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Añorando estrenos: 'Le llaman Bodhi' de Kathryn Bigelow

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Añorando estrenos: 'Le llaman Bodhi' de Kathryn Bigelow

Hace poco se ha estrenado entre nosotros, sin hacer demasiado ruido, ‘Point Break: Sin límites’ (‘Point Break’, Ericson Core, 2015), la enésima muestra de ejercicio nostálgico que, procedente de Hollywood, invade las pantallas de medio mundo. En este caso un remake de uno de los thrillers de acción más vibrantes y enérgicos jamás filmados hace ya dos décadas. ‘Le llaman Bodhi’ (‘Point Break’, 1991) supuso el primer gran éxito de su directora, Kathryn Bigelow, la única mujer que ha ganado un Oscar a la mejor dirección, cuando años después a la Academia le dio por reconocer su labor en la magistral ‘The Hurt Locker’ (2008). Un reconocimiento que sirve para recordar a algunas de las directoras más ejemplares del cine, siempre olvidadas o relegadas, en un arte que parece destinado a hombres.

Curiosamente lo que Bigelow ha demostrado a lo largo de su filmografía es conocer el mundo masculino, al menos el retratado en las películas de acción, mucho mejor que sus compañeros coetáneos. A la directora natural de San Carlos, California, le vino muy bien el material escrito por Rick King y W. Peter Iliff, al heredar el proyecto que iba destinado a ser dirigido por Ridley Scott e interpretado Matthew Broderick y James Garner, puesto que el tema recurrente en su obra, la adicción, está perfectamente plasmado en el film, a la par que logra hacer que toda la filosofía de andar por casa, con temas espirituales, dignos de libros de autoayuda para mentes débiles, sea de lo más convincente. La magia del cine que se le llama. El poder de convicción de una buena imagen.

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Añorando estrenos: 'Polytechnique', Denis Villeneuve y el universo femenino

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Añorando estrenos: 'Polytechnique', Denis Villeneuve y el universo femenino

"Si tengo un hijo, le enseñaré a amar. Si tengo una hija, le enseñaré que el mundo es suyo"

Al que no le quede aún claro que el cine de Denis Villeneuve da más importancia a los personajes femeninos que a los masculinos debería ver la que es una de sus mejores, sino la mejor, películas: ‘Polytechnique’ (id 2009). La misma recoge el fatídico hecho acaecido en el Instituto Politécnico de Montreal el 6 de diciembre de 1989, cuando un alumno armado con un rifle semi-automático, acabó con la vida de catorce mujeres, hirió a otras quince, y se suicidó tras proclamar que “luchaba contra el feminismo”. Villeneuve cambió los nombres reales por respeto a las víctimas, y no estrenó el film sin el visto bueno de los familiares de los fallecidos en aquel horror.

77 minutos de puro cine en los que el director canadiense maneja con habilidad un tema tan espinoso como el femenismo mal entendido, la violencia presente en la sociedad, y las consecuencias de un acto perfectamente condenable desde varias perspectivas. A través de un aterrador blanco y negro, de un montaje soberbio, de flashforwards y flashbacks entrelazados, Villeneuve se erige como un genio de la síntesis, ofreciendo una pieza fílmica reflexiva hasta límites insospechados, siempre teniendo en cuenta la inteligencia del espectador, y también sin ponérselo fácil, aun partiendo de un hecho verídico.

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Añorando estrenos: 'El telón de acero' de William A. Wellman

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Añorando estrenos: 'El telón de acero' de William A. Wellman

Poco antes de que en Hollywood comenzase la temible caza de brujas llevada a cabo por el senador McCarthy, que veía comunistas en todos lados, el cine de carácter propagandístico acometía contra el citado comunismo, a favor, cómo no, del “american way of life”. ‘El telón de acero’ (‘The Iron Curtain’, William A. Wellman, 1948) es una de esas películas, y cuenta con la pareja Dana Andrews y Gene Tierney en una de las cinco películas que trabajaron juntos. Aquí dan vida a un matrimonio de espías rusos, en lo que parece un claro precedente de la estupenda serie de televisión ‘The Americans’ (id, 2013 - ).

El film de Wellman está basado en hechos reales, y filmado en los exteriores donde sucedió todo, concretamente en Canadá. Se trata de la historia personal de Igor Gouzenko, espía soviético que trabajó en la embajada rusa en Canadá, hasta que llegado el momento, decidió traicionar a su país pasándose al otro lado. Se llevó consigo documentos muy importantes que avisaban de los intentos por parte de Stalin de hacerse con los secretos sobre energía nuclear americana, y sobre todo destapaba el sistema de espionaje basado en los agentes durmientes, y que la citada serie explica a la perfección. ‘El telón de acero’ no las tiene todas consigo, a pesar de estar firmada por Wellman, quien logra evitar tópicos en una película hecha para “mentalizar” al personal sobre "el peligro del comunismo".

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Añorando estrenos: 'Black Friday' de Arthur Lubin

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Añorando estrenos: 'Black Friday' de Arthur Lubin

‘Black Friday’ (id, Arthur Lubin, 1940) es una de las reuniones menos conocidas entre Boris Karloff y Bela Lugosi, en aquellos años reyes absolutos del terror, sobre todo por las producciones de la Universal. La misma supone uno de los films serios del todoterreno Arthur Lubin, especialista sobre todo en comedias, y en parodias que precisamente desmontaban mitos del terror. La premisa es de las que nos hacen frotar las manos, y que parece una reescritura del mito de Frankenstein con Jekyll y Mr. Hyde, sin llegar a desarrollarla por completo. Años más tarde, Terence Fisher sí lo haría con material similar. Y hoy día, esta película sería perfecta para un remake a cargo de David Fincher, por ejemplo.

Karloff y Lugosi no comparten un solo plano en la película, y el primero es mucho más protagonista que el segundo, aquí con un poco sustancioso papel de gangster, que apenas sale quince minutos en toda la película —por cierto, de una duración de 70 ajustados minutos—. Lubin se revela como un director más dotado de lo que parecía en una filmografía tan extensa. Un film endiabladamente entretenido, con una historia que habría dado para hacer una completa genialidad, y un trabajo actoral de Stanley Ridges que borda la perfección, superando con creces a los míticos Karloff y Lugosi.

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Añorando estrenos: 'Noche en el alma' de Jacques Tourneur

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Añorando estrenos: 'Noche en el alma' de Jacques Tourneur

Si ha habido un director perfectamente dotado para crear atmósferas de lo más turbio, y en las que se daban la mano todo tipo de temas, ese siempre ha sido el nunca del todo considerado como se merece, Jacques Tourneur. Películas como ‘La noche del demonio’ (‘Night of the Demon’, 1957), ‘Retorno el pasado’ (‘Out of the Past’, 1947) —una de las cumbres del Film Noir—, y sobre todo ‘La mujer pantera’ (‘Cat People’, 1942), ‘Yo anduve con un zombie’ (‘I Walked with a Zombie’, 1943) y ‘El hombre leopardo’ (‘The Leopard Man’, 1943) —excepcional trilogía temática de índole fantástica—, entre las más conocidas, respaldan a un director al que le gustaba más sugerir que mostrar. La sutileza por encima de la evidencia.

‘Noche en el alma’ (‘Experiment Perilous’, 1944) pertenece a la gloriosa época de la productora RKO, productora que duró desde 1928 hasta 1953, y por la que pasaron algunos de los directores y actores más famosos de aquellos años. Desde Orson Welles a Alfred Hitchcock, pasando por Katharine Hepburn o Cary Grant, y cómo no, el insigne Val Lewton, especializado en producciones de terror. El presente es el primer film producido por el escritor Warren Duff, que también se encarga del guion en la única adaptación cinematográfica de una novela de Margaret Carpenter. Un drama de suspense psicológico, como gustaban de hacer en aquellos años, de resultado estimable sin llegar a la perfección de las citadas.

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Añorando estrenos: 'Maelström' de Denis Villeneuve

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Añorando estrenos: 'Maelström' de Denis Villeneuve

‘Maelström’ (Denis Villenuve’, 2000) es la segunda película de su director, detrás de ‘Un 32 août sur terre’ (1998), y con la que empieza a dar forma a su estilo. De hecho, y salvando las distancias, la presente podría considerarse un muy claro precedente de lo expuesto en su posterior, y laureada, ‘Incendies’ (id, 2010). Al igual que en su ópera prima, la síntesis es el principal arma de su director, creando una historia laberíntica tan de su gusto. De nuevo, el universo femenino, un hecho traumático a partir del cual se crea la trama, y una cámara incisiva en los detalles.

Menos de hora y media para una película que, de nuevo, invita al espectador a definirla en su mente. Con carácter de fábula —la película está narrada por un pez a punto de ser descuartizado por un pescadero, en un ambiente casi claustrofóbico—, ‘Maelström’ no realiza concesiones al espectador, por cuanto su construcción se aleja de lo convencional. De más difícil digestión que sus films posteriores —con la excepción de la fascinante ‘Enemy’ (id, 2013)—, si no se entra en ella en su primera media hora, ya no se hará, pero transcurrido ese tiempo, Villeneuve nos premia con la construcción de una historia de amor que habría sido imposible en un contexto convencional.

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Añorando estrenos: '¿Arde París?' de René Clément

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Añorando estrenos: '¿Arde París?' de René Clément

‘¿Arde París?’ (‘Paris brûle-t-il?’, René Clement, 1966) se recoge uno de los episodios más recordados de la historia de Francia, la recuperación de la ciudad por parte de la Resistencia y el pueblo francés, cuando en 1944, y ante la llegada de los aliados, los nazis recibieron la orden de un Hitler enfadado y dolido para destruir por completo la ciudad. El título responde a esa voz del führer que, en el plano final, pregunta desesperadamente al otro lado de una línea telefónica, si la capital francesa está bajo las llamas como él ordenó. Un plano que cierra de forma irónica todo un alegato a favor de la libertad, construido muy hábilmente.

La película fue la respuesta francesa a ‘El día más largo’ (‘The Longest Day’, Ken Annakin, Andrew Marton, Bernhard Wicki, 1962), film bélico que recrea el famoso desembarco de Normandía, utiliza un obligado blanco y negro para dar mayor veracidad a lo narrado, y se llena de grandes estrellas interpretando personajes breves. Toda una operación comercial de primer orden que, en el caso del film francés —filmado mayormente en inglés— contó con el prestigioso René Clément, quien ya había mostrado las consecuencias de la gran guerra a través de la mirada infantil en ‘Juegos prohibidos’ (‘Jeux Interdits’, 1952).

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Añorando estrenos: 'Nunca digas nunca jamás' de Irvin Kershner

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Añorando estrenos: 'Nunca digas nunca jamás' de Irvin Kershner

En 1983 hubo doble ración de James Bond. A principios llegó una nueva entrega de la etapa Moore —a juicio de quien esto firma el peor Bond de la historia—, curiosamente una de las más salvables, por decirlo suavemente, ‘Octopussy’ (id, John Glen, 1983). A finales llegó ‘Nunca digas nunca jamás’ (‘Never Say Never Again’, Irvin Kershner, 1983), proyecto que se había levantado por el interés de Kevin McClory, que conservaba los derechos desde los años sesenta de la novela ‘Thunderball’, y el propio Sean Connery, que tras el estreno de ‘Diamantes para la eternidad’ (‘Diamonds Are Forever’, Guy Hamilton, 1971) declaró que nunca jamás volvería a ser Bond. De ahí el título.

La batalla legal por los derechos, que fue sonada, provocó que el presente film —en realidad, un remake de ‘Operación Trueno’ (‘Thunderball’, Terence Young, 1965)— se realizase fuera de la “oficialidad” de la saga. Tontería donde las haya ya que hablamos de un film Bond puro y duro, con todos los elementos de la serie, con el mejor actor posible para el personaje, y también con cierta mirada nostálgica y casi autoparódica, que marcaría cierta diferencia, necesaria. Irvin Kershner, elegido por el propio actor, fue capaz de superar, en algunas cosas, el trabajo realizado por Young años antes. Otras no.

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Añorando estrenos: 'Operación Trueno', el Bond más popular

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Añorando estrenos: 'Operación Trueno', el Bond más popular

Spectre, la organización que da quebraderos de cabeza a James Bond en la nueva película dirigida por Sam Mendes, es citada por primera vez en la novela ‘Thunderball’ (1961) de Ian Fleming, cuya adaptación cinematográfica supone todo un punto de inflexión en la famosa saga. Estamos ante el film de mayor éxito de toda la serie —teniendo en cuenta la inflación, evidentemente—, con mucha diferencia. ‘Operación Trueno’ (‘Thunderball’, Terence Young, 1965) supuso toda una revolución en el momento de su estreno.

Para el cuarto título, en el que el escocés Sean Connery se vistió el smoking del agente secreto por excelencia, no se tuvieron en cuenta reparos de ningún tipo. Su presupuesto superaba el de las tres películas previas juntas. Se tiró la casa por la ventana en una jugada comercial de lo más inteligente; además la película se filmó en formato scope, estrenando nuevas lentes Panavision que hicieron del mundo del espía un lugar de ensueño aún mayor. Todo en esta película está hecho a lo grande, y Connery demuestra una vez más que es el mejor actor para un personaje como Bond.

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Añorando estrenos: 'Cuna de héroes' de John Ford

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Añorando estrenos: 'Cuna de héroes' de John Ford

La mejor juventud del mundo la traemos aquí, los instruímos, les hablamos del deber, del honor y de la patria… y luego los enviamos al matadero

De entre todas las películas que protagonizó Maureen O’Hara, una de a las que más cariño le tengo es ‘Cuna de héroes’ (‘The Long Gray Line’, John Ford, 1954), el particular homenaje de su director a la Academia militar West Point. Al igual que sucede con ‘Misión de audaces’ (‘The Horse Soldiers’, 1959), la presente no suele estar considerada entre las grandes obras de Ford —en líneas generales, ya que somos unos cuantos los que sí la incluimos en ese selecto grupo—, quizá por esa aparente primera impresión de que Ford ensalza la vida militar.

Inspirada en la biografía de Marty Maher —recogida en el libro ‘Bringing Up the Brass’—, quien pasó casi toda su vida en West Point, lo cierto es que prácticamente toda la historia en la película es inventada. Se recogen únicamente algunos de los nombres, y por supuesto algunos importantes hechos históricos de eco mundial, como las dos grandes guerras, más un crucial partido de fútbol americano. El resto no se corresponde con la verdadera historia, y sirve a su director, que filmaba por primera vez en Cinemascope —formato que Ford terminó criticando sobremanera— una metáfora sobre la vida, como si ésta fuera un desfile. El resultado es uno de los films más emotivos de su autor.

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