Marvel Studios ya ha elegido al nuevo director que se debe hacer cargo de ‘Thor 2’. A mediados de octubre, se anunció que Patty Jenkins (‘Monster’) dirigiría la secuela, pero la semana pasada la realizadora abandonó el proyecto por diferencias creativas con el estudio. Desde entonces se han barajado dos nombres, Daniel Minahan y Alan Taylor, siendo este último el favorito de los ejecutivos de Marvel. Al parecer, su fichaje es cuestión de tiempo.

Taylor se ha ocupado de la puesta en escena de tres largometrajes y ha trabajado mucho en televisión, destacando su firma en capítulos de exitosas series como ‘Mad Men’, ‘Boardwalk Empire’ y ‘Juego de tronos’ (‘Game Of Thrones’). Cabe señalar que a la llegada del realizador estadounidense se sumará la contratación de otro guionista todavía por concretar que deberá reescribir el guion actual, obra de Don Payne; los candidatos que se barajan son John Collee, Robert Rodat, Sheldon Turner y Robert Avary. Sin director y con el guion por corregir, parece complicado que puedan cumplir con la fecha previsto para el estreno, el 15 de noviembre de 2013, teniendo en cuenta el largo proceso de post-producción que suelen requerir estas películas.

Está confirmada la participación de Chris Hemsworth, Natalie Portman y Tom Hiddleston, y se supone que Anthony Hopkins, Ray Stevenson, Joshua Dallas, Jaimie Alexander y Tadanobu Asano también volverán al reparto de la secuela, de momento no se ha dicho lo contrario y tampoco se habla de rostros nuevos. ¿Esperáis con interés ‘Thor 2’ o ya tuvisteis suficiente con la primera?

PD: ‘Thor’ recaudó cerca de 450 millones de dólares en todo el mundo.

Vía | Comicbookmovie

He cruzado océanos de tiempo para encontrarte

Cuando medio mundo quedó encantado, y el otro medio no, con la vuelta de Francis Ford Coppola a la saga de ‘El padrino’, el famoso director ganador de cinco Oscars sorprendió con su siguiente proyecto, una adaptación de la mítica novela de Bram Stoker sobre el más conocido de los vampiros literarios y cinematográficos. La última adaptación oficial databa de 1979 a cargo de John Badham, y atrás quedaban las exploraciones de la Hammer, con Terence Fisher y Christopher Lee a la cabeza, y también las míticas creaciones de Tod Browning y F.W. Murnau, amén de un buen número de apariciones en películas no tan conocidas —hablamos de uno de los personajes de ficción más llevados a una pantalla de cine—, por lo que volver a un personaje tan tratado era, cuanto menos, curioso. Todo el mundo estaba expectante por saber si Coppola repetiría un fracaso del estilo de ‘Corazonada’ (‘One From the Heart’, 1982) —con el que comparte el hecho de haber sido rodadas íntegramente en estudio— o, por el contrario era un éxito.

‘Drácula’ (‘Bram Stoker´s Dracula’, 1992) terminó siendo uno de los más grandes éxitos de su director en una época en la que los avances en los efectos visuales empezaban a cobrar una gran importancia —recordemos que esta película está filmada entre ‘Terminator 2: el juicio final’ (‘Terminator 2: Judgment Day’, James Cameron, 1991) y ‘Parque jurásico’ (‘Jurassic Park’, Steven Spielberg, 1993), que todavía tienen el listón muy alto al respecto—. Coppola utilizó efectos bastante artesanales para así poder abaratar la producción, pues en Columbia no iban a dejar que se pasasen del presupuesto asignado, que al final quedó en unos 40 millones de dólares. El origen de la película se encuentra en el acuerdo que Winona Ryder y Coppola tenían por aquel entonces, debido a que la actriz no “pudo” protagonizar ‘El padrino, parte III’ (‘The Godfather, part III’, 1990) —fue sustituida por Sofia Coppola, para desgracia de muchos— y el director acordó con ella que le presentase un guión interesante en el que ambos pudiesen colaborar. Lo que en un principio iba a ser una miniserie de televisión dirigida por Michael Apted, terminó siendo la película que hoy todos conocemos. Afortunadamente.

La controversia con esta película surgió a raíz de su título original, ‘Bram Stoker´s Dracula’ —a punto estuvo de titularse ‘Francis Ford Coppola´s Dracula’, pero al propio director no le pareció una buena idea—, y de las declaraciones de su guionista James V. Hart —si echamos un vistazo a su currículum, comprobaremos que éste es el mejor trabajo de su carrera—, que aseguraba haber realizado una escritura totalmente fiel a la obra de Stoker. Absolutamente falso. Y ahí empezaron los problemas, pues numerosos fanáticos del libro, amén de literatos varios y autores teatrales conocedores profundos del original, aprovecharon para sacar sus colmillos y atacar sin piedad al film de Coppola, sin caer en la cuenta —ignorancia, lo llamo yo— que el medio cinematográfico posee herramientas muy distintas a las de la literatura. Además del hecho de que una cosa es la promoción de un film, y otra bien distinta el film en sí, prueba patente de que muchos espectadores juzgan una obra cinematográfica por cómo se la han vendido y no por lo que la obra es o les ha sugerido.

James V. Hart habló de más al afirmar esa fidelidad, pues a la vista está que no es así. Sin embargo eso no invalida para nada la película, la cual presenta unas novedades con respecto al original que también suponen una sorpresa al compararla con cualquier otra adaptación del mítico vampiro. Para empezar tenemos un prólogo, realmente fascinante, en el que vemos el origen de Drácula y su amor por su Elisabeta, su partida a la batalla y posterior reniego de la Iglesia, a la que representó siendo un feroz guerrero. Un prólogo lleno de fuerza en el que Coppola deja clara la intencionalidad teatral del relato, filmando una sangrienta batalla como si de sombras chinescas se tratase. Gary Oldman —en un papel para el que fueron considerados Andy Garcia, quien lo rechazó por el alto contenido sexual de la película, Gabriel Byrne, Armand Assante, Antonio Banderas, Viggo Mortensen y Jeremy Irons, quien a punto estuvo de iniciar rodaje—, Winona Ryder y Anthony Hopkins —que llega a realizar tres papeles en la película— protagonizan este pequeño segmento en el que se subraya el carácter romántico y sangriento de la historia. Amor y sangre unidos en un fatídico destino.

Destino que compartirán los mismos personajes siglos después. Oldman da vida a un Drácula envejecido a punto de trasladarse a Londres, y Hopkins y Ryder a personajes que bien podrían ser la reencarnación de Elisabeta —Mina Harker— o del hombre que condena el suicidio de aquella —Van Helsing—. Tres líneas narrativas que terminan confluyendo cuando Drácula en Londres deja mortales rastros de su existencia. El encuentro entre Mina y un Drácula completamente rejuvenecido gracias al poder de la sangre muestran a un Coppola muy inspirado que rinde homenaje al nacimiento del cine, el cual curiosamente coincidió con la publicación de la novela de Stoker. Imágenes del conde, cuya presencia parece recordar al Corleone de la saga más conocida de su realizador, paseando por las calles londinenses al ritmo de los fotogramas de un viejo cinematógrafo, y el posterior encuentro con su amada reencarnada poseen una fuerza arrebatadora que se repite en la escena del lobo, momento en el que Mina queda completamente fascinada por el conde, o la escena de la absenta, de una sensualidad y erotismo muy marcados. Al fin y al cabo ‘Drácula’ es una historia de amor y sexo.

Y siempre ha sido así, incluidas las versiones de Murnau, Browning o Fisher, a las que Coppola rinde sendos homenajes en diversos instantes del film. Pero esta vez se hace hincapié en el lado humano de Drácula, quien recordemos, fue humano una vez. Ese es otro de los aspectos que diferencian esta adaptación del resto. Drácula es un eterno enamorado entristecido, primero por la muerte de su amada, y luego enfurecido por el hecho de que la Iglesia, a la que tanto defendió, rechaza el alma de Elisabeta por haberse suicidado. Su maldición, provocada por él mismo, será vagar a través de los tiempos en busca de su amor perdido —la frase que inicia este texto me parece una de las más bellas jamás pronunciadas en una película, por todo lo que encierra y por ser un ejemplo perfecto de síntesis—, dejar muertes allá por donde pasa, encontrar a su amor, y con ello el perdón de Dios en un clímax lleno de lirismo. Nunca la muerte del vampiro más famoso de todos los tiempos estuvo tan cargada de belleza, y aunque los colores, y en parte los decorados, evocan a los mejores títulos de la Hammer, Coppola es capaz de crear algo nuevo con un material tan manido.

La música del polaco Wojciech Kilar, de gran épica en algunos momentos y terroríficamente íntima en otros, llena cada plano del film, y es capaz de transportarnos a esa especie de mundo onírico creado por Coppola, donde se funden cine, teatro y literatura con inusual equilibrio, algo que muy probablemente ha enfadado a los más puristas de cada arte. Nunca una actriz tan mediocre como Winona Ryder estuvo tan sensual y atractiva, Anthony Hopkins da vida a un Van Helsing tan temible como el conde Drácula, terriblemente conservador y puritano, y Gary Oldman hace la interpretación de su vida, logrando que sintamos al mismo tiempo fascinación y repulsión. Al respecto cabe citar la muy inteligente decisión de que Mina es la única, junto con el espectador, que ve al Drácula humano. El resto de personajes sólo lo ven como un viejo decrepito —Keanu Reeves, sin duda lo peor del film, dando vida a Jonathan Harker, en su visita al castillo en Transilvania, y cuya estancia es una muy barroca pesadilla—, o un monstruo, al que también da vida un Oldman lleno de maquillaje, obra y gracia de Greg Cannom.

Coppola se reunió con el equipo en su rancho, días antes de iniciar rodaje y entre otras cosas, obligó a los actores a una lectura de la obra de Stoker en voz alta, algo que les llevó dos días enteros. El famoso realizador quiso que sus intérpretes estuviesen perfectamente familiarizados con el material. El resultado, dejando a un lado alguna laguna narrativa —arreglada por la voz en off de Hopkins como uno de los narradores, algo que nunca gustó demasiado a Coppola— y el penoso trabajo de Reeves, es firme y por decirlo de alguna manera, vampirizador. Y he ahí uno de los grandes aciertos de Coppola realizador. Su puesta en escena logra una conexión única, y muy elegante, entre el poder vampirizador del cine —la escena de las sombras chinescas antes comentada— y su personaje. Porque ante todo no estamos ante el Drácula de Stoker, al cual sin duda reconocemos, sino ante el de Coppola, ante una reinterpretación del mito. Y nos ha seducido como lo haría el más grande de los vampiros, dejando claro que su existencia y su poder sólo tienen una razón de ser: el amor.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de George Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington
• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda
• ‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass
• ‘El beso del vampiro’ de Don Sharp
• ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ de Terence Fisher
• ‘Drácula vuelve de la tumba’ de Freddie Francis
• ‘El baile de los vampiros’ de Roman Polanski
• ‘Las amantes del vampiro’ de Roy Ward Baker
• ‘Lust for a Vampire’ de Jimmy Sangster

• ‘Drácula y las mellizas’ de John Hough

• ‘La mansión de los crímenes’ de Peter Duffell

• ‘El vampiro sangriento’ de Miguel Morayta

• ‘Drácula’ de John Badham

• ‘The Night Stalker’ de John Llewellyn Moxey

• ‘El ansia’ de Tony Scott

• ‘Noche de miedo’ de Tom Holland

• ‘Jóvenes ocultos’ de Joel Schumacher

• ‘La invasión de los vampiros’ de Miguel Morayta

• ‘El vampiro’ de Fernando Méndez

• ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves

• ‘Los viajeros de la noche’ de Kathryn Bigelow

‘Zapatos italianos’ (‘Italienska skor’, 2006), la novela del autor sueco Henning Mankell, será convertida en guion por obra y gracia de Richard Cottan y en película por Kenneth Branagh, con el título inglés ‘Italian Shoes’. Los protagonistas de la adaptación podrían ser Anthony Hopkins y Judi Dench, quienes ya habían protagonizado juntos ‘La carta final’ (‘84 Charing Cross Road’, 1987). Pero muchas cosas pueden cambiar de aquí a que empiece a rodarse, cosa que no ocurrirá hasta finales del 2012 o en 2013, ya que Branagh debe dirigir antes ‘The Guernsey Literary and Potato Peel Society’ para la Fox y ‘The Boys in the Boat’ para los hnos. Weisntein.

El director y actor británico ha interpretado el papel protagonista en ‘Wallander‘, adaptación anglo hablada de la serie de televisión sueca del mismo título, que trasladaba a la pequeña pantalla las historias del famoso detective creado por Mankell.

En la novela ‘Zapatos italianos’, Fredrik Wellin, médico retirado, vive solo en una isla cercana a la costa sueca, hasta que la llegada de Harriet, un antiguo amor al que abandonó en el pasado, irrumpe en su monótono, pero buscado aislamiento para pedirle que cumpla la antigua promesa de juventud de llevarla a una laguna al norte del país, ahora que está gravemente enferma. Harriet trae consigo a Louise, una hija de ambos, de cuya existencia nada sabía Fredrik. Obligado, ahora, a asistir al lento final de Harriet y a crear unos vínculos paterno-filiales con quien, en realidad, es una desconocida, Fredrik iniciará un viaje hacia su propio dolor. Los errores del pasado sepultados en la soledad de la isla reavivan sus remordimientos. Entre ellos, el terrible secreto que lo alejó de la profesión y por el que decidió huir del mundo.

Si soy sincera, confesaré que la serie británica sobre ‘Wallander’ me pareció de gran calidad, pero no logró engancharme, por causa de su pausado ritmo. Una película con un “tempo” similar podría tener más sentido, ya que el cine se ve –o debería verse– con mayor atención y de forma más activa que la televisión. Incluso así, si Branagh en este caso hace algo ligeramente más movido, lo preferiré. El hecho de que no se trate de un thriller, sino de un drama muy trágico, no parece que vaya a ayudar mucho a que nos encontremos con un film entretenido. Pero quizá la profundidad psicológica que se gane a cambio valga la pena. Por una vez, el saber que aún nos falta mucho para poder verla no me preocupa en exceso.

Vía | The Guardian.

“¿Sabes que puedes hacer fuego con hielo?” – Charles Morse (Anthony Hopkins)

Ahora que estamos en la zona final de este ciclo apasionado, pues además de ésta solamente escribiré acerca de dos películas de aventuras más, hablaremos sobre una cinta excelente que tampoco tuvo el reconocimiento que, creo, merece, y que ahonda con descarnada lucidez y elegante sobriedad en uno de los dos o tres temas esenciales del cine de aventuras: la supervivencia al límite como marco de las pulsiones humanas más verdaderas e imperecederas, esas que nos despojan de toda la hojarasca social y de toda la hipocresía del mundo civilizado, y nos desenmascaran tal como realmente somos, en lo bueno y en lo malo, pues no hay cabida para moralidades de ninguna clase. Se trata de ‘El desafío’ (Lee Tamahori, 1997), pobre traslación al español del mucho más estimulante ‘The Edge’ (aunque también se barajó el sugerente ‘Bookworm’, que se traduciría como ‘Rata de biblioteca’), un filme apasionante que es mucho más de lo que en un principio parece, ya que bajo su vertiginosa narrativa late una despiadada, aunque compasiva concepción del mundo, de la naturaleza salvaje y del hombre que ya quisieran muchos otros.

El neozelandés Lee Tamahori, oriundo de Wellington, saltó a la fama de forma muy justa gracias a su debut, el formidable drama existencial ‘Guerreros de antaño’ (‘Once Were Warriors’, 1994), y aunque su carrera posterior ha dado bastante menos de lo que hubiera sido esperable, y en la actualidad no da indicios de que vaya a recuperar el pulso demostrado en los años noventa, con ‘El desafío’ filmó la que probablemente sea su obra más serena y más redonda, narrando a lo grande, como un cineasta superdotado pero sin el anhelo de demostrar nada a nadie, ni de proponer otra cosa que una ficción a ras del suelo, a la altura de la mirada humana, que es, creo, una de las características de un director de raza. Pone en imágenes un guión superlativo del dramaturgo, guionista, director y ensayista David Mamet, una de las figuras más destacadas de la literatura y el teatro norteamericano de las últimas décadas, al que han destrozado magníficos guiones algunos de los directores (otros guiones suyos, me temo, no están a la altura de su gran talento), pero que aquí ve exprimido al máximo su libreto, con respeto máximo por su escritura, y con un gran sentido de lo audiovisual como experiencia sensorial, intelectual, de nuestro tiempo.

Filmada en grandiosas localizaciones naturales de Alberta, Canadá, ya desde el mismo comienzo la naturaleza salvaje se anuncia como un elemento sobrecogedor tanto por su belleza como por su amenaza, y es que no solamente va a ser un entorno impresionante, también se va a erigir en expresión visual del combate, por la vida y entre sí, de sus dos caracteres protagonistas. Charles Morse, un hombre de mediana edad que ya se asoma a la vejez, dueño de una inmensa fortuna y marido de una supermodelo, sabe que su mujer tiene un amante en el fotógrafo Robert Green, con quien viaja hacia remotas y peligrosas zonas de las montañas después de su fiesta de cumpleaños, acompañados del asistente Stephen, sabiendo perfectamente que ese fotógrafo pretende matarle, para quedarse con su esposa y su fortuna. Por supuesto, el avión se estrellará (por cierto, qué bien filmada está esa secuencia) y comenzará una vibrante aventura en la que conoceremos, como en tantas grandes películas de aventuras, la dureza de la vida en un ambiente helado y tan exigente como ese, mientras ambos hombres desarrollan una retorcida amistad basada en el odio y en cierto respeto mutuo, que estallará en un clímax inesperado e impredecible, que diluirá finalmente cualquier norma social o prejuicio, cuando la muerte acude con retraso, pero implacable, a la cita.

Dos magníficos personajes y actores

Sería reduccionista decir que Charles representa lo bueno del hombre, lo luminoso, y Robert lo malo, lo tenebroso. El primero es un buen hombre que ha llegado a obtener cierta sabiduría, sobre todo acerca de su pasión por la cultura y el mundo natural (del que sólo tiene, en un principio, “conocimientos teóricos”), y el segundo es un arribista, un ambicioso hombre, también un luchador, mucho más joven que él que, en el fondo, admira a su adversario y le gustaría ser como él. De alguna misteriosa manera, el relato de aventuras, la peripecia, parece como convocada por un capricho del destino para que ambos caracteres se midan por fin, y a partir de ahí pueda desarrollarse un discurso existencialista, casi trágico, y con el que podemos indentificarnos plenamente, reducidos a monigotes frente a la vastedad de una naturaleza que no conoce el perdón a las criaturas frágiles. Creo que Alec Baldwin, un actor que sin duda ha ganado con los años, clava su personaje de intrigante y le da una verdad enorme. Baldwin es muy inteligente aquí y procura lucirse en un segundo plano, esperando siempre su oportunidad frente a la imponente presencia de Hopkins, y consciente de que posee menos recursos que él.

Porque Anthony Hopkins, uno de esos intérpretes excepcionales surgidos de Reino Unido y que capturan la atención de la cámara con un leve gesto, una mirada o una palabra, es el perfecto Charles Morse. Te lo crees hasta el final como ese millonario enamorado que sabe que le van a traicionar y que ahora se verá obligado a poner en práctica sus conocimientos teóricos sobre la vida salvaje. Hay algo siempre melancólico y tremendamente humano en este actor, que hace que no quieras despegar los ojos de él y comprendas todos sus actos hasta el final. Mamet le entrega el alma de la historia y Tamahori la cámara, narrando con un ritmo que no desfallece en ningún momento, con un suspense muy bien armado y con varias secuencias en el paroxismo de lo vibrante, por lo que desde el principio hasta el final es imposible aburrirse con esta película. Por si esto fuera poco, la dirección de fotografía de Donald McAlpine (un operador que ya nos deleitó con un salvaje entorno natural en ‘Depredador’ (‘Predator’, John McTiernan, 1987) y que en los últimos tiempos se prodiga poco) se aleja de un tratamiento preciosista de montañas, bosques y lagos espectaculares, y en su trabajo rige la contención y el rigor en todo momento. Para finalizar, la música del añorado Jerry Goldsmith, en una de sus últimas composiciones, aunque convencional comparada con algunas de sus joyas, imprime un dinamismo y una épica incontestables.

Conclusión

Notable película de aventuras, sin duda, con la que sientes en tu propia piel la fragilidad de la vida en lo salvaje, pero también la voluntad de supervivencia de cualquier hombre, independientemente de sus conocimientos, su riqueza o su generosidad, por lo que les iguala a todos ellos. Se ve con vértigo, pero no se olvida rapidamente. Al contrario, su profunda verdad queda en la memoria del espectador. Y para la próxima (penúltima) entrega de este ciclo, una muy diferente, tanto en temática como en nacionalidad, estética y técnica.

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“Ten cuidado Michael, elegir no creer en el diablo no te protegerá de él.”

Padre Lucas (Anthony Hopkins)

Creo que nunca lo he pasado peor en una sala de cine que cuando vi ‘El exorcista’ (‘The Exorcist’), en el reestreno del montaje extendido en el año 2000. Ya no era ningún niño, y había visto partes de la película con anterioridad, supongo que en televisión, además recuerdo haberme burlado con la idea de que una niña atada a una cama pudiera ser algo aterrador. No sé si llegué a reírme alguna vez, puede que por puro pánico, pero sí sentí auténticos escalofríos, encogido en la butaca, y desde entonces las películas con posesiones demoníacas me causan una especial inquietud. Me he dado cuenta que no es necesario que alguien como William Friedkin maneje la cámara entre las tinieblas, ni el Roman Polanski de ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary´s Baby’) o el Richard Donner de ‘La profecía’ (‘The Omen’); me llega a bastar el correcto trabajo de un realizador que se limite a seguir la fórmula, cuide un poco la atmósfera, no abuse del montaje frenético y cuente con actores comprometidos.

Y sin embargo, no encuentro a menudo propuestas que lleguen a esos mínimos, resultándome imposible seguir con interés supuestos relatos de horror con estética y ritmo de videoclip, protagonizado por pijas de silicona y niños de gimnasio que se dedican a posar ante la cámara y ser bañados con litros de sangre. Más que asustarme, me causa bochorno. Sin ser ninguna joya, ni tampoco merecedora de ser recordada en los próximos años, ‘El rito’ (‘The Rite’, 2011) es una película de claras intenciones que cumple su objetivo, que satisface la demanda inmediata de un público que desee pasar un mal rato con una historia sobrenatural (algunos más que otros, pero reconozcamos que a veces nos gusta pasarlo mal). A eso hay que sumar el siempre estimulante protagonismo de Anthony Hopkins, que aunque se empeñe en ensuciar su carrera con mediocridades, posiblemente por una mezcla de necesidad y diversión, sigue siendo uno de los intérpretes más carismáticos del planeta.

Oh sí, también aparece Rutger Hauer. Y Toby Jones y Ciarán Hinds. Gente con una experiencia y un saber estar impagables. Por su parte, el joven Colin O´Donoghue apenas había hecho cine, teniendo aquí su primer papel protagonista, y debo destacar que hace un trabajo estupendo, es la mayor sorpresa de ‘El rito’. Menos acertada está Alice Braga, pero no por juventud o falta de talento, sino porque le toca el personaje más desdibujado y prescindible del guion de Michael Petroni, al parecer inspirado en hechos reales. Sé que esta etiqueta resulta atractiva en términos comerciales, hay un público al que le emociona saber que la historia tiene un fondo de realidad, pero a veces resulta un tanto perjudicial, pues uno no puede evitar pensar que le están tomando por tonto, cuando por ejemplo una chica vomita enormes clavos como si nada. Así que un consejo si tienes una historia de terror entre manos: pasa de investigar la realidad y céntrate en la puesta en escena, es donde fracasa la gran mayoría de cineastas actuales.

‘El rito’ se basa en un libro del periodista Matt Baglio que narra la historia de Michael Kovak, un joven norteamericano que viaja a Roma para asistir a un curso de exorcismo que se imparte en el Vaticano. No le convencen las clases, cree que todo es una patraña, así que le envían a conocer al padre Lucas, un experto exorcista. Lo más interesante de la película (y dudo que esto sea solo cosa mía) tiene lugar con esos dos personajes en pantalla, el muchacho expresando su escepticismo y el viejo respondiendo con su experiencia, lo que permite no solo comprender a ambos y tener la sensación de realidad que no aporta ningún letrero de “basado en hechos reales”, sino también implicarse uno más en lo que está pasando, para descubrir quién se equivoca, si de verdad existen las posesiones demoníacas. Por eso el primer caso resulta muy entretenido, pues se mantiene un conflicto entre las dos visiones, se mantiene la duda y cabe la posibilidad de que Michael tenga razón y Lucas sea un maldito chalado. Por desgracia, se siente la necesidad de incluir un personaje femenino que subraye la falta de fe de Michael, además de posibilitar un sugerente romance; una mala idea, O´Donoghue y Braga no funcionan juntos, no hay química.

Mikael Hafström hace bien en mantenerse pegado al texto y dejar el peso del relato a los actores, a veces con planos estáticos donde simplemente los vemos reflexionar o expresarse, en lugar de recurrir a llamativos movimientos de cámara o una realización dinámica para agilizar la narración, lo que en estos tiempos, en el cine comercial, es poco habitual. Y se agradece, por momentos uno tiene la impresión de estar viendo un film de otra época. Pero, quizá por presiones de los productores, quizá porque no estamos ante un director brillante (ni mucho menos), no tardan en surgir las prisas y los efectismos baratos, recurriendo a desafortunados arreglos digitales para intentar dotar de espectacularidad al último tramo. En una escena, Lucas dice que el demonio intenta pasar desapercibido, que es como un ladrón que entra en una casa y no enciende las luces; sin embargo, no hay ningún caso en la película en la que no se nos enseñe que realmente están sufriendo una posesión, contradiciendo esas palabras y haciendo más obvio el viaje de Michael.

‘El rito’ es un film vacilante que despega cuando se entrega a los actores, al conflicto interno y la emoción, como el accidente bajo la lluvia, el derrumbe psicológico de Lucas o el flashback de la madre de Michael, y se va al suelo cuando recurre a explicaciones o busca el susto, en tramos muy corrientes y artificiales. Se equivocan los responsables buscando el más difícil todavía y el lucimiento de los efectos especiales, cuando tenían en sus manos una historia pequeña pero muy interesante, con el aprendizaje de Michael, desde su complicada niñez a su búsqueda de fe, y la relación con un mentor cada vez más hundido en la oscuridad, mientras intentan solucionar el extraño caso de la muchacha embarazada que dice estar poseída. No hacía falta estirar el chicle ni pintar digitalmente los rostros de los actores para hacerlos más terribles. Lo cotidiano ya es suficientemente terrible.

Aprovechando que es domingo y nadie está pendiente del blog, voy a colgar los nuevos carteles de ‘Thor’, el duodécimo trabajo de Kenneth Branagh, una película que creo que no interesa a nadie. Los dejo en la galería de imágenes de abajo; los dos últimos salieron hace un par de días y parece que serán los que finalmente adornarán las carteleras el día del estreno. Por cierto, a la vuelta de la esquina, la nueva superproducción de Marvel Studios estará en las salas españolas (2D y 3D) el próximo 28 de abril, unos días antes que en Estados Unidos.

Escrita por Ashley Miller, Zack Stentz y Don Payne a partir de una historia de Mark Protosevich y J. Michael Straczynski, ‘Thor’ nos presenta a un poderoso pero arrogante guerrero de Asgard, cuyas imprudentes acciones reactivan una guerra ancestral; por este motivo es desterrado a la Tierra por su padre, forzado a vivir entre humanos, donde empezará a tener conciencia de sus responsabilidades. Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Tom Hiddleston, Idris Elba, Stellan Skarsgard, Ray Stevenson, Tadanobu Asano, Jaimie Alexander, Kat Dennings, Rene Russo y Clark Gregg protagonizan la película, que cuenta con una banda sonora compuesta por Patrick Doyle.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: El segundo título Marvel del año, ‘Capitán América’, se estrena en España el 5 de agosto (22 de julio en Estados Unidos).

Vía | Impawards

Los temas demoníacos están volviendo a ponerse de moda entre el público americano. Tras el éxito de ‘El último exorcismo’ (‘The Last Exorcism’, Daniel Stamm, 2010) —aún inédita en nuestros cines— hace cinco meses, ahora ‘El rito’ (‘The Rite’, Mikael Håfström, 2010) se encarama en lo más alto del top ten, aunque 15 millones de dólares no sea precisamente un gran debut. Anthony Hopkins da vida a un sacerdote americano que viaja a Europa a una escuela donde forman exorcistas. La crítica yanqui prácticamente se ríe de ella, aunque el público votante en la IMDb se muestra un poco más impresionable. En nuestro país caerá el 18 de marzo.

‘The mechanic’ (id, Simon West, 2010) es el remake del film de idéntico título —en el nuestro recibió el delirante de ‘Fríamente… sin motivos personales‘— que dirigió el inefable Michael Winner en 1972 con Charles Bronson de estrella principal. Jason Statham toma el relevo de Mr. Bronson en la historia de un asesino que coge como pupilo al hijo de una víctima suya. Ben Foster y Donald Sutherland se dejan ver en un film que no ha gustado demasiado a la crítica, aunque el público votante parece entusiasmado.

Vía | IMDb

Solo se le puede vencer si se cree en él.

Probablemente sea una tontería, otra más del cada día más aburrido género de terror, pero debo reconocer que me ha llamado mucho la atención el tráiler de ‘El rito’ (‘The Rite’), que se está proyectando en los cines desde hace unas semanas. Puede que sea porque el subgénero de las posesiones demoníacas logra inquietarme con facilidad (ya os comenté que ‘El último exorcismo’ me dejó helado en algunos momentos). Os dejo el avance en esta entrada junto al cartel español, centrado en el poderoso rostro de Anthony Hopkins, un actor de carácter, tremendamente versátil, que no ha estado muy afortunado eligiendo proyectos en los últimos años; pero qué duda cabe que es uno de los grandes, y cuando está inspirado, le basta un gesto para tener al espectador a sus pies. Esperemos que aquí nos ofrezca su mejor versión.

Basada en el libro de Matt Baglio, supuestamente inspirado en hechos reales, ‘El rito’ se centra en un joven seminarista escéptico, que asiste con reparos a la escuela de exorcismo del Vaticano; durante su estancia en Roma, conoce a un sacerdote nada ortodoxo, que le muestra el lado más oscuro de la fe. Eso ha sonado raro, ¿verdad? Bueno, la película la ha escrito Michael Petroni, ha sido dirigida por Mikael Hafström (‘Evil’, ‘1408’, ‘Sin control’) y, además de Hopkins, está protagonizada por Toby Jones, Ciarán Hinds, Alice Braga, Rutger Hauer y el debutante Colin O´Donoghue. ‘El rito’ se estrena en España el próximo 18 de marzo.

PD: Y el 28 de abril veremos a Hopkins en la piel de Odin, padre de Thor, en el film de Kenneth Branagh.

Vía | Cinemascomics

El director californiano James Ivory (Berkeley, 1928), de ascendencia europea, saltó a la fama internacional en 1985 con ‘Una habitación con vistas’ (‘A Room with a View’), adaptación de la novela homónima de E. M. Forster, entre otras cosas porque fue nominada a ocho premios Oscar. Y desde entonces, con mayor o menor fortuna, pasó algunos lustros dirigiendo ese tipo de películas de “prestigio” que tanto gustan a los americanos. Proyectos de época, de cuidada ambientación y reparto británico (las más de las veces), que si no ganaban el Oscar a mejor película, por lo menos conseguían el de mejor dirección artística o vestuario, y que estaban hechas con dinero americano. Un cineasta que, pese a su pericia, conocimientos y buena dirección de actores, nunca me ha apasionado, pues sus temas y su estilo desprenden una frialdad y una asepsia recalcitrantes. Y sin embargo, en 1993 dirigió una maravilla titulada ‘Lo que queda del día’ (‘The Remains of the Day’), probando una vez más que hasta el cineasta menos estimulante y más irregular te puede presentar una joya imperecedera.

‘Lo que queda del día’ (el título literal sería ‘Los restos del día’) es una adaptación extraordinaria de la no menos extraordinaria novela de Kazuo Ishiguro, un novelista nacido en Nagasaki, pero cuya familia se trasladó a Inglaterra en los años sesenta, y que desde 1982 posee nacionalidad británica. Esta fue su tercera novela, en la que evidencia un conocimiento pasmoso de la historia y las costumbres de su país de adopción. El guión de la también novelista, y frecuente autora de los guiones de Ivory, Ruth Prawer Jhabvala exprime y convierte en imágenes la intrincada y bella literatura de Ishiguro para que Ivory, en inusitada plenitud, convierta ese guión en un filme verdaderamente excepcional, el mejor de toda su carrera con grandísima diferencia, que justo un año después de la muy sobrevalorada ‘Regreso a Howards End’ (‘Howards End’, 1992), un buen ejemplo de cine superficial que va de profundo, que no anticipaba en nada la belleza de ‘Lo que queda del día’, un relato sobre lo irrecuperable del tiempo perdido, sobre el desperdicio de una vida sacrificada y desperdiciada.

A grandes rasgos, la cosa va de un anciano mayordomo que inicia un viaje de descubrimiento interior, cuando decide viajar para reencontrarse con cierta persona, y mientras viaja recuerda los años que pasó trabajando con ella, ya que mientras él era el primer mayordomo de Darlington Hall ella era el ama de llaves, y aunque estaba enamorado de ella nunca le dijo nada. Es la apasionante premisa de un filme que en un principio iba a dirigir Mike Nichols, pero que afortunadamente se retiró de esa responsabilidad para figurar solamente como productor, siempre detrás de la pareja profesional y vital de Ivory, el inglés de origen hindú Ismail Merchant, que es el verdadero productor e impulsor del proyecto. Una adaptación nada fácil, con todo, cuidada hasta el más mínimo detalle, filmada en impresionantes localizaciones de los más bellos parajes ingleses, y bajo la que late una nostalgia y una melancolía más susurradas que mostradas, y que por eso causan mucha más mella en el espectador.

Los sentimientos reprimidos del mayordomo

De la larga y desigual carrera de Anthony Hopkins, el papel del mayordomo Stevens es fácilmente uno de sus tres o cuatro más perfectos y sobrecogedores. Creo que muy pocos actores en el mundo hubieran podido dar vida a un personaje tan reprimido, tan impasible, y sin embargo tan atormentado en su interior. No es que Hopkins haga sospechar al espectador de los verdaderos sentimientos de Stevens de manera sutil, con una mirada o un tenue gesto. Es que Stevens, en todo el segmento del pasado, los enormes flash-backs que constituyen el eje de la historia, no deja traslucir absolutamente nada. Es un sujeto pétreo. Pero de ahí se deducen su soledad, su admiración por el ama de llaves, su frustración. Comportarse de manera inconmovible es su forma de ser, y mostrarse como una roca hasta en la tragedia de su padre o ante las lágrimas de la señora Kent, acontecimientos ante los que cualquiera reaccionaría, demuestran, por omisión, y con ella de una forma más nítida y dolorosa, su angustia anímica.

A su lado, Emma Thompson está en el papel de su vida. Esta magnífica mujer y actriz no es que esté perfecta como la señora Kent. Es que es la señora Kent de los pies a la cabeza, y hay momentos fugaces que hacen estremecer, instantes inimaginables en los que acompaña a Hopkins: el primer encuentro entre ambos, la excepcional secuencia del libro en que ella lo acorrala contra la pared, la despedida, la secuencia con ella llorando detrás de la puerta, la escena final bajo la lluvia… James Ivory se vuelve un artista excepcional narrando esos rescoldos, esos despojos o restos del día, en los que los trabajadores tienen ocasión de ocuparse de su vida privada, de conocerse un poco, siquiera de hablar o de fumar un cigarro. Pasa el tiempo y no ocurre nada, y no se puede recuperar ese tiempo. El tema de la película, sin duda, es que por escaso tiempo propio del que dispongamos, por muchos errores que se cometan, hay que hacer algo en el presente antes de que se convierta en pasado.

Darlington Hall, la enorme mansión, y sus verdes alrededores, son un personaje más de esta película. Como un ser vivo. Cada habitación, estancia, pasillo y puerta, cada mueble, color, moldura o textura, se queda grabada a fuego en la retina, como debe ser en un lugar de trabajo que además es residencia para los miembros del servicio del gran Lord. Interpretado con gran talento por James Fox, Lord Darlington es un ser patético, entrañable y trágico, que se hunde en la miseria por apoyar a los nazis antes de la Segunda Guerra Mundial, pero que a pesar de todo contará con la lealtad inquebrantable, indestructible, de Stevens. Y por esa lealtad, en la sublime forma del sacrificio, quizá Stevens pierde la oportunidad de ser feliz por primera vez en su vida. En su sometimiento voluntario a Darlington (la mansión y el amo), Stevens se muestra de mayor altura moral, de igual manera que en su silencio inflexible con la señora Kenton se muestra más digno y más valiente que ella, autoproclamada como una cobarde.

La magistral dirección de fotografía de Tony Pierce-Roberts, que propone un viaje en el tiempo sin fisuras; el exacto y bellísimo diseño de producción de Luciana Arrighi, que reconstruye dos épocas pasadas; la evocadora música de Richard Robbins, tan persistente como la personalidad de Stevens; la pausada y sosegada, bajo la que palpita una tensión casi insostenible, puesta en escena de Ivory, hacen de este filme algo irrepetible. Nominada a ocho Oscar, no ganó ninguno. Ese año triunfó ‘La lista de Schindler’ (‘Schindler’s List’, Steven Spielberg, 1993), que es una buena película. Pero ese año competían esta obra maestra, y ‘La edad de la inocencia’ (‘The Age of Innocence’, Martin Scorsese), y ‘Tierras de penumbra’ (‘Shadowlands’, Richard Attemborough), sobre las que hablaremos muy pronto, muy superiores todas ellas a la película ganadora.

Secuencia predilecta

Mi favorita es el alto en el camino que efectúa Stevens en su viaje para reencontrarse con la señora Kent. En ese alto, en el que Stevens duerme en una de esas preciosas posadas inglesas, ocurren tantas cosas que no se dicen, Hopkins desvela parte del dolor que durante tanto tiempo le ha atenazado… que siempre que la veo una inexplicable pesadumbre me deja sin respiración. Es la secuencia de un hombre que ha sido prisionero de sí mismo y de su pasado y que sabe que tiene la última oportunidad de enmendarlo todo. Más belleza no se le puede pedir al cine.

No, no se está rodando la película de ‘Los caballeros del Zodiaco’ (aún). Eso que tenéis ahí es una nueva imagen oficial de ‘Thor’, la adaptación al cine del cómic de la Marvel orquestada por Kenneth Branagh. Los actores de la foto son Chris Hemsworth, Anthony Hopkins y Tom Hiddleston, o sea, Thor, Odin y Loki, respectivamente. Como podéis comprobar, Hopkins sigue un tanto… extraño, aún en la línea de ‘El hombre lobo’, y no tiene inconveniente en usar el envoltorio de un bombón Ferrero Rocher como parche. Sus dos hijos en la ficción lo miran con cierto temor, pero no se atreven a decir nada. Al fin y al cabo, ellos también llevan armadura. Buf…

Al mismo tiempo que aparecía en la red esta llamativa imagen, se ha confirmado que la película se estrenará en salas 3D. Branagh no ha rodado con las cámaras que permiten este efecto, pero parece que los productores no quieren dejar pasar la oportunidad de recaudar más dinero, así que van a convertir ‘Thor’ de 2D a 3D en la fase de post-producción. Esto es, lo mismo que se hizo con ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’) y ‘The Last Airbender’ (‘Airbender: El último guerrero’). Estupendo, ya sólo falta que a última hora contraten a otro director para que ruede más escenas de acción, porque Branagh ha metido mucho diálogo y resulta aburrido. En fin, ojalá que salga pronto un primer tráiler y podamos saber si realmente podemos ir olvidándonos ya de ver una película interesante. La fecha del estreno es el 6 de mayo de 2011.

PD: La película del Capitán América también se apunta al 3D después del rodaje. Dice Joe Johnston que han intentado rodar con las cámaras 3D y le parece una pesadilla.

Vía | LATimes