‘Un método peligroso’

Título original: ‘A dangerous method’ o ‘The talking cure’.

Dirigida por: David Cronenberg.

Intérpretes: Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley, Vincent Cassel y Sarah Gadon.

Sinopsis: Al trío formado por el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielrein se añade Otto Gross, un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites. Esta exploración de la sensualidad, de la ambición y del engaño llega a su momento cumbre cuando Jung, Freud y Sabina se reúnen antes de separarse definitivamente y acabar cambiando la dirección del pensamiento moderno.

Qué podemos esperar: Mis expectativas están bastante altas con este estreno, que deseo que pueda entrar en la lista de lo mejor del año, que hasta ahora no está muy nutrida. Cuenta con casi todo lo necesario para que me resulte atractiva: la dirección de Cronenberg, el elemento psicológico más a tope que nunca, y un elenco insustituible. Así que espero que no me defraude.

Tráiler de ‘Un método peligroso’.

‘El gato con botas 3D’

Título original: ‘Puss in Boots’.

Dirigida por: Chris Miller.

Voces en V. O.: Antonio Banderas, Salma Hayek, Zach Galifianakis, Billy Bob Thornton, Amy Sedaris, Guillermo del Toro y Constance Marie.

Sinopsis: Mucho antes de que conociera a Shrek, el conocido espadachín, amante y fuera de la ley Gato con Botas se convierte en un héroe al emprender una aventura junto a la dura y espabilada Kitty Zarpassuaves y el astuto Humpty Dumpty para salvar a su pueblo. Complicándoles las cosas por el camino están los infames forajidos Jack y Jill, que harán cualquier cosa para que Gato y su banda no lo consigan.

Qué podemos esperar: Mi compañero Míkel Zorrilla opina que es digna, pero no demasiado original. No me invita a correr hasta la sala, como la anterior, pero tampoco la descarto. Si surge la posibilidad de verla, pues allí estaré. Parece que puede tener algunos buenos puntos humorísticos y es cierto que de todo lo que aportaba ‘Shrek’ el gato era lo más simpático. Es curioso que Banderas, que no se sabe doblar a sí mismo –lo ha reconocido él y permitido que se encargasen otros de su voz– haya sabido aportar tanta personalidad a este animal.

Tráiler de ‘El gato con botas’.

‘Premonición’

Título original: ‘Afterwards’.

Dirigida por: Gilles Bourdos.

Intérpretes: John Malkovich, Evangeline Lilly, Romain Duris, Pascale Bussières y Reece Thompson.

Sinopsis: A los ocho años, Nathan tuvo una experiencia cercana a la muerte e inexplicablemente volvió a la vida. Veinte años después, Nathan es un abogado brillante en Nueva York, herido tras un doloroso divorcio, que se refugia en su trabajo, lejos de su ex mujer Claire y la hija de ambos. Es en este momento cuando un misterioso doctor entra en su vida. El doctor Kay dice que puede prever cuándo algunas personas van a morir. Nathan descubrirá el motivo de su vuelta a la vida.

Qué podemos esperar: Lo que más me mosquea de esta cinta franco-alemana-canadiense de 2008, haya tardado tanto en estrenarse, a pesar de contar con tan buen elenco y de que el tráiler no tenga ninguna mala pinta.

‘Si no nosotros, ¿quién?’

Título original: ‘Wer wenn nicht wir’.

Dirigida por: Andres Veiel.

Intérpretes: August Diehl, Lena Lauzemis, Alexander Fehling, Thomas Thieme, Imogen Kogge, Michael Wittenbprn y Susanne Lothar.

Sinopsis: Basada en la historia verdadera, la película nos cuenta que Bernward y Gudrun viven una apasionada historia de amor. Muy sensibles a la inquietud de la época –principios de los sesenta en la sofocante atmósfera de la Alemania Occidental de provincias–, la fogosa pareja funda una editorial dedicada a publicar trabajos políticos controvertidos: “Si no somos nosotros, ¿quién? Si no es ahora, ¿cuándo?” Pero su descontento con el mundo que les rodea influye en su relación. A finales de los sesenta, Gudrun se une a la causa proviolenta del rebelde Andreas Baader, y Bernward arriesga su salud mental tomando drogas psicodélicas en un intento de escribir la novela que cambiará el mundo.

Qué podemos esperar: Juan Luis Caviaro encontró que tenía momentos poderosos, dentro de un conjunto no del todo regular. El punto de partida es más que interesante y está muy bien que se haya elegido a una pareja para reflejar esas diferencias en un conflicto personal que afecte a los personajes. Habrá que ver cómo se desarrolla.

‘Todo un hombre’

Título original: What a Man!

Dirigida por: Matthias Schweighöfer.

Intérpretes: Matthias Schweighöfer, Sibel Kekilli, Elyas M’Barek, Thomas Kretschmann, Milan Peschel y Mavie Hörbiger.

Sinopsis: Cuando su imponente novia le abandona por su vecino, mucho más viril que él, Alex, un joven algo blandengue, se embarca en un proceso de autoeducación para convertirse en un hombre y encontrar el amor verdadero. Mientras recibe los consejos de su amiga Nele acerca de las relaciones sentimentales, su otro amigo, Okke, un auténtico machote, le da lecciones sobre cómo llegar a ser un verdadero hombre.

Qué podemos esperar: Debo reconocer que este tipo de cosas, aunque pueda olerme que vayan a ser malas, a priori me atraen un poco. Entre la comicidad que pueda surgir de los enredos y confusiones y el componente romántico que prometen, ya casi me tienen comprada. No iría al cine a ver una comedia como esta, pero como opción para alquilar en DVD y ver una tarde de fin de semana, la tendría en cuenta.

‘El gato desaparece’

Dirigida por: Carlos Sorín.

Intérpretes: Luis Luque, Beatriz Spelzini, María Abadi y Norma Argentina.

Sinopsis: Beatriz va a buscar a Luis, su marido, a la clínica neuropsiquiátrica donde ha estado internado a raíz de un brote psicótico inesperado y violento. A su alegría se suma la inquietud que le provoca saber si Luis es, después de haber estado internado, realmente el mismo, si aquel oscuro episodio puede volver a repetirse. El retorno a la vida cotidiana no será fácil.

Qué podemos esperar: Aunque en general abrazo la llegada de algún estreno argentino con mucha alegría, no se puede decir que el estilo casi documental de films anteriores de Carlos Sorín sea el que más va con mis gustos a la hora de elegir películas. Pero la historia que se propone aquí parece que podría tener una gran fuerza dramática y algo de misterio. En este caso, da la sensación de que podríamos estar más cerca de algo de terror psicológico que del costumbrismo previo.

‘La puerta de no retorno’

Dirigida por: Santiago A. Zannou.

Sinopsis: Alphonse vende todo tipo de cachivaches en los mercadillos de Madrid. Casi 40 años en España… esperando a que le llegue un golpe de suerte, gestando poco a poco un fracaso que nunca ha podido o querido admitir. Ya viejo, se está quedando ciego y más que nunca tiene la necesidad de hacer las paces con su pasado y afrontar sus errores. Siente que es hora de volver a África, regresar al punto de partida, a su tierra natal en busca del reencuentro, del perdón, de la reconciliación… con su familia y también consigo mismo.

Qué podemos esperar: El aspecto es espectacular, con una fotografía preciosa y una gran historia que contar. Podríamos encontrarnos ante un ganador de premios Goya. ‘El truco del manco’, del mismo director, se llevó tres.

‘Mercado de futuros’

Dirigida por:Mercedes Álvarez.

Sinopsis: Documental que intenta analizar la fiebre del mercado inmobiliario y la virtualización del espacio urbano.

Qué podemos esperar: El tema inmobiliario, principal motive de que estemos en la situación en la que estamos, me parece que merece, como mínimo, algún estudio que otro. Sin embargo, no estoy muy segura de querer ver este documental para cabrearme aún más sobre la situación.

‘La chica más feliz del mundo’

Título original: Cea mai fericita fata din lume.

Dirigida por: Radu Jude.

Intérpretes: Vasile Muraru (Sr. Fratila), Andreaa Bosneag (Delia Cristina Fratila), Violeta Haret (Sra. Fratila), Doru Catanescu (Sr. Arvunescu), Alexandru Georgescu (cliente), Diana Gheorghian, Bogdan Marhodin (Viorel).

Sinopsis: Delia, una adolescente que vive en un pequeño pueblo de Rumanía, acaba de ganar un automóvil en un concurso. Esto motiva una discusión con sus padres en torno a lo que van a hacer con el coche nuevo: sus padres quieren venderlo y así solucionar los problemas familiares; ella, en cambio, quiere quedárselo para presumir ante sus amigos y compañeros. Lo que al principio parecía un golpe de suerte, se convierte para Delia en una situación dolorosa y extrema en la que tendrá que decidir si antepone sus deseos personales a las necesidades de su familia.

Qué podemos esperar: Una película rumana de 2009 que transcurre durante casi todo su metraje en la grabación de un anuncio publicitario y que no acierto a dilucidar si es drama o tragicomedia… lo cierto es que no me atrae lo más mínimo, pero está claro que estoy aventurando esta impresión y que no tengo datos para juzgar la cinta, que quizá sea grandiosa.

‘Una canción’

Dirigida por: Inmaculada Hoces.

Intérpretes: Inmaculada Hoces, Miguel Molina y Jorge Cabrera.

Sinopsis: María, una abogadamadura, se queda en paro por su honestidad, pero no desespera y, mientras busca trabajo, escribe lo que importa en un cuadernito. Conoce a dos hombres, Manuel, un músico que sobrevive como puede, con el que comparte sus escritos, y Santiago, un directivo de una discográfica, muy comprometido con la protección de los autores del desastre de las descargas ilegales en internet. Ambos le influyen, y se ve abocada a asumir nuevos retos donde, una vez más, tendrá que poner a prueba su integridad.

Qué podemos esperar: El trailer da la sensación de ser demasiado amateur y esos diálogos que exponen claramente la tesis de la guionista. No da la impresión de que las interpretaciones sean muy naturales y parece difícil ver cómo engancharse con la historia. Pero quizá esta directora merezca una oportunidad.

Ya conocemos el palmarés y el festival se ha despedido hasta el año que viene, pero como os adelanté a mí me quedan aún algunas películas por comentar que voy a incluir en dos entradas, pues creo que os pueden resultar interesantes. En esta primera tanda os hablaré de los dos títulos de la sección a concurso que me faltaban (os recuerdo que eran dieciséis) y de la única película que vi en el último día de la Berlinale, cuando ya no quedaban más que las sobras, ni programación oficial ni especial ni nada. Probé suerte dentro de lo que había y, bueno, digamos que no fueron noventa minutos totalmente desperdiciados.

‘Si no nosotros, ¿quién?’, revolucionarios sin causa

Tras la iraní ‘Nader and Simin, a Separation’, la película que más me entusiasmó de las que optaban al Oso de Oro fue la alemana ‘Si no nosotros, ¿quién?’ (‘Wer wenn nicht wir’, o ‘If Not Us, Who’; 2011), el debut en la ficción de Andres Veiel, hasta ahora centrado en la realización de documentales. El film ofrece un interesante retrato de la Alemania de los años 60, en especial de una juventud que ansiaba romper con el pasado e iniciar una etapa de cambio radical que debía extenderse por todo el mundo, para acabar de una vez por todas con la tiranía y la opresión de los poderosos. Los protagonistas de este relato son Bernward Vespel, Gudrun Ensslin y Andreas Baader, los dos últimos miembros de la Fracción del Ejército Rojo (la RAF, Rote Armee Fraktion), también conocida como la banda terrorista Baader-Meinhof, una organización de extrema izquierda que ha sido objeto de retratos cinematográficos y documentales. El propio Veiel centró en este grupo uno de sus trabajos previos, Black Box BRD (2001), y en un principio rechazó la idea de dirigir un largometraje sobre el mismo tema. Pero cambió de opinión cuando leyó escritos originales de Vespel y Ensslin, comprendiendo que nunca se había intentando comprender realmente a estas personas, ni se había expuesto el origen de la RAF con los matices y las contradicciones auténticas, sin enfoques simplistas. El resultado es un film vigoroso pese a sus arritmias, crudo y emocionante.

La película comienza en la posguerra para mostrarnos un breve episodio de la infancia de Bernward Vespel, en el que su severo padre, el poeta Will Vesper, le da una lección sobre el orden de las cosas, exponiendo un discurso frío y amoral que entronca con sus ideas fascistas. Iniciada la década de los sesenta, Vespel (August Diehl) es un aspirante a escritor que discute con un profesor de retórica sobre la calidad de las obras que sirvieron de apoyo al partido nazi. El país no se ha recuperado totalmente de esa etapa (y así sigue a día de hoy, por lo que he podido comprobar), por lo que trata de cubrir todo rastro y destruir toda conexión con ese vergonzoso pasado reciente. Vespel, influido por su padre, mantiene que el valor de una obra es una cosa aparte de las ideas personales o políticas de su autor. Durante su estancia en la universidad, el joven inicia una relación con Gudrun Esslin (Lena Lauzemis), que se enamora de su espíritu apasionado e inconformista. Juntos inician una modesta editorial que se atreve a publicar textos políticos incómodos para la sensibilidad de la época. A mediados de los 60, implicados con los ideales de jóvenes de izquierda, animados por reivindicaciones y protestas que estallan en diversas partes del mundo, Vespel y Esslin conocen a Andreas Baader (Alexander Fehling), que apuesta por dar el paso de la acción violenta.

Está muy bien plasmada la complicada relación que mantienen Vespel y Esslin, cómo el principio él entiende la sexualidad como algo libre, sin ataduras, haciendo sufrir a su compañera, para luego verse en la situación contraria, ante la aparición del carismático Baader; es interesante la opuesta mentalidad de los dos muchachos, cómo Vespel confía en el poder de la palabra, en el puñetazo escrito, mientras que Baader solo cree en la acción inmediata, en el puñetazo real. Tragedia de unos jóvenes que lucharon contra el fantasma de un régimen que no volvió a aparecer, ‘If Not Us, Who’ contiene dos horas de cine recio, serio, riguroso, que entretiene al mismo tiempo que despierta la reflexión, y cuyo único pero importante defecto es que intenta abarcar demasiado, hay tramos que resultan de menor interés y otros están demasiado resumidos; quizá un montaje de mayor duración podría aportar más empaque al relato, permitiendo una experiencia más cercana de la amarga peripecia de estos tres personajes en un momento de gran agitación, tanto individual como colectivamente. Mantiene Andres Veiel que la historia de Vespel, Esslin y Baader aún tiene eco en nuestro presente, y así es, la suya es una película que podría estar hablando de personajes actuales; espero que podáis tener la oportunidad de verla y comprobarlo.

‘El futuro’, treintañeros en crisis

No fue una de las más redondas ni atrevidas, pero sí una de las más originales e ingeniosas de la sección competitiva. Presentada también en Sundance, ‘El futuro’ (‘The Future’; Alemania, Estados Unidos, 2011) es el segundo largometraje de la norteamericana Miranda July, cineasta, actriz, escritora y artista. Su nuevo trabajo, presentado seis años después de su elogiado debut (‘Me and You and Everyone We Know’, premiado en Sundance y Cannes), se centra en una pareja, ambos en torno a los treinta, que han pensado adoptar un gato de un refugio. El animal está herido y podría morir en seis meses, pero eso forma parte del plan; y también podría vivir varios años, cosa que ya les preocupa un poco. Les aterra perder parte de su libertad, de ahí que una mascota tan independiente como un gato y del que en teoría no tendrán que ocuparse mucho tiempo, les parece una opción ideal. Sin embargo, el día que van a buscar a Paw Paw (que así se llama el felino) les dicen que deben esperar un mes más. De vuelta a casa, la pareja reflexiona sobre el tiempo que tienen por delante, y deciden pelear por aquello que siempre quisieron hacer, pero hasta ahora nunca se atrevieron.

Sophie (July) y Jason (Hamish Linklater) se han dado cuenta de lo rutinario de su existencia, y de cómo está pasando el tiempo sin haber realizado todas esas cosas que habían previsto o soñado. La futura adopción del gato trastoca su vaga comodidad, y se agarran a eso para intentar dar un giro a sus vidas. A ella le fascinan los bailes que las chicas graban y suben a Youtube, así que se propone inventar un baile diario, hasta que llegue el pequeño felino; por su parte, él abandona su trabajo, de atención al cliente vía telefónica, para dedicarse a la lucha por el medio ambiente, vendiendo árboles puerta por puerta. A ninguno de los dos le irá como habían previsto, afrontando el fracaso de distinta manera: Jason se empeña en el intento, Sophie optar por abandonar y se entrega a otro hombre (un cincuentón con una hija pequeña que dibuja). Y mientras tanto, Paw Paw espera.

La película gira en torno a temas tan corrientes como la toma de conciencia del paso del tiempo, con la ansiedad y la frustración que eso conlleva, la madurez de unos treinteañeros y la relación de una pareja que parece bloqueada, estancada en una existencia rutinaria, sin la sorpresa y la pasión de los comienzos. Pese a esto, el enfoque de Miranda July resulta fresco y auténtico, nunca pretencioso ni complaciente, enriqueciendo el relato con ocurrentes soluciones de corte fantástico y surrealista. Cabe señalar que el gatito habla al público, exponiendo su filosofía y su deseo de ser adoptado, y que en la trama hay hueco para un peculiar viaje en el tiempo, entre otros recursos. Estas ideas son las que animan el visionado de la película, que por lo demás no cambiará la vida a nadie, tiene tramos bastante simplones, como tiempos muertos dentro de la narración, y sospecho que realmente solo resultará interesante para los espectadores que rondamos la edad de los protagonistas, pudiéndonos identificar con sus conflictos, dudas y preocupaciones. Que pueden ser tan absurdos como inevitables.

‘Kazoku X’, inerte civilización

Los protagonistas de ‘Household X’ (‘Kazoku X’, 2010) también viven atrapados en la rutina, una más intensa y alienante, pero tardarán más en darse cuenta y tratar de rebelarse. Y es que estamos ante una de esas películas japonesas que tanto aterran al público occidental, lenta, con escasos diálogos y sin apenas argumento. Claro que todo eso no tiene por qué dar una película aburrida. Puede que la acción transcurra bajo la superficie, en el interior de los personajes o entre los rincones de una ciudad, que el cineasta aproveche una propuesta sencilla y directa para desarrollar un virtuoso relato psicológico, o que lo esencial sea vivir momentos emotivos o de gran belleza en un mar de aparente tranquilidad, sintiéndose uno transportado a otra realidad. Dicho esto, a mí lo que más me interesa no es qué está pasando, sino cómo está siendo retratado, me interesa más la puesta en escena y la interpretación que la trama, los acontecimientos o lo que llamamos mensaje.

Por eso, aunque me parece interesante el planteamiento, y es estimulante encontrar un trabajo que aspira a exponer serios problemas de la sociedad (la japonesa en especial, pero el retrato se ajusta también a Europa) a través del día a día de una familia corriente, no puedo disfrutarla ni aplaudirla por culpa de la descuidada y torpe realización, que consigue que noventa minutos parezcan doscientos. El debutante Yoshida Koki apuesta por ese estilo vago que ya he denunciado en varias ocasiones y que consiste en un abuso de la cámara en mano, dando como resultado imágenes temblorosas y desenfocadas que resultan molestas, de mal gusto, y en asfixiar sin criterio los encuadres con primeros planos o planos detalle. Entiendo que esta moda por el tono documental es muy atractiva, que aporta un aire de espontaneidad que encaja con las nuevas maneras de ver y entender el audiovisual, pero su uso arbitrario, porque resulta más cómodo, está desencadenando en un preocupante descuido del rigor narrativo. Si el sentido del plano es mostrar una foto, y no hay nadie en la habitación, ni está pasando nada en la escena, ¿por qué narices está templando la cámara?

Pese a todo, repito que ‘Household X’ (proyectada en la sección Forum del festival) plantea un discurso jugoso y está acertada en algunos puntos, lo que puede bastar para salvar el visionado de la titubeante ópera prima de Koki. Por ejemplo, hay un plano secuencia que expone de manera devastadora, y en solo unos instantes, todo lo que el realizador intenta plasmar en toda la película. La cámara sigue a la triste ama de casa protagonista (Minami Kaho) por las calles de su barrio y vemos a seres extraños que van a lo suyo, sin interactuar ni revelar emociones, zombies que van a la oficina, sacan la basura o hacen la compra. Son piezas de un sistema que extirpa la humanidad, que potencia la incomunicación y el individualismo, resultando soledad, amargura y ansiedad. Recorren el camino marcado y pasan en silencio por este mundo. No, está retratando solo a Japón.

Como ya sabréis, gracias a los carteles que empapelan las ciudades, el 20 de agosto se estrena ‘Salt’, un film de acción, dirigido por Phillip Noyce, en el que Angelina Jolie interpreta a la agente de la CIA Evelyn Salt, que regresa de un largo y doloroso secuestro. Nada más reincorporarse, recibe la petición de interrogar a un ex-agente ruso, quien hace una declaración bastante peculiar, que pone en peligro la vida de Salt.

En las críticas sobre películas de acción es tan habitual comentar que la premisa de la que parten es débil y el desarrollo argumental limitado, que estas afirmaciones llegan a perder el sentido o la efectividad porque ya parece que eso es lo que hay que argüir siempre ante este género. Por ello, cuando llegan casos como el de ‘Salt’, es difícil transmitir esa idea con el énfasis suficiente o con la capacidad para convencer intacta. Pero es que el grado de nimiedad de la historia narrada en ‘Salt’ hace que, a su lado, todas las anteriores parezcan sesudos e intrincadísimos juegos de ingenio.

A grandes rasgos, el film se resume en dos secuencias, la primera de una hora de duración, aproximadamente, y la segunda que se extiende a lo largo de la media hora restante. Dos secuencias que se detonan a partir de dos revelaciones carentes de la facultad de sorprender, no tanto por previsibles, como por la cantidad de veces que han sido ya empleadas y por lo poco impactantes que resultan.

Por lo tanto, el único disfrute posible de la película —aparte del obvio, que mencionaré en el siguiente apartado— es el de la contemplación de las escenas de acción, de las que, como máximo, se puede decir que están resueltas con corrección, sin acercarse al realismo de un Greengrass ni a la espectacularidad irreal de, digamos, un Bay.

Angelina Jolie en el lugar de Tom Cruise

Como ya he comentado otras veces, es muy frecuente que los actores asignados y contratados para una película cambien durante la preproducción, como también lo es que los proyectos pasen de manos de un director a las de otro. Por lo tanto, el que Tom Cruise se bajase del carro para dejar lugar a otro intérprete no sería llamativo, salvo por el hecho de que un papel ideado para un hombre haya pasado a pertenecer a una mujer.

Observar la adecuación a ella de los rasgos diseñados para él era una de las cosas que más curiosidad me despertaban de ‘Salt’, incluso porque llegué a plantear que quizá sería mejor personaje femenino aquel que se hubiese concebido como un hombre y luego transformado en mujer que muchos de los que se escriben directamente con féminas en mente. No obstante, mi examen no dio fruto, ya que el personaje carece de una definición concreta o profunda y las decisiones que toma para actuar o las transformaciones que sufre a lo largo de la película están escasamente justificadas o soportadas. Por lo que no se podría decir que se trate claramente de un personaje masculino o femenino, ya que casi ni se podría decir que se trate de un personaje en absoluto.

Dejando eso a un lado, lo que queda claro es que optar por Angelina Jolie fue una decisión acertada, ya que ahora mismo, su presencia es la mejor baza con la que cuenta ‘Salt’ para empujar al público hacia las salas, ya sea por el atractivo físico de la actriz, como por la relativa peculiaridad de ver a una mujer en un papel de acción.

En el reparto encontramos nombres importantes que denominan a buenos intérpretes: Liev Schreiber y Chiwetel Ejiofor (ambos en la fotografía previa), pero ninguno de ellos tiene oportunidad de salvar el film porque sus papeles van de lo inexistente a lo absurdo. El personaje del marido, August Diehl, es un absoluto cero a la izquierda, además de formar con Jolie una pareja nada creíble, lo cual mina la única posibilidad de la protagonista de que sus evolución como personaje se comprenda.

El australiano Phillip Noyce difícilmente serviría de garantía para crear un film entretenido por sus escenas trepidantes o dotado de un entramado de thriller, género en el que más se ha movido, interesante; mucho menos una cinta que conjugue ambas cosas. Sin embargo, dentro incluso de una filmografía no demasiado brillante, salvo excepciones, el film ‘Salt’ podría considerarse un descenso en calidad.

Mi puntuación:

Más drama. Y más cine español. Dos de las tónicas de esta Semana Internacional de Cine de la hoy especialmente fría ciudad de Valladolid. En este caso tenemos ‘Dr. Alemán’, una coproducción hispano-alemana o germano-española, como prefieran. Y dirigida por Tom Schreiber, en el que es su segundo film, con una historia propia que viaja hacia las entrañas de Cali, en Colombia, para mostrarnos la dura realidad que atraviesa un país mermado por las drogas, la violencia y la corrupción.

August Diehl, un actor alemán jasp (joven aunque suficientemente preparado) interpreta a Marc, un médico recién salido de la universidad, hijo y hermano de médicos, que ha llegado a Colombia en busca de emociones fuertes y experiencia de sobra para volver a Alemania como un doctor exitoso y con la conciencia tranquila de haber hecho el bien una temporada. Aunque la película tarda en arrancar, pronto vemos cómo esa estancia de Marc “para poder contar a los nietos” no es tan fácil y placentera como podía pensar en un principio. El clima insoportable de la ciudad, y no hablo de la temperatura, empieza a salpicarle cada vez más, y él no lucha por cambiar la situación. Todo lo contrario.

‘Dr. Alemán’ es un pretendido cine de autor, que busca la dureza y la sensibilización con una historia algo llana, tremendista y poco trabajada, y que además quiere coger una perspectiva de documental. El personaje de Marc está muy indefinido a pesar del protagonismo absoluto que logra. Lo mismo aparece como un pretendido mesías que viene de Europa a traer un punto de vista nuevo, que se droga, bebe y se muestra poco razonable ante situaciones que lo requerirían.

Se le ve el plumero a Tom Schreiber cuando lo que más le preocupa en la historia es si los personajes están implicados en lo que sucede en la ciudad o viven en una burbuja circunstancial. No sólo Marc, sino también el resto de médicos del hospital, que viven a cuerpo de rey mientras sus vecinos, aquellos que son sus pacientes, se mueren de hambre y venden droga para poder sobrevivir. Es hasta cínico el hecho de que la película juzga sólo cuando quiere, por medio de Marc, a quien se insiste en ponernos como héroe cuando es realmente un joven antipático e impulsivo que nunca se gana nuestra admiración.

‘Dr. Alemán’, de principio a fin, se revela como un pastiche que engloba, entre otros, una pizca de ‘El fuego de la venganza’, o de ‘El último rey de Escocia’, ‘Ciudad de Dios’ y ‘María llena eres de gracia’. Todo ello metido en una batidora y suficientemente mezclado. El film intenta amoldar a la historia las virtudes de las películas mencionadas, pero sólo logra tener un argumento falto de concretitud, de dudosa moralidad y con un final, por cierto, algo desconcertante. La actuación de Diehl no es nada del otro mundo, pero ya que aparece en casi todos los planos, cumple al no desentonar demasiado.

No hay duda de que es una película que no deja indiferente, por lo que cuenta y cómo lo intenta contar, pero se queda a medias en todo lo que pretende. ‘Dr. Alemán’ es una película rara, desvirtuada e insatisfactoria. Una especie de boceto de lo que podría haber sido una película maravillosa capaz de llegar hondo, y mostrarnos de forma honesta y completa lo que es un país corrompido por el odio y el ansia de sobrevivir a cualquier precio. Tiene aspectos interesantes, pero es probable que resulte larga y poco sincera.

Reacción del público: gran aplauso.

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• Mi cobertura de la Seminci 08.

‘Los falsificadores’ (‘Die Fälscher’) se estrena el viernes, 14 de marzo. Se trata de la ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Está dirigida por Stefan Ruzowitzky y protagonizada por Karl Markovics y August Diehl.

‘Los falsificadores’ nos narra cómo Salomon “Sally” Sorowitsch es detenido por falsificar documentos y llevado a un campo de concentración. Su talento artístico pronto será detectado por los guardias que le darán comida y privilegios a cambio de retratos. Más tarde, se le trasladará a otro campo donde los nazis reproducen divisas para romper las bolsas del Reino Unido y de Estados Unidos. El protagonista tendrá que colaborar con sus enemigos y los exterminadores de su raza ayudándoles a ganar la guerra.

El tema de las falsificaciones, basado en un hecho real, es muy interesante, pero eso no evita que la historia que se narra en la película sea demasiado convencional y esté desarrollada con todos los pasos previsibles de una cinta formularia. Se le añaden los toques humanos necesarios para que aparente algo más y el plato está servido.

Lo que la saca de lo convencional es la forma en la que se ha rodada. La cámara se mueve con un pulso tembloroso, lo cual destaca dentro de una historia ambientada en los años cuarenta del pasado siglo. El objetivo se acerca a los personajes en cortos zooms repentinos similares a los que podemos ver en las series de televisión. La música, creada con la base de un tango que se escucha al principio, tiene un componente alegre y hedonista que sirve como auténtico contrapunto a las imágenes mostradas y quizá es, por ello, el elemento que más hace que ‘Los falsificadores’ sobresalga de manera positiva.

De nuevo, como dije sobre ‘Cometas en el cielo’, el hecho de incluir un tema político, hace que la película parezca más importante de lo que es. Pero incluso en este sentido, el mensaje que se da es muy cuestionable, pues, ‘Los falsificadores’ presenta a los nazis como personas capaces de apreciar el arte (probablemente lo serían algunos de ellos, ¿por qué no?) y al contarnos que el protagonista se libró de perecer o sufrir en el holocausto gracias a sus habilidades, da la impresión de que si los demás judíos sucumbieron fue porque no eran lo bastante listos o porque no tenían aptitudes concretas de las que valerse. Se incluye una frase en el film que lo deja muy claro, algo parecido a esto: “Un judío tan listo como tú, conseguirá librarse de alguna forma”. Es evidente que el personaje lo logró por esos motivos, pero está claro que los que murieron o fueron torturados y acabaron casi en la inanición no llegaron a esos extremos por su falta de astucia. Este mensaje individualista que hace creer que uno se puede salvar a sí mismo gracias a determinadas capacidades me suena muy estadounidense y quizá por ello ha calado en los corazones de los miembros de la Academia de Hollywood.

El protagonista, Sorowitsch, es un tipo que no destaca precisamente por ser una buena persona, pero que se verá arrastrado a llevar a cabo una heroicidad. Esto es lo que la película quiere contar y es algo que podría ser muy interesante psicológicamente. Sin embargo, no se puede decir que lo logre del todo. El retrato del personaje vividor que, a pesar de todo, se preocupa por los demás, más que hallar el equilibrio entre virtudes y defectos que se aleje del maniqueísmo, lo que hace es presentar a una persona indefinida, que actúa de maneras diferentes según lo que el guión requiera en cada momento. Tan pronto es indiferente a todo, como de repente planta cara por los más jóvenes para no parecer un cobarde y se vuelve paternalista. Incluso dentro de un personaje polifacético tiene que haber una cohesión. Cuando llega ese final heroico, parece que todo le viene hecho y que le hubiese salido así por casualidad. Tan poco claras han quedado sus acciones que la heroica intervención de los protagonistas tiene que transmitirse a los espectadores a través de un letrero final. Estos carteles se suelen utilizar para añadir más información de la ya mostrada, no para aclarar lo que no se ha contado bien.

Con todo esto no quiero decir que se trate de un mal film. Los actores hacen un buen trabajo y la historia engancha –a pesar de ser convencional y de que se le puedan objetar algunos detalles—. Así que en general, la película funciona y, como mínimo, se puede decir de ella que es correcta e incluso que supera la corrección. Pero ni mucho menos es la mejor de 2007 de habla no inglesa. No es que me extrañe encontrar discrepancias con los gustos de los grandes jurados, pero sí se me hace raro ver que le han dado el Oscar a un film que es, como mucho, solvente y pulcro, pero muy similar a tantos otros. Da la sensación de que lo hubiesen hecho para que la ganadora no haga sombra a ninguna de sus premiadas o siquiera a las candidatas.

En Blogdecine:

Tráiler y pósters de ‘Los falsificadores’.

La verdadera historia de Salomon Sorowitsch, insigne falsificador y bohemio. Tras su confinamiento en un campo de concentración alemán en 1944, aceptó colaborar con los nazis en la mayor operación de falsificación de billetes de la historia, con la que se pretendía contribuir a la financiación de la guerra. Durante los últimos años del conflicto, cuando el Reich veía cercano su final, las autoridades decidieron imprimir sus propios billetes en las divisas de sus principales enemigos. Con aquel dinero falso pretendían anegar las economías de los países rivales y al tiempo llenar sus arcas, vacías por la guerra. En el campo de concentración de Sachsenhausen, dos barracones fueron aislados del resto de las instalaciones y del mundo exterior para ser transformados en perfectos talleres de falsificación. Así nació la denominada ‘Operación Bernhard’.

El reparto está compuesto por Karl Markovics (‘All the queen’s men’), August Diehl (‘El noveno día’), Devid Striesow (‘El hundimiento’, ‘Napola’, ‘Lichter’, ‘Qué hacer en caso de incendio’), Martin Brambach (‘Klimt’, ‘Good bye, Lenin!’).

A continuación podéis ver el tráiler del Reino Unido y más adelante el póster original austríaco y el español:

Fuente | Wanda Visión.

Este año no podemos decir que esta categoría nos haga especial ilusión, son muchas las importantes ausencias, pero aún así habrá que darle una oportunidad a ‘Los falsificadores’ (‘Die Fälscher’) que ha dado a Austria su primer Oscar a La Mejor Película de Habla no Inglesa de la mano de una guapísima Penélope Cruz.