El director Jean-Jacques Annaud tuvo su momento de esplendor a raíz de su éxito por ‘En busca del fuego’ (‘La guerre du feu’, 1981), tras la cual vinieron las aún más exitosas ‘El nombre de la rosa’ (‘Der Name der Rose’, 1986) y ‘El oso’ (L´ours’, 1988). Films que mostraban a un director que sabía encontrar un equilibrio narrativo/estético realmente envidiable, tomando la sencillez como la mejor de las herramientas. Como muchos otros realizadores, enseguida sucumbió al esteticismo y sus films se volvieron estampas muy bonitas pero vacías de todo contenido. Con ‘Oro negro’ (‘Black Gold’, 2011), que ha pasado completamente desapercibida por las carteleras de nuestro país, parece regresar a cierto tipo de cine, podemos llamar clásico, con un punto de épica, en una de esas historias de las que ya no se cuentan.

Annaud intenta devolver al séptimo arte ese tipo de película que parece ya no interesan a nadie —quizá de ahí su poca repercusión en los cines, más sorprendente aún cuando viene de un director que vivió tiempos mejores, narrando historias que sí interesaban a las audiencias— en una película alejada de toda parafernalia visual, aunque no reniegue de las actuales técnicas digitales tan de moda. Con un ajustado presupuesto de 40 millones de dólares —cualquier otro director de mayor renombre hubiese necesitado mucho más— Annaud logra que ‘Oro negro’ luzca como una superproducción en toda regla, llena de extras, y en cuyas imáganes bucea el recuerdo de cierta cinta dirigida por el gran David Lean, salvando las distancias evidentemente.

La película recoge a modo de relato de aventuras los enfrentamientos entre distintos clanes en los reinos árabes a principios de los años 30, cuando una compañía texana intentó explotar los grandes yacimientos de petróleo. En un lugar denominado el cinturón dorado es donde se quiere extraer el crudo, pero dicho lugar permanece intacto como símbolo de la paz entre dos reinos anteriormente en guerra. Los problemas surgirán cuando uno de ellos quiera enriquecerse a costa del petróleo, saltándose el acuerdo con su oponente, quien parece negarse a todo progreso. Premisa muy clásica, en la que se habla entre otras cosas de las tradiciones, de los peligros de todo avance tecnológico, de las creencias y no sólo religiosas, en un marco lleno de arena, sol y siempre con una claridad narrativa que haría las envidias de muchos realizadores perdidos en querer romper las mal llamadas reglas del cine.

La sensación que produce ‘Oro negro’ en su primer tercio es la de desconcierto, incluso rechazo. Cuesta creerse a alguien como Antonio Banderas en la piel de un rey árabe codicioso, pero que en el fondo parece tonto de remate, ofreciendo una visión de los árabes poco menos que ridícula. A su lado, o más bien enfrente, su antagonista, un muy correcto Mark Strong cargando con un personaje más rico en matices. Es en la historia de uno de los hijos del segundo, y la relación con su padre, donde encuentro los mayores atractivos del film, pues se ponen sobre la mesa cuestiones tan antiguas como antiguo es el ser humano, cuestiones que seguirán llenándonos de dudas en siglos venideros. Cuestiones sobre las cosas de verdadero valor, el coraje, la amistad, la compasión, y sobre todo, el amor.

Tahar Rahim, al que todos pudimos admirar en la magistral ‘Un profeta’ (‘Un prophète’, Jacques Audiard, 2009), lleva en cierto momento todo el peso de la función, como joven ensimismado con los libros en un pueblo cuya ignorancia y fanatismo religioso —el Corán se nombra repetidas veces, y no precisamente para dejarlo bien— les llevan a hacer cosas realmente sin sentido. Será precisamente su conocimiento el que le lleve a convertirse en un hombre perfectamente preparado para la guerra, pero también para ser un hombre justo capaz de encontrar el entendiemiento entre oriente y occidente. Pero como todos los grandes hombres que protagonizan grandes historias, encontrará la verdadera madurez y hombría a través del sacrificio y las penurias. Son varios los instantes en los que Annaud nos muestra hechos tristes, pero afortunadamente sin cargar las tintas, por mucho que la banda sonora de James Horner, empeñado en plagiar a John Williams en algunos instantes, se empeñe en ello.

Annaud se muestra simpre seguro, manejando el ritmo a la perfección, aunque habría que demandar algo más de pasión, y sobre todo el no descuidar a ciertos personajes. Baste recordar el papel de una decorativa Freida Pinto, a quien se le echa en falta un poco más de empaque en una historia en la que continuamente nos recuerdan que el amor es el bien más preciado del hombre. Los diálogos entre Mark Strong y Tahar Rahim están llenos de grandes frases para enmarcar, grandes verdades que nos hacen reflexionar sobre lo verdaderamente importante en la vida. La posible grandeza de ‘Oro negro’ se encuentra más en sus líneas de diálogo que en sus imágenes, filmadas con más corrección que maestría, y es que da la impresión de que Annaud ha jugado sobre seguro, sin haberse arriesgado. El riesgo se ha corrido a la hora de estrenarla, pues las audiencias de hoy día reniegan de este tipo de productos de factura clásica.

Steven Soderbergh es uno de los directores más peculiares que hay en Hollywood. Tan capaz es de rodar una tercera entrega de la muy disfrutable ‘Ocean´s Eleven (Hagan juego)’ como de darle un papel en una de sus películas a la actriz porno Sasha Grey. Su capacidad para ir alternando proyectos de diversa índole se mantiene y tras ‘Contagio’ optó por saltar al cine de acción, pero manteniendo su capacidad de innovar: Le dio el papel protagonista a Gina Carano, una luchadora de artes marciales mixtas cuya experiencia en el cine se limitaba a un papel menor en ‘Promesa sangrienta’. Sin embargo, eso no amilanó a Soderbergh a la hora de seguir potenciando a las mujeres como heroínas de acción perfectamente válidas e incluso más letales que los hombres.

Lo cierto es que el argumento de ‘Indomable (‘Haywire’)’ no es especialmente original: Mallory (Gina Carano) es una agente altamente cualificada que trabaja para el Gobierno de los USA a la hora de ejecutar las misiones más peligrosas y de dudosa legalidad, pero todo cambia tras completar una misión en China: Alguien de su equipo le traiciona y le da por muerta, pero consigue escapar con vida y llega la hora de vengarse, pero no será nada fácil, ya que tendrá que salvar infinidad de obstáculos para intentar lograrlo. Lo cierto es que toda la información que ha sido saliendo me hace pensar en una especie de mezcla entre ‘Kill Bill’ y las películas sobre Jason Bourne. ¿Ser un pastiche es necesariamente malo? Para nada, pero habrá que hacerlo bien para no dejar la sensación de ser otra vez, y estando detrás Steven Soderbergh es algo que doy casi por seguro que no pasará.

Otro de los puntos fuertes de ‘Indomable (Haywire)’ es su reparto, ya que Soderbergh ha cuidado mucho el rodear a Gina Carano de multitud de rostros conocidos: Ewan McGregor, Antonio Banderas, Michael Fassbender, Michael Douglas, Bill Paxton, Matthieu Kassovitz, Channing Tatum, Anthony Wong y Michael Angarano son varios de los hombres que se cruzarán en el camino de la protagonista, ya sea como aliados o como enemigos que neutralizar. No obstante, imagino que muchos de ellos tendrán una presencia reducida en la película en una especie de cameos de lujo y que la presencia de Soderbergh habrá sido clave en que aceptasen aparecer. Hace unos meses ya pudimos ver un tráiler que resultaba bastante atrayente para los amantes del cine de acción, y ahora nos llegan las últimas novedades antes de su estreno en USA el próximo día 20 de este mes.

Y es que además del cartel definitivo de la película también se han hecho públicas la friolera de 37 nuevas imágenes (las podéis ver más abajo) y 3 vídeos sacados directamente de la película (mi preferido, de largo, es el primero). Las malas noticias es que nosotros tendremos que esperar hasta el de 2 de marzo para poder verla. Yo tengo mucha curiosidad, tanto por el reparto como por ver qué ha podido hacer Soderbergh con una cinta de acción con un presupuesto similar a las producciones de Luc Besson (25 millones de dólares). ¿Tenéis ganas también vosotros?

Vía | Twitch Film

Han pasado ya más de siete años desde que la mirada de un adorable felino se convirtiera en lo más celebrado de la secuela de Shrek y ya entonces empezó a hablarse de una película propia para ‘El gato con botas’ . No obstante, y como ya apuntaba, fueron pasando los años y por el camino se estrenaron dos nuevas secuelas (y varios especiales navideños) de las aventuras del ogro verde que aniquilaron gran parte del interés que uno podía tener en ver un spin-off de un personaje muy devaluado a nivel artístico, pero cuya rentabilidad económica estaba fuera de toda duda.

¿Y qué es lo uno se encuentra al ver ‘El gato con botas’? El primer miedo que hay que desterrar es la idea de encontrarnos ante una mediocridad como fueron las dos últimas entregas de ‘Shrek’, ya que dicha saga es olvidada por completo en este caso al preferirse apostar por la tradicional presentación del héroe y sus peculiares orígenes. Eso sí, la originalidad no es uno de los puntos fuertes, pues se combina la infancia en un orfelinato con una amistad propia de hermanos en la que surgen los problemas cuando nuestro protagonista empieza a destacar. A partir de ahí, las presuntas sorpresas son bastante previsibles y no aparece ningún momento icónico por el que la película vaya a ser recordada dentro de unos meses. Y es que se ha preferido contar una historia sencilla en la que algunos elementos fantásticos funcionan como dinamizador, pero evitando también caer en una mezcla de humor grosero más bromas actuales tan en boga en las cintas animadas de Dreamworks hasta hace no tanto.

En el apartado animado se nota una progresión respecto a las últimas apariciones del personaje e incluso hay pie para algunos momentos inspirados. El elemento que más dudas me despertaba era el personaje de Humpty Dumpty, ya que la idea de de un huevo viviente era algo con muchos riesgos de convertirse en un ridículo espantoso. Afortunadamente, esto es algo que se salva con corrección a nivel de diseño visual, aunque me sigue intrigando la decisión de darle esa forma al personaje. Donde sí aparecen los problemas es en la utilización del 3D, pues está muy lejos de alcanzar el nivel logrado en la reciente ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio’, uno de los pocos títulos que realmente ha justificado la utilización de esta tecnología en los últimos años. En el caso de El gato con botas no es algo que resulte molesto o cuyo uso pueda llegar a causar molestias en la vista, pero no aporta un valor añadido que justifique pagar el dinero extra por el que tanto suspiran las majors.

Es lógico que Antonio Banderas vuelva a poner voz al personaje protagonista, ya que, dejando de lado los momentos ojos tiernos, el encanto del personaje debía mucho al malagueño. Aquí se potencian las virtudes del personaje y si uno disfrutó del mismo en ‘Shrek 2’, no debería haber pega alguna para volver a pasárselo bien. La parte latina se ha potenciado con la voz de Salma Hayek como Kitty, una astuta felina que mientras parece robar tu corazón, en realidad puede estar apropiándose de cualquier otra posesión material. La química entre ellos ya fue testada hace años por Robert Rodríguez, pero en esta ocasión no excede a la que nos encontramos en otras combinaciones aleatorias de producciones animadas. También choca encontrar a Zach Galifianakis como el huevudo amigo de nuestro héroe, ya que vuelve a parecer una elección azarosa que no ofrece nada por lo que realmente pensemos que tenía que ser él. Nunca he terminado de entender la imperiosa necesidad de que intérpretes célebres copen el apartado vocal de la abrumadora mayoría de producciones animadas cuando luego eso no es algo que nos aporte algo. Veo el sentido comercial, pero al menos luego potencia de alguna manera tu elección en la película. ¿Tan mal lo hacen para quejarme tanto? Lo cierto es que no, pues la corrección es la tónica, pero es una pena que un trabajo tan acertado como el de Banderas no encuentre ningún contrapunto a su altura.

En definitiva, El gato con botas es un digno entretenimiento si se está dispuesto a disfrutar con una cinta de animación que no ofrece nada realmente nuevo ni nos aporta algo espectacularmente bueno. Estamos ante una película sencilla que sabe muy bien lo que tiene que hacer para superar levemente el mínimo exigible, algo, por otro lado, quizá un tanto escaso tras llegarnos de la mano de Dreamworks una propuesta tan estimulante como ‘Cómo entrenar a tu dragón’ hace no mucho. ¿Es suficiente eso? En mi caso sí que lo es, que nunca viene mal algo ligero pero cumplidor, aunque la mejor cinta de animación de lo que va de 2011, un año no tan logrado como los anteriores en este tipo de propuestas, sigue siendo ‘Rango’.

¡Oh, sorpresa! La número uno en la taquilla estadounidense ha sido un spin-of, nos ha cogido a todos por sorpresa. ‘El gato con botas’ (‘Puss in Boots’, Chris Miller, 2011) recupera uno de los personajes más carismáticos del universo Shrek para una película en la que nuestro Antonio Banderas sigue prestando su voz al personaje. Tanto crítica como público parecen aceptarla sin demasiadas emociones. En los cines españoles podremos verla a partir del 25 de noviembre.

‘In Time’ es la nueva película de Andrew Niccol —‘Gattaca’ (id, 1997)— que está protagonizada por Justin Timberlake y Amanda Seyfried. En un futuro en el que los humanos sólo viven hasta los 25 años, existe la posibilidad de vivir más robando tiempo a los demás. Premisa más que interesante para una película que ha recibido tibias críticas mientras que el público votante parece lo suficientemente satisfecho. En nuestras salas el próximo 2 de diciembre.

‘The Rum Diary’ es la nueva película de Bruce Robinson, quien llevaba casi 20 años sin dirigir. Johnny Depp da vida a Kemp, periodista freelance que en los años 50 se fue a trabajar a un periódico local en Puerto Rico. Siguiendo la estela de películas como ‘Where the Buffalo Roam’ (Art Linson, 1980) o ‘Miedo y asco en Las Vegas’ (‘Fear and Loathing in Las Vegas’, Terry Gilliam, 1998), que recogen personajes de Hunter S, Thompson, parece ser que nos encontramos ante un festival al servicio de su estrella principal. ¿Nominación al Oscar en puertas?

Vía | IMDb

El director de fotografía José Luis Alcaine, nacido en Tánger hace setenta y dos años, que ha trabajado para los directores más prestigiosos y célebres del panorama nacional y que es responsable de la luz en películas como ‘Canciones para después de una guerra’, ‘Demonios en el jardín’, ‘Más allá del jardín’, ‘El sur’, ‘Tasio’, ‘La corte del faraón’, ‘El viaje a ninguna parte’, ‘¡Ay, Carmela!’, ‘Amantes’, ‘Jamón, jamón’, ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, ‘Belle Epoque’, ‘Roma’, ‘Al sur de Granada’, ‘Volver’, ‘Las trece rosas’ o ‘La piel que habito’, entre muchas otras, recibe hoy la Medalla de Oro de la Academia de cine, de manos del presidente de la institución, Enrique González Macho. Alcaine ya había obtenido el Premio Nacional de Cinematografía 1989, cinco Premios Goya, el Cóndor de Plata, el Premio de la Academia Europea por ‘Volver’ y el Ricardo Franco del Festival de Málaga.

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el presidente de la Academia, Enrique González Macho, Leonor Watling, Juan Diego Botto, Concha Velasco, Bigas Luna, Aitana Sánchez-Gijón, Natalia Verbeke, María Esteve, Gonzalo de Castro, Ray Loriga, Verónica Sánchez, Enrique Cerezo y Pilar Bardem, asistirán esta noche a una cena homenaje para uno de los operadores más reconocidos del cine español.

La Medalla de Oro, que se concede con ese nombre desde 1991 –en 1986 se entregó con otra denominación–, es uno de los galardones más importantes que entrega la Academia de la Artes y de las Ciencias cinematográficas de España. Es decisión de la Junta directiva y su objetivo es ofrecer un homenaje en reconocimiento a quienes han contribuido con su trayectoria profesional a mejorar el cine español en el aspecto industrial o en el artístico.

Los anteriormente homenajeados con esta medalla fueron: La actriz Rosa María Sardá en 2010, Carmen Maura en 2009, en 2008 Maribel Verdú, en 2007 el director, animador, dibujante y técnico de efectos visuales Pablo Nuñez; Geraldine Chaplin, también actriz, en 2006; Basilio Martín Patino, director, productor, escritor e investigador, en 2005; Antonio Banderas, en 2004; Concha Velasco, en 2003; Carmelo Bernaola, músico y compositor, 2002; Fernando Fernán-Gómez, en 2001; José Luis Borau Moradell, en 2000; Gil Parrondo, decorador, en 1999; Elías Querejeta, en 1998; Sara Montiel, en 1997; en 1996 se celebró el Centenario de cine y se entregaron 46 Medallas de Oro. En 1995 la medalla fue paa la actriz Ana Belén, mientras que en 1994 la había recibido el productor Alfredo Matas. En 1993 recayó en Francisco Rabal, tras haber sido entregada en 1992 a Carlos Saura, y haber comenzado en 1991 con Fernando Rey. En 1986 se concedió al Responsable de la productora CIFESA, Vicente Casanova.

Vía | Academia.

Y lo cierto es que su trayectoria es cualquier cosa menos previsible, si hay algo que distinga a este cineasta de la gran mayoría de sus contemporáneos es que se trata de un hombre libre, capaz de producir todos y cada uno de sus proyectos con total ambición, pero, además, dotado de la verdadera libertad, más un espacio mental para seguir creando que una especie de condición mágica basada en reconocimiento crítico y grandes éxito de taquilla, aunque ambos no le han faltado en una trayectoria que no suele repetir la misma película. Y también debo decir que ‘Todo sobre mi madre’ (1998) supuso mi primera, temprana separación con un cineasta al que había admirado por sus iconoclastas películas de los ochenta. Aquél oscarizado melodrama supuso más que nada la confirmación de que estábamos ante un cineasta internacional, pero en el fondo algo decepcionante: su adaptación de los registros de Fassbender para todos los públicos tenían un interés más bien relativo.

¿Y qué pasó entonces? ‘Hable con ella’ (2002), una de las mejores películas españolas de la década pasada, una obra maestra compleja y llena de sutilezas cuyo alcance no ha sido valorado todavía, no tanto porque el cineasta goce de un desprestigio sino porque sus películas suelen admitir revisitaciones sin desvelar gran parte de sus misterios. Desde entonces ha sido Almodóvar un cineasta en constante de reinvención, capaz de reescribir su pasado más emblemático sin que parezca importarle ser más oscuro, formalmente más apabullante que nunca y arriesgándose a ser incomprendido, excepto con ‘Volver’, preciosa reescritura de cierto cine italiano nutrida del sensacionalismo televisivo de última hora y de fantasmas de su propia filmografía, como ése que encarna Carmen Maura.

En su última película, un misterioso cirujano (Antonio Banderas) mantiene encerrada en su habitación a una hermosa mujer (Elena Anaya) cuya piel perfecta y aspecto están sacados de su fallecida esposa. Con la complicidad de su ama de llaves (Marisa Paredes), la película explicará el laberinto en el que el cirujano, su mentalmente inestable hija (Blanca Suárez) y el hombre que casi la viola (Jan Cornet) están implicados. Uno se enfrenta a ‘La piel que habito’ en estado de absoluto desconcierto pues el momento más extravagante y camp, la visita de un tigre que resulta ser el hijo portugués del personaje que encarna Marisa Paredes, se torna en pesadillesco y bizarro momento de tragedia. Lo mismo ocurre con todos los personajes de Almodóvar: ninguno de ellos es simpático, ninguno de ellos es inocente, pero tampoco representan ideas maniqueas de pureza o pecado.

La película estimula ese laberinto de pasiones, por robar el título al manchego, en forma de rompecabezas narrativo, puntuado por los gloriosos interludios musicales de Concha Buika y su irresistible voz que abraza latin jazz y voz flamenco, con citas visuales a Powell y Hitchcock, con un tercer acto que generará división pero que puede entenderse como la mirada de Almodóvar sobre todos los géneros: el thriller y el relato gótico de científicos locos, teñidos para siempre por su sello insobornable, incluso puede esta película ser su versión oscura e imposible de ‘Átame’ (1990). Sus actuaciones, todas notables, van de lo sorprendente (un Banderas contenido e inexpresivo, pétreo) a lo directamente memorable (una Elena Anaya imposible de creer, dotando de matices a un personaje demasiado complicado).

Y el hecho de que encuentre un momento conmovedor tras un relato tan truculento y sangriento, lleno de giros y algún momento prescindible (la segunda visita de Eduard Fernández), desvela un talento fuera de lo común. Porque de lo que aquí se hable es de lo mismo que hablaba George Bataille en sus escritos sobre ‘Cumbres borrascosas’ en el estupendo La literatura y el mal: el amor (y el sexo) como abrazos constantes a la muerte, la renuncia a la individualidad para asumir nuestra condición limitada. Y todo ello con momentos visualmente apabullantes, desde ese suicidio al ritmo de canción de cuna portuguesa y visto a través del reflejo de la deformidad, hasta la mirada Anaya, cómplice con ele spectador, sobre lo que deseamos que, una vez vista la película, habla de un personaje cuya ruptura mental y tensión interna lo hacen vivir, literalmente, entre dos mundos.

Con reservas se muestra Beatriz Maldivia y Juan Luis Caviaro escribió a favor de la perversidad del cineasta.

Afortunadamente, evité leer crónicas sobre la película y ver enteros los tráilers, a pesar de que el bombardeo con el estreno de Almodóvar ha sido tan apabullante que resultaba casi imposible. En esta crítica no desvelaré nada que pueda estropear las sorpresas o el disfrute del film, por lo tanto, no habrá problema en seguir leyendo. Pero sí alertaría sobre el peligro de que se destripe lo más chocante ante la lectura de muchos otros documentos que pululan por todos los medios, por lo que recomendaría prudencia a los lectores que quieran ver ‘La piel que habito’ y aún no hayan acudido a las salas. En otras películas puede importar menos, pero en esta, si todavía estáis a tiempo de acercaros al cine virginalmente, os aseguro que lo pasaréis mucho mejor que si ya sabéis con qué vais a encontraros.

No es que comprenda a polarización ante la película de Pedro Almodóvar se ha dado entre la crítica, es que se produce dentro mismo de mi propio cerebro. Tanto podría admirar y loar lo que el manchego ha conseguido con este film como sumarme a quienes tachan su cinta de ridícula. Boyero declaraba no comprender los aplausos dirigidos a la película tras las risas que se escapan en momentos que no buscan la comedia. Y es que esa era mi actitud irreprimible: esas carcajadas inoportunas, esos momentos ridículos engrandecen el disfrute de este retrato de psiques enfermas en el que la única forma de penetrar es dejándose llevar y aceptando que todo vale. Por supuesto, la película no es perfecta, por supuesto, hay muchísimos momentos que al director se le escapan de las manos, pero… ¿podría ser eso lo que la hace grande? Quién sabe.

Gozándola así, quizá como se disfrutan las películas malas o como se aprecian las de calidad, esta adaptación libre de ‘Tarántula’, de Thierry Jonquet, me ha parecido la mejor propuesta de Almodóvar en varios años. Entre las últimas estaban las fallidas y las anodinas, pero en este caso, si bien podríamos aplicar el primer adjetivo, sería de manera muy relativa, y el segundo claramente no se le podría imponer jamás.

¿Cómo evaluar ‘La piel que habito’?

La pregunta que todo esto me plantea es: si no estaba en la intención de su director provocarte una reacción y esa reacción es positiva –la risa y el estupor en este caso–, ¿puedes decir que la película es, en definitiva, buena? ¿O, como al autor se le han escapado sus efectos, es necesario hablar de fallo? No sabría responder y de la respuesta es de donde debería venir mi calificación hacia ‘La piel que habito’. Si consideramos la película como un ser nacido, pero individual y autónomo, que ya no ha de responder ante sus creadores; si nos olvidamos de papá Pedro, este film podría ser grandioso, probablemente dentro de los preceptos del trash o de otro tipo de supuestos que no buscan la limpieza de un film de un único género, sino algo sui géneris, que vaya más allá. Si debemos retrotraernos a adivinar lo que hay detrás, es decir, lo que intentó hacer su autor, hablaríamos de engendro descompensado y desbordado. Aunque, por otro lado, quién nos dice que Almodóvar no se recrea también de todas esas marcas de estilo y de todos esos exabruptos que probablemente, si los viese en un film ajeno, celebraría.

Tan almodovariana como la que más

Para quienes dicen que Almodóvar está haciendo algo que se sale de su estilo: encontramos la inverosímil dicción de la señora del telediario, las pistolas guardadas en los cajones de la cocina, la exclamación de “¡Tigrinho!” o el disfraz de este, el zapato de la Cenicienta, el voyeurismo, la conveniente fortuna de lo sucedido para que en el epílogo todo encaje, los referentes al cine clásico, las ubicaciones pintorescas en La Mancha o Galicia, la música de violines que Alberto Iglesias ha compuesto emulando el terror más viejo, etc… La cinta está plagada de momentos inolvidables y, como conjunto de instantes insólitos difícilmente podría ser superada.

La fotografía de José Luis Alcaine acompaña esos grandes planos de composiciones muy estudiadas que le gustan al cineasta para armar una reproducción de grandes espacios diáfanos, limpios y de un blanco aterrador. Decisiones como la sobreimpresión entre las dos caras que divide la pantalla, los rótulos muchas veces innecesarios y sumamente ostensibles con una tipografía que es probable que Almodóvar haya elegido fea a propósito, o algunas de las imágenes de los flashbacks, que entran sin demasiada suavidad, son también retazos de la firma del autor que no oculta ni por un momento su presencia. El trato de la piel de Elena Anaya, con un retoque especial que la embellece, pero la convierte en artificial nos hace pensar, al mismo tiempo, que ni siquiera busca el realismo.

Pero también ese amour fou que se establece sin tapujos en la frase del titular –en boca del personaje de Marilia, Marisa Paredes– y que para el director no es nuevo en absoluto, pues las reminiscencias de ‘Átame’ aquí son numerosas. Que no se trate de un psicothriller de Polanski en el que el terror psicológico esté llevado y orquestado a la perfección, sino una versión retorcida e ibérica del más enfermo de todos ellos, le aporta, como decía, la grandeza que, si se quiere, se le puede encontrar al film. El juego temporal que funciona en espiral responde a esta narración enrevesada que solo se podrá comprender por completo cuando se cuente con todos los elementos.

Actores

Antonio Banderas hace un trabajo asombroso, en el que está capacitado para asustar y para reconfortar sin demasiada mediación, y en el que sabe guardar el enigma que la película se reserva durante muchos minutos para dar el mazazo buscado. Se viene diciendo que Elena Anaya está brillante. Su papel es tan confuso y bizarro –en el sentido francés de la palabra–, que me cuesta juzgar su interpretación. Marisa Paredes tiene momentos en los que parece que no se cree lo que está diciendo y otros en los que se excede en el dramatismo, pero como aportación a esa locura que es ‘La piel que habito’ resulta imprescindible. Los secundarios como Jan Cornet, Blanca Suárez, Fernando Cayo, José Luis Gómez, Eduard Fernández o Bárbara Lennie son quienes actúan de manera, digamos, normal, es decir, como si estuviesen en cualquier otra película. El ensimismamiento se lo reservan los tres principales y Roberto Álamo, en el papel que sirve de detonante y que, al mismo tiempo, más sobra de toda la cinta.

Resumiendo…

Hipnótica en su primer tramo, con los planos detalle que parecen del CSI más pulcro, absorta, desmesurada, desvergonzada, no sabría decir si sobreactuada, desquiciada, ambiciosa, valiente a más no poder… así es ‘La piel que habito’. Ni mucho menos se trata de la película para quien busque el clasicismo a la hora de narrar. No es que bordee el ridículo, sino que sobrepasa esa línea y cae de lleno en él, logrando momentos que, si se saben abrazar, pueden ser lo mejor al mismo tiempo que lo peor. El guion, escrito por Pedro y su hermano y productor, Agustín, aúna en una sola película todo lo que la familia Almodóvar nos ha estado aportando en décadas. Por una vez los saltos de tono y la mezcla de géneros podrían haber funcionado a su favor.

Otra crítica en Blogdecine | ‘La piel que habito’, enfermiza obsesión, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Tras el éxito que supuso ‘Jungla de cristal. La venganza’ (‘Die Hard: With a Vengeance’, 1995) nadie esperaba que tardaríamos cuatro años en ver el siguiente trabajo del realizador John McTiernan. ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, 1999) tuvo tantos problemas en su postproducción que su estreno tuvo lugar posteriormente al del siguiente trabajo del director, ‘El secreto de Thomas Crown’ (‘The Thomas Crown Affair’, 1999). Las discrepancias entre su principal productor, el también escritor y director Michael Crichton, y McTiernan obligaron al primero a prescindir del segundo y tomar las riendas, realizando un montaje diferente al presentado por McTiernan, filmando alguna que otra escena adicional.

Nada que no suene a nuevo en la filmación de una película en Hollywood. Rodajes malditos, por llamarlos de alguna manera, remontajes y remontajes, desavenencias mil entre los que buscan el negocio —los productores— y aquellos que intentan hacer arte —los directores, se supone—; algo que la mayoría de las veces termina en catástrofe tanto comercial como crítica. El caso que nos ocupa creo que es una de esas maravillosas excepciones que confirman la regla. Crichton, que no tiene un pelo de tonto, intentó hacer una versión más comercial que la ideada por McTiernan, y aún así no fue capaz de erradicar la mirada del director, muy presente en cada uno de sus planos, y que de no ser por las mencionadas diferencias creativas, es muy probable que hubiésemos estado ante la mejor película de McTiernan.

La película adapta la novela de Michael Crichton ‘Eaters of the Dead’ (1976), y así era como se tituló el proyecto durante toda su filmación hasta que hubo que rodar nuevas escenas. Crichton decidió cambiar el título por el que conocemos todos, dando así protagonismo al personaje interpretado por un mediocre, pero entregado, Antonio Banderas, Ahmed Ibn Fahdlan, quien ingresa de lleno en la galería de antihéroes que caracterizan el cine de McTiernan. El décimo tercer guerrero del título es nuestro protagonista, aquel que se unirá a doce valerosos vikingos con los cuales viajará al reino del rey Hrothgar, acosado por los temibles y demoníacos Wendols, que tienen atemorizado el lugar. Una especie de grupo salvaje que vivirá la aventura de sus vidas, siendo para Fahdlan una experiencia totalmente catártica, al enfrentarse a sus propios miedos como hombre de fe que es. Y todo a través de un duro aprendizaje y sobre todo, el entendimiento de una cultura totalmente distinta a la suya, con otras creencias y otros dioses.

Una de las principales virtudes de ‘El guerrero nº 13’ es su tendencia a la síntesis, provocada muy probablemente por los recortes sufridos. Esto provoca por un lado cortes en subtramas inexplicables, pero por otro algunas secuencias conservan su esencia, sin que la brevedad riña con la eficacia o riqueza de matices. Para empezar, en los primeros minutos se nos cuenta rápidamente la historia personal de Fahdlan —un árabe de buen linaje exiliado por un tema de faldas— hasta llegar al punto en el que se ve abocado a una aventura que en principio no desea. En apenas doce minutos se nos narran multitud de cosas sin que el atropellamiento se apodere de la película, y justo en el minuto 13 del film Fahdlan es elegido por un oráculo como el guerrero nº 13. En ese tramo Banderas es acompañado por el mítico Omar Shariff —incuestionable guiño al cine de aventuras de la época de David Lean—, actor que quedó muy descontento con la película. A partir de ahí, McTiernan propone un viaje al mismísimo centro de la aventura, con elementos terroríficos, y en la que el primitivismo de su cine hace acto de presencia una vez más.

En este relato de acción física cobran especial importancia el grupo de doce vikingos observados por los atentos e inteligentes ojos de Fahdlan. Todos y cada uno de ellos están excelentemente retratados, sobresaliendo Bulywif, al que da vida un carismático Vladimir Kulich —visto recientemente en la floja ‘Templario’ (‘Ironclad’, Jonathan English, 2011)—, el jefe del grupo cuya fascinante presencia se erige como estandarte del coraje, el valor, la camaradería, la fuerza y la resignación a cumplir un destino —ecos de Peckinpah, cuyos personajes estaban cortados por el mismo patrón—; y Herger (Dennis Storhøi), personaje si cabe más típico, con puntos de humor pero que nunca cae en la chabacanería, e igual de carismático. Personajes secundarios como el de Diane Venora, que irrumpe abruptamente en el relato, están peor tratados debido quizá a esos mencionados recortes en el montaje. Cabe citar al respecto la historia de amor sugerida entre Fahdlan y Olga (Marie Bonnevie), que queda inconclusa, aunque nos brinda una bella escena justo cuando Fahdlan y sus compañeros vikingos partan en busca de los Wendols. También afecta a alguna subtrama, como la de la disputa de poder que surge a mitad de film.

Pero estos denunciables errores quedan subsanados por la valentía y arrojo de McTiernan en filmar una aventura llena de pasión y emoción, evitando siempre caer en el subrayado. Su cine se ha caracterizado por poseer personalidad propia más allá de las reglas impuestas por el mainstream. Uno de sus grandes logros ha sido el de insertar los escenarios en la acción de forma que éstos nunca sean mero adorno, y el personaje interactúe con ellos. Los espacios físicos son filmados con precisión por una cámara que nunca muestra más de lo que debe. El primer ataque de los Wendols está filmado como si de una película de terror se tratase; el suspense está bien dosificado y McTiernan no realiza concesiones en dicha escena. Es sangrienta, encarnizada y el enemigo nunca es visto con claridad. Más tarde en la guarida del enemigo, McTiernan saca un gran provecho del fuera de campo, logrando crear una gran tensión y una sensación de peligro que se palpa durante todo el film. Brevedad y sutileza. Como en el emocionante momento final en el que Bulywif, Fahdlan y el resto de vikingos recitan una especie de oración, citando a sus ancestros, justo antes del enfrentamiento final. McTiernan no se recrea en la escena, dando como resultado una mayor fuerza emotiva.

En ‘El guerrero nº 13’ queda patente el enfrentamiento cultural entre el personaje de Fahdlan, brillantemente dibujado en la espléndida secuencia del aprendizaje del idioma vikingo —prodigio de montaje y ritmo—, donde vemos que es un gran observador, con la razón como principal arma, además de un hombre de fe —el nombre de Alá surge varias veces en la narración—. Fahdlan queda impresionado ante el primer contacto con un enemigo que parece surgido de un mundo infernal. Lo desconocido como arma de terror. Y resulta curioso que sea precisamente un hombre de fe el que eche mano de la razón cuando descubra el engaño, que su enemigo no es más que un hombre, y no un diablo. Esa misma razón le lleva a entender a sus compañeros guerreros, enormemente fieros y supersticiosos. Nunca llegará a integrarse en su mundo, pero de la misma forma que cree que sólo hay un Dios, comprenderá que no todos servirán a ese Dios. La aventura, en la que pondrá a prueba su propio valor, compartida con sus compañeros vikingos será su catarsis personal.

Y con la ayuda de Jerry Goldsmith —llamado por Crichton para sustituir al inicialmente previsto Graeme Revell, que llegó a componer un score completo— dicha catarsis se traslada al espectador al menos al que esto firma. McTiernan fue injustamente tratado por este film, que gana enteros a cada nuevo visionado. No tardaría en volver al thriller de acción, género en el que es mejor recibido, con un excelente remake. De ello hablaremos en el próximo post mientras sueño con un director´s cut de ‘El guerrero nº 13’, ya de por sí una magnífica película.

Otra crítica

• ‘El guerrero nº 13’, una gran película de aventuras

Especial John McTiernan en Blogdecine:

• ‘Nómadas’
• ‘Depredador’
• ‘Jungla de cristal’
• ‘La caza del octubre rojo’
• ‘Los últimos días del edén’
• ‘El último gran héroe’

• ‘Jungla de cristal. La venganza’

Otra película de Steven Soderbergh con reparto espectacular. Relativity Media aprovechó el revuelo mediático causado por la San Diego Comic-Con para lanzar el cartel y el tráiler de ‘Haywire’ (antes conocida como ‘Knockout’), un thriller de acción cuya mayor peculiaridad es que está protagonizado por Gina Carano, famosa luchadora de artes marciales mixtas.

Carano, que ha ejercido de modelo y ya había coqueteado antes con el cine, se ha encargado de rodar todas sus escenas de acción, sin dobles o especialistas, y lo cierto es que es una gozada verla en el tráiler dando hostias a gente como Channing Tatum o Michael Fassbender. Eso sí, ojo a la excesiva duración del avance, destripa bastante la trama e incluso revela la muerte de alguna estrella; cuesta pararlo, pero lo más recomendable es no ver más del primer minuto y quince segundos.

Escrita por Lem Dobbs, ‘Haywire’ gira en torno a una agente contratada por el gobierno para misiones secretas de dudosa legalidad, hasta que un día deciden tenderle una trampa y eliminarla. Pronto se darán cuenta que fue una mala idea cabrear a la versión femenina de Jason Bourne. Ewan McGregor, Antonio Banderas, Michael Douglas, Bill Paxton, Matthieu Kassovitz, Anthony Wong y Michael Angarano, entre otros, también tienen minutos en la nueva película de Soderbergh, que llegará a los cines el 20 de enero de 2012. Por cierto, el director de ‘Traffic’ y ‘Ocean´s Eleven’ ha aclarado que no va a dejar el cine, que lo de su retirada fue un malentendido provocado por Matt Damon y la prensa.

PD: Un comentario en Youtube: “Qué más da la historia, yo quiero ver a Gina Carano pateando culos”.

Vía | ReelzChannel

Terminada la historia del ogro, DreamWorks Animation va a probar suerte con el gato. Aquí os traigo el tráiler (completo, definitivo o como queráis) y un nuevo cartel de ‘El Gato con Botas’ (‘Puss in Boots’), el spin-off de uno de los personajes secundarios más queridos de la rentable saga de Shrek. Por supuesto, Antonio Banderas vuelve a poner voz al valiente minino, en una película dirigida por Chris Miller que llegará a nuestros cines el próximo 25 de noviembre (el 4 en EE.UU.), en salas 2D, 3D e IMAX.

Lo reconozco, sin problema alguno, el avance me ha hecho gracia, quizá porque me encantan los gatos (¿cómo resistirse a estos maestros del disimulo y las discusiones de pareja?). Sin ser una maravilla, este tráiler es mucho mejor que el teaser que vimos en marzo (lo cual no era muy complicado, ciertamente) y ofrece algo de esperanza a los que tenían interés por ver una aventura protagonizada por el adorable gato que habla inglés con acento andaluz. Quizá la frase que lo resuma mejor es: no pinta tan mal, igual hasta entretiene. Ya me diréis.

Escrita por Tom Wheeler a partir del cuento de Charles Perrault, la película narra las primeras aventuras del Gato con Botas, formando equipo con el brillante Humpty Dumpty y una espabilada gata callejera para robar la famosa gallina de los huevos de oro (escondida en casa de George Lucas, estoy seguro). Además de Banderas, cabe destacar la participación de Salma Hayek, Zach Galifianakis, Amy Sedaris, Constance Marie y Billy Bob Thornton, entre otros. Henry Jackman pone la música.

PD: Al parecer, el otro título que se barajaba en la distribuidora era ‘El Gato con Botas del Caribe’.

Vía | Yahoo