a los océanos. Gracias a la tecnología Digital 3D, los espectadores podrán sumergirse literalmente en las profundidades del mar. En compañía de una tortuga marina que hará de guía (a la que pone voz Belén Rueda), el público disfrutará de una visión mucho más cercana de este ecosistema infinitamente rico a la vez que frágil. Los espectadores emprenderán un viaje a los bosques de algas marinas de California, a la Gran Barrera de coral de Australia, o a la Roca Partida de México, hábitat natural de miles de tiburones, entre otros muchos lugares.

¿Qué podemos esperar? Una espectacular mirada al fondo de los océanos. Gracias al 3D (no hay semana que no se estrene algo en este formato, poco a poco se va normalizando, a pesar de lo cara que resulta la entrada), la experiencia promete ser fascinante, siempre y cuando te interese lo que hay bajo el agua y te lo tomes como una relajada visita al zoo, claro, que nadie espere encontrar aquí ‘Tiburón’ o ‘Buscando a Nemo’.

‘The September Issue’

Dirección: R.J. Cutler. País: USA. Año: 2009. Duración: 88 min. Género: Documental. Intevenciones: Anna Wintour, Grace Coddington, Thakoon Panichgul, André Leon Talley, Oscar de la Renta, Karl Lagerfeld, Jan Paul Gaultier, Coco Rocha, Sienna Miller. Música: Craig Richey. Fotografía: Bob Richman.

Sinopsis: Anna Wintour, la legendaria editora jefe de Vogue durante los últimos 20 años, es la figura más poderosa e influyente del mundo de la moda. Con un look muy definido, siempre escondida tras su característica melena y sus célebres gafas de sol, nunca, hasta ahora, había permitido que nadie se adentrara en los entresijos de su redacción. Con un acceso hasta ahora sin precedentes, el realizador R.J. Cutler introduce al espectador en un mundo que hasta ese momento creía conocer. Año tras año, la gente corre a los quioscos para hacerse con el número de septiembre de Vogue. La edición del año 2007 fue, y aún hoy sigue siendo, el más grande de la historia. Todas sus cifras eran de récord: casi dos kilos de peso y trece millones de lectores. Ese número movió más de 300 billones de dólares en la industria global de la moda, y ahora, R.J. Cutler descubre todo lo ocurrido durante su preparación.

¿Qué podemos esperar? Que Cutler no nos aburra demasiado poniendo la cámara en el despacho de Wintour, que acabo de enterarme que es una legendaria, triunfadora y poderosa editora (ya puedo acostarme tranquilo). El estreno menos interesante de la semana, en mi opinión, pero si te va el rollo este de la moda y lees la revista Vogue, fijo que no estarás nada de acuerdo conmigo. Por cierto, ya que estamos, ¿por qué un chaleco vale el triple si lleva un pequeño cocodrilo bordado? ¿O por qué las mujeres gastan tanto tiempo en ir a tiendas, en probarse prendas, y tanto dinero en ropa, si es evidente que están mejor desnudas?

‘The Sky Crawlers’

‘Sukai kurora’. Dirección: Mamoru Oshii. País: Japón. Año: 2008. Duración: 122 min. Género: Animación, aventuras. Guión: Chihiro Itô; basado en la serie de novelas de Mori Hiroshi. Música: Kenji Kawai.

Sinopsis: Diseñados genéticamente para perdurar en un estado de eterna adolescencia hasta el día que son abatidos en el aire, los Kildren se han convertido en protagonistas involuntarios del espectáculo televisado de duelos aéreos que satisface la demanda del público en un mundo que ha erradicado las guerras. Yûichi Kannami es trasladado a su nueva base con tan sólo vagos recuerdos de su pasado y la certeza de que ha nacido para pilotar aviones de combate. Pronto llama la atención de la comandante de la base, Suito Kusanagi, que se comporta como si llevara mucho tiempo esperándole. Al tiempo que la relación entre ambos se estrecha, Yuichi descubrirá el sabor agridulce de la vida y el amor, mientras su inevitable destino le aguarda en la inmensidad de los cielos.

¿Qué podemos esperar? Siendo lo nuevo de Oshii, responsable de la famosa ‘Ghost in the Shell’ y su secuela ‘Innocence’, creo que podemos encontrarnos una aventura espectacular visualmente, en la que los personajes no dejen de replantearse su naturaleza y sus actuaciones. Puede ser una maravilla, puede ser un tostón. Aquí uno que va a correr el riesgo, este realizador merece la pena, a pesar de sus defectos.

Vía | Labutaca

‘The Aryan Papers’ fue una de las películas que Stanley Kubrick nunca pudo llegar a realizar. Diez años después de su muerte, su familia quiere que el proyecto se lleve adelante, donde el genial cineasta lo dejó.

La película iba a estar basada en una novela de Louis Begley titulada ‘Wartime Lies’, sobre una fugitiva polaca y su sobrino, en la época de la Segunda Guerra Mundial. Había planes para empezar a rodar a principios de los noventa, pero todo se vino abajo cuando Steven Spielberg apareció con ‘La lista de Schindler’ y arrasó en los Oscars. Según Jan Harlan, cuñado de Kubrick, ahora es el momento apropiado para recuperar el guión de ‘The Aryan Papers’ y trasladarlo a la gran pantalla, tal como el director de ‘Senderos de gloria’ y ‘2001’ quiso una vez. Incluso Harlan se atreve a dar un nombre como el más indicado para llevar a cabo el proyecto: el taiwanés Ang Lee.

¿Qué os parece todo esto? ¿Estáis de acuerdo en que se haga esta película, sin Stanley Kubrick? Supongo que es inevitable acordarse de lo que pasó con ‘Inteligencia Artificial’, pero no es el mismo caso exactamente, ya que Kubrick llegó a la conclusión de que Spielberg era más indicado que él para dirigir ese proyecto, tal como ocurrió finalmente (y desde luego quedó una fantástica película).

PD: Mi compañero Alberto Abuín ya ha anunciado que prepara un especial sobre Kubrick (se me adelantó, y es que no se puede dudar tanto).

Vía | Empire

De vez en cuando, en una de esas reuniones cinéfilas en las que varias personas apasionadas y a menudo prepotentes (yo el que más, muchas veces) hablan sin complejos del cine que más llena sus vidas, y también del cine que más detestan, con todo tipo de argumentos y barbaridades verbales, surge un tema que a mí, en lo personal, suele dejarme estupefacto, pues siempre encuentro a más de uno (y más de dos) capaces de defender lo indefendible: que el cine español es tan bueno como el estadounidense.

Carlos Heredero, uno de los pocos críticos a los que leo que no tiene complejos para abrir debates teóricos sobre cine (lo que a otros “críticos” les produce risa, quizá porque no tienen la capacidad para ello), lo llama la ‘técnica del avestruz’. Consiste en no ver lo que hay, en inventarse una realidad paralela. Y que conste que siempre dejo que intenten desarrollar sus argumentos, a ver si alguno de ellos dice alguna verdad. Pero de momento (¡qué curioso!) nunca lo han conseguido.

Argumentos apasionantes

No hace falta un gran esfuerzo de memoria para echar mano de los consabidos lugares comunes a los que se aferran estos cinéfilos-avestruces. La primera maniobra verbal es destrozar sin ningún tipo de escrúpulo el 99% del cine de Hollywood, aludiendo que no hacen más que remakes, películas ultra comerciales y comedias imbéciles (como si todo el cine estadounidense viniera de Hollywood). A mi habitual respuesta de que también hacen cine en otras partes de ese país (además, se diferencian notablemente entre sí), la segunda estrategia, de un ingenio deslumbrante, es la de despreciar sistemáticamente a cualquier autor importante, aludiendo que son una panda de pseudo-artistas muy por detrás de los genios europeos, y sobre todo los españoles.

Para terminar de rematar la estupenda estrategia comparan la absoluta libertad de los cineastas españoles, su empuje, su juventud, su progresismo ideológico (aquí el interlocutor suele alzar el mentón, orgulloso de que sus compatriotas directores sean tan progres, como él, claro…ejem), mientras que los “aburguesados”, “fachas” o simplemente “falsos” directores americanos (independientes o no), no hacen más que demostrar una y otra vez su necesidad de triunfar en las taquillas (aquí no importa la taquilla, ejem, importa el arte…), descuidando el nivel estético de sus películas.

Si cree el lector que, hacia el final de estos argumentos, sigo prestando atención, se equivoca. Mi cerebro hace lo que el de Homer cuando escucha a Flanders, se larga a otros lugares, pero mi cerebelo registra las conversaciones. Ni siquiera me tomo la molestia en replicar. Total, para qué. Sin embargo puedo replicar ahora. Esta clase de avestruc…errrr, digo, de aficionados, suele meterse también mucho con grandes nombres como Spielberg o Cameron, en un punto de esnobismo que termina por delatar su absoluta falta de personalidad. De hecho, es habitual oír el clásico: “Spielberg, en verdad, no tiene ni puta idea, sólo vale para entretener”.

Vale, bien, yo soy tan crítico con cierto estilo de producciones norteamericanas como cualquier otro. Pero en cuanto a lo de entretener (muchos habituales lectores de Blogdecine creen que detesto que me entretengan, cuando no es cierto), ni siquiera para eso, que es lo mínimo que puede hacer el cine, sirve el 95% de los directorcillos que hacen películas en este desgraciado país que es España. Por supuesto, siempre pueden echar mano, estas avestruces, de Alejandro Amenábar, que según ellos es tan hábil como Spielberg… ¡pero mucho más coherente y humano que él! Claro que sí. Bravo y bravo.

Y para terminar, el recurso definitivo: “aquí hay menos dinero que allí, y eso tiene mucho mérito”.

Pero más allá de los gustos de cada cual, y de argumentos más o menos válidos: las cosas caen por su propio peso. El argumento del dinero, más que tendencioso, no tiene ni pies ni cabeza. ¿Por qué no se puede hacer en España una película como ‘Olvídate de mí’ (Michel Gondry, 2004), o como ‘Brokeback Mountain’ (Ang Lee, 2005)?, sendas obras de arte. No tienen grandes presupuestos. Ahora bien, sus directores son de primera fila en el mundo. No son americanos, dirían algunos. Ya, pero están realizadas en una industria que funciona con una perfección suiza. ¿Quieren directores americanos? No he visto en toda la década una película española de la calidad de ‘Punch-Drunk Love’, ‘Match Point’, ‘Million Dollar Baby’, ‘Hijos de los hombres’, ‘Little Children’, todas ellas películas bastante asequibles.

El cine de animación español es lo único que da un poquito de esperanza, pero en lo demás tenemos a una serie de pseudo-profesionales (sobre todo directores) sin ningún mérito ni formación para ponerse detrás de una cámara, sin referentes y sin futuro. Sin vigor. Sí, claro, están los “artistas”, el universal Pedro, el cotidiano Trueba (que sin duda es el rey de las avestruces), el humilde Cuerda. Comparémoslos, aunque sólo sea por un segundo, con el valor universal de David Lynch, de Terrence Malick, de Francis Ford Coppola, de Martin Scorsese, de Clint Eastwood, de James Cameron, de Paul Thomas Anderson, de Quentin Tarantino, de Steven Spielberg, de Woody Allen, de John Lasseter y compañía, de Gus Van Sant, de Sidney Lumet, de Brian de Palma, de Kathryn Bigelow, de John Carpenter, de Todd Haynes, de David Fincher, de Christopher Nolan, del gran M. Night Shyamalan. Nah…esos nombres no tienen nada que hacer con el gran cine español, ¿no es cierto?

Todos ellos han hecho grandes, incluso excepcionales películas, con cuatro cuartos. Aquí nuestro “gran” Jose Luis Garci hace una basura como ‘Sangre de mayo’ con más dinero con el que se hizo ‘The Terminator’. Pero así andamos cuando nuestro gran cineasta vivo, Víctor Erice, no dirige un largometraje desde hace casi veinte años, y el único que ha hecho gran cine en esta década, Enrique Urbizu con ‘La caja 507’, no da muchas señales de vida.

Pero seguro que estoy cegado, que le tengo manía al pobre cine español, que sólo me gusta lo vulgar y lo comercialoide, que dentro de cien años los estudiosos hablarán del glorioso cine español. Os dejo ya, tenía una hamburguesa que comer, pero me han ofrecido una merienda a base de jamón serrano y vino tinto. Y no puedo decirle que no a eso.

El festival de Cannes sigue avanzando a velocidad de crucero y los pesos pesados empiezan a mostrar sus cartas y a recibir las primeras críticas. Parece que la enorme expectación generada por la clase y categoría de los realizadores a concurso ha cumplido y ya hay varios títulos que se postulan a ganar la deseada Palma de Oro.

Llegó Jane Campion reivindicando una mayor presencia de las mujeres realizadoras, no sólo en el marco del certamen sino en líneas generales en el mundo del celuloide. Pero lo que importaba era el resultado de su propuesta. Y parece que ‘Bright Star’, que es como se titula su nueva película, ha gustado. Sin llegar a entusiasmar en exceso, pero recibiendo buenos elogios. Poética, clásica, relatando profundos sentimientos, parece que Campion ha sabido crear una historia romántica sin añadirle exceso de azúcar, y no caer en lo previsible.

También llegó otro grande, el taiwanés Ang Lee que con ‘Taking Woodstock’ ha reconstruido el mítico espíritu hippy de los sesenta con gran inspiración y parece colocarse en el primer puesto en las quinielas. Una película que bucea en el conocido y simbólico festival de Woodstock y que ha recibido las críticas más favorables hasta el momento. Entretenida, ingeniosa, de colores psicodélicos, lúcida, parece que refleja a la perfección lo que representó aquel acontecimiento en la historia, sin necesidad de valoraciones moralistas. Exhibe un gran virtuosismo narrativo y visual y, repito, parece que ha gustado y mucho. Aunque aún tienen que verse otros destacados títulos, todo hace indicar que Ang Lee es el candidato a vencer.

El cine francés ha estado a la altura y ha presentado un título que también ha gustado bastante y, para algunos, es lo mejor que se ha visto hasta el momento. Se trata de ‘Un Prophète’ (‘Un profeta’) de Jacques Audiard, un drama carcelario que transcurre completamente en el escenario de una prisión, y resulta un cinta dura que cuenta la historia de un hombre que llega a prisión y que durante su periplo encerrado atraviesa un trayecto vital que le cambiará por completo. Violenta, cruda, natural e hipnótica son algunos de los calificativos vertidos. Pero también, reiterativa para unos y una obra maestra para otros, lo que viene a demostrar que es otro título a tener en cuenta.

Esto es lo más destacado de las dos últimas jornadas, pero no podemos olvidar que también se ha podido ver ‘Thirst’, la fantasía vampírica de Park Chan-Wook que no ha convencido. A pesar de su excelente arranque, la cinta se diluye en el habitual virtuosismo que caracteriza al realizador, además que se le va la mano con vampiros acróbatas.

Otros títulos que no han decepcionado son ‘Precious’ de Lee Daniels (que ya ganó en Sundance) y ‘Air Doll’ del japonés Hirokazu Kore-eda.

Vía | festival-cannes.com y Allocine

Cannes 2009 en Blogdecine:

• Coppola presenta ‘Tetro’ fuera de competición
• ‘Up’ eleva el nivel hasta lo más alto
• Arranca la 62ª edición del Festival de Cannes

• Las películas a competición

Aquí os traigo nuevo material sobre ‘Taking Woodstock’, lo nuevo del director Ang Lee, un tipo que no hace dos películas iguales. Ya habíamos podido ver un estupendo primer tráiler, que dejaba ganas de ver su nuevo trabajo, y las buenas vibraciones vuelven a repetirse con el segundo avance, que tenéis más abajo. Por cierto, los que ya hayáis visto/sufrido ‘X-Men orígenes: Lobezno’ no os podéis perder el vídeo, atención al look de Liev “Dientes de Sable” Schreiber.

También tenéis ahí el primer cartel de la película, llamativo y colorido como pocos, muy apropiado para la historia que nos narra Lee en esta ocasión, la particular celebración del mítico Festival de Woodstock en 1969, en el que actuaron Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Who y Santana, entre otros.

‘Taking Woodstock’ está protagonizada por Demetri Martin, a quien acompañan actores tan conocidos como Emile Hirsch, Eugene Levy, Imelda Staunton, Paul Dano, Dan Fogler, Jeffrey Dean Morgan o el mencionado Schreiber, y se estrena el próximo mes de agosto en Estados Unidos. Para verla en los cines españoles, sin embargo, habrá que esperar hasta el 2 de octubre.

PD: Sobre este mismo festival, podéis buscar el documental ‘Woodstock, 3 dias de paz y musica’, realizador por Michael Wadleigh en 1970, ganador de un Oscar.

Vía | Impawards

Vuelve Ang Lee y, como de costumbre, su nueva película no tiene nada que ver con la anterior. Tras ‘Deseo, peligro’ (que a mí me pareció magnífica, aunque quizá le sobraron minutos), el cineasta taiwanés ha realizado ‘Taking Woodstock’, cuyo tráiler tenéis arriba. Ya me diréis qué os ha parecido, a mí me ha gustado bastante y creo que puede ser una de las sorpresas independientes del año, “compitiendo” con lo último de Sam Mendes. Menos mal, no todo va a ser acción, efectos especiales y super-estrellas, ¿eh?

‘Taking Woodstock’ se basa en el libro escrito por Elliot Tiber y Tom Monte, y está protagonizada por Demetri Martin, Emile Hirsch, Liev Schreiber, Eugene Levy, Imelda Staunton, Paul Dano, Kelli Garner, Dan Fogler y Jeffrey Dean Morgan, entre otros. La historia de la película gira en torno a la celebración del famoso festival de Woodstock, en 1969. Evidentemente, esto será una excusa para que Lee vuelva a ofrecer un jugoso retrato de la sociedad, en este caso norteamericana, del momento.

La fecha del estreno es el 14 de agosto en Estados Unidos, pero (largo suspiro) en España no la veremos hasta el 2 de octubre.

Actualización: El título de la película en España será ‘Destino: Woodstock’.

PD: ¿Seguro que Jeffrey Dean Morgan no es hermano de Javier Bardem?

Vía | AmbienteG

Parece que finalmente ‘Life of Pi’ verá la luz. Primero M. Night Shyamalan y luego Jean-Pierre Jeunet estuvieron por un tiempo involucrados en el proyecto, que ahora puede caer en manos de Ang Lee, una vez que ya ha terminado la película en la que estaba trabajando, ‘Taking Woodstock’, que podría estrenarse el próximo mes de agosto.

El taiwanés, que parece decidido a no hacer dos películas iguales, está negociando dirigir la adaptación al cine de la novela de Yann Martel, ocho años después de que se compraran los derechos para tal fin. Por lo pronto, Lee ha pedido que el guión que había se reescriba, así que, en todo caso, aún queda mucho para ver la película en los cines.

La historia de ‘Life of Pi’ se centra en un chico indio que sobrevive a un naufragio en el Océano Pacífico, donde permanece durante 200 días en una balsa, junto a una hiena, una cebra herida, un orangután y un tigre hambriento. Como podéis suponer, la cosa no va de descubrir a quién se va a comer el tigre primero, sino de reflexionar sobre temas como la religión y la espiritualidad.

Vía | Variety

Quien crea que en el cine, las películas se suceden como por azar, no sólo dentro de la trayectoria de un director sino también en la cinematografía mundial, en mi opinión está profundamente equivocado. Pero mucha gente cree eso: que las películas se hacen como churros, sin orden ni concierto, y que salen del interior de la creatividad de sus responsables sin una necesidad o razón aparente. Nada más lejos. No es casual, por tanto, que con tan poco tiempo de diferencia se hayan realizado y dirigido dos películas tan similares en muchos aspectos (aunque también diferentes en muchos otros), como ‘El libro negro’ y ‘Deseo | Peligro’.

El caso es fascinante, y provoca una reflexión cinéfila de primer orden. Que dos directores tan dispares, en apariencia, como el holandés Paul Verhoeven y el taiwanés Ang Lee, vean cómo sus sensiblidades se rozan, e incluso se solapen, en estas dos estupendas películas, puede ayudarnos, no sólo a aprovechar la ocasión para ver en qué se diferencian sus personalidades y por qué, sino también a observar cómo se desenvuelven ambos con un material tan similar. Echemos un vistazo a estas dos películas disponibles en Dvd. Y tranquilos que no vamos a desvelar nada que no se sepa.

Ambas películas tratan acerca de una mujer en peligro, pero al contrario que las heroínas de, por ejemplo, Polanski, estas dos bellas muchachas se juegan la vida por su propia voluntad, conociendo sus (muchas limitaciones) y lo que les depara (la tortura y la muerte) en caso de que sus pesquisas terminen en fracaso. Son dos mujeres jóvenes, encarnadas por las entregadísimas y muy atractivas Carice van Houten y Wei Tang (que rondaban los treinta cuando las protagonizaron), las cuales están perfectas en sus respectivos papeles de espías amateurs que tienen que lidiar con unas circunstancias que a menudo las superan.

Y las superan porque, tanto una como otra tienen como objetivo, en la Holanda ocupada de la segunda guerra mundial como en la China ocupada de la segunda guerra sino-japonesa (ambas tuvieron lugar durante prácticamente los mismos años), a un hombre importante del bando contrario con el que acabarán sintiéndose irremediablemente unidas, para bien y para mal, con lo que la inicial misión de espionaje comienza a volverse contra ellas, debiendo elegir de manera improrrogable entre el deber y el amor, sacrificando mucho de lo que han estado persiguiendo durante muchos años de esfuerzo y mentiras, y descubriendo por el camino falsas amistades, y nuevos y sorprendentes rasgos de la propia personalidad.

Venía Ang Lee de firmar una de las obras de arte más importantes de lo que llevamos de siglo, la inolvidable, conmocionadora, ‘Brokeback Mountain’, que le hizo ganar el León de Oro, codiciado premio supremo de la Mostra de Venecia. Y repitió con esta película de la que ahora hablamos, para sorpresa de todos. Sin embargo, ‘Deseo | Peligro’ no alcanza ni por asomo el nivel de aquella (¿podrá el gran Ang Lee regalarnos otra película similar en el futuro?), pues la peripecia de la protagonista adolece de arritmias graves que terminan por desconectarnos indebidamente, por alejarnos de su tragedia personal.

Todo lo contrario que la aventura de Rachel Stein/Ellis de Vries, que llega todo lo lejos que tiene que llegar, y se erige en una de las más importantes historias femeninas contadas en la vieja Europa en muchos años de cine. Pues este personaje mártir y doliente llega al final de un viaje tortuoso con todas las de la ley, y no pierde en ningún momento el rumbo, perfectamente guiado por Paul Verhoeven, que aunque nunca ha hecho nada de la altura estética de ‘Brokeback Mountain’, aquí firma una obra en la que roza la maestría. Como Ang Lee, fue un extranjero que triunfó en Hollywood, y que luego regresó a su tierra natal para contar una historia de su país. El gran director holandés se ha redimido con esta salvaje, pero al mismo tiempo elegante historia de traidores, en la que despliega su sabiduría narrativa acumulada, y en la que logra un crudo y veraz retrato de su país y de las consecuencias de la guerra.

No es casual, como decíamos, que dos directores tan dispares, trabajando en países tan alejados el uno del otro, firmen películas tan parecidas, en las cuales el sexo está tan presente, tan crudo y tan gráfico, y donde las relaciones de pareja son siempre motivo para el engaño, el secreto y nunca para el sosiego y la confianza. A algunos no se nos escapa que de las graves consecuencias de las cruentas guerras de mediados de siglo provienen los cismas de la sociedad actual. Es decir, que de aquellos polvos provienen estos lodos. sumidos como estamos en la peor crisis (y sólo percibimos la punta del iceberg) social, creativa, espiritual, emocional, que se recuerda….No, no hablaba de la económica, la que inventan los mismos que provocan guerras mundiales.

Así, Verhoeven y Lee vuelven su mirada hacia el más terrible acto de insensatez humana, la guerra. Y lo hacen con la mirada dolorida, pero con la plenitud de los que dominan a la perfeccion los entresijos de su oficio. Porque si bien Lee no repite la maestría de su anterior película, si da una lección magistral de dirección de actores, y sí sabe apretar el acelerador cuando es conveniente y ofrecer un recital de tensión y de miradas y diálogos magníficos. Su reparto sabe responder a sus demandas, y obtenemos así una buena materia prima con lo que explotar el material de la historia. Lástima que esa historia no acabe de florecer como sería deseable.

Se lamenta uno, viendo cómo estas elegantes y sensuales mujeres pierden el tiempo, el talento y la juventud, de esas vidas tan desaprovechadas. Y se lamenta uno porque sabe que el mundo siempre ha sido así para las jóvenes nobles y bonitas. Sobre todo aquellas a las que el ritmo de la historia marca de forma tan inmisericorde. Verhoeven tiene menos piedad que Lee con su criatura. El primero no se cansa de inflingir dolor a su rubia muchacha, mientras que el segundo ofrece a su joven luchadora alguna que otra posiblidad de escape.

Ahí quedaron estas dos nobles películas, una prácticamente magistral, la otra con momentos magníficos. Existen más casos de paralelismos en la cinematografía global, que van más allá de los juegos de Hollywood de exprimir una idea en varias películas similares. ¿Alguien tiene algún caso que le haya entusiasmado?

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El 22 de enero de 2008, hace prácticamente un año, nos dejó Heath Ledger, demasiado pronto, fallecido por una letal mezcla de medicamentos; una noticia que me afectó profundamente, no sólo por la admiración que sentía hacia su trabajo y por el impacto de las circunstancias de su muerte, sino también porque sucedió cuando ambos teníamos la misma edad. Como homenaje personal hacia este actor, que apenas empezaba a demostrar su gran talento, revisé anoche ‘Brokeback Mountain’, la película que le hizo ganar prestigio y que casi le proporciona un Oscar. Lástima que una vez más no premiasen al mejor, esperemos que gracias a su antológica interpretación en ‘El caballero oscuro’ se le haga justicia.

‘Brokeback Mountain’ era el título del relato de Annie Proulx que apareció publicado en The New Yorker en 1997. Aunque pronto se vio que era un material excepcional para una película, Hollywood no estaba preparado, y se pensó que el público tampoco. Pasaron los años y los directores interesados, hasta que llegó el ecléctico Ang Lee y decidió que ésta sería su próxima película (tras ‘Hulk’, que me encanta). La pasión y el talento visual del realizador taiwanés resultaron ideales para la adaptación del relato, que había pasado a ser una historia de dos horas tras el trabajo de Diana Ossana y Larry McMurtry. Ellos, Lee y Gustavo Santaolalla (imposible olvidar el tema central que compuso para esta película) resultarían premiados con el Oscar, en una noche en la que, sorprendentemente (por no decir otra cosa), ‘Crash’ quedó como mejor película del año.

‘Brokeback Mountain’ nos traslada a Wyoming en 1963, para contarnos cómo se conocieron los jóvenes Ennis del Mar y Jack Twist. Ambos necesitan dinero y acuden al mismo lugar, para acabar trabajando juntos, cuidando y vigilando ovejas, en la montañosa zona (ficticia) que da título a la película. Una zona fría y solitaria que les va acercando poco a poco, hasta que una noche comparten lecho, y no pueden detener por más tiempo la pasión que sienten el uno por el otro.

Ese crucial momento ocurre en torno a los primeros 25 minutos de la película (cumpliendo con la regla de los tres giros), que es mucho tiempo para lo que pasa realmente. Sin embargo, Ang Lee consigue que el tiempo apenas se note, gracias al aprovechamiento de un paisaje precioso, un montaje inteligente y un uso muy eficaz de las expectativas del público, que sabe lo que va a ocurrir pero no cuándo. Todo ese primer acto se emplea para presentarnos a los dos protagonistas, pero también para narrarnos dónde y cómo se produce el enamoramiento entre ambos.

Ennis y Jack descuidan su trabajo y pronto se les notifica que abandonen el lugar. La idea de su separación resulta demasiado dolorosa y, frustrados, se golpean violentamente, fruto de la impotencia. La despedida, sin embargo, se produce de forma tranquila y casi silenciosa. Ennis revela que ha perdido una camisa y Jack sonríe. Se dicen adiós y marchan a sus respectivos hogares, con la posibilidad de que jamás vuelvan a verse. Ennis no puede resistirlo y se aparta a llorar en un callejón (impresionante escena ésta). Acto seguido contemplamos cómo se ha casado con su prometida, Alma (Michelle Williams), con la que forma una familia. La tapadera es segura, pero los sentimientos del muchacho hacia su amado siguen ahí, afectando su vida, a punto de explotar.

Sin menospreciar el estupendo trabajo de Gyllenhaal, me parece innegable que Heath Ledger es la película. Su personaje es el motor de la historia y su interpretación la que consigue atraparnos y emocionarnos. Ledger se mete en la piel de Ennis y hace lo que sólo los actores de verdad pueden hacer: dar vida a un personaje ficticio. Ennis del Mar se convierte en una persona real, con sus miradas, sus gestos y sus expresiones particulares, con su propio carácter y personalidad. Durante toda la película hay grandes momentos (el del callejón que ya he mencionado, el de la imagen de arriba, el hallazgo de la camisa que creía perdida) y casi todos tienen que ver con el Ennis de Ledger, con cómo este actor se transformó en otra persona. Imprescindible la versión original para apreciar, por ejemplo, el tono de voz o la forma de hablar, parte esencial del personaje.

Jake Gyllenhaal encarna a Jack Twist, que es totalmente diferente a Ennis. Jack es alegre, alocado, valiente, optimista, mientras que Ennis es reservado, callado y pesimista, debido a un suceso que vivió cuando era niño (lo cual explica mucho de su comportamiento posterior). Jack ama a Ennis pero no entiende porqué deben vivir separados, encontrándose sólo en contadas ocasiones durante años. Al igual que su compañero, Jack se casa (con Lureen, Anne Hathaway) y mantiene una familia, pero no deja de proponer la ruptura de todas las apariencias y la apuesta por el amor. Hay dos momentos en los que Gyllenhaal, en mi opinión, se come la pantalla, y ambas ocurren cuando su personaje ya no soporta más su situación: el enfrentamiento con su suegro y la última discusión con Ennis.

Una historia de amor dramática no es nada sin los obstáculos que impiden el feliz desenlace. En las barreras vienen dadas por el obvio, absurdo y peligroso rechazo de una parte de la sociedad hacia la homosexualidad, tema de moda otra vez por el éxito de ‘Mi nombre es Harvey Milk’. En la película de Ang Lee, sin embargo, no sólo tenemos el riesgo de que Ennis y Jack sean atacados por su relación, también, y no menos importante, nos encontramos con el trauma del primero de ellos, que le condena a vivir con frustración, infeliz. La diferente forma de llevar su romance condiciona finalmente el final de cada uno, y resulta genial cómo se plasma en la película, pues ambos quedan reflejados con cierta ambigüedad. La versión de lo que le ocurre a Jack y la última frase de Ennis han provocado y seguirán provocando debate.

Quizá es poco el tiempo que ha transcurrido para valorar adecuadamente el sitio de ‘Brokeback Mountain’ en la Historia del cine, pero lo que me parece indudable es que la película sigue teniendo, por lo menos, la misma fuerza e intensidad que cuando se estrenó, despejada ya la novedad y la polémica de su propuesta. Una impresionante y bellísima película, en mi opinión, y en definitiva, una obra maestra.

‘Hulk’ es una de esas películas malditas, que a pesar de recaudar un montón de pasta, enseguida fue menospreciada por la mayor parte del público, simple y llanamente porque Ang Lee se atrevió como pocos a hacer algo con el cine comercial: hacer pensar a la gente. Y ya sabemos que lo de pensar no es el ejercicio de muchos. La versión de Louis Leterrier va más a tono con las neuronas del espectador pasivo, ése que quiere se lo den todo masticado, y se refugia en el gusto del paladar para defender o atacar el arte. Pero la de Ang Lee, además de ofrecer un espectáculo de primera, ahonda en la psicología de prácticamente todos los personajes, y filma una de las mejores adaptaciones de un personaje de cómic (aquel que asegure que Hulk no tiene profundidad, debería leerse unos cuantos cómics más), y como no, de superhéroes.

A priori podría parecer que Lee, que posee una de las filmografías más diversificadas que existen, no era el director apropiado para dicha película. Después de asistir a peñazos como ‘Sentido y Sensibilidad’ o ‘El Banquete de Bodas’, y proseguir su carrera con films tan dispares e interesantes como ‘La Tormenta de Hielo’, ‘Cabalga con el Diablo’ y ‘Tigre y Dragón’ (con la que le llegó el reconocimiento mundial) era difícil imaginarse a un director tan íntimo en una adaptación de Hulk. Pero si en su anterior film ya daba muestras de un manejo inteligente del espectáculo en la presente película termina de redondear la operación con un inspirado equilibrio entre forma y fondo, dándose la mano con la unión entre intimismo y espectacularidad.

‘Hulk’ versa sobre los experimentos del doctor Bruce Banner, quien hereda la obsesión por los rayos Gamma de su padre, quien hace años realizó un peligroso experimento que muy probablemente dejó secuelas en su descendencia. Banner, ayudado por su novia, Betty, y un amigo, están a apunto de descubrir algo importante cuando un accidente tiene lugar en el laboratorio. Como consecuencia de ello, Banner queda expuesto a una alta radiación de rayos Gamma, que junto con lo que ya lleva en su interior, desencadenará que cuando se enfade se convierta en algo monstruoso, un ser que representa la naturaleza animal y salvaje que todos llevamos dentro, pero libre y sin ningún tipo de limitación.

Lee va condensando poco a poco los momentos espectaculares, y creando una tensión interna entre los personajes y la acción, de manera que cuando ésta estalla es simple y llanamente brutal. Y con esta regla de oro en el llamado cine de acción, logra que el espectador sienta casi en su propia carne las aventuras del monstruo verde, y se emocione con algunas secuencias en las que los efectos de ordenador son increíbles, por lo bien utilizados que están. Hasta ese momento, hemos sido testigo del drama personal de Bruce Banner, con quien más o menos ya nos sentimos identificados, su oscuro pasado, su relación con Betty, todo ello para que cuando veamos su otro yo no sintamos indiferencia, al contrario. Casi padecemos a la bestia, y aunque sintamos que quisiéramos ser tan libres como él, nos derretimos cuando la simple visión de su amada le devuelve a su estado natural.

Y es que Lee se sirve de Hulk para hablar de la sempiterna historia de la bella y la bestia, la cual encaja perfectamente en el contexto. Banner cada vez es más salvaje en su otro yo al que no puede controlar, y admite que cada vez le gusta más el sentirse de una forma tan libre a la que su alterego le proporciona. Pero su amada no se queda atrás, y aunque ella no se convierte en ninguna Hulka, su belleza crece cada vez más hacia un lado salvaje. Al respecto la composición de Jennifer Connelly es perfecta. La actriz es todo un torrente de belleza que evoluciona acorde con la trama de su amado, condenado a la libertad más salvaje. Tal vez, Eric Bana sea uno de los puntos flojos del film, y aunque el actor no están del todo mal, bien es cierto que no pone toda la carne en el asador, resultando un poco soso, y el director parece jugársela cuando lo enfrenta con Nick Nolte, quien borda su papel de padre egocéntrico. El duelo final es una liberación en todos los aspectos, Banner se libra de su peso más mortífero, el recuerdo de un padre que sólo pensaba en él y que en parte es culpable de su maldición, y para ello tendrá que dar rienda suelta a sus más bajos instintos, dejar libre a la bestia.

‘Hulk’ es una magnífica película, un espectáculo sin parangón, tal vez a contracorriente y toda una osadía por parte de su director. Una bofetada al mainstream de los últimos años en cuanto a cine de acción se refiere. No es una película de rápido consumo y disfrute inmediato. Es un film que reposa en la mente después de su visionado, una mirada tranquila y cercana a un personaje fascinante, y que se toma su tiempo para contar las cosas. Ahora pretenden borrar su recuerdo, pero me temo que no lo conseguirán. Las imágenes de ‘Hulk’, algunas de ellas de un perturbadora belleza, permanecerán en nuestra retina prácticamente siempre. Y si Jennifer Connelly no es una de las actrices más bellas de la historia que baje Dios y me lo diga.

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