En la excelente crítica que Adrián Massanet escribió sobre ‘El patio de mi cárcel’, el autor se queja con toda la razón del mundo sobre el actual estado del cine español, ese agónico ser que lucha una y otra vez por salir adelante, peleando infructuosamente contra elementos “externos” como la piratería, o para ser más directos, el cansancio de un espectador harto ya de que un porcentaje bastante alto de las películas españolas se parezcan como dos gotas de agua. Dramas sociales cansinos hasta la saciedad, y cuyos artífices se esfuerzan por intentar vender como verdaderos a personajes que casi siempre resultan falsos o nada creíbles.

Algo así pensaba mientras visionaba ‘Una palabra tuya’, segunda película como directora de Ángeles González Sinde, una mujer capaz de aburrir como nadie con sus discursos al frente de nuestra Academia de Cine, pero que afortunadamente para todos, como directora tiene algo más de talento. Eso sí, en la película no puede, o no quiere, porque a estas alturas uno ya no sabe si nuestros directores son incapaces o simplemente se han acomodado, evitar caer en los clichés que adornan la mayor parte de la producción nacional.

‘Una palabra tuya’ se basa en la obra de Elvira Lindo, que narra como dos amigas de la infancia vuelven a encontrarse por uno de esos golpes del destino. Solas, sin novio, trabajando juntas como barrenderas, luchan por tener un futuro que pinte mejor de lo que su presente es. Una tiene a su tío y su taxi, la otra a su madre enferma de alzheimer. La aparición de un posible amor para una de ellas, y un encuentro inesperado, hará que las cosas cambien drásticamente.

Ángeles Gonzáles Sinde tiene pericia para narrar la historia con una puesta en escena que sorprendentemente no abusa de primeros planos. Su sobriedad y elegancia hacen distinta, si se quiere decir así, esta película aunque estemos viendo lo de siempre. Sinde se acerca a los personajes, filmándolos como Dios manda, haciendo que interactúen con el entorno, muy bien utilizado por la directora. El problema, está en algunas partes de su guión, el cual recuerda al cine británico de Ken Loach, pero con sustanciales diferencias sobre todo en la forma. Una estructura de flashbacks, evidentemente engañosos, restan eficacia a alguno de sus momentos, aunque en su parte final, Sinde es capaz de emocionarnos sin cargar demasiado las tintas en la excesivamente dramática historia que nos cuenta. Dos mujeres marcadas profundamente por la relación con sus respectivas madres, y la necesidad de tener hijos, son el principal acierto de su trama, adornado éste por algunas salidas de tono, un tanto esperpénticas, y también por el enfrentar a dos personajes femeninos un tanto raros, con otro masculino que trae algo de normalidad a sus vidas, algo de esa sencillez que necesitan para dejar de complicarse tanto las cosas, sobre todo mentalmente.

Malena Alterio y Antonio de la Torre están realmente bien en sus respectivos papeles, aunque en el caso de la primera nunca llegamos a ver claramente todos esos defectos que le achacan los demás, evidentemente un fallo de guión y no de la actriz. De la Torre da el tipo perfectamente como hombre vulgar y sencillo, con una visión de la vida bastante simple, y también con un punto de ternura que le hace atractivo. El caos comienza cuando la película se centra en el personaje al que da vida Esperanza Pedreño, y que es el eje central del film. La actriz parece haber realizado una extensión de su performance en la serie de televisión ‘Camera café’ sin el más mínimo cambio, su actitud es totalmente increíble, sus motivaciones demasiado serias para un personaje tan excedido en apariencia y en forma de hablar. No hay verdad en ella, no respiramos su dolor, su angustia, no es capaz de transmitirnos absolutamente nada, porque desde casi el primer instante en el que aparece no nos la creemos.

‘Una palabra tuya’ afortunadamente logra apartarse, sobre todo estéticamente, del resto del grueso de la cinematografía de este país, aunque en ciertos instantes (esas conversaciones o reproches entre las dos mujeres que ni vienen a cuento ni están bien expuestas) caiga en lo de siempre. Con todo, un correcto trabajo de González Sinde, que esperemos avance más en ‘Ojos de invierno’, su próxima película.

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• ‘Una palabra tuya’, interpretaciones muy sentidas para un film irregular

Ángeles González Sinde ha adaptado y dirigido la novela de Elvira Lindo ‘Una palabra tuya’, con Malena Alterio, Esperanza Pedreño y Antonio de la Torre como protagonistas.

Rosario (Alterio) es la hija menor de una familia venida a menos, ha estudiado hasta primero de carrera y vive en una de las casas más bonitas del barrio de Argüelles. Trabaja como asistenta en el Edificio España y es obvio que se avergüenza, ya que cuando se reencuentra con Milagros (Pedreño), una antigua compañera de instituto, le miente diciendo que es empleada de banca y que va a conseguir un contrato fijo. Milagros conduce el taxi de su tío por las mañanas, pero no le saca ningún beneficio, ya que no tiene interés en encontrar clientes. Ambas pierden sus empleos y se colocan en una contrata de limpieza del Ayuntamiento. Su amistad es tan cercana que las compañeras piensan que son lesbianas y Morsa (de la Torre), un chico sencillo, se acerca a Rosario con la intención de comprobar si esos rumores son ciertos. Las vidas de Rosario y de Milagros están ensombrecidas por las tragedias del pasado y, aunque una ponga buena cara a todo y la otra se haga la dura, se puede comprender que no son capaces de ser felices.

Admiro mucho el trabajo de Lindo como guionista y sus libros de ‘Manolito Gafotas’, de los que la primera adaptación que se hizo –la que firmó Albaladejo— era un gran film social. Sin embargo, sus novelas para adultos no me terminaron nunca de convencer. Lo intenté con dos de ellas y confieso que ya ni siquiera me acerqué a ‘Una palabra tuya’. Lo mejor que tiene la autora, que es esa capacidad para captar el habla cotidiana y crear humor en momentos críticos, me parecía que se plasmaba mejor en sus películas y en estos libros infantiles. En la adaptación de ‘Una palabra tuya’ los personajes son lo que tiene más valor y eso viene claramente de Lindo, aunque el trabajo de las actrices ha aportado mucho a esa creación de tipos humanos.

Ya que ambas intérpretes han hecho sus trabajos más celebres en series televisivas cómicas, no han tardado en levantarse los prejuicios contra sus actuaciones en la película con la queja de que están igual que en la tele. Probablemente si se tratase de actores norteamericanos de otro tipo de producción, el hecho de que repitiesen el papel, como hacen muchas estrellas de renombre, se consideraría un aliciente. Mi opinión es que tanto Pedreño como Alterio son lo mejor de un film que no es ni mucho menos perfecto; de una película que, sin ellas, habría resultado igual que tantas producciones españolas que lo único que saben hacer es aburrirte con situaciones cotidianas para más adelante asestarte un golpe con un acontecimiento triste y que así no puedas decir que la película no vale nada porque quedarías como alguien insensible.

Ambas actrices aportan a ‘Una palabra tuya’ un tono agridulce que es muy importante para restarle gravedad y pretenciosidad. Al mismo tiempo, tienen el mérito de saber trasladar el humor de Lindo, la forma de ver la vida de esta mujer: siempre con una sonrisa en los labios, pero cercana en todo momento a la verdadera tragedia y sin restarle un ápice de importancia.

Pedreño interpreta a un personaje que resulta muy difícil porque es muy extremo. Con una actriz con menor encanto, Milagros podría haber quedado como una tonta o haber hastiado demasiado pronto al espectador. Alterio tiene también un difícil trabajo porque debe transmitir mucho subtexto, es decir, expresar una gran cantidad de sentimientos sin decirlos directamente con palabras. Esto está logrado perfectamente y considero que no cae antipática, a pesar de la sequedad con la que se comporta o la altivez que parece tener. Se comprende muy bien su inicial rechazo a considerar a Morsa como el hombre de su vida, reflejado en esa intención de no descender de clase social que está expresada en una frase muy elocuente: “Sí, hombre, hasta Fuenlabrada me voy a ir yo ahora”. Rosario es el personaje que más aprende con la película, que más madura: ella misma comprenderá que no tenía sentido toda esa delicadeza de la que la acusa Milagros. Antonio de la Torre aporta el punto justo que necesitaba la película o que necesitaban conocer esas mujeres: si ellas son personas que le dan tantas vueltas a las cosas que no son capaces de ser felices, él es alguien tan sencillote que ve la vida de una forma mucho más positiva.

En el film vemos, por lo tanto, un poco del alma de Elvira Lindo, un mucho del alma de las dos actrices principales e incluso bastante del alma del actor, Antonio de la Torre. Lo que no vemos por ninguna parte es el alma de la directora y guionista, por mucho que ella asegurase en la rueda de prensa que había adaptado esta novela porque lo necesitaba. Lo que aporta González Sinde a la película se queda frío, como le ocurre casi siempre a Gracia Querejeta. La manera de dirigir de la presidenta de la Academia es muy sobria, ella misma lo declara así, lo cual creo que funcionaría muy bien con este tipo de historia si la sobriedad se refiriese únicamente a la puesta en escena –entendamos aquí puesta en escena por tamaño de planos, movimientos de cámara y montaje, no por la verdadera acepción de la expresión—, pero no se limita a eso, la frialdad también está en la historia. Se percibe un gran vacío en más de la primera mitad del metraje, que sólo llenan las actrices.

Esta parquedad en la dirección de González Sinde se mezcla en momentos muy concretos con ese costumbrismo humorístico cercano a Almodóvar que Elvira escribe de lo lindo. La mujer que arroja la basura desde su ventana podría haber sido Chus Lampreave en cualquier film del manchego. Los inicios del film, en un pueblo de Toledo, también se podrían encontrar en sus películas. Sin embargo, del lado más propio de la directora lo que vemos se parece más a ‘La soledad’, de Jaime Rosales. Dos extremos demasiado diferenciados que van tirando de la película, como si fuese una goma elástica, sin permitir que se asiente en un tono concreto, en una forma de narrar que se vea propia de la cineasta.

El guión de González Sinde crea una estructura en flashbacks que probablemente no estaba en la novela. Debido a eso, la información que tiene la capacidad de emocionarnos se reserva para un momento cercano al final en el que se carga todo el dramatismo de la película. Si durante un largo fragmento inicial, ‘Una palabra tuya’ podría ser cualquiera de estas películas que no nos cuentan nada y son aburridas –del aburrimiento, en este caso, nos salva la gracia de las actrices—, el momento en el que la temperatura dramática sube sí que tiene la capacidad de poner la piel de gallina. El final es muy efectivo sin que el truco de guión de reservarse la información se haga especialmente evidente o parezca tramposo.

Finalmente, ‘Una palabra tuya’ es una película que te hace pensar y que sirve muy bien para que nos demos cuenta de que casi siempre nos quejamos de nuestras situaciones casi como deporte, sin pensar realmente lo que sufren los demás. Aunque se abren muchos temas: la familia, la maternidad, las drogas, la pobreza, el paro, los problemas psicológicos… cada persona que vea el film puede quedarse con un aspecto más concreto del que extraer una conclusión. Y por lo tanto, se pueden olvidar las imperfecciones de la película para llevarse una impresión positiva.

Más información en Blogdecine sobre ‘Una palabra tuya’.

Tras la proyección de la película de Ángeles González Sinde, ‘Una palabra tuya’, que se estrenará el 22 de agosto, se ha celebrado una rueda de prensa en la que estaban presentes la directora; la autora de la novela en la que se basa, Elvira Lindo; el productor, José Antonio Félez, y los tres intérpretes protagonistas: Malena Alterio, Esperanza Pedreño y Antonio de la Torre.

González Sinde contaba que había sido seguidora de Elvira Lindo desde incluso antes de conocerla, y de eso ya hace diez años. Le gustaba su trabajo, pero no sólo como novelista, también cono guionista: su manera de ver el mundo, de sacar de algo cotidiano grandes conflictos éticos… Cuando salió la novela homónima, Ángeles la devoró y le pareció adaptable porque, comenta, no todas las novelas son adaptables. Le pidió a Elvira llevarla al cine y ella se predispuso muy generosamente.

Lo que se cuenta el libro le resulta próximo. Ese momento de cambio que sufren las dos protagonistas que tienen que enfrentarse a la madurez SPOILER y una de ellas es capaz de subirse a ese carro y la otra, no FIN DEL SPOILER. Le parecía que la novela tocaba temas muy actuales. Hoy en día todo el mundo está en el descontento y en la queja. Así está el presonaje de Malena Alterio, que entonces se ve forzada a salir de eso y obligada a reaccionar.

Elvira Lindo, cuando tiene que responder a la pregunta de si le ha gustado la película siente que es difícil dirigir elogios en un entorno como una rueda de prensa, pues es habitual que se hagan muchos elogios falsos. Pero asegura que “me ha gustado mucho. Espresa muy bien el deseo de Ángeles de llevar esa novela al cine, no otra”. Se nota que tuvo la necesidad creativa de hacer esta película, tanto ella como el productor, como los actores. Se nota en el entusiasmo y en que los actores están en un estado de gracia. Ver a los personajes de la novela con sus caras, ver ese Madrid de noche… La novela no es social, trata más del alma de los personajes que de su realidad económica. Si una historia consigue que sonrías, que te emociones, entonces seguro que está bien. En otras películas uno se pregunta por qué habrán hecho, pero aquí entiendes que tenían esa necesidad.

La directora y guionista de ‘Una palabra tuya’ habla a continuación sobre la dirección de actores. Declara que con un material, el actor ya sabe qué interpretación dar. No hubo mucha construcción. Malena Alterio, Esperanza Pedreño y Antonio de la Torre son actores que trabajan con la verdad. Cuando empezó a dirigir, la dirección de actores fue una de las cosas que más le atrajeron, ya que la encuentra muy cercana a escribir. El personaje de Esperanza es muy arriesgado, podría pasarse como no llegar. Es el más distinto a la novela en apariencia física, pero comparte el hecho de ser especial y eso lo aporta Esperanza con su mirada y sus movimientos. El personaje de Alterio era difícil porque cuenta poco lo que pasa. Aunque aparente algo, por debajo se cuenta otra cosa y Malena es capaz de hacer eso. En la novela, todo eso se transmite con palabras, pero en cine lo tiene que expresar la actriz sin decirlo porque la novela es una primera persona, pero en cine eso no existe. Como las películas se ruedan de forma no cronológica, para un intérprete es muy difícil tener la perspectiva de la evolución que va a tener su personaje y Alterio lo consiguió.

Malena Alterio declara que lo más complicado que ella encontró en su personaje era que se enteidese por qué actúa así y que no pareciese antipático. En la novela, estás dentro de la cabeza de Rosario y en el cine todo eso que se transmite con palabras hay que darlo con miradas, gestos, caricias, bofetadas… Encaró el trabajo asustada porque es mucha responsabilidad ser protagonista y estar en todas las escenas. Dudó durante mucho tiempo de si sería capaz de hacerlo, pero cuando por fin aceptó, se metió y ya no se daba cuenta de si era o no protagonista. Fue intenso porque un rodaje siempre es duro y cansado. El resultado es que está muy satisfecha y agradecida. Para trabajar su personaje fue fundamental tener la novela de Elvira Lindo cerca como guía. Revela que ha tratado de mantenerse en la cabeza de Rosario. No lo veía alejado de ella misma o de cualquier persona porque es muy fácil encontrar esa faceta de alguien que no ha podido vivir como ha querido, que no se ve capacitado para ser feliz. Además, para dar vida al personaje lo que más hizo fue trabajar con Esperanza porque es una historia muy de cómplices, de amigas y a eso tenían que llegar.

González Sinde continúa hablando del personaje masculino, Morsa, a quien da vida Antonio de la Torre. Dice que es el personaje que más tuvo que defender del guión porque los demás lo percibían como alguien muy pasivo. Pero ella sabía que con el actor adecuado, se entendería. Si el personaje es masculino se espera que lo resuelva todo con acción, pero ella quería crear a alguien normal y sensato. También es un personaje que se encuentra en una situación difícil porque no conoce todo lo que está ocurriendo. Elvira Lindo veía a Morsa como Harvey Keitel, que es gañán, pero puede tener atractivo para las mujeres. “Y eso lo da Antonio”, continuaba, “si no tenemos a Harvey Keitel, tenemos a Antonio de la Torre”.

“Eso da idea de la crisis del cine español”, respondía modestamente de la Torre, que ya añadía más en serio que cuanto más se pone un actor al servicio de una historia, más le aporta. Dado el ego que tienen algunos intérpretes, para él suponía un paso interesante ser el chico en una película de chicas. Su personaje es quien aporta luz, es un personaje muy conectado con la vida porque las dos protagonistas están demasiado conectadas con el pasado y con la muerte. Por lo tanto, siempre que aparecía, tenía que transmitir vida, luz. Sobre cómo se preparó el personaje nos contaba que le había servido de inspiración Ángel, un hombre que trabaja en el servicio de limpieza donde rodaron la película. Incluso se puso tres anillos, como llevaba él. Le llamaba la atención la alegría de vivir de los que trabajaban allí. Eso le dio una lección de vida y siempre intenta aprender cosas aunque sea para aportarlas como actor a sus personajes.

Esperanza Pedreño era muy consciente de qué papel cumplía su personaje dentro de la película. Rosario, Malena Alterio, tiene una relación muy especial con tres personas: su madre, su amiga y Morsa, y a las tres les miente. Pedreño quería trabajar la relación con Rosario. Cuando hay escenas con Morsa, ni lo miraba porque a su personaje, Milagros, no le interesa. Más que en la novela, que cuenta mucho de la infancia de Milagros y eso no está en la película, trabajó la relación con Rosario. El personaje tiene una relación muy especial con los objetos. Pedreño declara que para ella todo es importante, todo significa mucho porque ella todo lo disfruta.

Se comenta que la película –así como la novela— trata muchos temas diversos. Ángeles González Sinde expone que para ella lo importante era cómo se meten en ese lío, que no desvelamos para no estropearos la película. Pero cada espectador o cada uno de los que han participado saca otro de los temas que se plantean al principio como principal. Por ejemplo, Esperanza Pedreño veía que la película trataba sobre la maternidad, mientras González Sinde encontraba más central el tema de la espiritualidad y la religiosidad o más bien la ausencia de ellas en la sociedad de hoy. Ella no ha recibido una educación religiosa y se ve en la situación de Rosario. Elvira Lindo descubre que los nombres de las protagonistas, Milagros y Rosario, tienen mucho que ver con sus personalidades y admite que la novela trata la religiosidad. Y al hombre lo bautizó Morsa porque le gusta inventarse nombres.

Ángeles González Sinde manifiesta que ella es ante todo guionista y que el guión es la base de cualquier película. Por muy interesante que sea una historia, si no encuentras la manera de contarla, no va a gustar. Por ello, cuando conoce una nueva historia, lo primero que piensa es que hay una manera de contarla. Las decisiones estéticas se derivan del contenido y por lo tanto, se piensan después. Incluso en este caso, muchas de esas decisiones se tomaban sobre la marcha. Pero no sintió que estuviese corriendo riesgos ya que estaba respaldada por las muchas semanas de ensayo que tenía con los actores. Del trabajo de los actores pueden salir cosas que no era lo que tenías pensado en el guión. Pero hace falta un material que proporcione a los intérpretes cosas con las que trabajar.

Sobre su forma de rodar, la directora declara que es muy sobria en la puesta en escena y que a ella le gustan los directores sobrios. Los primeros planos están contados porque considera que hay que utilizarlos cuando sea necesario, cuando tenga sentido. Si los sobreutilizas se pierde el efecto. Y lo mismo con los tacos en los diálogos.

Más información en Blogdecine sobre ‘Un palabra tuya’

La próxima semana se estrena la nueva película de Ángeles González Sinde, a la que todos conocéis por su gran simpatía en público y su enorme facilidad para los discursos, ‘Una palabra tuya’, de la que aquí tenéis su trailer. La película, con guión de la propia directora, está basada en la novela de Elvira Lindo, en la que se narra la historia de dos amigas que tras muchos años sin saber la una de la otra, se encuentran de nuevo y terminan trabajando juntas de barrenderas.

El reparto de ‘Una palabra tuya’ está integrado por Malena Alterio, Esperanza Pedreño y Antonio de la Torre. El trailer no me dice absolutamente nada, pero habrá que verla, aunque su estreno nueve días después de cierto film de Christopher Nolan sea más un suicidio taquillero que otra cosa.

Vía | Las Horas Perdidas

‘Cobardes’, la segunda película de José Corbacho y Juan Cruz, que se estrena el día 25, está protagonizado por Lluis Homar, Paz Padilla, Elvira Mínguez y Antonio de la Torre. Como ya os habíamos contado, trata el tema de los abusos escolares.

Gaby, es un chaval de catorce años que tiene miedo a ir al colegio. Tal vez su miedo sea a causa de Guille, un compañero de clase, que por su parte tiene miedo a defraudar a su padre. Pero los padres de Gaby y Guille también tienen miedo. Joaquín, el padre de Gaby tiene miedo a perder su trabajo y Merche, su madre, miedo a que su familia se desmorone. Guillermo, padre de Guille, tiene miedo del poder que le envuelve y Magda, su madre, miedo de no conocer a su propio hijo.

El guión está bien desarrollado para que durante todo el film haya una historia. A partir de cierto momento te interesas por conocer el discurrir de la trama y te engancha a pesar de algunos inconvenientes que mencionaré más adelante. Una de las habilidades que le veo es la integración de las subtramas de forma que tienen una enorme cohesión con la principal y con el tema de actualidad que se trata. Este aspecto, que es el mejor, parece que ha sido el que más han tratado de destacar, pues el propio título del film, en el que la el adjetivo va en plural, quiere incluir a padres y profesores, y la sinopsis oficial –la que acabáis de leer— habla en seguida de los personajes secundarios que rodean a los jóvenes que sufren o ejercen el abuso.

No hay nada como tomar un asunto del que se habla mucho en los periódicos y en televisión para que parezca que se ha hecho una película importante y necesaria. Pero el mayor pecado que comete ‘Cobardes’ precisamente viene por ahí: se hace muy evidente que es un film de encargo. A esta película le falta verdad, implicación, autenticidad, sentimiento… Es fría, aséptica, lejana… Nos explica algo en lugar de hacernos sentir algo. Lo plantea, lo deja ahí y lo retrata, pero no se involucra. Y de nada serviría que ahora me contestase alguno de los creadores diciendo que me equivoco y que sí hay implicación personal. Incluso me lo pondría peor. Porque la cuestión no está en si la hubo o no, sino en si viendo la película se percibe o no, en si se transmite al espectador.

Parte de la falta de autenticidad se aprecia en que los diálogos están llenos de tópicos. Parece que se hubiesen trasladado los titulares de esos periódicos y telediarios directamente a las frases de los personajes. Lo que se oye por ahí –opiniones de profesores, de padres, de los propios jóvenes…— es lo que se ha utilizado como material para el guión. Eso está bien si se utiliza como material de partida, pero para ir más allá, para profundizar a partir de esa idea, convirtiéndola en una historia personal, no en una reflexión disfrazada de película. Se intenta que la tesis quede tan clara que no se buscan subtextos ni sutilezas. Se llega al tema sin más, de forma obvia y demasiado directa. No sólo no se busca ser sutil, sino que se exagera la pretenciosidad y el mensaje se te escupe a la cara, como por ejemplo en la secuencia en la que suena una alarma mientras varias acciones se montan en paralelo, que exagera el dramatismo de la situación sin venir a cuento.

El tema que trata ‘Cobardes’ se ve muy a menudo en films norteamericanos –el uso reciente del término inglés “bullying” como si no tuviésemos los nuestros, demuestra que muchos sienten que es algo que viene del otro lado del Atlántico—, por lo que se podría calificar ‘Cobardes’ de película muy americana. Sin embargo, donde las cintas estadounidenses salen victoriosas, la patria falla: no hay identificación con el protagonista porque no se percibe como un auténtico adolescente, sino como una figura situada en un film para trasladarnos unas ideas. Las norteamericanas son películas en las que sí se puede ver el sufrimiento de la persona que padece este acoso, en las que la identificación que se produce con los protagonistas es inmensa, en las que puedes percibir el dolor de los creadores cuando recuerdan aquella etapa de su infancia. Se me ocurren ejemplos como ‘Bienvenidos a la casa de muñecas’, de Todd Solondz, o la serie de la que siempre os hablo, ‘Freaks and Geeks’, pero hay decenas.

Además, el comportamiento del protagonista es muy poco creíble por una serie de detalles que sería muy largo enumerar. Es mucho más interesante y más real el personaje del abusón, ya que tiene sus dudas y sus propias inseguridades. Tampoco nos creemos algunas decisiones de reparto, como emparejar a Elvira Mínguez con Antonio de la Torre. Y esa curiosidad que sentían algunas personas por ver cómo resultaría Paz Padilla en un papel serio, pues muy fácil: Paz Padilla sin hacer reír. Por ello, sin que se pueda decir que ninguno de los intérpretes esté mal, el trabajo actoral tampoco es lo que más se puede destacar de la película.

La fotografía es muy poco agradecida y el montaje no tiene demasiada chispa. Aunque los aspectos técnicos resultan secundarios cuando lo más profundo de la película está bien.

Con todo, ‘Cobardes’ es un buen intento de convertir un tema de actualidad en una historia personal, que ha triunfado en cuanto al desarrollo del argumento se refiere porque la trama interesa y produce ganas de seguir viéndola, pero que no ha logrado crear autenticidad o cercanía.

Más información en Blogdecine sobre ‘Cobardes’.

Los autores de la exitosa ‘Tapas’, José Corbacho y Juan Cruz, vuelven con un film sobre los abusos escolares del que ya os informamos durante su rodaje: ‘Cobardes’, que se estrenará en los cines el 25 de abril.

‘Cobardes’ está protagonizado por Lluís Homar, Elvira Mínguez, Paz Padilla, Antonio de la Torre, Javier Bódalo, Eduardo Espinilla, Eduardo Garé y Ariadna Gaya.

A continuación podéis ver el tráiler y más abajo el póster.

Si alguna vez te ves envuelto en este tipo de situación, ¿se lo vas a decir a tus padres?

Más información en Blogdecine sobre ‘Cobardes’, José Corbacho, Juan Cruz y ‘Tapas’.

Fuente |Youtube.

‘El Prado de las Estrellas’, el último film de de Mario Camus (‘La Colmena’, ‘Los Santos Inocentes’), que se estrena el día 11, toma el nombre de los recuerdos infantiles de un hombre llamado Alfonso (Álvaro de Luna). Cincuenta años más tarde, Alfonso vive jubilado en su casa de siempre y visita a Nanda (Mari González), una anciana que fue su vecina y un poco su madre cuando se quedó huérfano. Nanda vive ahora en una residencia de ancianos en la que trabaja Luisa (Marian Aguilera), una joven asistente social que trata de vivir su propia vida. Una mañana, Alfonso se encuentra con un joven que aparece entre la niebla en su bicicleta, es Martín (Oscar Abad). A partir de ese amanecer y avivado por los sueños del chico, pronto se instalará la amistad entre el viejo maestro y la joven promesa ciclista.

Los anteriores trabajos de Álvaro de Luna han sido ‘¿Y tú quién eres?’, ‘Teresa: El cuerpo de Cristo’, ‘Las voces de la noche’, ‘El viaje de Carol’, ‘La soledad era esto’, ‘Silencio roto’, ‘Lázaro de Tormes’), Marian Aguilera (‘Seres queridos’, ‘Tánger’, ‘El misterio de Wells’.

A Rodolfo Sancho lo hemos podido ver en ‘La noche de los girasoles’, ‘La bicicleta’, ‘Cuba-Libre’, ‘Pacto de brujas’, ‘Mucha sangre’.

De Antonio de la Torre se ha hablado en numerosas ocasiones en este blog gracias a ‘Mataharis’, ‘Salir pitando’, ‘Azuloscurocasinegro’ o ‘Volver’. También tiene papeles en ‘La noche del hermano’, ‘El Calentito’, ‘El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo’, ‘El 7º día’, ‘Días de fútbol’, ‘Una pasión singular’, ‘El robo más grande jamás contado’, ‘Poniente’, ‘X’, ‘Manolito Gafotas en ¡Mola ser jefe!’, ‘Torrente 2: Misión en Marbella’, ‘Una palabra tuya’, ‘Cobardes’.

Completan el reparto el ciclista Óscar Abad, Marian Aguilera (‘Tuno Negro’, ‘Tánger’), Rodolfo Sancho (‘Cuba Libre’, ‘Amar en tiempos revueltos’, ‘MIR’), José Manuel Cervino (‘Las 13 Rosas’, ‘Los Abajo Firmantes’, ‘La Guerra de los locos’) y Mari González (‘El poderoso influjo de la luna’).

La prensa ha dicho…

“El prado de las estrellas vuelve a recordar a los espectadores que el buen cine bebe de lo cotidiano.” – El País

“Una grandísima película.” – Manuel Hidalgo, ABC

‘El prado de las estrellas’ ha recibido dos nominaciones a los Goya. El veterano actor Álvaro de Luna ha sido nominado en la categoría de Mejor Actor y el ciclista Óscar Abad lo ha sido en calidad de Mejor Actor Revelación.

Fuente | Manga Films

‘Azuloscurocasinegro’ es la sorprendente ópera prima de Daniel Sánchez Arévalo, la cual se alzó el pasado domingo en la gala de los Goya, con tres premios a la mejor dirección novel, actor de reparto y actor revelación. Aunque personalmente me hubiera gustado que premiaran un film tan bueno como ‘Un Franco, 14 Pesetas’, no me molestan especialmente estos galardones, ya que el film de Arévalo se los merece ampliamente, y seamos sinceros, estaba bastante cantado que se los llevara, ahí no ha habido ninguna sorpresa. Justo después de la gala me dispuse a ver el film, y tengo que decir que me he encontrado con una de las más gratas sorpresas que nuestro reciente cine nos ha deparado.

La historia sigue a Jorge, un chico que tiene que hacerse cargo de la portería de un edificio ya que su padre cae repentinamente enfermo. Pero el sueño de Jorge no es ser toda su vida portero, tiene ambiciones más altas, ambiciones que cada día se le elevan más debido a cómo es la vida que le rodea. No le aceptan en la mayoría de los trabajos para los que se entrevista debido a que tiene que estar pendiente de su padre. Su exnovia reaparece en el momento menos indicado, y para colmo, su hermano que está en la cárcel le pide algo sorpredente que irá cambiando absolutamente todas sus perspectivas de la vida.

Lo que más sorprende del film es el excelente trabajo de dirección por parte de Sánchez Arévalo, el cual se permite ciertos lujos visuales en lo que respecta a la elaborada puesta en escena. Y digo elbaorada, porque ‘Azuloscurocasinegro’ tiene uno de los looks visuales más interesantes y mejor realizados de los últimos años en lo que respecta al cine español. Por una vez, alguien no utiliza el formato scope porque sí, y por una vez alguien sabe cómo componer un plano, sabiendo perfectamente dónde tiene que ir cada personaje y que todo tenga un sentido narrativo y expresivo, y no porque quede bonito. Al respecto citar el montaje paralelo de dos parejas en un instante de confesiones crucial. Una escena extraordinaria que para un servidor es el mejor momento de la película.

Por otro lado, Arévalo realiza un guión con muchas de las constantes vistas en nuestro cine patrio, pero sin irse por las ramas, alejado de trascendentalismos baratos, y logrando que estemos ante una historia totalmente creíble con la que se disfruta de principio a fin. Tal vez no esté todo lo bien rematada que debiera, pero desde luego el espectador la sigue con sumo interés. No obstante, y como he dicho, la película no está bien terminada. Su tramo final es un pelín precipitado, hay una repetición de esquema, y aunque parece que todo ha avanzado, existe una sensación de reiteración, y uno se queda un poco como vacío, a la espera de más. Es curioso que el director no haya tenido tiempo, o no haya querido atar bien ciertos cabos del film, considerados importantes, como algunas de las relaciones de los personajes, y sin embargo haya sido capaz de lograr pequeños detalles argumentales, expuestos visualmente de forma espléndida en un solo plano. Al respecto citar la ausencia del personaje principal en su graduación, que Arévalo filma con dicho personaje mirando un escaparate y un leve movimiento de cabeza. Sencillamente prodigioso. En la película abundan detalles de ese tipo que le dan un toque de originalidad y la diferencian del grueso de nuestra cinematografía. Vamos, que si otros fueran como Daniel Sánchez Arévalo, otro gallo cantaría con nuestras películas.

Otro de sus puentos fuertes son todas sus interpretaciones, con unos actores que se ve, han disfrutado de lo lindo componiendo unos personajes, todos interesantes. Quim Gutiérrez, en el personaje principal, está bastante bien, moviéndose entre la dureza y la fragilidad de forma muy creíble. Marta Etura, la maravillosa Marta, en el que probablemente sea el mejor papel de su carrera, con un personaje femenino en principio un poco enigmático y que poco a poco se va conviertiendo en un punto de inflexión para el protagonsita. Antonio de la Torre está fantásico como el hermano del protagonista, un personaje en el que se podrían haber cargado más las tintas, y afortunadamente el actor no lo hace. Y Raúl Arévalo que cierra el cuarteto protagonista, como el mejor amigo del personaje central, el que dota al film de los pocos detalles humorísticos que posee, con un personaje que está bien definido en sí mismo, pero hay cierto error de tratamiento en lo que respecta a la relación con su propio padre, con el que nunca se ha entendido bien, y que no está del todo bien explicado.

Una buena película que nos reconcilia con el siempre preocupante estado del cine español, pero que cuando se ven obras como ésta, se vislumbra una rayo de esperanza en el horizonte. Ahora a esperar que Arévalo realice su segundo trabajo, y que perfecciones más los guiones, porque como director se ha lucido el chaval. A seguir así.