En junio apareció una primera imagen promocional, hoy os dejo el cartel y el tráiler de ‘The Dictator’, la nueva película protagonizada por el provocador Sacha Baron Cohen (al que veremos pronto en ‘La invención de Hugo’ de Martin Scorsese). En esta ocasión, el actor inglés da vida a un extravagante dictador que decide arriesgar su vida para asegurarse de que la democracia jamás llegue al país que está oprimiendo con todo su corazón. Paramount Pictures la va a estrenar el próximo 11 de mayo. Y creará controversia, podéis estar seguros, es lo que mejor se le da a Cohen.

Alec Berg, David Mandel, Jeff Schaffer y Cohen firman el guion de ‘The Dictator’, una irreverente comedia que está inspirada en la novela ‘Zabibah y el rey’ (‘Zabibah wal-Malik’), cuya autoría se atribuye a Saddam Hussein. Ben Kingsley, John C. Reilly, Megan Fox, Anna Faris, B.J. Novak y Kevin Corrigan, entre otros, completan el reparto del film, que ha sido dirigido por Larry Charles, responsable de la divertida ‘Borat’ (2006) y la fallida ‘Brüno’ (2009). Teniendo en cuenta la trama y la caracterización del protagonista (con elementos de varios famosos dictadores), esperaba reírme mucho más con el primer avance de ‘The Dictator’, aunque reconozco que algunas frases han logrado arrancarme la carcajada; y me alegra que no dure demasiado, lo peor que se puede hacer con una comedia es reventar las mejores bromas en el tráiler. ¿A vosotros qué os ha parecido? ¿Pensáis ir a verla?

PD: En la escena del exterior del palacio (pausa a los 28 segundos) hay una bandera española que se les ha olvidado pintar.

Ha vuelto, con la esperanza de seguir creando controversia gracias a su gamberro sentido del humor, en un mundo cada vez más fácilmente irritable. Aquí os traigo la primera imagen de Sacha Baron Cohen caracterizado como dictador para su nueva película, una comedia de Paramount Pictures que tiene previsto su estreno el 11 de mayo de 2012. Tras las cámaras está Larry Charles, que ya dirigió a Cohen en ‘Borat’ (2006) y ‘Brüno’ (2009).

Como ya nos adelantó Beatriz, ‘The Dictator’ se inspira en la novela ‘Zabibah y el rey’ (‘Zabibah wal-Malik’), todo un best-seller cuya autoría se atribuye a Saddam Hussein. Además de protagonista y productor, Sacha Baron Cohen también ha participado en la escritura del guion (junto a Alec Berg, David Mandel y Jeff Schaffer), que gira en torno a un valiente dictador que arriesga su vida para asegurar que la democracia jamás llegue al país que oprime con tanto amor. Anna Faris, Ben Kingsley, Jason Mantzoukas, Anthony Mangano y Jeff Grossman, entre otros, completan el reparto.

PD: El hermano de Sacha, Erran Baron Cohen, se encarga de la banda sonora.

Vía | HuffingtonPost

No es que sean grandiosos actores, está claro, pero sin duda es un reparto llamativo con mucho gancho comercial, pueden dar una sorpresa si están bien dirigidos. Rosario Dawson y Lynn Collins se han unido recientemente al elenco de un comedia dramática titulada ‘Ten Year’, que va a dirigir el debutante Jamie Linden. Antes de incorporar a estas dos actrices, el proyecto ya contaba con Channing Tatum, Justin Long, Kate Mara, Anna Faris, Chris Pine, Anthony Mackie, Jenna Dewan, Brian Geraghty, Scott Porter y Oscar Isaac. No sé si van a caber todos en el cartel.

Escrita por el propio Linden (autor de los libretos de ‘Querido John’ y ‘Equipo Marshall’), ‘Ten Year’ gira en torno a la reunión de un grupo de amigos que no se veían desde su graduación, diez años atrás. Es un punto de partida que puede dar mucho juego, como hemos podido comprobar en ‘Reencuentro’ (‘The Big Chill’, 1983) o ‘Los amigos de Peter’ (‘Peter´s Friends’, 1992), si bien creo que los protagonistas son aún demasiado jóvenes para crear un relato interesante sobre el paso del tiempo, las oportunidades perdidas y aprovechadas, las decepciones y las alegrías de la vida, y todas esas cosas de las que se suele hablar cuando hay un encuentro de estas características. Veremos qué tal, no he olvidado que ‘Niños grandes’ (‘Grown Ups’, 2010) también contaba con un argumento similar y es una de las peores comedias que he visto en los últimos años. El rodaje de ‘Ten Year’ comenzará este mismo mes en Nuevo México, aún no hay fecha para el estreno.

PD: Dawson tiene pendiente de estreno ‘Zookeeper’, comedia con animales parlantes (para lucimiento del “cómico” Kevin James), y Collins es una de las protagonistas de ‘John Carter of Mars’, la esperadísima primera película de Pixar con actores de carne y hueso (en post-producción, lista para 2012).

Vía | ComingSoon

Chris O’Dowd, el irlandés de ‘Los informáticos’ (‘The IT Crowd’), retoma su papel de nerd en ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ (2009), un telefilm de la BBC y la HBO, de 75 minutos, en el que se homenajean las películas y novelas sobre viajes en el tiempo.

Con un presupuesto muy escaso, Gareth Carrivick dirige el guión de Jamie Mathieson que, cual obra teatral, se desarrolla en un par de escenarios: el parque de atracciones donde Ray —sí, en ‘Los informáticos’ era Roy— consigue que lo despidan por mostrar demasiado entusiasmo al explicar los desplazamientos temporales a los niños y el pub cuyos servicios son un portal a otra época. Anna Faris interpreta a una visitante que trata de arreglar las fisuras del tejido espacio temporal.

‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ funciona, más que como producto independiente, como complemento simpático a todos los relatos y films que desarrollan el tema de los viajes en el tiempo. En ella, dos de sus protagonistas son expertos en la materia y, en sus charlas de pub, discuten las diferentes teorías al respecto y los puntos de vista de las películas que los abordan. Presenciar estas conversaciones es como ver una tertulia cómica o escuchar un podcast sobre el tema, lo cual puede resultar gracioso a aficionados de los viajes en el tiempo que también hayan extraído sus propias conclusiones sobre esas teorías y esas películas. Semeja un guiño escrito por un fan y pensado para sus amiguetes.

La presencia de O’Dowd, con sus gestos compungidos y su resignación, es un claro punto a favor para el humor de estas secuencias de diálogo. Marc Wootton y Dean Lennox Kelly acompañan perfectamente al protagonista. La única pega que les pondría a estos tres actores es que están algo talluditos para estos papeles, pero este hecho se puede pasar por alto considerándolo una licencia.

A partir del momento en el que los personajes encuentran el portal, ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ comienza a hacer curiosos juegos que también reproducen muchos de los aspectos vistos ya antes en films sobre viajes —la polémica ‘Primer’, por ejemplo, tiene un claro reflejo en una de las decisiones de los tres protagonistas—. Se atisba incluso un mundo postapocalíptico, que es otro de los interesantes resultados que puede presentar un planteamiento de traslación al futuro. Todos estos desplazamientos, como digo, funcionan muy bien a modo de homenaje, no específico como se haría en algunas parodias, sino temático —es decir, que no reproducen tal cual, escenas de películas concretas, sino que toman de forma más genérica los aspectos recurrentes de cada enfoque—.

Sin embargo, el guionista no quiere adentrarse en dificultades y no se atreve a aventurar una explicación ni sobre el motivo de los viajes ni sobre una serie de cambios que los protagonistas hallan cada vez que se desplazan. Así aumenta la sensación de guiño, ya que parece que nos estuviese diciendo algo así como: vas a reconocer todos los elementos que te gustan de estos films y te vas a reír con nuestra forma de enfocarlos, pero no te voy a ofrecer una propuesta propia porque no es por eso por lo que estamos aquí.

El epílogo es una referencia clara a la preparación de la segunda parte que se hacía en ‘Regreso al futuro’, pero no sé si en este caso también planean una continuación. Si fuese así, ya os anuncio un telefilm sobre los universos paralelos de la teoría de cuerdas, lo que está menos trabajado por el cine, así que puede que les obligue a hacer un guión más autosuficiente.

O’Dowd, a quien vimos recientemente en ‘Radio encubierta’ (‘The Boat That Rocked’), también estrenó el año pasado la serie ‘FM’, en la que vuelve a meterse en la piel de un DJ de una emisora, en este caso actual, con un personaje similar al de ‘The IT Crowd’: un friqui que se pone en ridículo cada vez que intenta ligar. Cuenta con un papel, asimismo, en la recién finalizada ‘Hippie Hippie Shake’, película ambientada en los ’60, y en otros tres proyectos que aún están en creación.

En conclusión, ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’, que se emitirá próximamente en España, es una película divertida que funciona como opción perfecta para ver en grupo y comentar después y que se podría considerar casi como visionado obligatorio para los muy aficionados al tema de los viajes en el tiempo.

Trailer de ‘Frequently Asked Questions About Time Travel’ y reseña de Zonafandom.

Mi puntuación:

“Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido”.

Charlotte

‘Lost in Translation’ es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver ‘Lost in Translation’ cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia ‘Lost in Translation’ (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el “momento Suntory”. La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de ‘Lost in Translation’ sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla (‘Breve encuentro’ de David Lean, ‘Los puentes de Madison’ de Clint Eastwood o ‘Deseando amar’ de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

“¡Una vez tuve un sueño parecido a esto!” [Un personaje, huyendo, mientras caen del cielo rosquillas gigantes]

‘Lluvia de albóndigas’ es una de las alternativas que tenéis si os acercáis uno de estos fríos días al cine. Dirigida por los debutantes Phil Lord y Christopher Miller (creadores de la serie de culto ‘Clone High’), la película es una adaptación del cuento infantil ‘Cloudy With a Chance of Meatballs’ (‘Nublado con posibilidad de albóndigas’), escrito por Judi Barrett e ilustrado por Ron Barrett, y ha sido realizada en los estudios de animación de Sony, responsables anteriormente de ‘Colegas en el bosque’ (‘Open Season’) y ‘Locos por el surf’ (‘Surf´s Up’).

No he visto esas dos, y tampoco pensaba ir a ver ‘Lluvia de albóndigas’ por la misma razón: creí que estaba hecha exclusivamente para el disfrute de los más pequeños (de los niños, vamos, que no se me ofenda nadie). Por otro lado, el absurdo argumento, el título español (que podría haber sido peor, algo como ‘Lluvia de pelotas’) y que Flipy ponga su gangosa voz al personaje principal, me parecieron igualmente buenas razones para mantenerme muy alejado del producto de Sony. Pero, por una serie de circunstancias que ahora no vienen al caso, me encontré ayer por la tarde frente a la taquilla de un multicines con sólo dos opciones: ‘Planet 51’ o ‘Lluvia de albóndigas’. Creo que acerté de pleno, porque la película de Lord y Miller es mucho mejor de lo que parece a simple vista.

‘Lluvia de albóndigas’ gira en torno a Flint, un chico de grandes ojos curiosos que sueña con ser un gran científico, a la altura de sus ídolos, Nikola Tesla o Alexander Graham Bell. Vestido con la túnica blanca que le regaló su madre cuando era niño, Flint dedica su tiempo a crear inventos revolucionarios, pero ninguno de ellos tiene éxito, hasta que da con la mejor idea de todas las que se le han ocurrido hasta el momento: una máquina que haga caer comida del cielo.

Aunque pueda parecerlo, hay que señalar que Flint no llega a esta idea para solucionar el hambre en el mundo. Su invento, en un principio, es más modesto, y sólo pretende alegrar la vida del sitio en el que vive, un triste pueblo de pescadores donde sólo comen sardinas. Tras una serie de accidentes, el chico logra su propósito y crea la máquina que convierte el agua de las nubes en comida, la que sea. Así, pronto, todos empiezan a pedirle sus platos favoritos, y el pueblo se convierte en un lugar famoso, próspero, feliz.

Pero ya sabemos que la felicidad no tiene mucho juego en el cine. El alcalde querrá explotar el invento al máximo y las cosas empezarán a complicarse cuando la máquina de Flint se descontrole y fabrique cada vez comida de mayor tamaño, amenazando con destruir no sólo el pueblo, sino todo el planeta… De este modo, ‘Lluvia de albóndigas’ llega a resultar algo muy parecido a ‘2012’, sólo que más divertida, original y emocionante. Técnicamente, la película es impresionante, y aunque no creo que pierda mucho en 2D, lo cierto es que en varias secuencias se aprovecha a la perfección el formato 3D, dejándote pegado a la pantalla (hay un uso genial de las luces, y creo que ‘Tron Legacy’, con las persecuciones de motos en 3D, puede ser realmente increíble).

Resulta sorprendente que Phil Lord y Christopher Miller hayan transformado ‘Cloudy With a Chance of Meatballs’, un cuento infantil de 30 páginas, caracterizado por las ilustraciones de la comida que cae del cielo, en una espectacular película de una hora y media, para todos los públicos, con una serie de personajes de lo más carismáticos.

Desde el soñador, genial y patoso inventor Flint (Bill Hader en la versión original, el Flipy en la patria), hasta la acomplejada becaria del canal de noticias del tiempo (Anna Faris en inglés, Isabel Valls en español), pasando por el avaricioso y manipulador alcalde (Bruce Campbell), el policía forzudo que quiere con locura a su hijo (Mr. T) o el mono que puede expresar sus sentimientos gracias a uno de los inventos de Flint, todos los protagonistas de esta alocada y fantástica historia resultan necesarios, tienen sentido, y aportan algo a la película.

Claro que ‘Lluvia de albóndigas’ no puede compararse con lo que se hace en los estudios Pixar o Ghibli. Lord y Miller extienden acertadamente la breve trama que tienen entre manos centrándose en el desarrollo de los diferentes personajes, en lugar de rellenar metraje con gratuitas secuencias de acción (cosa que hacen la gran mayoría de los trabajos de animación de otros estudios, y ‘9’, de próximo estreno, es precisamente eso), pero en el fondo, la suya no deja de ser una película con techo, el que posiblemente hayan puesto los jefazos de Sony, que buscarían simplemente una película divertida para ver en familia. Bueno, eso no es tan fácil como parece, que la puedan ver mayores y pequeños sin que nadie se quede fuera o se sienta insultado, y ésta lo consigue.

Así que, en definitiva, si quieres ir al cine uno de estos días, ya sea en solitario, en pareja o en familia, y ver algo muy entretenido, con momentos de carcajada (hay algunos chistes geniales), con espectaculares secuencias en 3D, y personajes entrañables, yo te recomiendo que pases del feo título español y de los prejuicios sobre la animación (o sea, lo que opina el señor Molina-Foix sobre “las películas de plastilina”) y vayas a ver ‘Lluvia de albóndigas’.

La noticia no debería coger por sorpresa a nadie. En estos tiempos de buenas ideas cada vez más escasas, donde los remakes, las adaptaciones de cualquier serie, libro o juguetito, las versiones de las versiones de las secuelas del spin-off, y demás atrocidades, Warner Bros se une a ello, anunciando la adaptación a pantalla grande de la mítica serie de dibujos animados ‘El oso Yogui’, que muy seguramente tiene su lugar reservado en algún rinconcito del corazón de los que ya tenemos cierta edad —Dios, cómo pasa el tiempo—. ‘El oso Yogui’ (‘Yogi Bear’) será dirigida por Eric Brevig, responsable de los efectos visuales de muchos films conocidos, y director de la reciente ‘Viaje al centro de la Tierra’ (‘Journey to the Center of the Earth’).

El film será una mezcla de imagen real y animación, y visto lo visto, vayámonos preparando para una aberración al estilo de la realizada en ‘Scooby Doo’. Para prestar sus voces a Yogui y a su inseparable Boo Boo, se ha pensado en los actores Dan Aykroyd y Justin Timberlake, respectivamente. La temible Anna Faris formará parte del equipo de humanos actores, con lo que ya podemos empezar a temblar, y no precisamente de emoción.

Se espera que el rodaje comienze el próximo mes de diciembre en Nueva Zelanda. Si no tenemos prisa, hombre.

Vía | Comingsoon

Shelley (Anna Faris) es una conejita del Playboy que es expulsada de la mansión por cumplir 27 años, que, para los estándares de Hugh Hefner son como 59. Así que vuelve a la Universidad y no le queda más remedio que formar parte de una hermandad del campus para tener alojamiento. Sólo la aceptarán las chicas más friquis y empollonas, con las que no podría chocar más. Shelley enseñará muchos trucos para ligar a sus compañeras de residencia mientras las transforma en tías buenas.

Aquí se encuentra el tráiler doblado. Más abajo están el póster y el tráiler en v. o.

Fred Wolf, responsable de ‘Naturaleza a lo bestia’ (‘Strange Wilderness’), dirige ‘Una conejita en el Campus’ (‘The House Bunny’), que está escrita por las guionistas de ‘Una rubia muy legal’ (‘Legally Blonde’): Karen McCullah Lutz y Kirsten Smith.

Los protagonistas son Anna Faris (‘Mi super ex-novia’, ‘Scary movie 4’, ‘Sólo amigos’, ‘Brokeback Mountain: En terreno vedado’, ‘¡Marchando!’, ‘Scary movie 3’, ‘Lost in translation’, ‘Este cuerpo no es el mío’, ‘Scary movie 2’, ‘Scary movie’), Colin Hanks (‘Mi novio es un ladrón’, ‘Rastro oculto’, ‘Tenacious D: Dando la nota’, ‘Alone with her’, ‘King Kong’, ‘11:14, destino fatal’, ‘Orange county’, ‘Así es el amor’) y Emma Stone (‘Supersalidos’). Hugh Hefner tiene un cameo haciendo de sí mismo.

La traducción de título que sí debería escandalizar es la de Venezuela porque con él si se ha demostrado que quien lo ha traducido no sabe inglés. ‘La Casa de la conejita’ es como han llamado a la película, cuando está claro que por el orden de las palabras, la traducción literal de ‘The House Bunny’ es “la conejita de la casa”. Puestos a detectar errores: el cartel dice “los guionistas” y son dos mujeres.

Fuente | Página web oficial.

El punto de partida no se puede decir que sea excesivamente original. Por ello, el comentario que se me ocurre al conocer la historia ya lo he hecho varias veces: en EE. UU. les parecerá extraño, pero aquí es lo más normal que alguien viva con sus padres a los 29 años y esté enmadrado.

Sin embargo, el reparto podría hacer que la comedia valiese la pena pues Heder es sumamente gracioso y ya sabemos que Diane Keaton es muy grande, aunque últimamente sólo haya elegido papeles en películas malas. No sólo eso, además me ha parecido ver por el tráiler a Simon Helberg, uno de los cuatro friquis, concretamente Howard, de una de las series más desternillantes del momento: ‘The Big Bang Theory’.

‘Mama´s boy’ ya se ha estrenado en algunos países, pero en el nuestro aún no tiene ni fecha prevista.

Más información en Blogdecine sobre Jeff Daniels, Diane Keaton, Anna Faris y Jon Heder.

Fuente | IMDB

La productora de Adam Sandler, Happy Madison, ha producido algunas películas que no incluyen a Sandler en el reparto y, por poco que éste me guste, parece ser que esto es un craso error. Entre estos títulos se puede encontrar ‘Strange Wilderness’, ‘El rey del mando’ (‘Grandma’s Boy’), con el supersalido Jonah Hill; o ‘Dickie Roberts: Ex niño prodigio’ (‘Dickie Roberts: Former Child Star’), cuyo concepto era bastante bueno si se examina con acidez a este tipo de personas y que además contaba con el aliciente de estar protagonizada por el graciosísimo David Spade, pero que no lograba tener humor ni por él.

‘Rules of Engagement’ es una serie de la misma productora que también cuenta con Spade. Es peor aún que las películas: todos los comentarios sobre la pareja y el matrimonio son absolutamente tópicos y casposos, cosa que se perdonaría si tuviese gracia o interés, pero es nula en estos aspectos… una pena para este pequeño actor que donde de verdad brillaba era en ‘Dame un respiro’ (‘Just Shoot Me!’). Y pensar que otras series se cancelan y ésta continúa.

Sin que les importe todo esto, Happy Madison se va a asociar con Columbia Pictures para producir una película que sí podría tener gracia cuente o no con el sr. Sandler. Se trata de ‘I Hate You, Dad’, un guión de comedia que presentó a la productora David Caspe y que trata sobre un padre que se va a vivir con su hijo el día antes de su boda e inmediatamente empieza a chocar con su futura nuera.

Vale, tacho lo de que sí podría tener gracia. Es que lo he copiado de donde he encontrado la noticia, pero ahora que he leído el argumento, en mi opinión el único potencial que tiene es el de convertirse en otra caspa (lógicamente según el apellido del guionista) igual de estereotipada y ausente de humor que lo que hemos mencionado hasta ahora. Y ya sé que estoy prejuzgando y qué más quisiera yo que equivocarme porque me encantaría que hubiese al año varias comedias que de verdad me hicieran gracia, pero son más difíciles de encontrar que las trufas. En serio: ojalá me equivoque.

Caspe también está escribiendo ‘Sensei’ para Summit Entertainment. Happy Madison ha producido la película dirigida por Fred Wolf ‘The House Bunny’, protagonizada por Anna Faris, que se estrena el 22 de agosto en EE. UU. También ‘Paul Blart: Mall Cop’, dirigida Steve Carr y con Kevin James, para Columbia.

Columbia estrenará ‘You Don’t Mess With the Zohan’, con Adam Sandler, el 6 de junio, aunque aquí llegará el 22 de agosto con el tremendo título de ‘Zohan, licencia para peinar’.

Más información en Blogdecine sobre Adam Sandler.

Fuente | Variety.