¿Qué comprar? Eso no os lo diré nobles espíritus, tendréis que ser vosotros, con vuestros comentarios y vuestra sonrisa los que me digáis qué edición vale la pena. Yo os diría que la vida es corta, que una noche de vino y buen comer es maravillosa, pero lo diría mintiendo, pues todos terminamos comprando nuestras películas favoritas así que muchachos, decid qué.

‘Los Pitufos’

¿Merecían estas criaturas entrañables un destino mayor que el de una adaptación firmada por Raja Gosnell? Estoy de acuerdo, pero no sería realmente sano si yo empezara a pitufar maldades sobre una pitufada en la que no he pitufado (ni pitufaré). Evidenciado mi alto ingenio para recomendaros esta compra, tan relevante y omnipresente como destinada a los chavales de la casa os pitufo a los comentarios para que me contéis qué tal. Eso sí, sale Hank Azaria haciendo del entrañable y villano Gargamel y Neil Patrick Harris, un actor que ya lo pitufa por sí solo, anda por ahí también. En DVD (14,95) y Blu-Ray (17,95) siendo la edición azul en Blu-Ray (risas) la que lleva extras, documentales y escenas eliminadas.

‘Kung Fu Panda 2’

En la segunda entrega de las aventuras de Po tendremos peligros inenarrables, un enemigo mucho más poderoso y chistes sobre Osos Panda todavía cargados de torpeza. ¿Emocionante, verdad? ¿No lo esperabáis, eh? ¿Creativo, eh? ¿Excitante, rompedor, increíble? Bueno, pues no estoy de guasa: esta secuela es realmente más espectacular y contiene las mejores set pieces que ha hecho DreamWorks SKG en una película desde…eh. Desde la primera entrega, sí. Es una pena que, snif, la narración parezca un poquito ahogada y no exista el renovado interés por lo humano que mostraron en ‘Como entrenar a tu dragón’ (How to train your dragon, 2010). El DVD cuesta 20,85 y sus extras (tráileres, documentales promocionales…) demuestran que el tirón de la saga no exige mayores mimos. Sacad el osito en vuestro interior, nobles pagafantas.

‘Poderosa Afrodita; Todos dicen I love you; Celebrity’

‘Superdetective en Hollywood’

‘Police Story; Érase una vez en China; Juego con la muerte’

Jackie Chan tiene un problema y él los problemas los soluciona con una mezcla desternillante de hostias y risa floja. ¡Ya me gustaría a mí solucionar mis problemas así! Pero no os hablaré del flato hispano sino del inicio de una divertidísima, impresionante y espectacular franquicia que hace de la coreografía bufa y la persecución enloquecida su gran qué. Está en BluRay y vosotros, mortales amantes de asia, deberiáis comprarla.

Por otra parte, el segundo título de Selecta Vision supuso la llegada de una nueva ola al cine de artes marciales. Una nueva ola, y con esto soy literal, de veras porque con llega llegó la independencia tanto de las tendencias de los ochenta como la de los años setenta.: lo que estaba haciendo Tsui Hark con esta primera entrega, el descubrimiento de Jet Li para el conocedor del género, es crear su primera gran épica nacionalista en forma de relato de kung fu. El género ya había sido político antes, pero esta película es un canto de gloria a una patria perdida.: un legendario maestro deberá proteger a unos indefensos de ser traficados como esclavos a América.

Por supuesto la solución no pasará por imitar a Gandhi, precisamente, sino por liarse a hostias, a patadas, a gritos en falsete y efectos de sonido impresionantes. Clásico de los gimnasiones españoles, sí, Bruce Lee falleció en el rodaje, ajá, está fuera de plano y con dobles media película, sí, además ese es el argumento de la película (una estrella que quiere ser asesinada en el rodaje), está firmada por el patosete Robert Clouse de ‘Operación Dragón’ (Enter the dragon, 1972) y no voy a contaros otra anécdota manida que ya conocéis. Se editan en Blu-Ray, la vida es bella, pero incluye también el DVD, la vida es incluso GENEROSA. 19,99 euros cada título, para amigos, vecinos y luchadores en retiro espiritual.

Tras su paso por el reciente Festival de Venecia, donde obtuvo muy buena acogida, Steven Soderbergh lidera la taquilla estadounidense con su nueva película, ‘Contagio’ (‘Contagion’, 2011). Con un reparto espectacular formado por Marion Cotillard, Matt Damon, Kate Winslet, Jude Law, Laurence Fishburne y Gwyneth Paltrow, el director narra las catast´roficas consecuencias de una epidemia vírica. La crítica no la trata mal, y el público votante en la IMDb parece bastante satisfecho. En España la veremos el próximo 14 de octubre.

‘Warrior’ ha tenido un pobre debut. La nueva película de Gavin O´Connor narra la historia de un ex-marine (Tom Hardy) que regresa a su hogar, donde su padre (Nick Nolte) le entrena para un campeonato de artes marciales mixtas. En el ring deberá enfrentarse con su propio hermano (Joe Edgerton). Críticas muy favorables y público votante encantado.

Vía | IMDb

Cuatro años después de ‘My Blueberry Nights’, por fin podemos echar un vistazo al primer tráiler de ‘The Grandmasters’ ( o ‘The Grand Master’, según el sitio), la nueva y esperada película de Wong Kar-Wai, un biopic de Ip Man, el maestro de Bruce Lee. Aunque el prestigioso cineasta es más conocido por sus dramas románticos, conviene recordar que ya ha filmado previamente una historia de artes marciales, ‘Ashes of Time’ (reestrenada en 2008 con un nuevo montaje), por lo que no es la primera vez que tiene que lidiar con personajes dándose patadas y puñetazos.

Aun así, reconozco que el avance, de poco más de un minuto, no parece presentarnos una película suya, sino más bien una dirigida por los hermanos Wachowski. Dicho esto, como si en el tráiler suena un tema de Justin Bieber y aparece Torrente besuqueando a Belén Esteban, me da igual. Es el nuevo trabajo del autor de las bellísimas ‘Deseando amar’ (‘In the Mood for Love’) y ‘2046’, no me la pienso perder. Jingzhi Zou, Xu Haofeng y el propio Wong Kar-Wai firman el guion de ‘The Grandmasters’, cuyo reparto está encabezado por Tony Leung (mucho ha debido entrenar para ser creíble en el papel), Zhang Ziyi, Chen Chang, Cung Le y Song Hye-kyo. En un principio se dijo que la película (cuyo rodaje comenzó en 2009) estaría lista para el pasado festival de Cannes, luego que para el de Venecia, y ahora se habla de que podría estar terminada para finales de este año. Ya veremos qué ocurre. Y si las peleas, coreografiadas por Yuen Woo-ping (el mismo de ‘Matrix’, ‘Tigre y dragón’ o ‘Kill Bill 2’, entre muchas otras), resisten la comparación con las que hay en ‘Ip Man’, dirigida por Wilson Yip, con Donnie Yen de protagonista y Sammo Hung orquestando la acción.

PD: Un vídeo de la película ‘Matrix Revolutions’. Encuentra las diez diferencias:

Michel Gondry nos trae ‘The Green Hornet’, una comedia de superhéroes que se centra en estudiar la figura del compinche —sidekick—, al mismo tiempo que rinde homenaje a todo el cine de este género de hace ya tantas décadas que si nos remontamos a esa época podemos hablar tranquilamente de retro.

Seth Rogen, Jay Chou, Cameron Diaz, Christoph Waltz, James Franco, Edward Furlong, Edward James Olmos y Tom Wilkinson protagonizan esta aventura de un joven y rico heredero que se aburre tanto al tenerlo todo en la vida que decide combatir el crimen. Y como la fortuna de este chaval no reside solo en el dinero, sino también en la suerte, resultará que Kato, el antiguo mecánico de los coches de su padre, además de preparar deliciosos cafés con crema, es experto en artes marciales. Utilizando la agilidad de este hombre y el cerebro de su nueva ayudante, Britt Reid formará un equipo perfecto sin darse cuenta de que él es quien menos pinta en la cuadrilla.

El guion de Seth Rogen y Evan Goldberg está basado en el personaje que George W. Trendle creó en los años treinta para novelas baratas —pulp—. Desde entonces, ha habido varias versiones radiofónicas y televisivas. La que se emitió entre 1966 y 1967, ‘El avispón verde’, contaba con Bruce Lee en el papel de Kato. Este personaje había sido ya parodiado en las películas de ‘La pantera rosa’, de Blake Edwards, quien fue acusado pocos años antes de incluir un estereotipo racista asiático en el personaje de Mickey Rooney, Mr. Yunioshi, en ‘Desayuno con diamantes’.

La estética Gondry aplicada a los superhéroes

La imaginación visual de Gondry y sus vastos conocimientos en postproducción lo convierten en uno de los realizadores que más puede deslumbrarnos con conceptos visuales, tanto en sus largometrajes, como sus videoclips o su trabajo publicitario. ‘The Green Hornet’, sin embargo, no plantea grandes novedades. El director francés recicla, en las secuencias de acción, efectos vistos en sus videoclips para White Stripes o Chemical Brothers —la repetición de un objeto en un mismo plano— que funcionan especialmente bien para el 3D.

Quizá lo más novedoso sea una secuencia en pantalla partida en la que se procede creando un plano a través de dos encuadres —dos cámaras enfocando lo mismo—. En un momento dado, aparece una línea divisoria negra sobre dicha imagen. Acto seguido, una mitad del encuadre comienza a generar un nuevo movimiento de cámara que se separa de la acción anterior. Conceptualmente simple y exquisitamente ejecutado.

Esta falta de hincapié a la hora de trufar la película de efectos en realidad juega muy a favor de ‘The Green Hornet’. Gondry limita su arsenal estético a momentos muy específicos —secuencias de pelea, flashbacks explicativos, secuencias de montaje— y decide no experimentos visuales allá donde la historia no los requiere. Gracias a eso, el desarrollo argumental es fluido y la película puede verse, con ojos profanos, como cualquier otra del género.

Hay quienes acusan a Gondry de haber perdido su esencia, pero lo entiendo más como la versatilidad de alguien que sabe amoldarse al proyecto para el que está trabajando, en lugar de imponerse a él —ya que, para aplastarlo, mejor sería no elegir un film de superhéroes—.

La divertida historia de una amistad

La trama de la mafia rusa no es más que una excusa —un McGuffin, si queréis— para contarnos lo que «es el comienzo de una hermosa amistad». Kato y Britt Reid, el avispón verde, descubren que se necesitan el uno al otro y desarrollar un amor mutuo que raya la gaycidad. Es decir, el guion pone por fin las cartas sobre la mesa acerca de una relación que se ha mostrado en la ficción en infinidad de ocasiones.

Al mismo tiempo, sirve de reivindicación de los apenas reconocidos compañeros que han estado siempre a la sombra de los principales. Lo más importante para los autores es la humanidad detrás del superhéroe.

Todo esto está contado con grandes dosis de humor en forma tanto de chistes completos, como de referencia paródica que, sin llegar al spoof, recuerda la cutrez de algunas producciones superheroicas de los años ’60 y ’70.

Una banda sonora que incluye a algunos de los conocidos de Gondry y a otros buenos músicos se suma a los alicientes del conjunto entre los que, por no dejar nada fuera, también podemos contar la contemplación de bellísimos coches deportivos.

Actores

Aunque Seth Rogen aporta simpatía, quien consigue mostrarse entrañable ante el espectador es Jay Chou, con una interpretación similar a la de John Cho como Harold Lee en ’2 colgaos muy fumaos’. Su aparente indiferencia lo dice todo y sirve para provocar que el protagonista se exprese y progrese como ser humano.

Christoph Waltz demostró su grandeza en ‘Malditos bastardos’ y en esta ocasión quiere emular al personaje de Hans Landa: cruel, inteligente, calculador… Sin embargo, su interpretación en ‘The Green Hornet’ funciona porque conocemos la que hizo para Tarantino y entramos en su primera escena viendo, más que a un personaje nuevo, a nuestro viejo conocido y esperando de él el comportamiento de Landa. Hacia el final, Chudnofsky se va de las manos, más de los guionistas que de Waltz, y se torna ridículo y blando, pero su primer diálogo está sembrado.

Conclusión

Un guion distraído, actores competentes y un realizador que puede hacer lo que le dé la gana con la imagen consiguen que ‘The Green Hornet’ esté bien en varios frentes. Así, nos hallamos ante una divertida propuesta que por fin nos va a sacar del hastío de tanto cine del que podemos decir que malo no es, pero que tampoco nos entusiasma. Gracias a la maestría estética de Michel Gondry, el film, además de tener comicidad y ser entretenido, se convierta en una gozada visual.

Mi puntuación:

“Russell va a ser el tío más chulo sobre la faz de la tierra. Ese hombre está preparado para luchar. Os va a dejar K.O.”

(RZA)

Russell Crowe ha demostrado con los años que es capaz de meterse en la piel de personajes muy diferentes, logrando que siempre resulten creíbles. Ahora bien, ¿os lo imagináis protagonizando una película de artes marciales? Yo tampoco, sobre todo ahora que no se encuentra en su mejor momento físicamente, sin embargo el rapero Robert Fitzgerald Diggs, más conocido como RZA, asegura que Crowe le acompañará al frente del reparto de ‘The Man With the Iron Fists’, su debut como director.

En principio suena a coña, pero no, parece que la cosa realmente está en marcha y que el rodaje comenzará en Shanghai el próximo mes de diciembre. RZA intervino como actor en ‘American Gangster’ de Ridley Scott, donde conoció a Crowe, que no sé si sabéis que tiene su propio grupo; al parecer, los dos se hicieron amigos durante el rodaje e incluso llegaron a grabar una canción juntos para la banda sonora del film, que finalmente no fue usada. Posteriormente, han vuelto a coincidir en el reparto de ‘The Next Three Days’, lo nuevo de Paul Haggis.

Según parece, el líder del grupo Wu-Tang Clan lleva cinco años preparando ‘The Man With the Iron Fists’ (‘El hombre de los puños de acero’), consiguiendo la ayuda de algunas de sus amistades en el mundo del cine, entre los que cabe destacar a Quentin Tarantino y Eli Roth. Este último ejercerá de productor, asegura que RZA es un experto del cine de kung fu y que lleva años estudiando la forma de dirigir de Tarantino, por si a alguien le sirve como garantía. De la trama de la película no se sabe nada, pero sí que será muy violenta.

PD: El presupuesto del film es de 20 millones de dólares, lo que cobró Crowe por interpretar a Robin Hood.

Vía | Empire y Chud

Utilizando la fórmula honkonesa pero aplicándole los ingredientes del cine made in Hollywood, la Warner fichó a Bruce Lee para protagonizar una película que cumpliría con esos cánones. Era arriesgado, pero el carisma y la aplicación adecuada de las piezas en juego dieron como lugar una película de enorme popularidad, y convertida en el trampolín para el género. Amén, de convertir a Bruce Lee en un icono reconocido mundialmente. Aunque lamentablemente, falleció (como todos sabemos en extrañas circunstancias) y no llegó a ver el estreno de la sorprendente, efectiva y por momentos sublime ‘Operación Dragón’ (‘Enter the Dragon’, 1973).

Un cóctel imposible con un sabor inigualable

‘Operación Dragón’ conjuga con acierto ingredientes al más puro estilo del agente 007 (especialmente una trama que podría haber sido protagonizada perfectamente por Bond, además de un villano digno de la saga de Ian Fleming), mezclado con el cine de acción, de artes marciales, sin renunciar al exotismo aportado por un toque pulp, ramalazos de blaxploitation y con elementos kitch tan chirriantes como fascinantes e icónicos. El guionista Michael Allin aporta una historia tan simple como predecible. El director, Robert Clouse, ofrece una realización sin brillantez, pero sin tropiezos. Los norteamericanos (John Saxon y Jim Kelly) ponen la conexión, el vínculo necesario para poder exportar el producto (aunque a la postre casi prescindibles). Lalo Schifrin una banda sonora sobresaliente que sabe fusionar ambos mundos con el escenario, la trama y la violencia marcial. Y Bruce Lee nos regala a un protagonista carismático, chulesco hasta decir basta, veloz como nadie visto hasta entonces y acompañado de una filosofía nada desdeñable.

Todo ello dio lugar a una de las películas de culto del género, un hito en la época y que, a pesar de sus defectos (nota habitual en este tipo de cine, pero que queda asumido por el espectador aficionado en pos del espectáculo), consigue una película repleta de diálogos brillantes, con coreografías asombrosas (para la época) y algunas escenas memorables que consiguen un resultado de entretenimiento absoluto. Emoción desde el primer plano (el templo Shaolin) hasta el último (esa garra peluda es puro fetichismo).

Cero en argumento, diez en carisma

‘Operación Dragón’ nos presenta un argumento bien hilado, simple, efectivo, al grano pero sobre todo diseñado para que su estrella protagonista se luciese. Y como toda película de este tipo se precia, tenemos a un villano de altura. Han es un despiadado personaje, fascinante, muy jamesbondiano (me disculpan el palabro, pero creo que lo define exactamente) y, sobre todo, un carisma muy necesario. Lo que supone un acierto total. Sobre todo porque el bueno de turno (aunque contiene tanta ira, sed de venganza y violencia contenida como su contrincante, eso sí, bien canalizada y espiritualizada) ofrece en cada plano sobredosis de carisma. Pero también de los rasgos que harían famoso a Lee: su mirada impenetrable, su agilidad asombrosa, sus gritos inolvidables y una actitud chulesca (que hasta una fiera Cobra tiene que sufrirlo) marca de la casa.

Muchos cineastas, productores, guionistas y actores se han esforzado en sus trayectorias por lograr lo que Lee despliega en tan poco recorrido: un carisma inigualable. No fue casual que triunfara en el cine, más allá de convertirse en un mito por su inesperado y repentino fallecimiento.

Lee ayudó a coreografiar todas las escenas de lucha, aportó su extraordinaria visión del espectáculo de las artes marciales, aunque quizás por fortuna (a tenor del resultado) no desplegó más influencia y pudo centrarse en dotar a su personaje de sus cualidades antes mencionadas y que resultan perfectamente dibujadas. El director y el guionista ya se encargaron del resto. Al igual que los secundarios, verdaderas marionetas para cubrir los momentos en los que Lee desaparece de pantalla.

‘Operación Dragón’: pulp, artes marciales, blaxploitation, espías en un envoltorio kitch

Uno de los aspectos más llamativos de ‘Operación Dragón’ es su condición de cine fusión. Mezcla imposible de elementos que a pesar de que pudieran desvirtuar y producir un efecto chocante y hasta repulsivo, consigue todo lo contrario: dotan a la película de iconos fascinantes. Desde las vitrinas con las manos (armas) de Han, laboratorios de opio, cobayas humanas, por no olvidarnos del subterráneo donde se oculta la verdadera maquinaria del villano y su lado más oscuro: mujeres medio zombies, presos aterrados, súbditos escasamente cualificados y una guardia personal de féminas de la que apenas se esbozan intenciones (aquí no interesan las intenciones, ni las consecuencias sólo sugerir y bien que lo consigue).

Más allá de esto, que queda en el plano anecdótico, aunque merecería un análisis y su posterior influencia, no podemos olvidarnos de los momentos más brillantes. En especial esa famosa y archiconocida escena apoteósica, el duelo final cara a cara, en una sala llena de espejos y Bruce Lee extrayendo dentro de sí su lado más letal, mortífero y vengativo. Nada tremendamente original, como el resto del film, pero de asombroso resultado pleno de emoción. Ese juego de espejos ofrece un espectáculo sobresaliente y es la pura esencia de toda la película.

Renegar del cine de artes marciales y de esta inolvidable ‘Operación Dragón’ por considerarlo un subgénero o un cine de ínfima categoría es perderse el espectáculo que brinda un Bruce Lee que consiguió bordar un papel que recoge buena parte de su propia personalidad, y que, no sin razón, lograr proyectar internacionalmente y convertirlo en un icono del cine. Y es que ‘Operación Dragón’ es un clásico que sobrepasa su género.

Ya pueden ofrecer sus candidaturas para la próxima crítica a la carta. Sean buenos.

Tarantino plantea este segundo volumen dispuesto a ofrecer el antídoto perfecto contra el veneno inoculado en el espectador con la novia y sus encuentros sanguinolentos. Su particular recorrido vengativo ahora queda explicado. Para ello Tarantino prescinde más del homenaje asiático para dejarse embaucar por el espíritu del auténtico spaguetti western para ofrecer la explicación de todo, para darnos a conocer la auténtica motivación de la protagonista para trazar a katana su único objetivo: matar a Bill.

Y si había un personaje misterioso del que no sabemos nada ese es Bill. Y para presentarlo adecuadamente Tarantino nos regala una de sus especialidades: la entrada en escena del villano. Bueno, aunque villanos en realidad son todos los que pueblan el díptico de Kill Bill, porque en esencia es un retrato del lado perverso, un análisis de los pensamientos, sentimientos e inquietudes de un asesino. Pero a lo que iba, conocemos, por fin, a Bill. Un asombroso David Carradine, a quien el director le otorga su particular homenaje dándole un personaje tan malvado como hipnótico.

En el flashback con sabor a añejo (por aquello del tono sepia de la escena), intuimos una parte esencial de la relación entre Bill y la novia. Es sólo el comienzo del conflicto. Luego comprobamos como ella continua con su cometido esencial en la vida, saciar su sed de redención. Conocemos nuevos personajes, y más a algunos de los que poco conocíamos (la sanguinaria y bellísima Elle Driver, una Daryl Hannah sorprendente).

Menos acción, más drama

Tarantino le da solución de continuidad al salvajismo del primer volumen, pero ahora se preocupa más de justificar cada gota de sangre. Ahora podemos entender los motivos, aunque ése es precisamente el suspense sobre el que se construye ‘Kill Bill vol. 2’. Conocer porqué Bill debe morir y la novia matarlo. Porqué se quiere vengar. Aquí Tarantino no tiene prisa, se adorna con escenas llenas de buenos diálogos, de acción (las menos, pero no menos intensas, buena prueba de ello es el enfrentamiento con Elle Driver), pero sobre todo dándole a la novia la posibilidad de expresar la fuerza que le mueve.

Tarantino logra momentos asombrosos: el encuentro de Bill y Budd, el entierro claustrofóbico, el capítulo oriental (y el más claro y evidente de todo el conjunto, imitando el estilo del cine de los Shaw Brothers) el apoteosis final, un duelo verbal que ilumina las zonas que aún quedaban oscuras. Pero también es cierto que enreda (digámoslo así) en momentos que aportan bien poco a la trama y que parece más un ejercicio de autocomplacencia. Véase la visita de Budd al club donde trabaja (clara admiración de Tarantino por este actor) o la de la novia al que le debe dirigir en última instancia a Bill, en un gran momento fílmico, pero de escasa aportación a la narración.

Los personajes: comprendiendo el mal

Con todo, Tarantino logra impregnar su estilo en cada personaje, en cada encuentro y en cada escena. Y también es fácil apreciar a la madurez como autor que se percibe. Gran dominio de la puesta en escena y sacando el máximo partido a sus ingeniosos y hábiles diálogos. Pero sobre todo, logra exponer el alma de los personajes. Algo complejo de conseguir. Aquí tenemos a la galería de villanos, despiadados, letales, como protagonistas y conocemos un poco qué motivaciones les arrastran. En el fondo, Quentin nos muestra su particular visión sobre la vida y la muerte (como bien queda patente en el encuentro con la hija y en el diálogo con Bill próximo al duelo final).

A través del viaje vengativo, en su segunda etapa, de la novia, vamos descubriendo sus emociones, su sentimiento. Todo ello ambientando en el salvaje oeste, en el desierto fronterizo, donde la temible culminación de venganza debe tener lugar.

Uma Thurman se postulaba en el primer volumen como una actriz polivalente, mostraba el enorme esfuerzo requerido para las escenas de lucha. Ahora, en el segundo volumen, nos vuelve a deleitar con ellas (los enfrentamientos y su adiestramiento con Pai-Mei, personaje recuperado nuevamente a modo de homenaje), pero también sabe dotar a la novia, a Beatrix Kiddo, de alma, de sentimientos (más allá de la ira) y de un sorprendente lado maternal.

De nuevo Tarantino sale airoso al mezclar tantos ingredientes pero de nuevo cocinados bajo su receta. El estilo Tarantino se convierte en un clásico y viendo en su conjunto ‘Kill Bill’ a nadie le cabe duda de que sabe narrar y filmar con un talento asombroso. Esta segunda parte que ahora nos ocupa es un buen ejemplo de todo ello, un gran ejercicio de estilo, con un resultado notable (aunque quizás no a la altura de ‘Pulp Fiction), especialmente si logramos fundir ambas entregas y valorar el díptico como una sola pieza cinematográfica.

En Blogdecine, especial Quentin Tarantino:

• Quentin Tarantino: sus inicios
• Quentin Tarantino: ...y llegó ‘Reservoir Dogs’
• ‘Reservoir Dogs’: el nacimiento de un estilo
• Quentin Tarantino: ‘Pulp Fiction’, la culminación de un estilo
• Quentin Tarantino: ‘Jackie Brown’, la menos tarantiniana, la más fascinante

• Quentin Tarantino: ‘Kill Bill: vol. 1’, acción y sangre a golpe de katana

Años después, y tras realizar ‘Jackie Brown’, llegó el momento de darle forma a la idea embrionaria de una novia en busca de venganza. Y aquí Tarantino se explayaría. Intentaría lograr, ahora que podía, la máxima libertad creativa para hacer un film de acción, de artes marciales y de imponer su estilo. Acción y sangre a golpe de katana era el plato que le apetecía ofrecer y consiguió una película tremendamente entretenida, aunque dejando atrás algunos de sus principales baluartes de su estilo, para volver a reinventarse, o más bien sacar el lado más bestia tras años de “infectarse” de exploitation films.

En esencia, este es su verdadero homenaje, a un tipo de cine con el creció y que ahora prentedía dar forma con mayor libertad. Pero tampoco escapaba a la tentación de aprovechar e introducir elementos del cine de artes marciales, como prueba de fuego para un director rodando acción pura (que según ha manifestado es lo más complicado de dirigir bien). Ese era su objetivo. Creía que eso era lo que le faltaba por hacer. Y rodar acción no era fácil, pero había visto demasiado cine, demasiados duelos de spaguetti western, de katanas samuráis cercenando brazos y decapitando enemigos,… pero también del valor del honor y el respeto oriental, del sabor de la venganza sangrienta, todo regado con litros de sangre.

Uma Thurman, la novia vengativa perfecta

No podía realizar la película hasta no tener a Uma Thurman preparada y disponible, así que por eso se demoró algún tiempo en rodar ‘Kill Bill vol. 1’ a pesar de tenerlo todo pensado y preparado. Y fue un acierto. Llegó a afirmar que no podría haber realizado la película con otra actriz y, a tenor del resultado, sin duda fue lo más acertado.

Tarantino había dibujado excelentes personajes, era su fuerte, al igual que soberbios diálogos. Aquí lo vuelve a repetir, aunque quizás se explaye en su protagonista y nos deje a los secundarios demasiado desplazados, algo no demasiado habitual en su cine hasta el momento. Pero con la novia, consigue un personaje de su estilo. Aunque en esta ocasión deja paso a la sangre, la acción y el virtuosismo visual en vez de a los largos diálogos.

Thurman tiene un papel difícil, muy complejo: saltar, manejar la katana, hablar japonés, ponerle el sentido trágico y de ira para contagiar al espectador y justificar su odisea vengativa… Pero su esfuerzo y entrega deja un resultado notable.

Salvaje y violenta

Parece como si Tarantino necesitase de explayarse con un film violento. Aflorar su lado más salvaje y sangriento, pero también más divertido. En ‘Kill Bill vol. 1’ juega con múltiples referencias, como suele hacer en su cine, mezclando el anime, el spaguetti western o sus debilidades asiáticas para vestir esa violencia inusitada que despliega en el film. Y el capítulo de animación es buena muestra de ello. Soberbio trabajo para definir a un personaje de vital importancia en esta cinta.

Lo cierto es que tras ese despliegue visual y esos cuerpos mutilados manando sangre, se oculta el verdadero interés de Tarantino: explayarse con lo que guardaba dentro, emerger su lado más rebelde. Para ello nos hace acompañar al protagonista a través de su viaje vengativo, aunque vuelve a jugar con saltos temporales, en esta ocasión menos trascendentes pero nada forzados, a modo de capítulos escritos a fuego en el alma y la mente de la novia.

Y a pesar de que Tarantino sabía que le lloverían las críticas (como hasta ahora le había pasado) por el tratamiento de la violencia, tenía la necesidad de demostrar que puede tratarse con un buen gusto (estético). Con una descarada e inspirada lección de cine de género y del poder de la imagen sobre el diálogo.

Tarantino se muestra exquisito al cuidar con un detalle extremo cada escena, al que dota de su habitual catálogo de guiños cinéfilos y de claros homenajes. No en vano la presencia de uno de sus ídolos de siempre, Sonny Chiba, lo evidencia. Dándole un papel (Hattori Hanzo) que no es sino la proyección en el presente de un personaje de la popular serie televisiva de ninjas y samuráis de los ochenta ‘Shadow Warriors’, que tanto disfrutó un joven Tarantino.

Pero el director de ‘Kill Bill vol. 1’ tiene muy claro que su película quiere darle el brillo (a la par que el homenaje) a un cine de serie B que bien merece el respeto. Y en esta historia de justicia y redención la violencia es esencial, por eso está tan bien cuidada su presentación, aunque se pliegue a las convenciones del género. Sin miedo y con libertad creativa, Tarantino nos presenta cada escena de acción de un modo muy personal, siempre con su estilo: descarga la tensión previa al sanguinario enfrentamiento con miradas desafiantes y con diálogos teñidos de humor, para luego dejar que la katana siga su curso, sin que nada se lo impida.

En conclusión, y a pesar de dividir esta historia en un díptico, Tarantino demuestra su dominio y talento para el espectáculo visual. Ofrece un relato muy simple en lo argumental, pero lo viste de ópera, con minuciosidad, con respeto, lleno de homenajes (casi fetichistas), lo acompaña (de nuevo) con una música magnífica (escuchar playlist en Spotify) y logra realizar la película que deseaba hacer. Muy por encima de sus expectativas, necesitaba extraer de su interior esta película. Y muchos lo agradecemos.

En Blogdecine, especial Quentin Tarantino:

• Quentin Tarantino: sus inicios
• Quentin Tarantino: ...y llegó ‘Reservoir Dogs’
• ‘Reservoir Dogs’: el nacimiento de un estilo
• Quentin Tarantino: ‘Pulp Fiction’, la culminación de un estilo

• Quentin Tarantino: ‘Jackie Brown’, la menos tarantiniana, la más fascinante

A algunos puede que no les suene de nada el nombre de Tony Jaa, pero para los aficionados al cine de acción y artes marciales, el tailandés, bajito y espectacular, se estaba convirtiendo en una figura indiscutible gracias al éxito de ‘Ong-Bak’ (2003). Sin embargo, se ha sabido que Jaa ha abandonado la industria del cine. Concretamente, se ha descubierto que el pasado día 28 Jaa, cuyo nombre real es Phanom Yeerum, se afeitó la cabeza, se subió a un elefante, fue a un templo budista de su país y tras la habitual ceremonia fue aceptado oficialmente como monje. Es raro, pero estas cosas pasan a veces también en la vida real.

Al parecer, el actor y coreógrafo estaba desesperado con la relación contractual que le ataba a Sahamongkol, y en lugar de seguir vinculado a la productora ha decidido dejar de hacer películas y dedicar su tiempo a asuntos más relajantes y trascendentales. Según cuentan, Jaa llegó a denunciar que había sido secuestrado por matones de la productora, y obligado a seguir trabajando en la secuela de ‘Ong Bak’, la cual tuvo que dividir en dos partes para que la compañía recuperara el dinero invertido. Tras terminar su trabajo con ‘Ong-Bak 3’, Tony Jaa ha decidido cambiar de rumbo y decir adiós al (a veces triste) mundo del cine. O quizá sea sólo un largo “hasta luego”, hasta que transcurran los diez años que firmó con Sahamongkol.

PD: Un par de vídeos sobre la ya ex-estrella del cine de mamporros:

• Combate final de ‘Ong-Bak’:

• Impresionante plano secuencia en ‘Thai Dragon’ (a.k.a. ‘The Protector’, 2005):

Vía | Worstpreviews

Como a otros muchos genios de las artes marciales en el cine, a Tony Jaa el ego se le infló poderosamente y no dudó en dar un paso de gigante, en una nueva muestra (por medio apareció ‘Thai Dragon’) mucho más costosa, más espectacular y que le hiciera más grande (y a su bolsillo). Para ello, no dudó en ponerse a cargo de la dirección de ‘Ong-bak 2: la leyenda del rey elefante’, y contar una historia hecha a su medida, en la que lucirse con especial énfasis. Así, se puso también a trabajar tras las cámaras junto con su maestro en el arte de la lucha, con la garantía que le daba arriesgarse a ello por su enorme éxito. La gran esperanza tailandesa que podría poner al país del sudeste asiático en el mapa cinematográfico internacional.

Lamentablemente, el proyecto desde su inicio y hasta la conclusión del rodaje fue un verdadero infierno a pesar de contar con un presupuesto casi impensable en tierras tailandesas. Pero no ésto no puede servir de excusa para no alcanzar un resultado que enorgulleciera a sus paisanos y llamara la atención a los aficionados a este cine de todo el mundo. Manos a la obra, esta nueva película intentaba explotar al máximo las cualidades de Tony Jaa y ambientarlo en una época pasada en un frondoso y exótico paisaje.

La premisa era bien sencilla: llevar a una nueva dimensión las escenas de lucha y aumentar la espectacularidad lo máximo posible. Sin embargo, y como es propio de este subgénero, la historia se conjuga con una gran sencillez, que sólo sirve de transición entre cada escena donde lo verdaderamente importante es mostrar el virtuosismo de Jaa.

A pesar de su título, ‘Ong-bak 2: la leyenda del rey elefante’ no guarda ninguna relación con la película que le hizo saltar a la fama. Ahora, se traslada la historia al siglo XV, en una Tailandia selvática dominada por reyes que intentan preservar la armonía y piratas desalmados que buscan adueñarse del caos y de todo lo que puedan requisar. Allí se ambienta este relato de una venganza, la de un hijo de la realeza que asiste al asesinato de sus padres y que buscará, con el odio creciendo en su interior, una vendetta acorde con el dolor sufrido.

Nada más hay y nada más interesa. Un guión tan esquemático, escuálido e infantiloide que raya lo bochornoso (casi se pueden contar las líneas de diálogo existentes). Pero quizás no se le pueda achacar tanto este pésimo aspecto, ya que no es el pilar sobre el que una película de artes marciales se sustenta, como al hecho de que está asunte de espontaneidad, frescura y el aderezo de unas pinceladas de humor que encontramos en ‘Ong-bak’. En esta entrega, sólo importa que Tony brille en su plasticidad, que alcance cotas asombrosas en el arte de la lucha, con todo tipo de armas y con una destreza espectacular. Eso lo consigue, pero es lo único. Y para eso no hace falta gastar tantos millones ni ambientar el relato en el pasado. Al margen de encontrar algunos momentos bochornosos (la escena de los elefantes es el cénit del absurdo), ridículos y disponer de una narración torpe, sin fluidez, acompañado de un deficiente diseño de efectos sonoros.

Una ensalada de hostias demasiado sosa, sin aliñar y que se engulle como verdadera fast food indigesta.

Mi puntuación: