Desde que Clint Eastwood estrenó ‘Sin perdón’, se viene hablando del resurgir del western, género cinematográfico por excelencia. Cuando una nueva muestra llega a las pantallas, el tema cobra de nuevo relevancia. Gente como Kevin Costner, Lawrence Kasdan, Sam Raimi, George Pan Cosmatos o James Mangold, hicieron sus aproximaciones, con mayor y menor fortuna, a un género prácticamente moribundo por no encajar en un mundo devorado por otro tipo de inquietudes y gustos de consumo. Ahora Ed Harris, con buenas intenciones y un buen reparto, ha vuelto a poner de moda (ya veremos cuánto dura el entusiasmo) las historias de pistoleros anclados a un pasado y una forma de vivir, de pueblos sin ley, de cabalgadas hacia la puesta de sol.

‘Appaloosa’ supone el segundo trabajo de Harris tras la lamentable ‘Pollock’, film que hizo que nadie ganara una sola quiniela de Oscars hace unos años, cuando Marcia Gay Harden sorprendió a todo el mundo saliendo a recoger el premio a la mejor actriz secundaria. Al igual que en aquella, Harris parece estar demasiado entusiasmado con el material que tiene entre manos, y de la misma forma se revela incapaz de transmitir al espectador su cariño por la historia. ‘Appaloosa’ es un film con posibilidades, y también con demasiadas obviedades y subrayados.

El argumento de ‘Appaloosa’ narra la historia de dos defensores de la ley, Virgil Cole y Everett Hitch, que la van aplicando en pueblos carentes de ella. Appaloosa es uno de esos pueblos. El sheriff de dicha localidad ha sido asesinado vilmente por un poderoso ranchero, que junto con su banda tiene atemorizados a todos. Cole y Hitch son contratados para que esta situación termine. Una historia sencilla, clásica, con el suficiente atractivo, y a la que Harris se entrega, en calidad de actor, director y co-guionista, con tanta pasión como torpeza. Porque no llega con tener buenas intenciones, hay que saber escribir un guión con garra, y al mismo tiempo poner en imágenes el libreto escrito con algo más que una buena fotografía.

‘Appaloosa’ tiene un comienzo impactante. Una concisa escena en la que ocurre algo inesperado, y en la que el perfil psicológico de uno de los personajes centrales queda perfectamente dibujado. Decía Hitchcock que una película vale lo que vale el villano. No hay duda de que esta película no puede empezar mejor con respecto a la afirmación del maestro inglés. Enseguida sabemos que con el villano de la función no se juega, es un hombre temible y temido, y no parará ante nada ni nadie para salirse con la suya. Jeremy Irons presta su voz y su cuerpo para componer a tan atractivo, en un primer vistazo, personaje. Después de ese prólogo, que puede considerarse de lo mejor del film, un pequeño segmento muy significativo llevado a a cabo con una perfecta capacidad de síntesis, no volveremos a ver un instante de tanta intensidad, más bien lo contrario.

Ed Harris se pierde hablando de personajes demasiado planos, estereotipos de estereotipos, de situaciones mal planteadas, y comete el error de ser demasiado obvio. Para colmo, el film adolece de bajones de ritmo preocupantes, sobre todo en su parte final, totalmente anticlimática, y en la que el aburrimiento ya se había apoderado de un servidor. A esas alturas me daba igual el intento de Harris por apartarse con su mirada de ciertos tópicos, sobre todo en lo que respecta a su puesta en escena, de cierta sobriedad. Una puesta en escena en la que tiene mucho que decir el veterano Deam Semler con su trabajo de fotografía. Un mal uso de las elipsis, montaje equivocado (que hace que la película sea reiterativa), y una poco definida banda sonora a cargo de Jeff Beal (quien no puede evitar caer en autohomenajearse con melodías que recuerdan a sus trabajos para las series de televisión ‘Carnivale’ y ‘Roma’), terminan por hacer poco interesante algo que sin duda debía tener mejor aspecto sobre el papel.

Pero no todo en ‘Appaloosa’ me ha parecido malo. Sin duda, uno de sus máximos atractivos es la pareja protagonista formada por Ed Harris y Viggo Mortensen, siendo éste último el verdadero eje del film, aquel desde el que se enfoca la historia (excepto en el prólogo antes comentado). Ambos actores están perfectamente compenetrados, y con su sola presencia les llega para cautivar al público. Probablemente Mortensen posee más momentos para lucirse, al fin y al cabo su personaje resulta más interesante que el de su compañero de reparto, un muy convincente Harris, que ha sabido expresar con su rostro la experiencia adquirida con el paso de los años. En los secundarios, además del ya mencionado Jeremy Irons, brillan un excelente Lance Henriksen y una entregada Ariadna Gil, que le gana en el apartado femenino a una literalmente insoportable, como viene siendo habitual en ella, Renée Zellweger, con un personaje inútil. Todas las secuencias en las que asoma su cara la protagonista de ‘Chicago’ desprenden la sensación de que hay un elemento que estorba, que sobra.

Sin embargo, y por muy bien que estén algunos de los actores, ninguno de los personajes es memorable. Nada en ‘Appaloosa’ merece la pena de ser recordado, sus imágenes pueden llegar a cautivarnos con la misma rapidez con la que las olvidamos. Puede que el western no haya muerto, al menos en la memoria de muchos sigue vivo, mientras intentan una y otra vez levantarlo con proyectos más o menos ambiciosos. Si algún día resurge de verdad, no será por películas como ‘Appaloosa’. Mientras eso sucede podemos disfrutar de cientos de joyas pertenecientes a un género que nunca volverá a tener una época de esplendor como antaño, menospreciado incluso por las generaciones de nuevos cinéfilos, pero que vivirá para siempre en los corazones de los que, como el western, pertenecen a otra época.

En Blogdecine:

• ‘Appaloosa’, los valores en un mundo en declive

A finales de octubre, tuve la suerte de estar paseando, como un turista más, por las lujosas calles de París, mirando de reojo la cartelera de cada cine que me encontraba. Sin poder evitarlo, adicto al séptimo arte que es uno, tenía la esperanza de descubrir algún título realmente interesante, que justificara crear una excepción a (suena mejor que romper) la promesa que le había hecho a mon amour, antes del viaje.

Para mi sorpresa, era muy difícil encontrar algo en inglés. Casi todas las películas estaban en francés. Por un lado, hay una increíble cantidad de estrenos propiamente franceses (lo de España es para llorar comparado con lo que hacen allí), y por otro, en el país vecino también doblan las películas extranjeras, quizá por ese fanatismo hacia su refinada (y empalagosa) lengua. Afortunadamente, hay muchos cines, y en varios proyectan películas en versión original con subtítulos. Así encontré ‘Appaloosa’, que se estrena en España el próximo 21 de noviembre. No pude elegir mejor, estamos ante una de las mejores películas del año.

La película supone el segundo trabajo del versátil y prestigioso actor Ed Harris tras las cámaras, ocho años después de la (digamos) difícil ‘Pollock’. Un segundo trabajo que vuelve a demostrar dos cosas fundamentales sobre este hombre de cine. En primer lugar, que dirige lo que le da la gana, dicho en plata, independientemente de que el proyecto pueda venderse bien o no; rueda la historia que quiere, al margen del público o la taquilla. En segundo lugar, que lo que dirige le sirve para interpretar personajes que le fascinan, por la complejidad de su personalidad. Dice Harris que siempre quiso ser un cowboy. Con su segunda película no sólo interpreta a uno, consigue también dar un paso más como director, explotando al máximo una historia sobre personas (no marionetas, no personajes de cartón) al límite, en un escenario típico de western. Destacar, por cierto, el realismo de la película, sensacional.

‘Appaloosa’ nos cuenta la historia de dos hombres que viajan juntos, aparentemente amigos, y cuyo trabajo es el de imponer justicia allá donde se les contrate. De este forma llegan al pueblo que da título al film, un lugar donde los habitantes viven atemorizados por una banda de pistoleros. Los dos justicieros deberán imponer el orden, pero la llegada de una joven y elegante viuda complica la situación más de lo esperado.

Evidentemente, el reparto protagonista es uno de los puntos fuertes del film. Contar con Viggo Mortensen, Jeremy Irons y el propio Harris como cabezas de cartel es un pequeño gran lujo. Podríamos decir que no es complicado encontrar películas con actores de este nivel, en igual número o incluso más, pero lo que es difícil es que ofrezcan un trabajo que justifique su valía. La mayoría de las veces los productos simplemente contratan nombres, importando poco o nada lo que el actor haga. En ‘Appaloosa’, Harris, Irons y, sobre todo, Mortensen realizan unas interpretaciones soberbias.

Sí, de los tres, me quedo con Viggo Mortensen. Posiblemente, el personaje de Ed Harris sea el más complejo y el más difícil, pero me rindo ante la presencia, el carisma y la integridad del personaje que encarna el señor Mortensen. Podría decirse que repite, en cierto modo, el tipo de interpretación que le ha hecho famoso, ésa que ha ofrecido en películas tan conocidas y respetadas como las tres de ‘El Señor de los Anillos’ o las dos que ha rodado con David Cronenberg, ‘Una Historia de Violencia o ‘Promesas del Este’. Pero sólo es apariencia. El personaje que interpreta para Harris, como los que compuso para Peter Jackson o Cronenberg, tiene entidad propia, su propia personalidad, con una serie de valores que le diferencian del resto.

No me gusta comentar finales ni aspectos relevantes de la trama (a pesar de que en alguna ocasión, sin pretenderlo, se me escapen detalles que puedan ser considerados como tales) en las críticas, ni voy a hacerlo en esta ocasión, pero sí diré algo: cuando empiezan los créditos me dieron ganas de levantarme y ponerme a aplaudir. Rara vez me ocurre, más aún con un año de cine tan mediocre como el actual (y el anterior, y el otro, y el otro, etc.), pero realmente sentí ese deseo. Impresionante, memorable, la secuencia que cierra la película, una lección con la que Harris (como autor de la obra en cuestión) nos golpea en pleno rostro. Tarda en surtir efecto, pero cuando te das cuenta, te ha marcado sin remedio.

A los tres hombres hay que sumar dos mujeres también de sobra conocidas por nosotros, Renée Zellweger y Ariadna Gil, sorprendente presencia que se explica por su trabajo en ‘Alatriste’, donde coincidió con Mortensen; Harris dice que vio una fotografía de ambos y vio que había química entre ellos (no sé qué opinará David Trueba de todo esto). Gil tiene un personaje de escasa relevancia en la película, apenas protagoniza un par de escenas donde conversa con el pistolero que encarna Mortensen, con el que mantiene una sincera y breve relación. La actriz española parece haber entrenado poco su inglés o quizá es que debía hablar así. Es el único elemento extraño en su trabajo, que realiza con absoluta profesionalidad.

También podríamos decir esto mismo de Zellweger, pero la oscarizada actriz (recordemos que premiaron con una estatuilla su interpretación en ‘Cold Mountain’) no encaja demasiado en su rol. Creo que en su lugar se trendría que haber buscado a una mujer de presencia más elegante, de aspecto clásico. Alguien como Naomi Watts, Nicole Kidman o Catherine Zeta Jones, por poner tres ejemplos. Zellweger encarna a una mujer que parece no pertenecer al estilo del pueblo donde llega, es una mujer refinada, que habla bien, que toca el piano y que luce un aspecto deslumbrante. Son apariencias, pero son fundamentales para el desarrollo de la trama. Zellweger no lo hace mal, ya digo, pero creo que otra actriz lo habría hecho mejor.

No quiero acabar este comentario sin aplaudir, esta vez sí, desde este espacio, a Ed Harris por haberse atrevido a filmar esta película. Lo dice el propio cineasta y es por todos sabido, no es fácil hoy día vender un western. Y eso a pesar de que no funcionan mal, sin ir más lejos, el año pasado ‘El Tren de las 3:10’ alcanzó el número uno de la taquilla norteamericana. Pero parece que los estudios ya no quieren este género. Una verdadera pena. La suerte es que aún hay quien pelea por volver a contar historias sobre pistoleros. Aún hay señores inteligentes y talentosos que saben ver que el western es un lienzo amplio donde caben todo tipo de historias. El western se resiste a morir, y los motivos que da para seguir viviendo resultan mucho más convincentes que los que dan otros géneros, muy rentables, muy vacíos.

Enérgica, poderosa, reflexiva, diferente, ‘Appaloosa’ es, sencillamente, una película imprescindible. Por lo menos ahora, el tiempo dirá si se merece una consideración superior (apuesto a que sí). Un regreso al western con los pies en el suelo y la mente lúcida, una película de gran fuerza con todo lo que uno puede esperar: drama, acción, emoción y humor. No os la podéis perder, ya me diréis si al final se os escaparon los aplausos.

Desde la magnífica ‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’, Agustín Díaz Yanes no había vuelto a hacer buen cine. Tampoco había hecho mucho cine, sólo dos películas, pero ninguna de las dos cumplió con lo que se esperaba de él tras su ópera prima. ‘Alatriste’ era un batiburrillo de anécdotas sin hilo conductor en el que todo lo que ocurría daba igual porque no sabías cómo afectaba a sus protagonistas. ‘Sin noticias de Dios’, aunque algo superior, vivía en la confusión entre tonos y te dejaba preguntándote cómo debías tomártela. Quizá su problema es que tenía aspiraciones demasiado elevadas.

Con ‘Sólo quiero caminar’, Díaz Yanes ha intentado volver a lo que hizo tan bien en 1995 y ha tomado a dos de los personajes de ‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’: Gloria Duque, Victoria Abril, y Doña Amelia, Ana Ofelia Murguía. A ellas ha sumado las figuras de Ana, Elena Anaya; Aurora, Ariadna Gil, y Paloma, Pilar López de Ayala; para contar la historia de cuatro mujeres que planean un robo con unas intenciones muy personales.

El plan que las cuatro féminas llevan a cabo nos sume en el desconcierto no sólo porque nunca sabemos hacia dónde apuntan sus intenciones, sino también porque la película presenta unas cuantas incongruencias –fallos de ráccord— y está montada de tal manera que en muchas ocasiones piensas que se trate de flashbacks y flashforwards cuando la narración finalmente es lineal.

Esos dedos rotos de Victoria Abril que se recuperan milagrosamente durante una escena para estar entablillados en la siguiente confunden bastante. No ayudan tampoco las escenas en las que se trata de hacer de ellas heroínas de acción de forma demasiado exagerada. Por ejemplo, el arma que construye Ariadna Gil podría haber sido más modestita y el salto de Abril contra los cristales no nos lo creemos. Y ya que mencionamos lo inverosímil, SPOILER pensar que alguien no vaya a oír un robo con martillo pilón y tiros por estar viendo un Western —’Grupo Salvaje’ (Sam Peckinpah, 1969)— es de lo más descabellado FIN DEL SPOILER.

SPOILER Inmediatamente se ve que como robo, lo que han hecho no sirve para nada y podemos sospechar que su verdadera motivación es la venganza. Pero no es que esto esté en la película, sino que se apuntó en las sinopsis y trailers. Si es necesario que se sepa, debería decirse en el propio film y no confiar en que el espectador llegue con información previa. Si es preferible que no se sepa para crear sorpresa, debería haberse eliminado del material promocional FIN DEL SPOILER.

Todos estos aspectos confusos y desconcertantes hacen pensar en que el guión se haya escrito y reescrito en numerosas ocasiones. Las escenas no conectan bien unas con otras y no se aprecia una progresión de la historia, sino que se permanece toda la película sin saber hacia dónde va la trama. Éste es el aspecto en el que, por desgracia, ‘Sólo quiero caminar’ se parece más a ‘Alatriste’.

Victoria Abril pasó por una época en la que había perdido su capacidad interpretativa por haber llegado a un extremo. Ahora se ha recuperado, pero sigue sin estar tan en forma como en sus mejores épocas y en ‘Sólo quiero caminar’ va fluctuando entre esas ridículas exageraciones y momentos bien entonados. Elena Anaya tiene un papel ínfimo y durante su poco tiempo en pantalla no está mal, aunque es difícil comprender su comportamiento porque las elipsis de la película nos impiden saber el devenir de su matrimonio. Ariadna Gil durante casi todo el metraje no cambia su gesto adusto y parece que su actuación consiste en poner esa cara. Hacia el final por fin cambia un poco el matiz y encontramos algo más de humanidad en esa persona con la que hasta entonces era difícil que se formase una empatía. Pilar López de Ayala está bien mientras no habla, pero en cuanto abre la boca, su acento de niña bien nos saca del personaje que se quiere presentar.

Estas mujeres protagonistas están rodeadas de hombres que suponen el blanco de sus intenciones criminales. Por contraposición, lo que a ellos atañe sí está claro y bien narrado. Y es en concreto aquí donde está el aspecto mejor del film: el personaje de Diego Luna: Gabriel, el secuaz del marido de Ana. Sus sentimientos y su psicología los entendemos perfectamente desde el principio y la necesidad que tiene la podemos ir anticipando incluso antes de que llegue. La interpretación del mexicano es magistral y el conjunto de todos estos factores hace que ‘Solo quiero caminar’ valga la pena ser vista por esta trama del gallito “Babyface”. El propio marido de Ana, José María Yazpik, hace muy bien su papel y transmite más que ellas. Es más que paradójico que, queriendo hacer una historia sobre mujeres y en contra de los hombres, lo único que le haya quedado bien a Díaz Yanes sean los personajes masculinos.

Como conjunto, ‘Sólo quiero caminar’ construye una historia más rocambolesca y complicada que la de ‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’ y no consigue estar a la altura del debut de Díaz Yanes. Tomando las escenas de forma independiente, el film alcanza por momentos esporádicos un gran interés, ya que está rodado magníficamente. Nos consolamos con saber que no cae en los errores de las dos películas anteriores, aunque no se ha despojado por completo de algunos de los malos tics que adquirió entonces.

Más información en Blogdecine sobre ‘Sólo quiero caminar’

Mi puntuación:

‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’ no sólo me parece la mejor obra de Agustín Díaz Yanes con diferencia, sino también una de las mejores películas que ha dado el cine español. Por ese motivo me alegro de que, después de la fallida ‘Alatriste’ y de la extraña ‘Sin noticias de Dios’, el director y guionista haya vuelto al género y al estilo de la que protagonizaban Victoria Abril, Pilar Bardem y Federico Luppi, con ‘Solo quiero caminar’.

‘Solo quiero caminar’ está interpretada por Victoria Abril, Ariadna Gil, Elena Anaya, Pilar López de Ayala, Diego Luna y Carlos Bardem.

Aunque aún no tiene fecha de estreno prevista, ya se puede ver un tráiler. En la continuación de esta entrada se puede leer la sinopsis y ver el póster.

La película narra la historia de un grupo de amigas que deciden vengar a una de ellas, víctima de malos tratos. Es la historia de cuatro mujeres, cuatro supervivientes unidas en la vida por la mala suerte, la pobreza y el miedo, que se dedican a sobrevivir a base de atracos de poca monta y algunos robos. López de Ayala añade que se trata de “una historia de amistad que habla sobre la lealtad de un grupo de chicas que están dispuestas a todo por cada una”.

Agustín Díaz Yanes completa nuestra idea sobre la trama diciendo que “son chicas que se rebelan un poco, que pegan y que disparan, pero ahora sacar a una mujer con una pistola en el cine empieza a ser menos raro”.

‘Solo quiero caminar’ está rodada entre México y Algeciras. No quiero decir en un punto geográfico intermedio entre esos dos lugares, sino en un sitio primero y luego en el otro.

Como apuntaba una lectora en los comentarios, ésta sí podría haber sido una buena opción para los Oscar. Pero parece que se eligen cosas siempre más sencillas, menos duras.

Fuente | Hoy Cinema.

A veces una simple historia, un cruce de miradas, puede dar lugar a una épica conmovedora. Eso es lo que nos dice el director español Alvaro Fernández Armero, en un cortometraje de 1992, de apenas 8 minutos de duración, que parece una precuela de su posterior película ‘Todo es mentira’.

Dos jóvenes, chico y chica, que esperan el metro. No hay nadie más. Y de repente, el espectador se siente parte de sus vidas de un modo casi voyeurista, accediendo a sus pensamientos de manera desenfadada y fresca. Lo que comienza siendo monólogos separados de los dos personajes, se torna en un diálogo “telepático”, una inspirada historia subversiva de amor que hace reír, sentir vergüenza ajena y sentirnos identificados. Todo a la vez. Con el estupendo Coque Malla y Ariadna Gil, que ahora coquetea con Hollywood, no hacen falta más adornos. La música también ayuda, para dar dinamismo a un relato que, en manos de otros muchos directores, podría no tener tanta gracia ni resultar tan emotiva.

Lo mejor de ‘El Columpio’ es que es algo que nos puede haber pasado a cualquiera, y el atisbo de esperanza que propone, nos deleita con la idea de que nuestra media naranja puede estar por ahí, esperándonos de la misma manera que nosotros la esperamos. Un lunes por la tarde, en un pasillo, en el autobús, en la calle. Esta proximidad a la fantasía autocomplaciente, ornamentada con un estilo “a la española”, diálogos creíbles y honestos, y personajes, en definitiva, que no resultan artificiales en ningún momento, componen una pequeña película adorable, que podemos ver varias veces sin cansarnos, para apreciar cada palabra, cada chascarrillo, cada gesto. Y su final, que a pesar de no ser nada original, se ha mostrado en algunas películas con infinitamente más éxito (vean ‘Antes del amanecer’, de Richard Linklater, y comparen).

Agradeceré su opinión en los comentarios de un clásico del cortometraje español, que sin duda, no ha tenido el reconocimiento que se merece. Sobretodo por todo lo que cuenta en tan poco tiempo y con un argumento mínimo. Llegamos a conocer a los dos protagonistas, sólo por lo que vemos y oímos.

Otros cortometrajes recomendados en Blogdecine:

• ‘10 minutos’, de Ahmed Imamovic
• ‘El tamborilero del Bolero’, de Patrice Leconte

El director y guionista Beda Docampo Feijóo, comenzó el pasado 9 de octubre el rodaje de ‘Quiéreme’, protagonizada por Darío Grandinetti (‘Hable con ella’), Ariadna Gil (‘Alatriste’, ‘El laberinto del fauno’, ‘Bienvenido a casa’) la niña Cristina Valdivielso y Kira Miró. Contará, además, con la colaboración de Juan Echanove (‘Alatriste’, ‘Bienvenido a casa’) y Carlos Hipólito, entre otros. Ya han tomado imágenes en Buenos Aires y en Madrid y ahora vuelven para rodar en Alicante (Ciudad de la Luz) y terminar a finales de noviembre en Sitges.

Pancho (Dario Grandinetti) es un cocinero cincuentón que vive una segunda juventud en su Buenos Aires natal. Acaba de abrir un restaurante de lujo junto a su nueva novia Rita (Agustina Lecouna), una joven procedente de una familia acomodada. Sin embargo, su vida va a dar un giro de ciento ochenta grados el día que llama a su puerta Amparo (Cristina Valdivieso), una niña española de siete de años, que dice ser su nieta. Estupefacto, Pancho se ve obligado a reconocer públicamente algo que lleva años escondiendo. Volvió de España después de un desengaño amoroso y dejando una hija, Lucia (Kira Miró), de la nunca más quiso saber.

Ahora es Lucía quien desesperada y mediante un vídeo que lleva Amparo, le pide a Pancho que cuide de ésta durante una temporada hasta que consiga solucionar una serie de problemas personales. Pero Pancho también se verá obligado a solucionar sus nuevos problemas personales: Rita, ante esta nueva dirección ha decidido abandonarle y le ha echado de la casa. Además, ahora es el responsable de una niña de siete años.

Pancho se ve obligado a viajar a Madrid para encontrar a Lucía y ayudarla. En el camino se encontrará con Consuelo (Ariadna Gil), la mejor amiga de Lucía, tendrá la oportunidad de compartir tiempo con su nieta y, como no, de afrontar su pasado para poder conocerse a sí mismo y hacer frente al nuevo futuro que tiene por delante.

‘Quiéreme’ es una coproducción hispano-argentina entre Iroko Films, Nada Music, Quiéreme Producciones, Intinity Films, Kompel Producciones S.A (Argentina) y Exponencial A.D.A.S.A. (Argentina), que será distribuida por A.Zeta Cinema. La producción ejecutiva corre a cargo de Harold Sánchez, Álvaro Zapata y Pablo Kompel.

Beda Docampo Feijóo escribió el guión de ‘Camila’, película que estuvo nominada al Oscar a la mejor película extranjera. Está considerado como uno de los cinco mejores guionistas de la década 1985-1995 por la Fundación Konex. Por ‘El Último tren’ recibió un Goya de la Academia a la mejor película extranjera y el premio al mejor guión en le Festival de Montreal (2002).

Vía: Azetacinema

Sin duda o con pocas dudas diría que nos encontramos ante la mejor película de Guillermo del Toro y también ante la mejor propuesta cinematográfica de esta semana que tiene varios días de ocio para acudir a las salas. Gracias a una estética realmente bella, con la fotografía de Guillermo Navarro, a un guión, del propio del Toro, que consigue sus intenciones en prácticamente todos sus aspectos y a unos actores que resultan magníficos en sus papeles, ‘El laberinto del fauno’ se presenta como un film vivo, diferente, grandioso.

Sin embargo, no es el film que probablemente muchos se esperan. No se trata de una película fantástica, no responde a las imágenes de seres extraños que tanto se nos han vendido en los tráilers y fotografías. La parte fantástica se podría decir que es gratuita. Sirve para dotar a la cinta de una dimensión mágica, para hacerla diferente y original, pero no se integra en absoluto en la historia que se cuenta ni tiene otra utilidad que la de sumergirnos en un universo curioso a la vista, pero en el que no ocurre nada. No hay desarrollo de una trama dentro de la zona imaginaria, no hay aventura, sólo seres que se aparecen y hablan con la niña creándole un ligera locura.

Lo mejor de la película es Sergi López. Este actor es uno de los más brillantes que tenemos en España, aunque casi siempre trabaje fuera de nuestras fronteras. Suele hacerlo en Francia, donde su acento obliga a los directores a incluir la frase “Je suis catalan” en casi todos los guiones. Aunque la obra maestra ‘Harry, un amigo que os quiere’ es la que más mención merece, tampoco es manca la que ha estrenado más recientemente: ‘Pintar o hacer el amor’. También ha trabajado en Inglaterra para Stephen Frears en ‘Dirty Pretty Things’.

López encarna a un despiadado capitán fascista durante la posguerra española. Su interpretación en ocasiones da auténtico pavor. Las motivaciones del personaje están bien presentadas, así como sus debilidades. A pesar representar claramente a la némesis, en realidad es él el protagonista de este film, pues aquí, de faltar algo, no son los antagonistas, sino los buenos.

En oposición a él está Carmen Mercedes, interpretada por Maribel Verdú, que representa su papel a la perfección. Ella es la ama de llaves del señorito que se hace muy amiga de la niña Ofelia. Junto con el médico del capitán, muy bien interpretado por Álex Angulo, Carmen lleva en secreto un apoyo a los republicanos que se esconden en las montañas.

Y es que en realidad, ésta es la trama central de la película. Se ha presentado como protagonista a la niña, Ivana Baquero, a quien habíamos visto en ‘Cuento de Navidad’, pero su participación es muy limitada, no en cuanto a metraje, sino a integración con la trama central. La madre de esta joven, por su parte, papel que representa Ariadna Gil, no pinta nada más que complicar aún más las cosas. El fruto de su vientre tiene más utilidad para la historia que ella misma.

Debido a que del Toro trata de integrar la faceta más fantástica con la realista, el film se le va un tanto de las manosen cuanto a duración y a construcción. Hacia el principio, que es cuando más secuencias con faunos, hadas y otros personajes imaginarios tenemos, la película no parece dirigirse a ningún lado. No es que la imaginería sea poco interesante o que esté mal hecha, al contrario, es fascinante; pero se introduce en el guión, como ya he apuntado, de forma gratuita.

Es a partir de cierto punto, cuando el film se centra en la cuestión de la lucha de clases y de la situación de los supervivientes de la, digamos, “resistencia”, cuando de verdad se convierte en una gran película. Aquí el cineasta demuestra que no sólo es capaz de rodar ciencia ficción y terror, sino que tiene una impresionante mano para contar una historia de forma natural, con personajes humanos y con conflictos de la vida real, es decir, para realizar un film social e histórico. Bien es cierto que, debido al público fiel que tiene el mejicano, habría defraudado que contara únicamente la historia del capitán fascista y de los que a él se enfrentan. Pero quizá la película habría resultado mejor. Habría resultado del todo redonda.

Sobre la filmografía de Guillermo del Toro, debo decir que no lo idolatro tanto como otros, aunque me gustan algunas de sus películas. ‘Cronos’ sé que me pareció muy buena en su día, aunque ya han pasado bastantes años y apenas recuerdo más que una atmósfera opresiva y una ominosa lentitud, intencionada por el director. Federico Luppi, ese magnífico actor argentino, ayudaba mucho a crear una buena impresión. ‘Mimic’ también me gustó, aunque le encontré algunas pegas, pero en general me dejó un buen sabor. Mira Sorvino y Jeremy Northam, como siempre, estaban muy bien. Ambos films tenían como mayor valor su originalidad. Sin embargo, ‘El espinazo del diablo’, quizá debido a su guión un tanto insostenible, me parece bastante mala. Protagonizada por Eduardo Noriega y Marisa Paredes, contaba también con Luppi, pero ya en una época en la que el argentino se estaba prodigando demasiado. A ‘Blade II’ sinceramente, no sé qué le ve la gente, como tampoco le encontraba lo que tantos admiran a la primera parte, ‘Blade’, de Stephen Norrington. La tercera tenía algún buen chiste. En cuanto a ‘Hellboy’ no puedo decir si es una buena adaptación, pues no he leído los cómics de Mike Mignola, pero no me convence ni en cuanto a la estética ni la forma en la que está rodada la acción. Por lo tanto, salvo que en una revisión de ‘Cronos’ la encontrara mejor, está claro que Guillermo del Toro ha dado un gigantesco paso hacia delante con ‘El laberinto del fauno’.

La película, cuyo trailer se puede ver aquí, fue elegida por Méjico para optar a la nominación al Oscar.

Gracias a esta decisión de la Academia del Cine de Méjico, dos films españoles aspiran a ser nominados al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, ya que ‘El laberinto del fauno’, de Guillermo Del Toro, es co-producción hispano-estadounidense-mejicana y cuenta con muchos de nuestros actores en el reparto: Sergi López, Maribel Verdú, Ivana Baquero (‘Cuento de navidad’), Alex Angulo y Ariadna Gil. La otra, ya lo sabemos, ‘Volver’, de Pedro Almodóvar.

Guillermo del Toro recibió la noticia con gran alegría y considera que “es un honor que hayan elegido mi película para competir por un Oscar”. El director considera que “éste es mi film más maduro y del que me siento más orgulloso”.

La película se presentará en España el 6 de octubre en Sitges, ya que será la encargada de abrir la edición de este año del Festival. El estreno en las salas tendrá lugar el 11 de octubre. Es una coproducción de Estudios Picasso y Tequila Gang, con la participación de Telecinco, y será distribuida por Warner Sogefilms. El trailer, por el momento, se puede ver aquí.

Actualización: crítica de ‘El laberinto del fauno’

‘El laberinto del fauno’ nos sitúa en el año 1944 y cuenta el apasionante viaje de Ofelia, una niña de 13 años que junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen y por el que Ofelia no siente ningún afecto. Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación. En el transcurso de la misión de la que la hace depositaria el Fauno, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.

El resultado de la votación emitida por el Comité de Elección se dio a conocer por Carlos Carrera, Secretario del Comité Coordinador de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, al cierre del proceso desarrollado del 18 al 26 de septiembre. En la decisión participaron los cineastas con derecho a voto, conforme a los reglamentos vigentes. El mismo indicaba que 151 profesionales de la industria iberoamericana podían participar de esta elección.

En el marco del XV Festival de cine latinoamericano de Biarritz, Sergi López declaró que había apostado por esta película. “La película tiene una cosa que estoy convencido de que a los americanos les encanta y es que es fácil de entender y de seguir. Está muy, muy bien contada, está muy bien rodada, es muy limpia” y continuó: “La historia es alucinante, increíble, fantástica. Es una película que puede encajar en esta manera de entender el cine de los americanos. No te suelta hasta el final”.

López añadió que “Todo el mundo que participó en la película está muy ilusionado. Hay una acogida muy buena. La reacción está siendo alucinante y está más que gustando incluso en países como Francia en los que habitualmente no les gusta este tipo de cine”. Dijo también que se trata de “una película que tiene mucho coraje, se atreve a hablar de la Guerra Civil española y mezclarla con alitas que vuelan, con el fauno, es muy osada. No sabes a qué compararla porque sí es cine fantástico pero es histórica aunque no realista”. Aquí pueden continuar leyéndose las palabras de Sergi López. La actriz Maribel Verdú habla sobre el tema aquí.

El filme recibió veinte minutos de aplausos al ser estrenada en el último festival de cine de Cannes y los críticos y público que la han visionado en Francia y Canadá la han elogiado y aplaudido.

La cinta de Guillermo del Toro competirá también en la categoría del premio ‘Hollywood World’ en el Festival de Cine de Hollywood contra la española ‘Volver’, de Almodóvar, ‘12:08 East of Bucharest’ (Rumania); ‘Buenos Aires, 1977’ (Argentina); ‘Climates’ (Turquía, Francia); ‘Grbavica’ (Austria, Bosnia-Herzegovina, Alemania, Croacia).

El documental de Juan Carlos Rulfo ‘En el hoyo’, por su parte, será la mejicana que participe en los Goya a la mejor película latinoamericana. Su director, ganador de once premios en festivales internacionales, había expresado su deseo de que su film, hasta el momento el mexicano más premiado en 2006, fuera seleccionado para la carrera a los Oscar. En este documental se aborda la vida cotidiana de los albañiles en la construcción de vías elevadas en la capital mexicana.

Otros países que han dado a conocer sus candidatos a los Oscar en las últimas horas son Bélgica (‘Someone Else’s Happiness’, opera prima de Fien Troch), Hungría (‘White Palms’, drama deportivo de Szabolcs Hajdu que participó en la Quincena de realizadores de Cannes y Karlovy Vary), República Checa (‘Sileni’, de Jan Svankmajer, sobre un hombre con una vida real y otra onírica) y Polonia (‘Z odzysku’, cinta sobre un joven dispuesto a todo por conseguir los papeles de residencia para la mujer que ama, que ha dirigido Slawomir Fabicki).

Vía | DYP, El Mañana, Vanguardia, Noticine, Informador, etc…

‘Bienvenido a casa’, de David Trueba, que inauguró el Festival de Cine Español de Málaga, se estrena este viernes, 7 de abril. El trailer, además de mucha más información y de fotos, ya está disponible.

En resumen, el filme cuenta cómo una pareja joven, que se acaba de instalar a vivir juntos, se sorprende por un embarazo no planeado. Ella quiere tenerlo y a él le asaltan mil dudas. Durante casi dos horas, el chico se tendrá que ir haciendo a la idea de que va a ser padre, a pesar de los comentarios malsanos de sus compañeros de trabajo en contra de la paternidad.

Ariadna Gil, Santiago Segura, Juan Echanove, Alejo Sauras, Jorge Sanz, Julián Villagrán, Javivi (de izquierda a derecha en la foto), Concha Velasco, Pilar López de Ayala, Carlos Larrañaga, y otros, protagonizan una película que podría haber sido mucho más divertida y emotiva de lo que es.

Desde que el “hermanito” de Fernando Trueba empezó su carrera, me convertí en una gran seguidora de su obra, no sólo de los filmes que dirigía, sino ya mucho antes, de sus guiones y sus novelas (de las que una me gustó más que la otra, pero eso ya es otro debate). ‘Los peores años de nuestra vida’ (1994), que dirigió Emilio Martínez Lázaro, me parecía un guión ejemplar de comedia, no romántica, pues el amor era lo menos importante, pero sí ácida, divertida y con muy buenos diálogos. Emulando a Woody Allen sin ningún disimulo, David Trueba consiguió con el personaje de Gabino Diego que las mujeres se enamoraran de un chaval feo y desgarbado como él solo.

Su opera prima, ‘La buena vida’ (1996), con Lucía Jiménez y Fernando Ramallo, me pareció muy bonita. Y en ella sí que había encontrado Trueba el tono azconiano, la poética de Azcona, el “tufo” del que hablaba Echanove en la rueda de prensa de Málaga . En aquel momento podía decir que me gustaban todas sus películas, cosa que casi siempre sólo se puede decir de los directores que únicamente tienen un filme en su haber. En seguida llegó la decepción con ‘Obra maestra’, tan grande que no vi ‘Soldados de Salamina’ (y, sí, ya sé que es una falta que debo enmendar).

Como ya contó mi compañero Antonio, Trueba presenta en ‘Bienvenido a casa’, a un crítico de cine ciego. Además de que el chiste más o menos ya se había hecho en ‘Pecker’, de John Waters, y en ‘Un final made in Hollywood’, de Woody Allen, parece ser que existe en la vida real un crítico ciego: Carlos López-Tapia, el director de ‘El cine de Lo Que Yo Te Diga’, o al menos así nos informó Eurocero. La intención de Trueba con este personaje, según comentó en la misma rueda de prensa, era invitarnos “a ver las películas con el corazón. Últimamente nos acercamos al cine con demasiados datos, con la película vista de antemano, y nos falta eliminar el valor de los nombres, acercarse a las películas con los sentidos y no con la trayectoria de la gente, y juzgar más la película que los títulos de crédito”.

Así que, después de declararme seguidora de la obra de David Trueba y antes de criticar ‘Bienvenido a casa’, tengo que analizar si me ocurre precisamente que ya me acerco a ver cine con demasiados datos y prejuicios, y necesito una mirada más inocente, menos crítica y cínica. Si, al haber cumplido doce años más desde ‘Los peores años de nuestra vida’ soy más exigente y no me producen tanta emoción los momentos entrañables. O si lo que ocurre es que esta película tiene fallos y es peor que aquellas. Es posible que sea David Trueba el que se haya quedado un poco anclado en esa época: ‘Bienvenido a casa’ tiene un regustillo noventero en la forma en la que está rodada y ambientada.

Ni que decir tiene que es muy superior ‘Obra maestra’. Con un buen reparto y algunos personajes acertados en su descripción, como el de Ariadna Gil, la película tiene sus momentos graciosos y sus buenas frases de humor. El tono, que probablemente es lo que le da ese “tufo azconiano”, en general mantiene un buen equilibrio entre la comedia y el drama social. Pero, en mi opinión, tiene una serie de defectos: el resto de los personajes son demasiado arquetípicos, los diálogos están un poco forzados para causar buena impresión o producir humor. Sus mayores fallos quizá son la estructura y el montaje. La película se desborda. A partir de cierto punto, es una acumulación de escenas que no llevan una a la otra y que no hacen avanzar la trama dramática. Debería estar montada con mucho más ritmo para que funcionara como comedia.

Es posible que lo que haya hecho a David Trueba no lograr un filme del todo bueno sea que se ha sentido demasiado constreñido por la necesidad de transmitir un mensaje. Es evidente que el guión no ha fluido libre, como podría haber ocurrido con otros, sino que tenía que ceñirse a la idea de que un hombre asume su paternidad lentamente, más tarde que la mujer—según declaró el director, “una pareja es como dos trenes que van a distinta velocidad. La mujer es madre desde la concepción. El hombre muchas veces no se da cuenta hasta que tiene al bebé en brazos”—; pero que debe asumirla finalmente. Esta especie de lección o moralina provoca que la trama gire durante demasiado tiempo en torno a algo que no da para tanto: un embarazo. El personaje de Alejo Sauras no resulta del todo definido también por este motivo: no puede ser un mal chico, aunque tenga sus devaneos y esté lleno de dudas, y tiene que acabar por desear ser padre. Así, todo lo que le va ocurriendo se va forzando para llegar a ese punto. Como consecuencia de todo esto, final de la película es excesivamente conciliador y la reforma psicológica del protagonista resulta muy exagerada.

En cuanto a los actores jóvenes, no me gustan, pero eso ya es una cuestión personal, completamente un tema de piel. A Alejo Sauras no lo encuentro del todo adecuado para el papel. Trueba declaró que lo había elegido porque era un tío muy normal, pero no me lo llego a creer en el personaje de chico desbordado por las circunstancias, tiene demasiada cara de sinvergüencilla, cosa que no es necesariamente un defecto, al contrario: en otro tipo de papeles puede resultar una gran ventaja. Por ello, no resulta simpático ni empático. Además, parece más joven de la edad que tiene su personaje y de la que tiene él. De todas formas, estoy segura de que Sauras tiene una gran troupe de jovencitas que lo encuentran sumamente atractivo, y no las culpo, y por tanto, les encantará su actuación. Y Pilar López de Ayala no es mala actriz, pero está demasiado etérea durante toda la película, como si la cosa no fuera con ella. Aunque esto puede ser sólo sensación mía.

En fin, la película es amena y se ve bien, hace reír a ratos, puede que emocione a más de uno, pero lo que segurísimo que no consigue (no digo que sea ésa su intención) es convencer a nadie, que no quisiera ya, de tener un bebé.

Ayer se inauguró la IX edición del Festival de Málaga de Cine Español, con la presentación de la película ‘Bienvenido a casa’, de David Trueba. Hasta el sábado 25 se podrán ver los largometrajes a concurso, entre los que se encuentran filmes de Manuel Iborra, Mireia Ros, Eliseo Subiela, Gerardo Herrero, Carlos Iglesias y Daniel Sánchez Arévalo, entre otros. Habrá también varios ciclos más, como ZonaZine, Documentales, Territorio Lationoamericano, TV movies, una retrospectiva de Fernando Colomo y un homenaje a Rafael Azcona.

Aunque el tiempo no acompaña, entre otras cosas, por el cambio de fechas del festival, que antes se celebraba en mayo, se podrán ver tantas películas que no hará falta pasar mucho rato bajo la lluvia. Cuando finalice mi estancia aquí, os haré un balance de lo que he podido ver.

El director y los actores de ‘Bienvenido a casa’ concedieron una rueda de prensa en la que hablaron del filme y de lo que significaba para ellos estar en este festival. Del equipo artístico, estaban presentes Alejo Sauras, Pilar López de Ayala, Julián Villagrán, Javivi y Jorge Sanz,Ariadna Gil, Juan Echanove y Juana Acosta.

Juan Echanove comparó a David Trueba con Rafael Azcona, uno de los homenajeados en este festival. Dijo que tiene el “tufo azconiano. Ha sabido captar como nadie la poética de Azcona. Cómo se muestra ese mundo ácido y se lleva a un final luminoso”. Sobre su modo de trabajar dijo que “contagia optimismo a todo el reparto. David exige un matiz en los personajes”.

A David Trueba se le preguntó por su retrato del mundo periodístico. Dijo que “no hay una crítica a la crítica de cine. Estoy de acuerdo con la opinión del personaje del crítico. Es uno de los más inteligentes”. “Yo sólo retrato las cosas que quiero, pero no intento endulzar la realidad”, añadió. Sobre si había tratado temas familiares o propios, respondió: “no tengo ya demasiadas ganas de pasar por alguien inventivo, inteligente y original”, como queriendo decir que eso son cosas de la edad. Sobre la pareja y los hijos opinó que “una pareja es como dos trenes que van a distinta velocidad. La mujer es madre desde la concepción. El hombre muchas veces no se da cuenta hasta que tiene al bebé en brazos”. Como ejemplo se utilizó a sí mismo, que tuvo su primera hija, Violeta, cuando rodaba su primera película.

Cuando el director se preguntó por qué los protagonistas habrían aceptado trabajar con él, Pilar López de Ayala dijo que “es difícil encontrar buenas historias ye este guión ofrecía muchas posibilidades” y Alejo Sauras respondió que “siempre he admirado el trabajo de David”. Juana Acosta señaló que estaba contenta de poder hacer su primer papel de española. López de Ayala añadió que fue difícil trabajar con bebés: “en la escena del parto, el bebé se hizo pis en todas las tomas”. Cuando a Sauras le preguntaron por su escena con Concha Velasco, declaró que le parecía “muy bonita y muy tierna”.

Jorge Sanz comentó que David y él “nos conocemos y somos amigos desde hace tiempo. Pero es la primera vez que trabajamos juntos. Es más difícil trabajar para un amigo porque no le puedes engañar.

Fernando Trueba, productor de la película, también estaba presente. Su hermano pequeño, David, dijo que ha sido muy generoso y le ha abierto las puertas para que no se sintiera apabullado por su apellido.

Javivi, Ariadna Gil y Juan Villagrán añadieron algunos elogios al director, a su trabajo y comentaron lo contentos que estaban de haber participado en la película y de estar presentes en el festival.