Según informa Variety, el actor Harry Morgan ha fallecido a los 96 años de edad. Puede que los cinéfilos más jóvenes no conozcan el nombre de Morgan, pero en nuestro país se hizo enormemente popular en su momento cuando emitieron por televisión la serie ‘M.A.S.H.’, adaptación de la película homónima de Robert Altman. En la misma daba vida al entrañable y carismático Coronel Sherman T. Potter.

Pero antes de ser conocido por sus papeles en la televisión, medio en el que se centró a partir de los años 60, su presencia se hace relevante en muchas películas clásicas de alta envergadura, en las que su nombre aparecía como Henry Morgan. Ahí están títulos imprescindibles como ‘Incidente en Ox-Bow’ (‘The Ox-Bow Incident’, William A. Wellman, 1943), ‘El castillo de Dragonwyck’ (‘Dragonwyck’, Joseph Leo Mankiewicz, 1946), ‘Cielo amarillo’ (‘Yellow Sky’, William A. Wellman, 1948), ‘Horizontes lejanos’ (‘Bend of the River’, Anthony Mann, 1952), ‘Sólo ante el peligro’ (‘High Noon’, Fred Zinnemann, 1952), ‘Música y lágrimas’ (‘The Glenn Miller Story’, Anthony Mann, 1954) o ‘La herencia del viento’ (‘Inherit the Wind’, Stanley Kramer, 1960) son algunas de las muestras del hacer de Morgan con sus personajes.

Casi siempre en roles de secundario, podía dar vida con la misma facilidad al mejor amigo del protagonista o al más grande enemigo del mismo, algo en lo que destacaba más precisamente por la amabilidad de su rostro que le hacía impensable para papeles de malvado. El último papel cinematográfico de este actor, nacido en Detroit, fue en la película ‘Acampa como puedas’ (‘Family Plan’, Fred Gerber, 1997).

Hasta siempre Harry.

Otra semana más en la que nos sumergimos por la blogosfera para ver un poco lo que cuece en ella. Hay mucho más cine ahí fuera, y sobre todo hay artículos muy interesantes que creo merece la pena leer. A continuación, lo que más ha llamado la atención de un servidor estos últimos días.

• En el excelente miradas de cine, Tonio L. Alarcón —para el que firma el mejor crítico joven de la actualidad, por su total y absoluta falta de prepotencia— habla sobre la trilogía ‘20th Century Boys’, muy exitosa en su país de origen, Japón, sobre todo por ser la adaptación de un famosísimo manga, obra de Naoki Urasawa. En España la trilogía acaba de editarse en DVD, y es una buena ocasión para saber algo de ella gracias a las palabras de Tonio.

• Pronto, o quizá nunca, anunciaré el ciclo de western que tengo pensado iniciar en estas páginas, así que para ir abriendo boca os recomiendo la lectura de unos breves, pero intensos, artículos en Dos cabalgan juntos, blog personal con la temática western como principal baza. El siempre interesante C.V. Moure, es el autor, y el tema los westerns de Anthony Mann con James Stewart.

• El año se acaba y algunos empiezan a hacer ya su lista de las mejores y peores películas del 2010. El ínclito Josep Parera ya se ha mojado en Viva Hollywood, y los resultados son entre previsibles (entre las mejores) y sorprendente (entre las peores). Pero Parera es así, único e inimitable.

• De todos los fallecimientos del presente año, aquel que más nos ha afectado, por motivos evidentes, fue el de Luis García Berlanga. Con ello muchos de nosotros, los que nos dedicamos a escribir sobre cine, nos vimos alguna de sus inolvidables películas. Tomás Fernández Valentí hace lo propio con ‘Novio a la vista’ en su blog personal, El cine según TFV.

Seguiremos dando nota sobre todo lo que ocurre en los demás blogs. Si tenéis algún tipo de sugerencia al respecto podéis utilizar el formulario de contacto.

Esta semana, la cantidad de películas que salen a la venta, ya sea en DVD o en Blu-ray, es enorme. Comenzaré por comentar los lanzamientos de films recientes, para los que la aparición en formato doméstico supone un estreno. A continuación, pasaré a títulos anteriores, que ya han visto ediciones de consumo particular, pero que vuelven a estar disponibles para su adquisición.

‘Paranormal Activity’ (2009)

A pesar de que hubo quien la defendía e insistía en comentarios en que le diese una oportunidad, no quise ver ‘Paranormal Activity’ , de Oren Peli, en cines y no creo que me vaya a animar más a verla en casa, ahora que aparece a la venta en DVD y Blu-ray. Como ya comenté en su momento, no me convencieron con ‘El proyecto de la bruja de Blair’, así que ahora, con la lección ya aprendida, no caigo en este nuevo intento de venta de una película gracias a elementos ajenos a ella. Que puede ser que me esté perdiendo algo que podría disfrutar, por supuesto, pero correré el riesgo.

Críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Desesperante ‘Paranormal Activity’.

• ‘Paranormal Activity’, el miedo cotidiano.

Características técnicas del DVD en la edición especial: Contenido: 2 Discos. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1 Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2: Reacciones de audiencia. Final alternativo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Tráiler. Reacciones de la audiencia.

‘Ejecutiva en Apuros’ (‘New In Town’, 2009)

Antes de ver la película, me temía que, hiciese o no demasiada gracia, sería una de estas cintas que defienden la vida tranquila de las pequeñas aldeas y zonas rurales y sostienen que las ciudades engendran malas personas. Por lo tanto, me sorprendió, como ya comenté en mi crítica, que la moraleja no fues tanto por ese lado, sino más bien por la defensa de la producción en cooperativa y la lucha contra las grandes empresas, lo que en esta época de crisis, supone una alternativa bastante interesante. El film tiene un final que en otra época más paranoica, los estadounidenses podrían haber tachado de comunista. Todo lo demás importa poco: la historia de amor es precedible y está mejor contada en ‘Baby, tú vales mucho’, los actores –Renée Zellweger, Harry Connick Jr. y J.K. Simmons— cumplen, pero no sorprenden y los retratos de personajes exageran los tópicos para poder sacarle punta a todo. No sé si vale la pena comprar una copia de esta película, pero al menos sí que merece que se le eche un ojo.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Ejecutiva en apuros’, una pija en el pueblo.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán.Contenido Extra:Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías.

Características de de la edición especial de 2 discos en DVD: Contenido: 2 Discos.Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ (‘Arthur et la vengeance de Maltazard’, 2009)

Aparece tanto en DVD como en Bluray el timo del siglo ‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ algo que no supone más que el planteamiento de una película y que se detiene antes de que llegue a comenzar el argumento, como ya denuncié en esta crítica. Recomiendo que no se compre este film protagonizado por Freddie Highmore, Mia Farrow, Ronald Crawford y Robert Stanton, y dirigido por Luc Besson, en el que el niño amigo de los seres diminutos debe infiltrarse de nuevo en el mundo subterráneo donde viven éstos para detener al malvado Matazard.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 17,95 €.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 25,95 €.

‘Bridget Jones: Sobreviviré’ (‘Bridget Jones: The Edge of Reason’, 2004)

A partir de esta semana se podría adquirir en Blu-ray ‘Bridget Jones: Sobreviviré‘, la segunda parte de ‘El diario de Bridget Jones‘, que también se basa en la novela homónima de Helen Fielding. Las adaptaciones de los libros no suelen estar a la altura del original y las segundas partes no suelen ser tan buenas como las primeras. Si, en este caso, partimos de que el libro ya de por sí no tenía una enorme calidad, concluiríamos que poco se puede hacer con esta película. Sin embargo, confieso que he leído ambas obras y las he disfrutado por una cuestión que puede sonar a menudencia o que puede considerarse casi incomprensible, pero que para mí fue decisiva en su momento: me refiero a que la protagonista femenina es la que hace gracia. Normalmente se acepta que los hombres sean graciosos, patosos y metepatas, pero las mujeres tienen que ser perfectos objetos a los que da gusto contemplar. Aquí, las tornas se cambian y eso se me antoja refrescante, a pesar de que no sea el personaje perfecto para mí ni tampoco su capacidad cómica sea exagerada –hablo de la descripción del personaje en el libro, no de la película—. Por otro lado, si bien los films no mejoraban las novelas, sí tenían el aliciente de incluir a Hugh Grant y a Colin Firth –que sale mencionado en la primera novela-. Y lo que no se puede negar es que, te guste o no el personaje, Renée Zellweger lo borda.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. Contenido Extra:La escapada a Austria. Escenas inéditas. Guía fácil de la exótica Tailandia. La gran pelea. Mark y Bridget: ¿para siempre? Bridget Jones entrevista a Colin Firth. El solitario Londres. Bridget Jones: ¿un icono cultural? La gran noche de Bridget. Gira mundial de los estrenos. Como se hizo Bridget Jones: Sobreviviré. Comentario de fondo con la directora Beeban Kidron.

‘Austin Powers en Miembro de Oro’ (‘Austin Powers in Goldmember’, 2002)

Sale, también en Blu-ray, ‘Austin Powers en Miembro de Oro’, la tercera parte de la saga del detective británico que parodia a James Bond, dirigida por Jay Roach. Es una película que, aunque decae con respecto a las primeras, vuelve a tener algunos puntos graciosos, entre los que destacaría los subtítulos que no se leen por completo, debido a los elementos blancos de la escena, y la concatenación de voces por megafonía que van componiendo palabras soeces. Pero lo que no puedo soportar es la visión de Gordo Cabrón, pues el maquillaje está demasiado conseguido. Mike Myers es protagonista interpretando varios papeles y colabora en el guión. Junto a él, completan el reparto Beyoncé Knowles, Michael Caine, Michael York, Robert Wagner, Seth Green, Verne Troyer y Masi Oka, entre otros. A su vez, cuenta con los cameos de Tom Cruise, Danny DeVito, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, Steven Spielberg, Quincy Jones, John Travolta y muchos otros.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Inglés, Castellano. Precio recomendado: 21,95 €.Contenido Extra:Más allá de la película. Comentarios de Jay Roach y Mike Myers. Escenas eliminadas con comentarios. Efectos visuales. El mundo de Austin Powers: Jay Roach y Mike Myers: Encuentro creativo Los personajes Las primeras escenas con especialistas Los coches de Austin Powers Análisis de tres escenas Vídeos musicales: Beyoncé “Work it Out” Britney Spears “Boys” Ming Tea “Daddy wasn’t There”.

‘Serpico’ (1973)

Sidney Lumet dirige a Al Pacino en una controvertida cinta que se basaba en el libro de Peter Maas, el cual, a su vez, partía de hechos reales. En ella, el agente de policía que da título al film destapaba una trama de corrupción dentro de su departamento, lo que le suponía enfrentarse a sus propios compañeros y jefes. Aunque hoy en día ya tenemos muy visto el tema de los policías corruptos, en su momento, fue una buena manera de darle un giro al hallazgo del culpable. Fue muy aclamada la interpretación de Pacino en el papel de un hombre que no agradaba a sus colegas por cumplir las reglas a raja tabla, y por asociarse a la contracultura izquierdista de los años ’60.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés, Castellano, Alemán, Francés. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés. Contenido Extra:Sidney Lumet, cineasta neoyorkino. Buscando a Al Pacino.

‘Memorias de África’ (‘Out of Africa’, 1985)

Basado en el libro homónimo autobiográfico de la escritora danesa Isak Dinesen y dirigido por Sydney Pollack, este drama romántico multioscarizado, nos presenta a Robert Redford y Meryl Streep viviendo una aventura desaforada y tortuosa sobre el paisaje que forma una plantación en Kenia. Sin entrar a calificarla de buena o mala, lo que sí puedo asegurar es que no es, ni mucho menos, el estilo de películas que me gustan ni el tipo de historias amorosas que me emocionan. Sin embargo, quien la considere una gran obra, tiene ahora la oportunidad de contemplar la fotografía de David Watkin en todo su esplendor gracias a esta edición en Blu-ray.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano,Holandés, Japonés, Cantonés, Danés, Finlandés, Griego, Coreano, Noruego,Portugués, Sueco, Mandarín Tradicional.Contenido Extra:Escenas inéditas. Canción de África. Tráiler de cine. Comentarios de la película con el director, Sydney Pollack.

‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988)

Salen a la venta tres títulos de Arnold Schwarzenegger: ‘Danko: calor rojo’, ‘El guerrero rojo’ y ‘Ejecutor‘, todos en Blu-ray. ‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988), dirigida por Walter Hill, es una cinta de acción de lo más entretenida y espectacular (al menos, así la recuerdo) en la que Schwarzenegger interpreta a un detective ruso cuyas ideas probablemente no era muy acordes con las del actor. Jim Belushi le da la réplica en una de esas buddy movies de amor-odio, donde los contrastes tienen que ser tan fuertes como el cambio de temperatura que sufre el culturista en la pelea de la escena de inicio.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Ruso.Subtítulos: Castellano, Francés, Alemán, Italiano, Danés,Holandés, Finlandés, Noruego, Ruso, Sueco, Turco, Español. Contenido Extra:Arnold Schwarzenegger, el hombre que conquistó Hollywood. El contexto político de Danko: Calor Rojo. Tráiler.

‘El corazón del ángel’ (‘Angel Heart’, 1987)

Aparece a la venta en Blu-ray ‘El corazón del ángel’, de Alan Parker, una película que fue sonada en mi preadolescencia por la violencia de algunas de sus escenas y la teórica irreverencia de su contenido, lo cual le rindió una repercusión probablemente algo mayor que la que se merecía. La cinta, protagonizada por Robert de Niro, Mickey Rourke y Lisa Bonet, nos presenta a un detective privado de Nueva Orleans, que es contratado por un misterioso cliente en Harlem para que encuentre a un hombre desaparecido. Conforme avanza la investigación se suceden extrañas muertes, al parecer relacionadas con la magia negra y el vudú, y que implican a Harry de una manera cada vez más personal…

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Turco.Contenido Extra:Tráiler. La verdad sobre el vudú. Imágenes del rodaje.

Otros lanzamientos

Se pueden comprar en Blu-ray varios títulos protagonizados por Clint Eastwood. Dos de ellos están dirigidos por Brian G. Hutton: ‘El desafío de las águilas’ (‘Where Eagles Dare’, 1968) y ‘Los violentos de Kelly’ (‘Kelly´s Heroes, 1970), mientras las demás son del propio Eastwood: ‘El sargento de hierro’ (‘Heartbreak Ridge’, 1986), ‘El principiante’ (‘The Rookie’, 1990) y ‘Poder absoluto’, (‘Absolute Power’, 1997).

También serían recomendables las películas: ‘Chuka’ (1967), de Gordon Douglas; ‘El Mercader de las Cuatro Estaciones’ (‘Händler der vier Jahreszeiten’, 1971), de Reiner Werner Fassbinder; ‘El Último Disparo’ (‘Railroaded!’, 1947) y ‘Las furias’ (‘The Furies’, 1950), ambas de Anthony Mann; ‘La Extraña Mujer’ (’ The Strange Woman’, 1949), de Edgar G. Ullmer, y ‘Intervista’ y ‘ El Jeque Blanco’ (‘Lo sceicco bianco’, 1952), las dos de Federico Fellini.

Por último, quedarían por mencionar títulos como ‘Combinación Ganadora’ (‘Lucky Numbers’, 2000), con John Travolta y Lisa Kudrow; ‘Bullying’, ‘Nico, El reno que quería volar’, ‘Eloïse’, ‘Freddy contra Jason’ (Blu-ray), ‘Recuento’ (‘Recount’, 2008)

Vía | Zona DVD.

¡Yo soy Espartaco!

Tras ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957), cuyo estreno estuvo prohibido en muchos países durante años, Stanley Kubrick no tenía demasiadas oportunidades para dirigir otra película. Fue precisamente el protagonista principal de esta última, Kirk Douglas, quien pensó en el director neoyorquino para hacerse cargo de una monumental superproducción —citando al gran Goyo, para los de la LOGSE, un blockbuster— en la línea de las que solían hacer en aquella época dentro del cine histórico. Films como ‘Quo Vadis’ (id, Mervin LeRoy, 1951), ‘La caída del Imperio Romano’ (The Fall of the Roman Empire’, Anthony Mann, 1964), ‘Rey de reyes’ (‘King of Kings’, Nicholas Ray, 1961), ’55 días en Pekín’ (‘55 Days at Peking’, Nicholas Ray, 1963) o la multipremiada ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959) están en la memoria de cualquier cinéfilo.

‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960) es, junto al film de Wyler, la mejor de todo este grupo de películas. Un emocionante, entretenidísimo y extenso largometraje sobre la vida del esclavo tracio que fue uno de los líderes de la más importante rebelión contra la Antigua república romana. 190 minutos extraordinarios de puro cine en la película menos personal de Kubrick y curiosamente la más defendida de su filmografía, aquella que pone de acuerdo a admiradores y detractores de Kubrick. ¿No es una gran ironía?

Lo cierto es que Kubrick no estuvo en el proyecto desde el principio. La primera semana de rodaje era Anthony Mann el que sentaba en la silla del director, pero tenía continuas diferencias creativas con el productor del film, Kirk Douglas, quien quería un film menos clásico de lo que Mann pretendía. Lo gracioso del asunto es que Anthony Mann fue un especialista con mucho éxito en este tipo de superproducciones —aunque realmente debe ser recordado por sus maravillosos westerns con James Stewart—, pero esta vez chocó de frente contra un productor que tenía las cosas muy claras sobre lo que quería hacer con la película y que le despidió para sustituirle por Stanley Kubrick. La secuencia inicial en las canteras es la única que llegó a filmar Mann.

Pero el director de ‘Senderos de gloria’ no las tenía todas consigo. Douglas quería a un director al que pudiese controlar y eligió a Kubrick por lo bien que había dirigido el mencionado film bélico y por lo bien que se llevaron durante aquel rodaje. Sin embargo esa buena relación se vio truncada durante la filmación de ‘Espartaco’. El director, por primera y única vez en su carrera, no tenía poder sobre el guión el cual consideraba bastante malo y absurdo, afirmación que no deja de sorprender por venir de quien viene pues estamos ante uno de esos minuciosos trabajos de Dalton Trumbo, en el que no faltan fuertes y sutiles referencias políticas. De hecho, podríamos decir que ‘Espartaco’ es probablemente la más grande película política de la historia del cine. Su historia y mensaje son tan antiguos como lo es el hombre. El eterno enfrentamiento entre el pueblo sometido y las injusticias de la poderosa tiranía.

1960 fue un año muy importante para Dalton Trumbo. Perseguido durante la famosa caza de brujas del senador McCarthy —y que le llevó a protagonizar una de las anécdotas más famosas de la historia de los Oscars cuando lo ganó por ‘The Brave One’ (id, Irving Rapper, 1956) bajo el seudónimo de Robert Rich y “nadie” se levantó a recogerlo, recibiéndolo casi 20 años después, en 1975, poco antes de su muerte— por fin pudo poner su nombre en los créditos no sólo de una película sino de dos, la presente y la magnífica ‘Éxodo’ (‘Exodus’, Otto Preminger, 1960). En el film de Kubrick puso toda la carne en el asador aunque el guión no fuera del agrado del director; no se cortó ni lo más mínimo e hizo una dura crítica al poder establecido, a la tiranía y reflejó la incomodidad general del país en el personaje central, Espartaco, un hombre sencillo y valiente que descubrió que un sólo individuo puede marcar la diferencia.

La rebelión de Draba

De todo el cúmulo de maravillosa secuencias que contiene ‘Espartaco’ hay una que me parece esencial, única y que tiene lugar en el que probablemente sea el mejor tramo del film, aquel que transcurre en la escuela de gladiadores en la que Espartaco es entrenado como máquina de matar mientras se enamora de una bella esclava de nombre Varinia (Jean Simmons). Para entretener la visita del importante Marco Craso, al que da vida un impresionante Laurence Olivier, el encargado de la escuela, Batiatus —inmenso Peter Ustinov que ganaría un Oscar por su labor— accede a que cuatro gladiadores se enfrenten a muerte en la arena. El primer combate tiene lugar fuera de campo mientras Kubrick coloca la cámara dentro del habitáculo en el que esperan los otros dos gladiadores, Espartaco y Draba, para enfrentarse. La tensión aumenta pues ambos saben que uno de los dos no volverá con vida. El primer combate termina y los dos gladiadores salen a la arena, luchan encarnizadamente y cuando Draba tiene la vida de Espartaco en sus manos, sucede algo emocionante. Vamos paso por paso.

Espartaco ha sido vencido por un adversario —un compañero— claramente superior. El combate es a muerte por el capricho de los que tienen el poder y observan sólo por mera diversión. Al fin y al cabo una de las ventajas del poder, de la posesión de grandes riquezas es que también se dispone de la vida de otras personas. Exactamente igual que en la vida real.

Draba, interpretado por un entregado Woody Strode que venía de protagonizar una de las obras maestras de John Ford, la muy personal ‘El sargento negro’ (‘Sergeant Rutledge’), mira hacia arriba esperando una respuesta. Él sabe lo que tiene que hacer pero aún así mira.

La respuesta no se hace esperar. La mujer de Craso lo indica claramente, Espartaco debe morir. Atención a la expresión de Craso que prácticamente se sorprende de la decisión de su mujer. Más tarde comprobaremos que Craso es mucho peor que su esposa, un tirano en toda regla, sin remordimientos ni límites para su maldades.

Espartaco cierra los ojos esperando que el frío metal del tridente le atraviese el cuello. Sabe que su hora ha llegado.

Pero Draba duda. Algo en su fuero interno le dice que aquello no debería ser así.

Draba se rebela contra el poder lanzando su tridente. Acto seguido decide ir a por Craso en lo que prácticamente es un suicidio. La vida de Draba es sesgada por la lanza de un guardia y por la estocada final de un cobarde Craso que le acuchilla cuando el esclavo está herido. Hay que anotar que Draba casi lo consigue. Casi.

Espartaco entiende entonces que un sólo hombre puede marcar la diferencia, y que para ello se tiene que estar dispuesto incluso a dar la vida. El líder de la rebelión romana vive desde la decisión de Draba un tiempo prestado y lo va a aprovechar. Es por eso que realmente dicha rebelión no es en realidad la de Espartaco, sino la de Draba. Primer punto de inflexión en la vida de Espartaco. El segundo ocurre cuando el amor de su vida es llevado de su lado, y Espartaco se rebela contra sus guardianes ayudado por sus compañeros gladiadores. La fuga de la escuela es todo un prodigio de montaje y ritmo. Atención a la cámara de Kubrick, colocada en los adecuados ángulos que infieren grandeza y emoción a otro momento culmen —y muy esperado por el espectador— del relato.

Un Kubrick controlado pero grande

‘Espartaco’ es como decíamos la película menos personal de Kubrick, pero un film poco personal no es necesariamente malo y éste es la prueba de ello. Douglas controló en todo momento al genio —Caviaro lo llama Dios, Massanet sobrevalorado, yo lo llamo genio que es lo que era y siempre será— no dejándole tomar parte en la historia y logrande que acatase las decisiones del actor. Kubrick salió airoso de todo y demostró ser capaz de manejar una superproducción de gran presupuesto. Para dirigir a actores de la talla de Charles Laughton contó con la inestimable ayuda de Peter Ustinov quien reescribió todas los diálogos de Laughton, quien interrumpía cada dos por tres el rodaje tachando de absurda la historia —curioso, lo mismo que pensaba Kubrick—; aún con todo podemos comprobar que Laughton está soberbio como Graco teniendo en su haber algunas de las frases más ingeniosas de la historia como todo lo referente a las divinidades. Su suicido fuera de campo, vencido por la ascensión de la tiranía, es uno de los momentos más bellos del film.

Como bellas son las escenas que Kubrick mete cuando se trata de retratar al pueblo que huye buscando la libertad. Además de demostrar un gran manejo del formato scope y de las masas, Kubrick apuesta por lo íntimo cuando enfoca a ancianos y niños, o la emotiva escena de una pareja enterrando a su bebé muerto el cual no ha resistido la dureza del viaje. No hay maniqueo en una película que rehuye el panfleto político aún lanzando dardos envenenados al poder, y sobre todo el mensaje religioso. La libertad o el destino nada tienen que ver con la creencia en un dios absurdo. El hombre es el que decide, el que actúa y el que debe asumir las consecuencias.

En el momento de su estreno se eliminó una escena absolutamente vital. La famosa secuencia del baño donde Craso le habla a Antonino (Tony Curtis) sobre caracoles y ostras de claras connotaciones homosexuales. Y digo vital porque es precisamente esa charla la que convence a Antonino para abandonar a Craso y unirse a la causa de Espartaco por quien sentirá una gran admiración —no necesito nombrar el final de ambos personajes—. En 1991, cuando se decidió restaurar la película, se descubrió que la mencionada secuencia carecía de sonido. Tony Curtis volvió a doblar a su personaje, pero Olivier había fallecido por lo que se recurrió a Anthony Hopkins para doblar a Craso.

‘Espartaco’ es una película que puede verse las veces que sean, seguirá emocionando tal y como lo hizo en su momento, y su fuerza sigue viva 50 años después de su estreno, muy por encima de films posteriores que juegan a ser lo mismo. En un film reciente basada en cierta obra de Alan Moore podemos ver un intento de transmitir el mismo mensaje, de la misma forma que en el ‘Braveheart’ de Mel Gibson podemos apreciar como la batalla final del film de Kubrick influyó de forma poderosa en el trabajo de Gibson. Sus influencias llegan hasta el cine de James Cameron, quien ni corto ni perezoso hizo un calco de cierto momento del film en su laureada ‘Titanic’.

Y es que ¿a quién no le gusta ‘Espartaco’? ¿Quién no desearía ser Espartaco? Magistral de principio a fin. Su éxito permitiría a Kubrick abarcar proyectos más personales y convertirse en el autor que todos conocemos.

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’

• ‘Senderos de gloria’

‘De aquí a la eternidad’

Director: Fred Zinnemann

Intérpretes: Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Frank Sinatra, Donna Reed, Ernest Borgnine

El soldado Prewitt es un antiguo boxeador al que manejan tanto sus superiores como sus propios compañeros. Su amigo Maggio intenta ayudarle, pero también debe ocuparse de sus propios problemas. Mientras tanto, el sargento Warden y la mujer de un comandante, Karen Holmes, pisan terreno peligroso al vivir una historia de amor ilícita. Pero las vidas de todos cambiarán cuando en ellas se cruce el ataque japonés sobre Pearl Harbor. Un clásico ganador de 8 Oscars, y que se encuentra entre lo mejor del nunca considerado Fred Zinnemann. En nuestro país tuvo problemas de censura, debido a su antimilitarismo.

‘Adivina quién viene esta noche’

Director: Stanley Kramer

Intépretes: Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Sidney Poitier, Katharine Houghton, Cecil Kellaway, Beah Richards, Roy Glenn

Joanna, la hija de un prestigioso editor y su elegante esposa, llega a casa con su prometido, un distinguido médico y doctor. Christina acepta la decisión de su hija de casarse, pero Matthew y la familia de John no son capaces de evitar los prejuicios sociales que supone la relación. Toda una apología de la familia, el amor, y sobre todo la educación, fue la última película que protagonizó el gran Spencer Tracy, tanto de su carrera como al lado del amor de su vida, Katharine Hepburn. Con momentos muy emotivos, es una buena elección para estas fechas en las que la familia se une.

‘Recuerdo de una noche’

Director: Mitchell Leisen

Intérpretes: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Beulah Bondi, Elizabeth Patterson, Willard Robertson, Sterling Holloway, Charles Waldron

Justo antes de Navidad la joven Lee Leander es arrestada por robo de joyas y es procesada por el fiscal John Sargent, pero el juicio se pospone hasta después de Navidad. Sargent acaba sintiendo pena por ella y decide llevarla en coche hasta la casa de su madre. Después de pasar un tiempo juntos, se enamoran, pero les surge un nuevo problema, como solventar el problema con la justicia de Lee. Idónea para estas fechas, pues está ambientada en época navideña, a lo que hay que sumar la gran sensibilidad de Leisen —sobre el que Billy Wilder echaba pestes muy erróneamente— para narrar historias. Ésta, que navega entre la comedia y el drama, posee un guión del gran Preston Sturges.

‘Almas en el mar’

Director: Henry Hathaway

Intérpretes: Gary Cooper, George Raft, Frances Dee, Henry Wilconxon, Harry Carey, Olympe Bradna, Robert Cummings, Porter Hall

Nuggin Taylor y su amigo Powdah son pilotos de un barco de esclavos en el que se produce un motín. El capitán es asesinado y Taylor toma el mando, dejando que los esclavos escapen. Los dos hombres son conducidos a Liverpool y acusados formalmente, pero un oficial del Servicio de Inteligencia Naval le encomienda a Taylor una misión secreta para intentar reunir pruebas que condenen al poderoso sindicato de la esclavitud, y el acepta. Maravillosa muestra de cómo se las gastaba Henry Hatahway en el cine de aventuras, mezclando hasta suspense en un relato lleno de emoción. De ésas que ya no se hacen porque no saben.

‘Con faldas y a lo loco’

Director: Billy Wilder

Intérpretes: Jack Lemmon, Tony Curtis, Marilyn Monroe, George Raft, Pat O’Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff, Joan Shawlee, Billy Gray

Ambientada en los años de la Ley Seca en Chicago, ‘Con faldas y a lo loco’ cuenta la historia de dos músicos que accidentalmente presencian un enfrentamiento entre gangsters. Para huir de esta situación y del jefe de la banda de gangsters que inicia su persecución, Spats Colombo, se verán obligados a disfrazarse de mujeres y unirse a una banda de música femenina cuya cantante es la sexy Sugar Kane. No haber visto esta película es simple y llanamente pecado mortal ya no sólo para cualquier cinéfilo, sino para cualquier ser humano al que le guste reírse. Con uno de los finales más impactantes y delirantes que se hayan visto —“nadie es perfecto“— es una buena ocasión para regalarla a quellos cuya alma peligra de quemarse en el fuego eterno. Perdonen el ramalazo religioso, es que ayer mantuve una larga conversación/discusión con un creyente.

‘Colorado Jim’

Director: Anthony Mann

Intérpretes: James Stewart, Robert Ryan, Janet Leigh, Ralph Meeker, Millard Mitchell

Es pura aritmética. El dinero se divide mejor en dos partes que en tres, explica con mucha labia el forajido Ben Vandergroat a sus captores, tres cazarecompensas unidos por el azar. Le llevan para entregarle a la justicia con Abilene, pero Ben tiene otros planes. Si consigue que los hombres se enfrenten entre sí, aprovechándose de sus temores, su avaricia, y su vanidad, tal vez consiga escapar y hallar la libertad. Uno de los maravillosos westerns que Mann hizo con Stewart, era el único que no estaba editado en nuestro país, error que han subsanado. Extraordinarios personajes, y cómo no, excelente uso de los paisajes, como era habitual en Mann.

‘Té y simpatía’

Director: Vincente Minnelli

Intérpretes: Deborah Kerr, John Kerr, Leif Erickson, Edward Andrews, Darryl Hickman, Norma Crane, Dean Jones, Jacqueline deWit

Casada con Bill Reynolds el director de un colegio de Nueva Inglaterra, Laura Reynolds le ofrece a los chicos todo lo que se espera de la esposa de un maestro: té y simpatía. Pero cuando Laura descubre la tremenda injusticia que ha recaído sobre el estudiante, le ofrecerá mucho más que eso: su comprensión y amor. Una de las grandes historias de amor, llevada a cabo por un sensible Minelli, que se atrevía con una trama de connotaciones homosexuales, y con una Kerr brillando a gran altura, como siempre.

‘Los mejores años de nuestra vida’

Director: William Wyler

Intérpretes: Fredrich March, Myrna Loy, Dana Andrews, Teresa Wright, Virginia Mayo, Cathy O’Donnell

La esperanza es lo que mantiene a un soldado con vida; el sueño de volver a casa, para siempre. Pero cuando ese día llega, tres veteranos de la Segunda Guerra Mundial ven sus sueños convertidos en pesadillas: el Capitán Fred Derry vuelve a un matrimonio sin amor; el Sargento Al Stephenson se ha convertido en un extraño para su familia; y el joven marino Homer Parrish vive atormentado por la pérdida de sus manos. ¿Podrán estos tres hombres reunir el coraje necesario para recomponer su mundo? ¿O acaso los mejores años de sus vidas serán ya cosa del pasado? William Wyler consiguió su segundo Oscar —es el director con más estatuillas en la historia del cine— por este impresionante trabajo, una de las primeras películas que narraban las consecuencias de un conflicto bélico en los soldados que regresaban a sus hogares.

‘Laura’

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Gene Tierney, Dana Andrews, Vincent Price, Clifton Webb, Judith Anderson

Un periodista acaudalado se enamora de una joven llamada Laura tan completamente que su pasión le vuelve posesivo. Muy poco después de contraer matrimonio con un joven y atractivo conquistador, Laura aparece asesinada. Conmovido por la belleza de su retrato y las encendidas evocaciones de sus admiradores, el detective encargado del caso quedará a su vez irresistiblemente embrujado por la figura de la joven muerta. Una vez leí que esta película tenía ese sello tan característico, pero al mismo tiempo difícil de explicar, que diferencia a las obras maestras de las películas perfectamente acabadas. La bellísima Gene Tierney —para el que suscribe, la actriz más guapa jamás vista en una pantalla— se inmortalizó con este film, con el que Preminger alcanzó lo que muy pocos alcanzan.

‘El placer’

Director: Max Ophüls

Intérpretes: Claude Dauphin, Gaby Morlay, Madeleine Renaud, Ginette Leclerc, Mila Parély, Danielle Darrieux, Pierre Brasseur, Jean Gabin

El placer visto a través de tres historias. La primera, La máscara, cuenta la historia de un hombre que oculta su edad bajo una máscara para mantener su estatus en el juego y con las mujeres: el placer y la juventud. La segunda, La casa Tellier, narra el viaje al campo de Madame Tellier y sus pupilas para asistir a la comunión de su sobrino: el placer y la pureza. El último relato, La modelo, versa acerca de Jean, un pintor que se enamora locamente de su modelo: el placer y la muerte. Fascinante estudio sobre el placer humano de mano del director más elegante de todos los tiempos, Max Ophüls. La mejor película de varias historias que se haya hecho.

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Hace unas semanas, el pasado 20 de mayo, se cumplieron 100 años del nacimiento de James Stewart, actor memorable donde los haya. Su rostro bondadoso (retorcido en algunas magistrales películas), su físico (esas largas piernas), su voz (tan característica, imprescindible para apreciar su trabajo) y, sobre todo, la intensidad de sus interpretaciones quedaron grabadas vivamente en la memoria de los aficionados al cine. Una leyenda, una razón para amar el séptimo arte, que dejó este mundo el 2 de julio de 1997. Como suele decirse, siempre nos quedará su obra, las películas en las que participó y que son, en su mayoría, títulos de gran valor y de ejemplar factura. Tras una dificilísima selección, aquí os dejo con las que considero que son las diez películas en las que James Stewart muestra con mayor claridad su excepcional talento para la interpretación.

• ‘Caballero sin espada’

‘Mr. Smith goes to Washington’ (1939), de Frank Capra. Primera y merecida nominación al Oscar para Stewart, que interpretaba a un personaje con el que aún hoy se le identifica plenamente, dejando a un lado (quizá por desconocimiento) su faceta más oscura. El actor se ponía en la piel de un idealista y honesto senador de Wisconsin que se encuentra, en Washington D.C., con un mundo político corrupto que le estalla en la cara. El momento: El discurso final, con un Stewart entregado al máximo, en una memorable escena que, por cierto, fue parodiada estupendamente por Los Simpson (colaboración especial de Mel Gibson).

• ‘Historias de Filadelfia’

‘The Philadelphia story’ (1940), de George Cukor. Primer y único Oscar “verdadero” para Stewart; el otro fue honorífico, por toda su carrera. El mejor actor de reparto de aquel año encarnaba a un sarcástico periodista (frustrado escritor) que se ve envuelto en el juego que se traen la fantástica pareja formada por Katherine Hepburn y Cary Grant. El momento: Hay muchos, muy divertidos, pero a mí me encanta el de Stewart paseando por la mansión, revisando la lujosa cubertería, hasta que se da cuenta que alguien no le quita la vista de encima.

• ‘¡Qué bello es vivir!’

‘It´s a Wonderful Life’ (1946), de Frank Capra. Tercera nominación al Oscar para Stewart, quien realiza en este film la que posiblemente sea su interpretación más conocida (la del George Bailey soñador, que parece encerrado en una triste existencia), aunque sólo sea por la cantidad de veces que se ha visto la película, convertida con el paso del tiempo en el título navideño por excelencia. El momento: Sin duda, el final, de una fuerza y emotividad impresionantes, liberación de todo el drama soportado hasta entonces, a ratos una auténtica pesadilla.

• ‘Winchester 73’

‘Winchester ‘73’ (1950), de Anthony Mann. Grandioso western, uno de los mejores de la Historia del Cine, que gira en torno al simbólico rifle del título, que va de mano en mano, de historia en historia, hasta terminar en el lugar justo. Podéis leer mi crítica haciendo click aquí. El momento: Stewart entra en un bar y se encuentran justo con quien estaba buscando; los dos se llevan rápidamente las manos a las pistolas… Pero Wyatt Earp ya se las había quitado previamente. Si las miradas matasen, Stewart habría despedazado a su oponente.

• ‘El invisible Harvey’

‘Harvey’ (1950), de Henry Koster. Stewart vuelve a ser candidato al Oscar gracias a su memorable trabajo en esta entrañable comedia dramática (que casi podría haber firmado Capra) sobre un hombre cuyo mejor amigo es un gigantesco, pero invisible, conejo rosa. El momento: El protagonista entrega a su particular amigo, del que se despide, pues otra persona le necesita más que él… ¿acaso el conejo es real? ¿Quién es el loco?

• ‘Colorado Jim’

‘The Naked Spur’ (1953), de Anthony Mann. Se trata de una selección y no puedo ponerlos todos, pero éste tenía que estar. Mann y Stewart vuelven a trabajar juntos en un poderoso western psicológico, protagonizado por un grupo de personajes que se presentan de una forma pero van desarrollándose de otra, enriqueciendo una sencilla trama que se retuerce y complica por momentos, hasta su brillante desenlace. El momento: Robert Ryan se revuelve como una serpiente venenosa y pone en duda la bondad de las intenciones del personaje de Stewart, a lo que éste reacciona enfurecido, cargado de violencia y provocando la duda en todos nosotros; su expresión da miedo…

• ‘La ventana indiscreta’

‘Rear Window’ (1954), de Alfred Hitchcock. Acompañado de una arrebatadora Grace Kelly, el actor interpreta a un forzado “voyeaur” (debido a un accidente, queda en silla de ruedas), con peligrosas consecuencias; Hitchcock explota el suspense de forma magistral en este thriller, donde, como de costumbre en la filmografía del mítico director, hay mucho más de lo que parece. El momento: El asesino tiene atrapado a Stewart, y éste recurre al único “arma” que tiene a mano…

• ‘Vértigo (De entre los muertos)’

‘Vertigo’ (1958), de Alfred Hitchcock. ¿La mejor película del maestro del suspense? Eso mantenemos muchos. Lo que está claro es que esta fascinante obra no sería la misma sin Stewart, cuya imagen de hombre bondadoso queda, definitivamente, rota en mil pedazos, en la que quizá sea una de las tres mejores interpretaciones de su carrera. El actor se pone en la piel (y en el alma) de un hombre atormentado que persigue el fantasma de la mujer que desea. El momento: El trepidante inicio es antológico, pero lo cierto es que el mejor momento de la película llega mucho después, con la “fantástica” tranformación a la que se somete Kim Novak.

• ‘Anatomía de un asesinato’

‘Anatomy of a Murder’ (1959), de Otto Preminger. Stewart vuelve a bordarlo (otra candidatura al Oscar), en esta ocasión encarnando a un particular abogado que debe afrontar un complejo caso de asesinato, en el que un hombre ha matado al violador de su esposa. Ejemplar y elegante realización, un guión extraordinario y más de una sorpresa en un título imprescindible, una de las mejores “películas de juicios” de la Historia. El momento: ¿Algún sinónimo de “bragas”?

• ‘El hombre que mató a Liberty Valance’

‘The Man who shot Liberty Valance’ (1962), de John Ford. Stewart vuelve a protagonizar un western, que resulta ser uno de los más memorables de la Historia. John Wayne y Lee Marvin completan un trío de lujo en una dramática historia que, entre otras cosas, es una reflexión sobre los mitos del lejano oeste americano. El momento: Creo que si hay que quedarse con uno, sólo puede ser el de la escena que da título a la película. La tensa situación con trampa en la que disparan y matan a Liberty Valance (hay quien duda aún sobre quién fue, realmente, el que hizo lo segundo).

Y diez. Eso es todo. Con alguien como Stewart, uno siempre se va a quedar corto haciendo una lista como ésta; se han quedado fuera títulos memorables como ‘El Bazar de las Sorpresas’, ‘La Soga’ o ‘Tierras Lejanas’... Pero bueno, había que elegir. ¿Qué opináis vosotros?

Dado que hoy se estrena entre nosotros la floja ‘Enfrentados’, la cual no conseguirá que el mejor género cinematográfico que existe vuelva a reverdecer viejos laureles, vamos con una de esas listas que no llevan a ningún lado, y a todos tanto nos gustan. Se trata de reducir a diez, como siempre, los que a mi juicio me parecen los mejores westerns que he visto. Sin más dilación, y sin orden ninguno:

• ‘El Fuera de la Ley’

Una de las mejores películas de Eastwood, su mejor western. Todas las constantes por las que fue tan alabado posteriormente ya se encontraban aquí. Personaje solitario y casi fantasmagórico, el romanticismo de la soledad, la incomprensión humana. Eastwood compone un personaje antológico, al igual que Chief Dan George. Sondra Locke se toparía aquí por primera vez con el actor favorito de Sergio Leone, y le acompañaría durante muchos años. Por supuesto, de tito Clint también hay que destacar ‘El Jinete Pálido’ (impresionante western de resonancias bíblicas), y ‘Sin Perdón’ (la película que hizo el milagro de que muchos cegatos pudieran ver).

• ‘Rio Bravo’

Es curioso que las mejores películas de Howard Hawks sean westerns, y por supuesto, ‘Rio Bravo’ el mejor de todos. Claustrofóbica donde las haya, la película fue cine mil veces imitada, siendo homenajeada de muy buena forma por Carpenter en ‘Asalto a la Comisaría del Distrito 13’. John Wayne, Dean Martin (nunca estuvo mejor) y Ricky Nelson se compenetran a la perfección, y Angie Dickinson corta la respiración. Por supuesto, de Hawks merecen destacarse ‘El Dorado’ (una especie de remake del presente film) y ‘Río Rojo’.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Una de las mejores películas del gran John Ford, y por consonancia una de las mejores de toda la historia, sin paliativos. Todo en ella es perfecto: sus personajes, la historia, las interpretaciones, su emotivo lirismo, y la capacidad de Ford para hacer grande lo sencillo. Por supuesto, del gran maestro hay que nombrar otras como ‘La Diligencia’ (el reconocimiento internacional de John Wayne), ‘Pasión de los Fuertes’ (en la que Victor Mature fue capaz de interpretar), ‘Centauros del Desierto’ (el mejor western de todos los tiempos para muchas personalidades del cine), ‘El Sargento Negro’ (de lo más atípico de Ford) y ‘El Gran Combate’ (el gran tributo de Ford al pueblo indio).

• ‘Duelo al Sol’

King Vidor (y más directores que se subieron al carro y luego se bajaron) pasó un infierno, al tener que aguantar los caprichos, por así decirlo, de su productor, David O. Selznick, que quiso repetir un ‘Lo Que el Viento se Llevó’ (film con el que guarda muchos parecidos). El resultado, a pesar de los pesares, es uno de los westerns más bellos jamás realizados. Incluso Jennifer Jones estaba bien (que ya es decir). Nunca un beso (la escena final es de las más famosas de todo el celuloide) se hizo esperar tanto. Llama la atención que en nuestro país jamás la hemos visto entera. La edición en dvd de los USA contiene 20 minutos más de metraje, que nuestra estúpida censura de la época se encargo de hacer desaparecer en el momento de su estreno. Haceros con esa copia, de altísima calidad en todos los aspectos, porque merece la pena.

• ‘La Muerte Tenía un Precio’

La culpable de que me guste el cine (algunos ya sabéis a quien tenéis que maldecir). De los tres spagetthi-westerns que realizó Sergio Leone con Mr. Eastwood éste es mi favorito. Inolvidable banda sonora de, como no, Ennio Morricone, y un duelo final antológico. Por supuesto ‘Por un Puñado de Dólares’, ‘El Bueno, El Feo y el Malo’, ‘Agáchate Maldito’ y sobre todo ‘Hasta Que Llegó su Hora’, merecen especial mención. Por cierto, sólo la última de ellas tiene una edición en dvd en nuestro país como Dios manda. Del resto sólo han hecho, literalmente, basura. Las ediciones de USA de esos films dejan con la boca abierta.

• ‘Pat Garrett y Billy The Kid’

Creo que la mítica historia entre Pat Garrett y Billy el Niño nunca fue tan mejor plasmada como en esta película (con permiso de la imprescindible ‘El Zurdo’ de Arthur Penn). Ni James Coburn, y sobre todo Kris Kristofferson, estuvieron mejor. El problemático Peckinpah rodó un film amargo sobre la decadencia, no exento de belleza. Bob Dylan hizo su inolvidable banda sonora, con canciones que aún hoy no dejan de sonar. Evidentemente, del señor Peckinpah también hay que nombrar ‘Duelo en la Alta Sierra’, ‘Grupo Salvaje’ (con esa parte final para la que no se tienen palabras) y ‘La Balada de Cable Hogue’.

• ‘El Árbol del Ahorcado’

Delmer Daves fue uno de los primeros directores clásicos que descubrí, y para un servidor éste es mi western favorito. Intensa historia con un Gary Cooper espléndido (como casi siempre) y un Karl Malden en su línea de malvado. El tema musical, interpretado por Marty Robbins se hizo mundialmente famoso. Es una pena que esta película no tenga ninguna edición en dvd en ninguna parte del mundo. Por supuesto de Daves hay que destacar irremediablemente ‘Jubal’, ‘La Ley del Talión’ (en la que Richard Widmark sorprendió a todo el mundo con su personaje), y como no, ‘El Tren de las 3:10’, de la que recientemente se ha hecho un remake que aquí aún no se ha estrenado.

• ‘Winchester 73’

Anthony Mann dirigió a James Stewart en un buen puñado de películas, siendo la mayoría de ellas westerns. Ésta es la primera de ellas, una increíble historia sobre un rifle que va de mano en mano mostrándonos todo un mosaico de personajes, intereses y paisajes. Los cegatos que dicen que Stewart no tenía rostro para el western no han visto esta película, como tampoco las maravillosas ‘Colorado Jim’ o ‘El Hombre de Laramie’, en las que una inaudita violencia era una protagonista más. También habría que citar ‘El Hombre del Oeste’, con Gary Cooper.

• ‘Murieron con las Botas Puestas’

Una clásica de indios y vaqueros, como decíamos cuando éramos niños. Raoul Walsh al frente, y Errol Flynn cumpliendo sus órdenes, dando vida al General Custer en la representación fílmica de una de la batallas más famosas en el lejano oeste. De Walsh habría que citar también ‘Pursued’, una de las películas que le dio una vuelta de tuerca la género, al mezclarlo con el thriller.

• ‘Raíces Profundas’

Eastwood la revisitó casi punto por punto en la antes comentada ‘El Jinete Pálido’. El grandilocuente George Stevens realizó aquí un western mucho más íntimo con resultados de sobra conocidos por todos. Jack Palance hizo un malvado para la historia y el blandengue Alan Ladd pocas veces estuvo tan bien.

Al final, nombrando, nombrando, he citado muchas más de diez, y las que faltan, pero a ésas en concreto les tengo un enorme cariño. Ahora les toca a ustedes, damas y caballeros, desenfundar sus títulos favoritos.

Anthony Mann ha pasado a la historia por haber dirigido sobre todo un buen puñado de excelentes westerns, destacando sobremanera aquellos que hizo con James Stewart, uno de los rostros más característicos del género. También al final de su carrera, el director se especializó en superproducciones muy típicas de los años 60, alguna de las cuales se rodó en nuestro país, en la época en la que el todopoderoso Samuel Broston quiso convertir España en una especie de Hollywood.

‘The Tall Target’ es uno de los films menos conocidos de Mann, y se adentra en un género en el que Mann no se paró demasiado, pero viendo una película como ésta, a muchos no nos hubiera importado que se parara bastantes más veces, porque tal y como dice mi compañero Juan Luis (que a estas alturas aparte de rasgados, ya tiene los ojos en blanco y negro), la película bien podría estar firmada por Alfred Hitchcock, y hasta incluso no nos habríamos dado cuenta. Es curioso como a veces grandes directores, u otros que no lo son tanto, nos sorprenden en un terreno en principio desconocido para ellos. Al respecto, un servidor está preparando un post, algo dificultoso, sobre cómo hubieran enfocado ciertos directores algunas de las secuencias más famosas de la historia del cine. Y ya que estamos: ¿cómo hubiera realizado Hitchcock ‘Winchester 73’?

La mayor parte de la acción de ‘The Tall Target’ se desarrolla en un tren, en la línea que unirá Ohio con Baltimore, en la que viaja nada más y nada menos que Abraham Lincoln, sobre cuya persona alguien ha planeado un atentado. Un detective, el protagonista de nuestra historia, que una vez fue guardaespaldas de Lincoln, es conocedor de esa conspiración para asesinarlo, pero no tiene pruebas y nadie parece creerle, salvo los asesinos por supuesto, cuya identidad no conoceremos hasta los instantes finales de la película. Hasta ese momento, nuestro protagonista tendrá que demostrar que dice la verdad e intentar desbaratar los planes de los malos de la función.

Mann maneja a la perfección el espacio escénico y el ritmo, casi endiablado, de la trama. Un tren, en la mejor tradición del género es testigo de la intrincada (por momentos) trama de la película, guardando secretos en cada compartimento, sin que sepamos qué nos depara detrás de cada puerta, como tampoco lo sabe el protagonista. Habría que decir que a partir de cierto momento el espectador más avispado puede darse cuenta de quien está detrás de todo con lo que el factor sorpresa ya no lo es tanto. Pero interesa más el saber cómo va a hacer el personaje central para salir del embrollo en el que se mete. Un personaje interpretado por Dick Powell, actor de lo más normalito, pero que en esta película compone perfectamente el papel de hombre desesperado por encontrar la verdad. Como antagonista, un carismático Adolphe Menjou, secundario de lujo donde los haya, quien mantiene un duelo, por así decirlo, de cierta altura con Powell, el cual aguanta bastante bien el enfrentarse a un actor de la talla de Menjou, quien parece habérselo pasado en grande con esta película, por sus intervenciones humorísticas y otras que no lo son tanto. Conviene citar que Menjou protagoniza, si cabe, la mejor secuencia de la película, aquella en la que tienen vital importancia una pistola y una almohada. Sorprendente por la situación establecida, y sobre todo por el manejo del suspense que Mann hace en ese momento, logrando que el espectador se coma las uñas de puro nerviosismo.

Una buena película en la que Mann pareció alejarse de su género predilecto, aunque no demasiado, al fin y al cabo, la acción se desarrolla en un tren, elemento característico de los westerns. Un film que no necesita en ningún momento ser una obra maestra, por sus más que discretas pretensiones, pero que nos descubre a un Mann distinto en cierto modo. Señalar que a pesar de que toda la trama es ficticia, ésta se basó en un hecho verídico: el viaje de Lincoln en ese tren, en el que por supuesto no ocurrió nada. Si queréis echarle un vistazo a esta maja película me temo que tendréis que recurrir a ese animal de carga internacionalmente conocido.

Creo que la escena más significativa de ‘Horizontes Lejanos’ es aquella en la que un personaje está seleccionando manzanas y aprovecha esa tarea para referirse a la naturaleza de los hombres. Según él, hay manzanas que sencillamente están podridas, no cambian, y es mejor separar del resto, porque en caso contrario, las contaminarían. El receptor de esa contundente metáfora disimula pero la cámara se fija en su mirada; aunque no sabemos qué ha pasado con este hombre, nos damos cuenta que no está nada de acuerdo con la teoría de las manzanas podridas. Más adelante, tendrá oportunidad de demostrar su propia visión de la naturaleza del hombre. Al menos, su caso.

‘Horizontes Lejanos’ se centra en Glyn McLyntock, un guía de misterioso pasado que acompaña a una caravana de colonos cuyo deseo es asentarse en unas tierras lejanas, río arriba, más allá de Portland. Un día, casualmente, salva de la horca a Emerson Colt, con el que, a pesar de los secretos, sabe que le une algo; Colt decidirá acompañar a McLyntock y los colonos a la espera de encontrar un sitio mejor. Tras el ataque de un grupo de indios y el paso por un pueblo donde compran provisiones, y donde se queda Colt, finalmente, la caravana llega a su destino. Aunque todo marcha bien, la llegada del invierno hace peligrar su existencia, necesitando urgentemente la llegada de más provisiones. Los suministros que han comprado no acaban de llegar y McLyntock se compromete a volver a buscarlos. La supervivencia de la comunidad está en sus manos.

Como dejaban claro las declaraciones que os copié recientemente, el paisaje es uno de los elementos que más juego tienen para Anthony Mann. En ‘Horizontes Lejanos’, dejando al margen los momentos con ese ridículo decorado de las montañas, el paisaje representa, como en ‘La Puerta del Diablo’, la búsqueda de una tierra prometida, la esperanza de una vida mejor en medio de un vasto y duro tablero lleno de peligros. Igualmente, es fundamental la identificación que se hace entre el personaje de James Stewart y el territorio natural que recorren. El guía no sólo conoce el mejor camino entre las montañas, sino que se maneja a la perfección cuando le toca ser el depredador. Otra cosa será cuando lleguen al pueblo, símbolo demoledor del poder corruptor del dinero, de donde salen, no por casualidad, los más rastreros enemigos. De nuevo, las manzanas podridas. Y los hombres. Stewart prefiere el agradecimiento de un pueblo que llevarse una montaña de oro. Bendito sea.

Mann vuelve a contar con James Stewart para protagonizar un western tras los maravillosos resultados de ‘Winchester 73’ y no cabe duda que la estrella, una de las que brillaron con mayor intensidad, aporta al film algo más que su famosa y particular presencia. Stewart interpreta de forma inmejorable a un hombre de pasado siniestro (varios momentos nos dicen esto, como cuando se lleva la mano al cuello, tapado por un pañuelo) que ayuda a un grupo de personas en la búsqueda de una tierra donde asentarse. Su experiencia, ya digo, adquirida en un pasado oscuro, se demostrará a lo largo de todo el metraje, y será fundamental para combatir a esos otros hombres violentos que no conocen nada salvo su propio beneficio personal; las manzanas podridas. Tan ejemplar como espectacular resulta toda la parte final de la película, desde el momento en que Stewart, con el rostro desencajado, en un primer plano de gran fuerza, amenaza a Arthur Kennedy con perseguirle sin respiro. La cara que se le queda a éste es para enmarcarla, también. Por cierto, se dice por ahí que el personaje de Stewart sería repetido años más tarde por Gary Cooper en ‘El Hombre del Oeste’. ¿Una secuela encubierta? A mí me parece que son personajes muy similares (lo del pasado es obvio), pero lejos de ser idénticos. Desde luego, la comparación no es gratuita.

Del resto del reparto, destacar al mencionado Kennedy, divertido y siniestro, en un papel que no es más que una variación del que encarna el guía de los colonos. Dicho esto, humildemente, creo que otro actor con mayor carisma le habría venido mejor al film, puesto que nadie se pone de su lado en ningún momento, cosa que sí hacemos con el personaje de Stewart, a pesar de que ambos se empeñan en ocultar sus negras raíces. Señalar también la presencia de un joven Rock Hudson, que si bien sale poco, deja su huella con su encanto natural, y la radiante Julie Adams, que tiene un papel estupendo, de interesante progresión y de los que ya no abundan, como reflexionaba hace poco mi compañera Beatriz.

Igual que me parece que otro actor podría haber aportado algo más de suspense al personaje de Colt, creo que hay fases en que el color le hace un flaco favor a ‘Horizontes Lejanos’. Me refiero, por ejemplo, a tanta ropa de colores tan variados y chillones, o al resultado de algunos decorados, que quedan muy por debajo del nivel de la película, restándole un poco de majestuosidad y pudiendo provocar que, especialmente el público de hoy, se deslice alguna risita involuntaria. Desde luego, todo eso desaparece conforme el film avanza, porque a ver quién es el gracioso que se atreve a respirar cuando Stewart va eliminando forajidos en la oscuridad de la noche o cuando llega ese tenso y violento enfrentamiento de los dos rivales en el río.

En resumen, una magnífica película que no debe faltar en vuestra colección. Con ‘Horizontes Lejanos’, Anthony Mann continúa engrandeciendo el mítico género del western. Pongo a Dios por testigo que no volveré a olvidar la amenaza de un furioso James Stewart o la preciosa forma en que acaba la historia. Imprescindible.

Uso constantemente el paisaje porque al situar a un hombre en uno determinado, hago a ese hombre mucho más grande. Creo que el actor actúa mucho mejor cuando se le fotografía en contraste con algo hermoso, algo fuerte, algo que le define.

Lo dijo Anthony Mann.