Gracias por invitarme a explotar vuestros edificios.

(Jaume Collet-Serra, a un periodista rumano)

Esto se acaba. La 61ª edición de la Berlinale se prepara ya para dar a conocer el palmarés, que se dará a conocer esta tarde y que salvo gran sorpresa parece claro que reconocerá a la iraní ‘Nader and Simin, a Separation’ como la mejor película del certamen. Se lo merece. Solo dos películas se presentaron a la prensa en la novena y última jornada, una de competición, la que quedaba, y un thriller con Liam Neeson y Diane Kruger, cuyo única excusa para haber sido proyectada en el festival es que la acción transcurre en Berlín, pues es un film totalmente olvidable.

‘The Forgiveness of Blood’, aberrante justicia

‘The Forgiveness of Blood’ (EE.UU., Albania, Dinamarca, Italia; 2010) es el segundo largometraje del estadounidense Joshua Marston, que ha regresado a la Berlinale seis años después de la presentación de su elogiada ópera prima, ‘María llena eres de gracia’ (ganadora del Oso de Plata a la mejor actriz y el galardón Alfred Bauer para Marston). Coescrita por el realizador junto a Andamion Murataj, ‘The Forgiveness of Blood’ nos traslada a la Albania rural para narrarnos el asfixiante drama de una familia. A raíz de una disputa sobre el derecho a cruzar una finca para recortar camino, provocada por viejos y amargos rencores, el padre y el tío del joven Nik (Tristan Halilaj) cometen un asesinato. El segundo es arrestado, pero el primero logra escapar. A partir de ahí asistimos al despliegue del tradicional sistema con el que los albaneses vienen resolviendo esta clase de crímenes.

Una de estas peculiares costumbres es que ningún hijo del asesino puede abandonar su hogar, pues se acepta que sería justo que la familia del asesinado se cobrase su vida como compensación. Las mujeres sí pueden salir, son respetadas (según se mire). Así que para su desgracia, la hija mayor (Sindi Lacej) debe dejar la escuela y hacerse cargo del trabajo de su padre, para poder llevar algo de dinero. Mientras tanto, Nik se desespera encerrado. Está enamorado de una compañera de clase, quiere divertirse en la moto que ha arreglado con su mejor amigo, y no entiende la postura de los adultos (cuyos errores están pagando los hijos). Su padre tiene la culpa y ha huido. Sus familiares más veteranos deberían llegar a un acuerdo, pero la otra parte no está dispuesta a negociar a menos que el asesino esté en prisión. Es un relato pleno de autenticidad y energía, crudo y honesto, cuyo mayor defecto es que da demasiadas vueltas sobre una misma situación, lo que se hace pesado, todo se resume en el agotamiento y la incomprensión del muchacho protagonista. Fue muy aplaudida y quizá se lleve algún premio esta tarde.

‘Sin identidad’ (‘Unknown’), otro caso Bourne

Costeada con dinero alemán, británico y francés, ‘Sin identidad’ (‘Unknown’, 2011) cuenta con un equipo internacional de profesionales pero tiene un claro sabor a producto comercial estadounidense. Se trata del nuevo trabajo del español Jaume Collet-Serra (‘La casa de cera’, ‘La huérfana’), una adaptación de la novela ‘Out of my Head’ de Didier Van Cauwelaert. La historia gira en torno al Dr. Martin Harris (Liam Neeson), un científico norteamericano que viaja a Berlín junto a su mujer (January Jones) para una asistir a una conferencia sobre biotecnología (¿no suena ya a falso?). Martin pierde una maleta en el aeropuerto y cuando va a buscarla, sufre un accidente que le deja en coma durante cuatro días. Al despertar se siente confundido y no entiende cómo su mujer no está allí con él. Cuando va al hotel, descubre que ella no le reconoce, y que hay otro hombre ocupando su identidad (Aidan Quinn). Martin no lleva pasaporte ni ningún documento que le identifique, pero el otro sí, así que la policía lo devuelve al hospital, pensando que sufre alucinaciones.

El primer problema que le veo a la película es que, tal como está contada, la historia no tiene demasiada intriga, es muy previsible. Hemos visto a Martin llegar con su mujer, por lo que es evidente que ésta miente cuando tras el accidente mantiene que no le conoce y que otro hombre es su marido. Por otro lado, la manera en la que se desarrolla el engaño resulta muy poco creíble, y es que además de los cabos sueltos que desbaratarían rápidamente todo el montaje, habría sido más sencillo no iniciarlo siquiera, o hacerlo de una forma más corriente, sin tanta forzada actuación. Por supuesto, los típicos matones anónimos con sus coches negros aparecen en repetidas ocasiones, pero son incapaces de acabar con Martin, solo le hacen correr de un lado a otro y causar daños colaterales. La excusa para iniciar las atropelladas secuencias de acción, realizadas con el habitual montaje frenético que intenta cubrir la falta de imaginación.

Mediocre heredero de personajes de Hitchcock o Polanski, el doctor Martin Harris (Neeson con el piloto automático) recibirá la ayuda de una atractiva y valiente inmigrante ilegal (Diane Kruger) y de un espía jubilado (Bruno Ganz, con diferencia lo mejor de la película), gracias a los cuales llegará a descubrir la verdad. Pese a la rutinaria realización y los tópicos del guion, los berlineses se lo pasaron estupendamente con esta ‘Sin identidad’, aplaudiendo las apariciones de Ganz y las escenas de acción, en especial una explosión en el lujoso hotel Adlon. Seguro que hace buena taquilla, pero es un trabajo muy corriente que se olvida pronto.

Rueda de prensa de ‘Sin identidad’

Aunque faltó Liam Neeson (dijeron que está rodando en Canadá), la sala de prensa estaba a tope, lo que no es muy complicado teniendo en cuenta que hay miles de acreditados y apenas hay sitio para unos cientos; aun así, pocos días la he visto completa, solo cuando se confirma la asistencia de alguna estrella. En esta caso, el centro de las miradas era la alemana Diane Kruger, que vino acompañada por el realizador español, un productor y dos compañeros de reparto, los también alemanes Sebastian Koch (‘La vida de los otros’) y Karl Markovics (‘Los falsificadores’), que interpretan papeles de muy poca presencia en pantalla. Tampoco tuvieron relevancia en la rueda de prensa, apenas respondieron a una pregunta cada uno, si bien Koch dejó una de las mejores frases del día al defender que se rodaran este tipo de productos internacionales en Alemania: “Así los actores alemanes no tenemos que hacer siempre de nazis”.

Jaume Collet-Serra estuvo muy animado y participativo, respondiendo con humor a muchas de las preguntas, como cuando le preguntaron si estaría dispuesto a rodar una secuela en Rumanía, donde tienen estupendos edificios para estallar; el español agradeció el consejo y dijo que lo consideraría. Comentó que en la novela la acción sucede en París, pero pensaron que ya es una ciudad muy vista, y que les entusiasmó la idea de Berlín porque encajaba muy bien con el conflicto del personaje principal. Al parecer, el único problema importante de rodar aquí fue que la ciudad es muy oscura, y tuvieron que centrar las escenas de acción en los lugares más luminosos. Le preguntaron por ‘Memento’, la trilogía Bourne y el cine de Hitchcock; el cineasta comentó que es un gran fan del mítico director de ‘Vértigo’ y que hay similitudes con Bourne, pero que ‘Unknown’ se centra más en los personajes entre otras cosas porque no tenían mucho presupuesto (40 millones de dólares según el productor, lo que no es moco de pavo).

Las intervenciones de Diane Kruger fueron más convencionales. Me llamó la atención que dijera que le había llevado meses preparar el acento serbio de su personaje, algo que veo poco probable siendo esto un thriller puramente comercial. “Liam me ayudó mucho, me enseñó trucos, es como aprender una danza”, respondió cuando le preguntaron por las escenas de acción, que en su opinión son muy poderosas porque se ve siempre a los actores. Sobre el guion, dijo que le gustó que “no hubiera una relación romántica, hay espacio para la honestidad entre los protagonistas, no es solo dos personajes que se dan cuenta de lo buenos que están y se lían”. Por último, comentó que siempre ha deseado ser una actriz internacional y que su próximo trabajo será dar vida a María Antonieta.

Homenaje a Armin Mueller-Stahl

Anoche, antes de la proyección de ‘Music Box’ (Costa-Gavras, 1989) en el Berlinale Palast, el intérprete alemán Armin Mueller-Stahl recibió un Oso de Oro honorífico por su brillante carrera. Un justo reconocimiento para un actorazo todavía en activo a sus ochenta años.

JL Caviaro, 19 de febrero, Berlín.

Son numerosas las películas que salen a la venta esta semana, ya sea en DVD o en Blu-ray, pero pocos de estos lanzamientos suponen novedad en estos formatos, ya que varios de ellos son reediciones y otros surgen con la excusa de vender un pack con las dos opciones: DVD y BD, juntas. Tenemos films de David Fincher, Brian de Palma, Martin Scorsese, Bryan Singer, Darren Aronofsky, Joe Wright y Jean-Luc Godard, entre otros: grandes nombres, algunos de los cuales nos presentan, en esta ocasión, una de sus obras cumbre, mientras en otros casos, se trata de sus trabajos menores o menos conocidos y reconocidos.

‘El solista’ (‘The Soloist’)

Es una pena que un director tan hábil como Joe Wrigth se haya encargado de una historia tan mínima, autocomplaciente y con un mensaje de tal ñoñería: la novela autobiográfica de Steven López. Ni siquiera los grandes actores que la protagonizan: Jaime Foxx, Robert Downey Jr. y Catherine Keener la arreglan. A pesar de lo bien rodada que está la película, cualquier elemento que se refiere a la narración, desde los flashbackas hasta la incapacidad de trasladar que la crítica social en algo que no sean los carteles finales, falla.

Críticas en Blogdecine por orden cronológico de publicación:

• El buen hacer de Joe Wrigth al servidioi de una nimia anécdota.

• El solista perdido.

‘Transporter 3’

Va a sonar raro que me parezca más recomendable comprar la tercera parte de una franquicia de acción sin la más mínima pretensión, que el film de autor con importantes intérpretes que he descartado antes, pero el caso es que, dentro de lo que cada película aspira a ser, ésta cumple mucho mejor y seguro que satisfará sin problemas a los aficionados al género. Es muy espectacular y la acción está bien compuesta. Los fallos que se le podrían extraer a la trama o a los diálogos, serían susceptibles de ser considerados como una macarrada hecha a propósito para contribuir al humor de la cinta.

Críticas en Blogdecine::

• ‘Transporter 3’, un megatón de acción.

• ‘Transporter 3’, Jason Statham y nada más.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio Castellano. Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Tráiler.

‘El luchador’ (‘The Wrestler’)

Continúo con estas ediciones que venden el Blu-ray e incluyen el DVD de regalo. El regreso de Mickey Rourke con esta película fue muy sonado. Su interpretación es tan sincera y entregada que convierte un film crudo y rodado con una estética casi pobre en una película emotiva donde los vínculos paterno-filiales se convierten en lo más valioso. Darren Aronofsky pone al personaje de Rourke contra las cuerdas cuando le plantea la necesidad de tomar la decisión más importante de su vida para narrar la historia de un hombre enfrentado a un conflicto extremo.

Críticas en Blogdecine por orden cronológico de publicación:

• ‘El luchador’, cuando la vida golpea duro.

• ‘El luchador’. Hasta los golpes falsos duelen.

• El luchador acabado.

• ‘El luchador’, sin concesiones.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio Castellano. Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Tras las cámaras. Entrevistas a los protagonistas: Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood. Entrevista al director Darren Aronofsky, al guionista Robert Siegel y al productor Scott Franklin. Tráiler.

‘Valkiria’

No fui a ver ‘Valkiria, al cine en su momento y, cuando la rescaté más adelante en formato doméstico, se confirmó lo que me temía sobre ella. La palabra que me venía a la mente era «chapuza», tanto por el plan que el personaje de Tom Cruise y sus compañeros trazan e intentan realizar, como por la película en sí, que no me pareció que estuviese en absoluto lograda y menos aún si tenemos en cuenta que la firma el, en otras ocasiones genial, Bryan Singer. Ésta también sale en un combo Blu-ray + DVD, pues ya había aparecido anteriormente a la venta.

Críticas en Blogdecine:

• Bryan Singer: ‘Valkiria’.

• ‘Valkiria’, la peor película de Bryan Singer

Características de la edición: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio Castellano. Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Precio recomendado: 17,95 €.Contenido Extra:Comentarios de los protagonistas. El viaje hacia Valkiria. El camino hacia La Resistencia: una guía visual. La secuencia del frente africano. Recreando Berlín. Documental: La Herencia de Valkiria. El punto de vista de Bryan Singer. Despegando el vuelo. Entrevistas con Tom Cruise y Bryan Singer. Tráiler.

‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’

Vuelve a tratarse de una edición que combina Blu-ray con DVD. Cuando publiqué la crítica de este film, vaticiné que le hacía falta un remake norteamericano y, efectivamente, poco después se pusieron manos a la obra con el proyecto. Y no es que prefiera en general el cine estadounidense al noreuropeo, pero en concreto, en una historia como ésta, basada en las intrigas y la acción y cuyo original se ha vendido, no por la calidad de su prosa, sino por todos los aspectos de bestseller que contiene, los de Hollywood son los que mejor resultados pueden dar. La película protagonizada por Noomi Rapace dejaba traslucir sin ningún disimulo que había sido producida con aspiraciones televisivas y no se hacía nada atractiva en cuanto a su estética, aunque tenía algún valor positivo, lo que se perdió por completo en la segunda entrega. Tanto en los libros como en el film lo más atrayente era el personaje de la complicada Lisbeth Salander, una macarrilla necesitada de amor, pero poco dada a demostrar sus debilidades.

Críticas en Blogdecine por orden cronológico de aparición:

• Lisbeth Salander en ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’.

• ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’, algo huele a podrido en Suecia.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Castellano, Catalán. Dolby Digital 2.0 Sueco.Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Tráiler.

‘Rolling Stones, Shine a Light’

Martin Scorsese rueda una gira de la celebérrima banda inglesa los Rolling Stones. En mi crítica empleaba una de las frases más repetidas de las letras que cantó Jagger, «sé que sólo es rock and roll, pero me gusta», no sólo por parafrasear al grupo, sino porque me pareció que definía bien la película. Con ello quiero decir que se trata de un film grandioso, fotografiado de forma espectacular, pero que no creo que pueda gustar a personas que sientan indiferencia hacia la música de los Rolling. Al contrario de lo que decía cuando hablaba de ‘Anvil: el sueño de una banda de rock‘, que podría emocionar a cualquiera, aunque no fuese fan del metal; en este caso es necesario sentir aprecio por el grupo para disfrutar el documental, como si te encontrase en un asiento privilegiado de uno de sus conciertos.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Shine a Light’: sé que es sólo rock&roll, pero me gusta.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Castellano. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra:Tráiler. Tras las cámaras. Canciones Extra: Undercover of the night Paint it black Little T&A I’m free Créditos.

‘The Game’

Una de las películas menos apreciadas y reivindicadas de David Fincher ve la luz en formato Blu-ray. En su momento, hasta algunos defensores de ‘Seven‘ juzgaron excesivamente tramposa y formularia una película que, para mí, es honrada desde el propio título: estamos ante un juego, un divertimento. Hasta el grandilocuente final. Sin duda, lo más destacable, por encima de los artificios – normalmente brillantes – de Fincher es la actuación de Michael Douglas: componiendo su clásico personaje despreciable logra, sin embargo, que logremos sentir genuino agobio y hacernos compartir su manía persecutoria. A ver si la edición en Blu-ray da trabajo a los revisionistas.

Crítica en Blogdecine:

• David Fincher, ‘The Game’.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición).Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Portugués, Ruso.Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Portugués, Holandés, Ruso, Itliano, Polaco. PVP Recomendado: 21,95 €.Otros datos de interés de The Game Blu-rayTítulo original: The GameAño: 1997 Director: David Fincher Actores: James Rebhorn, Armin Mueller-Stahl, Michael Douglas, Peter Donat, Deborah Unger, Anna Katerina, Sean Penn, Carroll Baker.

‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito´s Way’)

El estilo visual enfático, barroco, cinéfilo y excesivo de Brian de Palma tiene tantos admiradores como acérrimos detractores. Pero, con ‘Atrapado por su pasado’, De Palma logró que lo mejor y más brillante de su gramática visual narrase de manera inmejorable la historia de un hombre que lucha por su vida – en el sentido más integral del término — para conseguir la que, con creces, es su mejor obra. Desde el plano subjetivo del inicio, en el que vemos que el gángster Carlito Brigante agoniza en una camilla, presenciamos la tragedia de alguien que no ha sabido adaptarse a unos nuevos tiempos en los que ya no existe la lealtad ni la amistad.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Francés. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés. PVP Recomendado: 21,95 €. Contenido Extra: Brian de Palma sobre Carlito’s Way. Escenas inéditas. Así se hizo Carlito’s Way.Otros datos de interés de ‘Atrapado por su Pasado’ Blu-ray. Título original: Carlito´s Way. Año: 1993. Director: Brian De Palma Actores: Ingrid Rogers, James Rebhorn, John Leguizamo, Luis Guzmán, Penelope Ann Miller, Joseph Siravo, Sean Penn, Al Pacino.

Cofre Jean-Luc Godard: Ensayos

La separación, en la obra de Godard, entre “ficción” y “no ficción” siempre ha tenido algo de aleatorio. Hasta en sus largometrajes más canónicamente narrativos, como ‘Al final de la escapada’ o ‘El soldadito’, las reflexiones en voz alta sobre la función y la naturaleza del cine – y otras artes – están más que a la vista. Godard nunca ha dejado de hacer un discurso paralelo sobre teoría del cine y, en este cofre, tenemos la posibilidad de disfrutar de algunas de sus más inspiradas reflexiones. No es, desde luego, el paradigma del disfrute veraniego en dvd, pero quien se aventure podrá presenciar documentos tan curiosos como su desconcertante entrevista a Woody Allen o la emotiva e iluminada ‘Carta a Freddy Bouache’: un mediometraje que justificaría por sí solo la compra de todo el cofre.

Características técnicas del DVD: Contenido: 4 Discos + Libro de 512 páginas. Presentación: Digipak. Imagen: 1.33:1 4/3. Audio: Dolby Digital 2.0 Mono Francés. Subtítulos: Castellano. Incluye: La Gaya Ciencia. Soft and Hard. Número Dos. Guión del film “Pasión”. Cómo va eso. JLG/JLG. Carta a Freddy Buache. Metting Woody Allen. Material Exclusivo: Esta edición se complementa con el extenso volumen, Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes. Conversaciones, entrevistas, presentaciones y otros fragmentos, edición a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, de 512 páginas que, en palabras de los editores, “es un ensayo sobre el cine, unas memorias y un libro de estética construido como un montaje que recoge, por vez primera, las ideas de Godard a lo largo de medio siglo de cine, de 1960 a 2010”.

‘Flash Gordon’

El paso de los años ha convertido lo que era un hito del cine camp en un objeto definitivo de culto. Los decorados, los trajes, los diálogos que muchos recitan con placer culpable… Y, cómo no, la mítica banda sonora de Queen. Quien disfrute cantando el “Aaaaaahhhh” después del “Flash!” en el estribillo de Brian May, acertará comprando este Blu-Ray. Y sé perfectamente que, en esta definición de comprador, no cabe todo el mundo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés, Francés. DTS-HD Master Audio 2.0 Castellano, Alemán.Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Holandés. PVP Recomendado: 16,95 €.Contenido Extra:Audiocomentario del director Mike Hodges. Entrevista con Mike Hodges. Tráiler.

Vía | Zona DVD.

‘Ángeles y demonios’ es la prueba patente de que Ron Howard es un blando, de que Tom Hanks es otro blando, y de que David Koepp es un blando más, de los muchos que pululan por el mundo adelante. El libro en el que está basado la película, obra del superventas (lo único que tiene porque como escritor da risa) Dan Brown es anterior al que por su publicación la Iglesia Católica montó un cirio impresionante haciéndose la víctima, proclamándose a los cuatro vientos como el principal objetivo crítico de Brown. Ahora, la película cambia en su guión un par de frases y da a entender que esta aventura de Robert Langdon es posterior, pareciendo que se disculpan por el anterior ataque.

No sé si Howard tuvo algo que ver, su filmografía indica que muy pocas veces ha demostrado tener sangre en las venas; tal vez fue cosa de Koepp, ayudado por Akiva Goldsman, autores del irrisorio guión, el introducir ese elemento en la historia. O tal vez a Tom Hanks, uno de los pocos actores de Hollywood que controlan todo lo que hacen en las películas que protagoniza, le importó cuatro cominos esta bajada de pantalones. Porque el fin y al cabo, ¿alguien con fe puso en duda sus creencias tras haber visto la película? ¿Y quién con dos dedos de frente no se dio cuenta de que estábamos ante una simple y llana obra de ficción que buscaba el entretenimiento?

Esta vez Robert Langdon es reclamado por el Vaticano para ayudarles en su enfrentamiento con una antigua hermandad secreta que se creía muerta: Los Illuminati. Éstos se han hecho con un recipiente que contiene antimateria, y amenazan con liberarla, lo que supondría el final de la eterna lucha entre religión y ciencia, decantándose la balanza hacia la segunda. Langdon, que siempre parece dispuesto a descubrir la verdad, acepta el reto de ayudar al Vaticano, enfrentándose a acertijos varios, descubriendo rutas secretas, luchando contra asesinos despiadados, y corriendo más que Madonna en uno de sus conciertos noventeros.

‘Angeles y demonios’ es una repetición de las mejores jugadas de ‘El código Da Vinci’, película a la que le sobra la mitad de metraje. Esta vez se ha decidido suprimir toda verborrea innecesaria, e incluirla mientras los personajes están en movimiento, consiguiendo en cierta medida un film más ágil que el anterior. No hay lugar para el aburrimiento en la película de Ron Howard, aunque tampoco puedo decir que me he entretenido como nunca. Esta vez, no me había leído la obra literaria en cuestión (a mí Brown sólo me engaña una vez), por lo que desconocía a priori las posibles sorpresas del relato. No obstante hay que estar muy dormido o ser muy lelo para que a uno le pille desprevenido el giro final de la película en el que se descubre la identidad del villano. Cualquiera con un mínimo de cultura cinematográfica sabrá al poco de comenzar el film, cómo acabará éste.

Howard se esfuerza por no dar respiro al espectador, al que marea con un montón de carreras de coches por toda Roma, dando la sensación de que nos encontramos no ante una película, sino ante una guía turística de Roma a toda pastilla. El director de ‘El desafío: Frost contra Nixon’ (¿qué pasa, qué Howard sólo dirige bien cuando tiene un buen guión?) filma dichas secuencias, que se suponen de acción, con total apatía, miles de planos y las cosas poco claras, más bien confusas. El hecho de que Langdon y compañía lleguen a todos los sitios siempre a tiempo, es tan increíble y delirante como la secuencia del helicóptero que alcanza el surrealismo. Todo de forma muy atropellada para que no dé tiempo a pensar, aunque si uno se detiene un momento se dará cuenta de que el plan del villano es una solemne estupidez.

En el plano interpretativo, Tom Hanks da vida a un Langdon aburrido e inexpresivo, no aportando nada a la carrera del actor. Es evidente que su estratosférico sueldo era el único aliciente por el que Hanks perdiese el tiempo participando en la película. ‘Ángeles y demonios’ puede presumir de tener un elenco conocido, al que desgraciadamente no le saca todo el partido que debiera. Ayelet Zurer, actriz israelí a la que podemos recordar por ‘Munich’ o ‘En el punto de mira’, parece querer competir en sosería con Hanks con el que no tiene ni la más mínima química. Stellan Skarsgård realiza uno de esos personajes bobos, el típico jefe de seguridad al que nada le gusta, e incluso parece sospechoso de todo. Armin Mueller-Stahl es probablemente el que más convence, teniendo en su haber las frases más interesantes y útiles de los acelerados diálogos. Ewan McGregor merecería una mención aparte por lo atrevido de su personaje, el más loco de toda la historia, tanto que parece una parodia. El actor escocés parece haber disfrutado de lo lindo con su rol, aunque no transmita dicha diversión.

Al final uno sale con la sensación de haberlo pasado un poco mejor que en ‘El código Da Vinci’, lo cual no es decir demasiado. No es tan tediosa como la citada, y Hans Zimmer mejora lo ya hecho, animando un poco la función, vistiendo musicalmente muchas de las secuencias para que parezcan mejor de lo que son. El film no ha sido tan taquillero como la anterior entrega; al fin y al cabo la polémica siempre vende mucho más, y esta vez nadie ha movido un pelo para ponerse en contra del film, con lo cual mucha gente habrá preferido esperar a que el film salga al mercado doméstico.

Mientras rezo tres padrenuestros, medio ave maría y una frase del credo, me retiro a mis aposentos a escribir sobre sabe Dios qué.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Ángeles y demonios’, mejorando lo presente

• Ángeles y demonios y paracaidistas

El pasado viernes, 15 de mayo, llegó a nuestras pantallas ‘Ángeles y demonios’, la adaptación cinematográfica de la famosa novela de Dan Brown publicada en el año 2000. El director Ron Howard y la estrella Tom Hanks repiten detrás y delante de las cámaras tras el éxito de ‘El código Da Vinci’, para traernos la nueva e increíble aventura del profesor Robert Langdon, aunque en el libro los hechos transcurren antes de que éste investigue el caso de La Gioconda (por cierto, una de las mayores decepciones que me llevé cuando visité el museo del Louvre).

Servidor fue uno de los cayó en la trampa publicitaria del código de Brown. Me lo recomendaron y estaba en todas partes, así que me hice con el producto y lo leí. O quizá debo decir que lo sufrí. Por otro lado, siempre estaré agradecido por todas esas noches que pude dormir rápida y plácidamente. Luego vi la película, esperándome lo peor, y me llevé una grata sorpresa. No voy a elevarla a los altares, ni siquiera a defenderla, pero creo que como producto palomitero, como entretenimiento ligero e inocuo, cumplía su cometido. Vamos, que el tiempo que estuve en el cine pasó volando, y al poco de salir ya ni me acordaba de lo que había visto, pero tenía la sensación de haber pasado un buen rato. Esperaba que ‘Ángeles y demonios’ fuera más de lo mismo, pero no que fuera peor.

La película nos sitúa en un presente alternativo en el que el Papa ha muerto y en el Vaticano se preparan para elegir a su nuevo líder espiritual. Mientras tanto, muy lejos de allí, en un laboratorio secreto se realizan experimentos para crear antimateria; cuando por fin tienen éxito, alguien entra ilegalmente, asesina a uno de los científicos y roba uno de los frascos. He aquí la primera gran secuencia inverosímil y ridícula de ‘Ángeles y demonios’. Aparte de que Howard se dedica a marearnos durante demasiado rato mostrando monitores, gráficos y rostros inexpresivos, uno no puede evitar sentir vergüenza ajena ante el tratamiento que se hace sobre esta investigación. Casi se espera que, de un momento a otro, se produzca una explosión y aparezca un gigante verde o un chaval lanzando telarañas.

Pero sigamos. Evidentemente, hay una relación entre lo que sucede en el Vaticano y el robo en el laboratorio. La Iglesia recurre pronto al famoso profesor y experto en simbología religiosa Robert Langdon. Robert, le dicen, eres nuestra única esperanza. Al parecer, una antigua secta, los Illuminati, ha preparado una complicada venganza, ahora que todo el mundo está pendiente de la elección del nuevo Papa. Dicen haber secuestrado a cuatro cardenales y que los matarán uno a uno, para causar el máximo revuelo público. La guinda será usar la antimateria robada para destruir el Vaticano.

Tras pensarlo durante el tiempo que se tarda en levantar una ceja, Robert acepta ayudarles. Al fin y al cabo, estaba aburrido, nadando en la piscina, sin nada que hacer, ya que para terminar su nuevo libro necesitaba, casualmente, ciertos documentos de la biblioteca privada del Vaticano, a los cuales no le dejaban acceder. Gracias a este nuevo trabajillo de action-man intelectual, el hombre podrá resolver sus dudas y, de paso, refrescar su ingenio para resolver enigmas ocultos. Lo de menos es que no le paguen un duro por la misión, que incorpora peligro de muerte a cada minuto. Una vez en Roma, recibe más información y descubre que cuenta con aliados (suerte, una cuenta con la elegante figura de Ayelet Zurer) y que hay gente que sólo está ahí para obstaculizar su trabajo (en especial, Stellan Skarsgard, en un papel que podría interpretar un gorila, debidamente vestido).

Igualmente, Robert conoce a un importante miembros de la Iglesia, el camarlengo Patrick McKenna, al que interpreta un cada vez más irreconocible Ewan McGregor; físicamente se le reconoce, claro está, pero como actor uno se pregunta en qué pensaba el escocés. Me parece lamentable que este actor, de tanto talento, a veces parezca estar más preocupado por acumular dinero, como una hormiga ante la llegada inminente del invierno, que por la dificultad o la entidad de los personajes con cuya piel se viste. También es verdad que protagoniza lo que a mí me parece lo mejor de toda la película, esa parte final que sorprende por lo fantástico y delirante de los acontecimientos (el cielo en llamas es espectacular y lo del paracaídas es antológico), pero no es menos cierto que el señor Armin Mueller-Stahl tiene mucha menos presencia y a nadie se le ocurre pensar, en ningún momento, que el actor no está en su sitio o que suelta una frase que no encaja.

A partir de la llegada a Roma, la película se convierte en una apresurada y caótica carrera por diferentes localizaciones, algunas reales, otras no (pero lo parecen, y es para aplaudir), que se vuelve de lo más repetitiva y aburrida. Ron Howard ofrece su peor versión, no logrando imprimir emoción o suspense alguno, limitándose a meter a los protagonistas en coches y subir el volumen de la música para animar al público y darles algo de acción, cuando en realidad no son más que cortos planos de maniobras automovilísticas y rápidos vistazos a los rostros de los implicados en la escena en concreto, que tratan de aparentar sorpresa e impacto cada vez que llegan al lugar donde muere (o debe morir) uno de los cardenales secuestrados. Curiosamente, siempre llegan un par de minutos antes de la hora límite, menuda puntería.

Además de todo eso, que la película sea tan esquemática, que los personajes sean tan vacíos, que muchos giros te los veas venir (incluyendo quién es el traidor), y que haya tantos diálogos que dan risa cuando no deberían, me parece que se pierde la poca salsa que tenía la del código, todo esa trama llena de misterios y explicaciones fantasiosas, todo eso de ir uniendo pistas y avanzar poco a poco hasta llegar a una conclusión más descabellada que la anterior. Aquí se trata más bien de correr y llegar antes que el asesino, que por cierto, menuda tarea la que lleva a cabo el hombre, cuidado al máximo todos los detalles. Como dije al respecto de otro de los peores blockbusters de lo que llevamos de 2009, ‘X-Men orígenes: Lobezno’, ésta es de las típicas películas que sales del cine y no puedes parar de destriparla, comentando lo absurdo del guión (firmado por Akiva Goldsman y David Koepp, ojo).

En definitiva, lo mejor de esta producción es la cuidadísima dirección artística, la banda sonora de Hans Zimmer, que es más de lo mismo pero, hay que reconocerlo, es muy efectiva, y el primer tráiler que sacaron, que me parece intrigante y espectacular, justo lo que debería que ser un avance de una película de este tipo (aunque sea un poco tramposo, es verdad). Os lo dejo abajo, para que no se diga que sólo me quedo con lo malo.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Ángeles y demonios’, mejorando lo presente

He aquí una de los títulos más decepcionantes de lo que llevamos de 2009. Esperaba bastante más de esta ‘The International: Dinero en la sombra’, aparte de lo que ofrece, que se queda en una cuidada puesta en escena, interpretaciones correctas y muy poco más. Falta energía, acción, suspense, y también algo más de sustancia, que no se quedara en otro thriller más, sobre otra conspiración a nivel mundial que debe desmontar un único agente multiusos. Pues nada, eso es. ¿Habéis visto el tráiler? Si no, no lo hagáis ahora, además de revelar escenas del final (una desfachatez bastante habitual), da una imagen bastante engañosa de lo que es la película.

Aunque me pareció estupendo, no era por el tráiler por lo que esperaba mucho de ‘The International: Dinero en la sombra’; la razón fundamental era el alemán Tom Tykwer, director que empezó a ser conocido gracias a la simpática ‘Corre Lola, corre’ y que posteriormente dio un golpe de autoridad con la sorprendente ‘El perfume’, una de esas adaptaciones que llevaban la etiqueta de “imposible” (como cierta película de enmascarados que ha dado mucho que hablar). Tykwer también filmó, recientemente, el que en mi opinión es el mejor cortometraje de todos los que componen la estupenda ‘Paris je t´aime’, protagonizado por Natalie Portman. Para su nuevo trabajo, el realizador alemán debía levantar una producción de corte típicamente hollywoodiense, con una pareja de estrellas y ese toque setentero que vuelve a estar de moda. Y se queda a medias.

Además de ser lo nuevo de Tom Tykwer, las dos estrellas (británicas) del reparto eran también, a mi parecer, razones de peso para esperar mejores cosas de ‘The International’, porque no son sólo rostros populares, aportan calidad a las producciones en las que participan. Aunque en el caso de Naomi Watts creo que lleva ya un tiempo viviendo de las rentas, de éxitos pasados. Es una actriz con talento y ser guapa nunca le ha hecho mal a nadie, pero desde su memorable trabajo en ’21 gramos’ han pasado ya unos cuantos años. También tenemos su trabajo en la fascinante ‘Mulholland Drive’ y… ya está; porque en la estupenda ‘Promesas del este’ no me pareció que hiciera nada destacable, la verdad. En cuanto a la película que nos ocupa, la actriz cumple, pero su papel (ayudante del fiscal de Manhattan) es poca cosa, apenas está desarrollado y sale menos de lo que parece en un principio, resultando uno de los puntos flacos del guión. Uno piensa que había formas sencillas de integrarla mejor en la historia, aunque lo más probable es que tras varios borradores y mucho trabajo en la sala de montaje, su participación se haya reducido considerablemente, quedando un personaje claramente desperdiciado.

El otro protagonista de la película es Clive Owen, que no hace mucho estrenó otra película donde interpretaba a otro agente, la divertida ‘Duplicity’. Debo aclarar que personalmente me encanta este actor, a pesar de que ha participado en bastantes películas de las que es mejor olvidarse (como cierta chorrada donde dispara mucho y come zanahorias), me parece un tipo muy carismático que puede interpretar lo que sea sin despeinarse (nunca mejor dicho, casi nunca cambia de peinado). Sin su compañera durante gran parte del metraje (o compañeros, fugaces apariciones), Owen se queda muy solo, y puesto que su personaje no es ningún James Bond/Jason Bourne, o sea, no es un agente que deba sobrevivir a todo tipo de persecuciones, luchas cuerpo a cuerpo, explosiones y tiroteos, su periplo a lo largo de la trama queda bastante descafeinado, carente de interés.

Y esto es así porque este desesperado agente de la Interpol tampoco queda debidamente retratado, dejándose sólo un par de apuntes sobre su personalidad y su pasado. Como si no importara. Un personaje que no se caracteriza por nada, salvo por su gran necesidad dramática, que es desenmascarar a los dueños de la poderosa entidad bancaria. A esto hay que sumar que, básicamente, su personaje se reúne con gente, hablan y éste se sorprende, sin que por ello se consigan grandes avances para solucionar lo que tiene que solucionar; una excepción: el careo con Armin Mueller-Stahl, de lo mejor de la película. Así las cosas, sólo cuando Owen abandona el protocolo y empuña la pistola, en tres secuencias creo recordar (la imposible, espectacular, eterna ensalada de tiros en el Guggenheim destaca sobre las demás), la película sube de ritmo, se revuelve enérgica y viva, logrando que el espectador no se duerma. Lástima que sean sólo chispazos, piezas aisladas en un conjunto flojo, que no funciona como debería, puesto que carece de una sólida historia que permita mantener la atención cuando no hay armas en la escena.

Tykwer parece cómodo con el material pero no logra sacarle el máximo provecho, mareándose en frases y escenas mayormente vacías, a las que intenta aportar una bonita fachada. Compone una película que, a pesar de los bajones, se deja ver y no llega a aburrir, pero que en general, deja indiferente y con la sensación de que se ha liado todo más de lo necesario para darle un aire más sofisticado a la película. Una pena que ‘The International’ dé tantas vueltas para contar tan poco, y que se preocupe demasiado por la (vaga) conversación en lugar de por la acción, despreocupándose incluso del espectador, que puede quedarse con cara de bobo al llegar los créditos. Y es que la película culmina de forma brusca e inesperada, dando la impresión de que no han sabido rematar mejor la trama o que la cosa duraba demasiado y había que cortar. La claridad puede dejar en evidencia; si no tienes nada, es mejor liarlo todo y que la confusión se tome por complejidad.

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‘The International’, los bancos tienen la culpa

Precisamente, acción es lo que le falta a esta cinta que se inventa un banco poderoso que intenta controlar la deuda tras los conflictos bélicos en los países del tercer mundo. Una trama sacada de la chistera (que imita y mal a cualquiera de las urdidas en los bestsellers de Frederick Forsyth), poco convincente en donde su protagonista, un agente muy peculiar de la Interpol (un esforzado Clive Owen), es el encargado de descubrir todo el pastel.

Lo mejor de ‘The International’ (‘Dinero en la sombra’ es el subtítulo a modo de coletilla que se añadido en España), es la buena mano de Tykwer para darle forma y espectacularidad a la conspiración planteada. Un intento del realizador alemán por dotar de cierto sentido a una trama llena de lagunas, y que sin caer en forzar las situaciones de acción, intenta comulgar con el material con el que trabaja y le otorga una gran elegancia al complejo entramado que se desarrolla en diversas ciudades europeas, pero que logra brillar en las escasos momentos en los que la emoción se dispara, la acción toma el protagonismo y nos depara algunas excelentes escenas.

La escasa presencia del papel de la fiscal de Nueva York, interpretada por Naomi Watts, es otro de los recursos desaprovechados de la película. Se pierden muchos encuentros donde poner algo de salsa a la vez que se dilapida cualquier intento de probable química entre ellos, que hubiese estado bien. Convirtiendo así, a Owen en un protagonista casi solitario, con escasas réplicas y que se las tiene que ver contra toda una corporación, sin un rostro al que odiar, aunque de ello se encarguen los gregarios de un banquero sin escrúpulos, principalmente encabezado por un ejecutor, con prótesis ortopédica y mejor puntería. El encargado de poner rostro al malo y al que Owen persigue con especial obstinación (junto con uno de los ideólogos de la entidad interpretado por Armin Mueller-Stahl, perfecto en su rol secundario con un escena aclaratoria y confesional de bran brillantez), a lo largo de varias ciudades, como la clave para despejar los turbios asuntos del banco enemigo del mundo.

Toda la investigación resulta poco convincente pero, insisto en ello, la buena mano del realizador, salva el conjunto y le otorga cierto sentido a la narración, otorgándole un ritmo constante, sin decaer en exceso. Y eso no es poco, teniendo en cuenta la flojedad del guión y de la torpeza de muchos diálogos.

A pesar de plegarse al más puro cine comercial, la cinta logra entretener pero brilla más cuando el suspense deja paso a la acción y Tykwer nos deleita con buenas persecuciones, del todo elegantes y con emoción. Y si algún momento hay que destacar por encima de todos, es sin duda, la brutal, poderosa y extensa batalla en el Guggenheim de Nueva York, donde se desarrolla un encuentro entre asesinos profesionales, balas a diestro y siniestro. Una intensa escena con un escenario tan blanco como desasosegante, que resulta con mucho, lo más brillante de todo el film. Una escena que concentra la esencia, donde los buenos y los malos se encuentran, se lo dicen todo a golpe de balas y donde los pobres invitados de piedra, los turistas sufren los temibles daños colaterales.

Tom Tykwer se ha graduado como un interesante realizador para Hollywood, que con su debut (‘Corre Lola corre’) alcanzaría prestigio, con su segundo título se destaparía como solvente dominador de una superproducción (‘El perfume’) y que con esta ‘The International’ demuestra que se puede contar con él para thrillers de acción con gran presupuesto. Un gran candidato para futuras entregas de la saga de Jason Bourne (y similares).

Mi puntuación:

Convertido en director estrella gracias a una sola película, la tremebunda ‘Se7en’, David Fincher se encontraba en 1996 en una situación de privilegio, dentro de los cánones actuales de la industria de su país, pues si la última película de un realizador, además de dinero, ha dado fama, ese realizador goza, hasta que cometa el primer error, de libertad de movimiento. Lo malo es que no siempre libertad de movimiento se traduce en plenitud y garantía de una gran película. Precisamente la gran película que ‘The Game’ parece poder llegar a ser, pero que sólo lo parece.

De las sórdidas callejuelas lluviosas de una ciudad sin nombre, nos mudamos a un melodrama de suspense a mayor gloria de Michael Douglas, y de su personaje multimillonario, el cual será sometido a una dura prueba. La historia y los meandros morales y emocionales que propone, podrían haber dado muchísimo más de sí, y haber ofrecido conclusiones más rotundas y verdaderas que las que ofrece ‘The Game’, una de las pocas ocasiones en que Fincher tuvo libertad total, con secuencias aisladas de gran firmeza, pero cuyo conjunto adolece de autocomplacencia y frialdad. El tercer largometraje de este director está entre lo menos logrado de su filmografía.

Desde luego, no es que esta película sea mediocre. Pero lo que cuenta está muy por debajo de cómo lo cuenta, en un ejemplo perfecto de disfunción entre la forma y el contenido, pues la forma “crea”, es, el contenido. Sin embargo en ‘The Game’ ambas aspectos viajan cada uno por su lado, y nunca se fusionan en un todo deseable. Si resulta fría y desapasionada, en gran parte es debido a un guión frío y desapasionado, demasiado calculado, que deja poco margen de maniobra a un director que precisa, si no quiere firmar una película fría y desapasionada, de un texto ambiguo y susceptible de dejar un punto de vista personal. La trama y la maraña escrita por John D. Brancato y Michael Ferris cautivan en un primer visionado, enredándonos en una pesadilla kafkiana en la que nada es lo que parece, y en la que no podemos bajar la guardia, pues la sorpresa acecha en cada esquina.

Desgraciadamente para este guión, sin embargo, el juego de sorpresas y sobresaltos va de más a menos, o quizá simplemente se mantiene, incapaz, a la hora de película, de seguir sorprendiendo. Nos acostumbramos rápido a este ‘juego’, que sólo nos atrapa la primera vez, mientras que las sucesivas como mucho…entretiene. Y la razón fundamental es que no hay gravedad en lo contado. Cuando Hitchcock colocaba a sus trajeados anti-héroes en situaciones límite, era consciente de que el juego del suspense no es suficiente nunca para el espectador, por muy brillantemente que esté elaborado y ejecutado. Sin necesidad de llegar a la tragedia (aunque también), sus Roger Thornhills nos importaban, eran reales, cercanos, auténticos. Su peripecia era algo más que una montaña rusa audiovisual, era ante todo una montaña rusa emocional. De ahí que medio siglo más tarde, y docenas de visionados después, North by Northwest continúa resultando insuperable, mientras que poco más de una década después ‘The Game’ no es más que un divertimento vacío.

Y lo cierto es que la cosa empieza bien, con los flashbacks de la muerte del padre (el montaje de James Haygood es algo extraordinario, no en vano repetiría con el director en sus dos siguientes realizaciones) introduciéndonos, aunque sólo sea por breves segundos, en los traumas infantiles de Nicholas. Filmados en Panavisión 16 mm., con la excelente calidad que proporciona la película Ektrachrome (para posteriormente pasarlas a 35 mm. anamórfico), la textura de esas imágenes (sumadas por supuesto al lánguido piano de Howard Shore), en contraste con la elegancia y oscuridad del resto de la película, dan una idea de la exigencia puramente formal de Fincher y su fotógrafo Harris Savides. Técnicamente, ‘The Game’ es una maravilla de luces, sombras, empleo de la cámara…

Sin embargo el relato pedía profundizar de manera más perspicaz en esos fantasmas infantiles de Nicholas Van Orton, y probablemente pedía a un actor más interesante que el siempre resultón y casi siempre blando Michael Douglas. No hay duda de que su composición es meritoria, pero en ningún momento nos sentimos identificados con ese viaje catártico que emprende a su pesar. Y es que Douglas, salvando grandes trabajos como el de ‘Basic Instinct’, siempre es Douglas. Y aquí tenía una inmejorable ocasión de serlo, pero además de hablar de sí mismo, de reírse de sí mismo, de relativizar su imagen personal, con este millonario insoportable y la dura lección que recibe.

Las posibilidades estaban ahí, latentes, pero no fueron aprovechadas para que la aventura nos implicara. Ahí está el personaje de Sean Penn, hermano de Nicholas, o el de Deborah Kara Unger, una actriz misteriosa y sugerente, o la figura paterna a la que da vida Armin Mueller-Stahl y que se enfrenta al monstruo financiero en que se ha convertido. Pero estaban mucho más preocupados por demostrarnos qué grandes escritores de suspense son, o qué inteligentes son, en lugar de hacer lo más difícil: intentar que al espectador le importara lo que ocurría en la pantalla.

Prueba de todo esto que hablamos, es el hecho de que los momentos más interesantes son aquellos en los que el juego toma las riendas de la vida de Nicholas van Orton y la hace trizas, destruyendo cualquier atisbo de seguridad. La famosa escena del payaso (que pone los pelos de punta al más curtido), la del aparcamiento o la del taxi, son estupendos ‘cliffhangers’, pero sólo eso. Nada más. A otro director de menor valía no se le puede pedir ni siquiera esto, pero a Fincher está claro que podemos pedirle más. En ‘Se7en’ los momentos de tensión son estupendos, pero también las conversaciones aparentemente menos interesantes. Ahí es donde tiene que estar un director, asegurándose de que cada secuencia es la más importante.

El multimillonario se convierte en indigente, y existe una poderosa fuerza transgresora en esa imagen. Pero el personaje, la persona, que ha sufrido la transformación, no es de carne y hueso. Tan sólo un monigote con aspecto de millonario, un falso rostro, una ficción. Y esa fuerza transgresora se queda en nada. En una idea que podría haberse concretado en una gran película. Pero el instinto está ahí, en ese gran clímax final, con la supuesta muerte del hermano. Ahí debió acabar todo, con el millonario dándose cuenta de su último error, incapaz de saber jugar el juego final. Se lanza desde la azotea del edificio, tal como hizo su padre. Al menos, nos quedaría el buen sabor de boca de un final amargo pero valiente.

Sin embargo hasta en eso falla esta gran película fallida. Su suicidio es también parte del juego. El rizo rizado se riza. Y el espectador no puede seguir tragándoselo. Falta oscuridad, y falta verdad en ‘The Game’. Definitivamente este no es el Fincher arriesgado y al límite de su segunda película. Este un Fincher cómodo, que se siente superior al espectador (lo mismo que los guionistas), que en ningún momento se juega el tipo por su personaje. Y puede que fuera consciente, pues su siguiente película es todo lo contrario. Un salto al vacío, un intento desesperado por filmar cine de autor.

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Estrenada el pasado 5 de octubre, la nueva película del canadiense David Cronenberg viene precedida por el aplauso de la crítica; en Toronto se llevó el máximo galardón y en San Sebastián faltó poco. Se habla ya de ‘Promesas del Este’ de un modo muy similar a como se hizo con ‘Una Historia de Violencia’, el anterior film del cineasta. Me resulta increíble, por no decir otra cosa, comprobar lo rápido que salen algunos a decir que Cronenberg está en su mejor momento, o que sus dos últimas películas son las mejores de su carrera. ¿Qué? Es decir, que un señor que lleva haciendo cine desde hace más de 30 años, que tiene 18 películas a sus espaldas, que es considerado un “autor”, pone a Viggo Mortensen al frente de sus dos últimos proyectos y le salen los dos mejores trabajos de su carrera. Disculpadme, voy un momento a la calle para reírme a carcajadas sin molestar a los vecinos.

El argumento de ‘Promesas del Este’ (‘Eastern Promises’) gira en torno a dos personajes, Anna Khitrova, una comadrona que trabaja en un hospital en el norte de Londres, y Nikolai Luzhin, el chófer de una de las familias más importantes del crimen organizado europeo. A partir del diario de una adolescente que muere tras dar a luz, los destinos de los dos protagonistas se cruzarán. Anna quiere descubrir lo ocurrido a la joven, pase lo que pase, y que la familia de ella se encargue de la recién nacida. Sin embargo, lo escrito en el diario perjudica a la mafia para la que trabaja Nikolai…

La película es más simple de lo que puede parecer a primera vista. Dos personajes principales alrededor de los cuales se mueven unos pocos secundarios, de los que sólo dos tienen importancia, envueltos en una trama que tiene poco recorrido, va de un punto a otro apenas sin sorpresas (tiene dos, pero una se ve venir desde el principio) y con pocos sobresaltos (a destacar la impresionante pelea en los baños). Sin embargo, esta sencillez no juega en contra de la película, sino a favor. El guión de Steve Knight necesitaba de alma y talento para salir a flote; afortunadamente, lo consigue. Cronenberg nos sumerge, una vez más, en un universo tenebroso, fascinante, inquietante. Y para eso no necesita apenas nada, de ahí su grandeza como director. Si habéis visto ‘Cromosoma 3’, seguro que os acordáis del principio; en apenas unos instantes, con sólo dos personajes dialogando, Cronenberg consigue que el espectador quede pegado a la pantalla, con el corazón en un puño. Lo mismo que logra cuando los hombres de negro visitan al protagonista de ‘Una Historia de Violencia’ o todo el extraño juego de ‘eXistenZ’, ciencia ficción sin efectos por ordenador ni instrumentos tecnológicos típicos. Eso sin mencionar la cantidad de imágenes impactantes que nos ha regalado Cronenberg a lo largo de los años, como los efectos en la carne de ‘Videodrome’, el peligroso poder de los ‘Scanners’ o el tratamiento sexual de ‘Crash’. Hablamos de un señor que lleva perturbando la mirada del espectador demasiado tiempo como para pretender descubrirle ahora.

Es innegable que entre su anterior film y el que estrena ahora hay bastantes similitudes, dejando a un lado la obviedad de tener a Mortensen como cabeza de cartel (me parece que él y Jeremy Irons han sido los únicos en repetir protagonismo con Croneberg, si no recuerdo mal). Ambas películas cuentan historias aparentemente tranquilas, con personajes hasta cierto punto cotidianos, donde la violencia sólo está presente de forma latente, subterránea. Hasta que llega un punto en el que esa violencia comienza a ser desbordante y explota, afectándolo todo. En ambos films, la mirada del espectador pasa de contemplar ambientes cotidianos, pacíficos, a quedar sorprendido por relámpagos de fuerza y muerte. Tanto en ‘Una Historia de Violencia’ como en ‘Promesas del Este’, el personaje principal debe ocultar su verdadera condición a los que le rodean, a su familia. Como digo, hasta que ya es imposible de mantener esa situación irreal. La violencia forma parte de ese personaje y por mucho que lo niegue, volverá a manifestarse. Sin embargo, Cronenberg no llega tan lejos en ‘Promesas’ como lo hizo en su obra anterior; o quizá debería decir que no la remata tan bien. Porque el desenlace es parecido, pero lo que le rodea no lo es. No voy a desvelarlo, pero piensen cómo queda el personaje de Mortensen, respecto a los que le rodean, en una y en otra. Aquí hay una concesión al espectador que resulta un tanto molesta, como fuera de lugar. Personalmente, habría preferido otra forma de acabar la historia, pero bueno, nadie es perfecto que decían en una obra capital del cine.

En cuanto al reparto, destacan por presencia y por nombre, el mencionado Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel y Armin Mueller-Stahl. Lo de Mortensen, en pocas palabras, es de Oscar. Está inmenso en la composición de su misterioso personaje, sin duda, lo más destacado, lo mejor del film de Cronenberg, que al parecer sabe sacar lo mejor de este estupendo actor. Watts, guapísima, me impresionó en ’21 Gramos’ y en ninguna más (hasta el momento, claro). En ‘Promesas’ tiene algún que otro momento inspirado, pero en general está un poco sosa, no llega a implicarse del todo, emocionalmente, en la historia. Me parece que el mejor ejemplo es la escena en la que a su tío le da por recordar cierto momento trágico para que el espectador tenga más información sobre el personaje de Watts… y ésta reacciona de la misma forma que si le hubiesen dicho que no quedaba azúcar en el supermercado. Posiblemente, una bajada a los infiernos habría ayudado a que su rol tuviese más presencia e interés. En cuanto a Cassel y Mueller-Stahl, los secundarios con relevancia, el primero está muy exagerado, sobreactuado, mientras el segundo está impecable, te transmite todo lo necesario casi sin esfuerzo.

En definitiva, una buena película, un peldaño por debajo de ‘Una Historia de Violencia’, pero muchos por encima de la gran mayoría de títulos que se estrenan cada semana. Ojalá ‘Promesas del Este’ abra el apetito a algunos y les haga buscar con mayor interés en la filmografía de un cineasta fascinante, interesado en el declive del ser humano, en su debilidad, su mente y sus obsesiones. Y ya puestos a soñar, no estaría mal que se acordaran del señor Mortensen al repartir las cinco nominaciones al Oscar de este año.

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• ‘Promesas del Este’, aún existe el buen cine