‘En el centro de la tormenta’ (‘In the Electric Mist’, 2009) tuvo un tardío estreno la semana pasada, después de preverse para una fecha meses anterior y de dudarse de la posibilidad misma de sacarla en cines. Una persona nos consultaba, a través del formulario de contacto, por qué ocurren este tipo de retrasos y ponía como ejemplo ‘Hanna’, de Joe Wright, que se ha trasladado al 10 de junio. Dejando aparte cuestiones técnicas, como que la copia no llegue a tiempo, que ocurrirán rara vez; la mayor parte de estas decisiones estarán motivadas por la desconfianza de la distribuidora en el film y por la dificultad para encontrar hueco en salas en la primera fecha prevista.

Así que, cuando nos encontremos con una película cuyo estreno ha ido pasando hacia adelante en el tiempo, podemos imaginarnos con bastante seguridad que no hay esperanzas de que sea un éxito de taquilla o que funcione siquiera medianamente bien como para amortizar el estreno en cines, que es, lógicamente, más caro que en DVD o TV. Para algunos puede ser una buena señal, pues quizá sea signo de que el no se tratará de un producto trillado, pero también puede ser un indicativo de que la película es fallida. Dependerá.

El film de Bertrand Tavernier, que se basa en la novela ‘In the Electric Mist with Confederate Dead’, de James Lee Burke, ha sido pasto de este tipo de maniobras y no solo en España, pues en EE. UU. se decidió enviarla directamente a un estreno doméstico. No diré que me parece justificado, ya que las chapuzas son chapuzas siempre. Sin embargo, en este caso puedo entender la falta de seguridad en su éxito.

En la versión extensa que se ha estrenado aquí, se combinan dos casos policiales, uno oficial y otro que interesa de manera más personal al protagonista. Paradójicamente, en lugar de que uno enriquezca al otro o lo haga resonar o que el conjunto se complique y crezca, la combinación de ambas tramas da como resultado la pérdida de interés acerca de cualquiera de ellas. Por ejemplo, mientras el detective David Robicheaux (Tommy Lee Jones) trata de esclarecer el asunto, a los espectadores se nos distrae con comportamientos absurdos de un actor estúpido con el que el investigador ha de ejercer de niñera y que ni siquiera interesan como retrato de una profesión en la que el ego puede provocar la pérdida de la cordura. La película está tan descentrada que es fácil desconectar y posteriormente nada te atrapa de nuevo.

El tono más europeo que podría tener el film —no olvidemos que es franco-estadounidense y que está dirigida por Tavernier— tendría que llevarnos a un retrato profundo de personajes, a una observación psicológica y una creación de atmósferas —esa bruma («mist») que desempeña un importante papel y que no entiendo por qué se ha traducido pro «tormenta»— que la elevasen por encima de cualquier otro film o capítulo televisivo en el que se resuelve un caso de asesinato. Sin embargo, nada de esto se logra en ‘En el centro de la tormenta’, a mi parecer.

La inclusión de las visiones de los confederados que tiene el protagonista y que parece estar ya en la novela en la que se basa la cinta, podría ser el elemento que le diese esa originalidad y esa diferenciación de las que carece. No obstante, estos momentos no se llegan a integrar con el tono general del film y no cumplen su función de completar el retrato del personaje o de aumentar la importancia a la cuestión del pasado que se está tratando. Encuentro que estos sueños pueden ser una buena idea sobre el papel, pero no creo que estén bien llevados a cabo.

Considero una opción loable que, de la novela que un autor desea adaptar, prefiera la atmósfera o el tipo de personajes que lo que sucede. Sin embargo, si se descuida o desdeña demasiado lo que se cuenta, se corre el riesgo de perder incluso aquello, más profundo, que sí interesaba.

En diciembre publicó Alberto Abuin una crítica positiva acerca de este film. Las cualidades que menciona las encuentro en la concepción de la película, en sus intenciones, en la teoría. Pero no veo que lleguen a plasmarse o que los mecanismos empleados para buscarlas funcionen. Entiendo que el percibirlas como logradas puede ser una cuestión más individual y que, por lo tanto, las dos opiniones tienen cabida como complementarias. ‘En el centro de la tormenta’, más que un film defectuoso —nada puede reprocharse a la intervención de Tommy Lee Jones o a las del resto del elenco—, es una cinta que no llega a ser todo lo que busca ser. Quizá se trata de un intento demasiado ambicioso que no ha alcanzado todo lo que se proponía, quizá es un enfoque confuso sobre un tema demasiado amplio.

Mi puntuación:

En Amazon USA —paradisíaco lugar para todo cinéfilo hasta que tienes un problema con ellos y se convierten en tu peor pesadilla— puede adquirirse el DVD de ‘En el centro de la tormenta’ (‘In the Electric Mist’, Bertrand Tavernier, 2008), película que debería haber llegado la semana pasada a nuestras carteleras, pero por motivos probablemente lejanos a la lógica o la compresión humana, finalmente no ha sido así. Que una película de hace ya dos años, con un actor muy famoso en su reparto, y enmarcada dentro del género del thriller, tarde tanto en estrenarse aquí, indica cómo está el panorama de la distribución cinematográfica en éstas nuestras culturales tierras.

No obstante, no hemos sido el único país al que de momento parece negársele el derecho al estreno cinematográfico de la penúltima película del siempre interesante Bertrand Tavernier. En los Estados Unidos salió directamente al mercado del DVD, en este caso debidas a las discrepancias entre su director y el productor de la cinta, Michael Fitzgerald, por cuanto el primero deseaba un film mucho más personal que el que salió en ese montaje americano. En nuestro país tendremos la suerte, o no, de ver la versión de su director, y cuyas diferencias radican en el montaje de algunas escenas y en unos 15 minutos más de metraje. Servidor es la que ha visto, y lo cierto es que deja con ganas de ver la excelente película que se vislumbra en sus imágenes.

El argumento nos lleva a Louisiana donde el detective David Robicheaux —ya interpretado con anterioridad por Alec Baldwin en la pasable ‘Prisioneros del cielo’ (‘Heaven´s Prisoners’, Phil Joanou, 1996)— investiga la muerte de varias jóvenes. Un día mientras lleva detenido a un famoso actor, que se encuentra en el lugar debido al rodaje de una película, por conducir borracho, éste le indica que ha visto en una ciénaga el cadáver de un hombre negro encadenado. Dicho descubrimiento despertará fantasmas del pasado, y es precisamente ese punto el que más le interesa a Tavernier quien, como conocedor del film noir, sabe perfectamente que los menos importante es el caso. Tal y como mandan los cánones del género, el caso de ‘En el centro de la tormenta’ termina siendo algo secundario.

Precisamente en la versión que yo vi se refuerza el lado del thriller. Quizá por el temor de su productor a que el espectador habitual, acostumbrado a tragarse el cine como si fuera una hamburguesa, se decidió subrayar todo aquello que tenga que ver con el aparente típico caso de serial killer que investiga Robincheaux. Aún con todo —la operación consistió en alterar el ritmo que Tavernier aplica al relato, a base de planos secuencia en los que después insertan otros planos y alterar un poco el final— no son capaces de estropear la labor de un director que apoya una trama policial de cierto interés con apuntes que llevan al film más allá de lo que parece. El retrato de personajes se alza como principal baza de una historia en la que a través de algo tan horrible como un asesinato se nos habla de cosas tan importantes como la memoria y la historia.

Será precisamente la relación entre los asesinatos actuales de chicas y el cuerpo hallado en la ciénaga, lo que revele la importancia en la vida del pasado que nos marca, que prácticamente nos convierte en lo que somos. Para ello Tavernier jugueteará con el fantastique, cuando se introducen en la historia la figura de un fantasma que no es otro que el general confederado John Bell Hood —inquietante Levon Helm—, relacionando presente y pasado, hurgando en la memoria de Robincheaux y de paso en la propia memoria del país. De esa forma, el director presta mucha atención al paisaje, al lugar por el que deambulan personajes si cabe menos importantes que el lugar que pisan. Tavernier retrata una Louisiana, con referencia al Katrina incluida, nada agradable ni segura, pero al mismo tiempo atrayente y fascinante. Encaja a la perfección un Tommy Lee Jones, que con su pétreo rostro parece indicar que pertenece al lugar desde hace más tiempo del que se pensaba.

Tal vez ‘En el centro de la tormenta’ no se encuentre entre lo mejor de Tavernier —servidor siente predilección por ‘La muerte en directo’ (‘La mort en direct’, 1980) y ‘Alrededor de la medianoche’ (‘Round Midnight’, 1986)—, sobre todo cuando una historia que no necesita convenciones ni concesiones cae, en su parte final y por los motivos antes explicados, en ciertas concesiones que casi parece una tomadura de pelo, sobre todo aquella que remite directamente al final de ‘El resplandor’ (‘The Shining’, Stanley Kubrick, 1980), pero finalmente se erige como una de las propuestas más interesantes del presente año que ya termina, aunque no se haya estrenado finalmente. Y atención a cómo maneja Tavernier la música, arte de suma importancia en la zona donde se desarrolla la historia, vistiendo a sus habitantes como una característica más de sus personalidades.

El cine social, las más de las veces (para qué vamos a engañarnos), es un panfleto que juega al adoctrinamiento y que se reviste de un carácter ilustrativo para dar más alcance a su discurso. También es un ejemplo de cine de escaso vuelo estético, como si las miserias de la vida cotidiana impidieran a los realizadores desarrollar un relato lírico, dinámico y personal, sometidos a una ilusoria servidumbre hacia la realidad, que en verdad es mucho más poética de lo que los conductistas y los materialistas pueden sospechar.

Por suerte, el francés Bertrand Tavernier no es uno de esos realizadores, y en su obra cumbre, ‘Hoy empieza todo’, da buena muestra de ello. Tavernier, un izquierdista muchas veces radical, era uno de los directores más odiados por los críticos de los principales diarios parisinos en los años noventa (ahora no tanto) y muchos de ellos acogieron este brutal retrato del tercermundismo galo con virulencia. No ocurrió así en el festival de Berlín en 1999, donde fue ovacionada, certamen en el que los aplausos parecen tan caros, pero que duraron más de treinta minutos tras el visionado de esta obra de arte.

‘Hoy empieza todo’ es, posiblemente, el filme más contestatario, subversivo, humanista en muchos años de cine. Viéndolo, sentimos en nuestro interior la energía necesaria para combatir la injusticia que campa a sus anchas por una sociedad amorfa, despiadada, demente. Pero, al mismo tiempo, y ese es su gran logro, posee un acento lírico arrollador, casi catártico, que impregna cada secuencia con una alegría casi desesperada de vivir, que es un concepto inherente a todo el cine de Tavernier, uno de esos directores fundamentales del cine europeo, un artista imperfecto pero generoso, sincero y apasionado.

El héroe: el director de un parvulario

Sólo puede describirse de una manera el comienzo de este relato: un zarpazo conmocionador. Nos situamos, de manera admirable, en una zona deprimida (social, cultural y económicamente) de la Auvernia francesa, en una de esas geografías donde la minería ha dado paso a la especulación, y donde esos miserables mitad tiburones mitad hienas, que llaman políticos, se aprovechan de la chusma para apropiarse del poder. Poblaciones como esa las hay en Francia por doquier, pero también en Inglaterra, y en España. Son lugares donde el trabajo duro ha dado paso a la inactividad, la desesperanza, la soledad, el alcohol, los piojos. Para Tavernier son los lugares más importantes de la Tierra, porque para Tavernier esa chusma, esa gente, es la que verdaderamente importa.

Enseguida conoceremos a nuestro protagonista, Daniel Lefebvre, un tipo trazado con manos de seda por el director Tavernier y el prodigioso intérprete (en el papel de su vida, y tiene muchos muy buenos) Philippe Torreton, un director de escuela y profesor al que no solo se le da muy bien su trabajo, sino que, a diferencia de la mayoría de funcionarios de ese gremio, actúa y se preocupa por sus alumnos y las familias de esos alumnos. No es un cruzado, ni se siente como tal, ocurre simplemente que su terquedad y su dignidad le impiden plegarse a las dificultades de los servicios sociales, a la incapacidad de los gobernantes. Es consciente de las dificultades por las que atraviesa la región, quizá porque su padre fue minero, y quizá porque su interés en la educación de los niños le acerca al drama real, no maquillado, de sus progenitores.

Pronto comprenderá que para conseguir algo en la Francia burocrática de los años noventa (y cómo será ahora…) ha de luchar mucho para no conseguir absolutamente nada, y que la despiadada maquinaria gubernamental es capaz de dejar sin luz ni calefacción (en pleno invierno) a familias con hijos pequeños cuando no pueden pagar la cuenta. Así es la vida, pero Lefebvre no es un tipo cualquiera, su pensamiento es al mismo tiempo realista y elevado, y sus poemas (que oiremos a menudo con su voz en off, a la manera de pensamientos irreprimibles) muy elocuentes: “¿qué nos retiene aquí? ¿El amor? ¿La infancia?”

La infancia como bien supremo, y los profesores como guardianes mal pagados, maltratados, agotados, de ese bien supremo, que es la inocencia del mundo. Para Tavernier, no hay nada más importante, más valioso, y este poema pedagógico es un homenaje dedicado a ella. Mientras otros se dedican a contarnos tragedias sangrientas, este artista se dedica a trascender la zona más preciosa de nuestra existencia.

Una puesta en escena vigorosa, inolvidable

Al contrario que otros cineastas que parecen tener miedo de lo que están contando, la cámara de Tavernier, valiente y audaz, parece estar viva, siempre nerviosa y palpitante, como un huracán que nos arrastra, a menudo muy a pesar nuestro, a una vorágine de realidad. Es como si el realizador galo nos agarrase con elegancia del brazo y nos zambullese en la desolación que es el día a día de cualquier vecino, de cualquier barrio, en cualquier ciudad. “No hagas como si nada, no ignores la realidad, fíjate bien”, parece decir su cámara, de una fluidez y una contención (en medio de tanto drama) en verdad portentosos.

Mientras otros directores despreciables (a todos se nos ocurren nombres, ¿no es cierto?) harían un espectáculo morboso y repugnante de tanto dolor, Tavernier se sirve de su infinita compasión y nobleza para acercarse a la pobreza, la delincuencia juvenil, los malos tratos, el aislamiento emocional. Hay que tener las ideas muy claras, y un par de huevos, para hacer las cosas así, y así de bien. Un ejemplo: en una de las mayores tragedias del relato, la cámara echa a correr con espanto acercándose a la catástrofe, la música (que aquí sería una profanación) está ausente, la mirada se pasea entre los cadáveres. Pocas veces un director ha tenido los redaños de mirar un horror tan real tan de frente.

Otro ejemplo: siendo los niños tan susceptibles con una cámara delante, y muchos maestros actores no profesionales, sino maestros de escuela, la cámara se introduce, con pulso documental pero vocación narrativa, en los meandros de la escuela, llegando a inmiscuirse, cruzarse y fundirse con la presencia de docenas de personajes, sin perder jamás el rumbo ni hacerse etérea. Realmente, estamos allí. Estamos cuando el director enseña a pensar a los niños y a formar palabras.

Conclusión

Obra de arte mayor, compulsiva, generosa, redentora, que debería hacer caer la cara de vergüenza a todos aquellos cineastas que en lugar de interesarse por el cine, y su capacidad de arrastre emocional y de certero documento de la condición humana, se dedican a la pornografía de la sangre por la sangre, o al morbo fácil del fotógrafo al que le es más natural la impostura que el dolor humano.

Las jornadas se suceden frenéticas en el epicentro cinematográfico de la actualidad. Cannes recibe nuevas estrellas y las películas a concurso van situándose en las distintas quinielas. En la jornada de hoy, cabe destacar el desembarco del cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu con ‘Biutiful’, muy esperada y que concursa en la Sección Oficial.

‘Biutiful’ ha suscitado opiniones encontradas, pero parece ser que todos han coincidido en una cosa: Javier Bardem es el favorito al mejor actor. La película descansa sobre su enorme trabajo interpretativo y ni siquiera los menos entusiastas con el resultado del film han dejado de elogiar su gran trabajo. Así que, todo hace indicar que Bardem volverá a demostrar su fuerza como actor y presenta su seria candidatura a triunfar en Cannes (e imaginamos que en el largo recorrido festivalero y de premios que le queda a ‘Biutiful’).

Por supuesto, Bardem atendió a la prensa y habló sobre su personaje, pero fue Iñárritu el que supo destacar el enorme esfuerzo realizado por el actor español afirmando incluso que:

Nunca vi a nadie invertir tanto de él mismo en un personaje.

Bardem, agradecido, no podía dejar escapar su elogio correspondiente:

Alejandro es uno de los más grandes directores de todos los tiempos

Godard ausente y Tavernier y Kitano decepcionantes

Pero hubo más presencias destacadas. Bueno, en realidad, ausencias. Porque el cineasta francés Jean-Luc Godard debía aparecer por Cannes ya que su film ‘Film Solialisme’ participaba en la sección Un certain regard, pero no acudió. Se le esperaba, y más cuando su cinta ha suscitado cierta polémica, pero dejó plantado a todos.

También se presentó el documental ‘Countdown to zero’, centrado en los peligros de armas nucleares que vino acompañada de ilustres celebridades para apoyarla, entre ellas la actriz en horas bajas Meg Ryan.

Asimismo, otro veterano del cine francés, Bertrand Tavernier presentaba película y sí estuvo presente. Pero a pesar de su expectación, la película ‘La princesa de Montpensier’ se presentaba fuera de concurso. Una cinta de capa y espadas que ha defraudado y mucho a los asistentes que la han calificado de sosa, decepcionante, tediosa y fría.

Por último, otra de las esperanzas en forma de autor de renombre que aterrizaban hoy por La Croissette es Takeshi Kitano. Llegaba con ‘Outrage’, una nueva historia yakuza llena de violencia que no ha gustado. Ha recordado a los momentos de sus trabajos más flojos y parece que su creatividad anda algo desgastada.

Pero no todo ha sido un bajón pesimista, ya que la cinta ‘Un hombre que grita’ de Mahamat-Saleh Haroun, y que representa a Chad, una cinematografía tan desconocida como escasa y pobre, pero que en un relato intimista y veraz ha logrado conmover, a pesar de sus precarios medios. Eficacia y dureza en una historia familiar en las que se denuncian las barbaridades cometidas por el gobierno.

Vía | Festival de Cannes
En Blogdecine | Cobertura diaria del Festival de Cannes 2010

Durante la cuarta jornada del Festival de Cannes 2010, se presentó, fuera de concurso, ‘You will meet a tall dark stranger’ («conocerás a un tipo alto y oscuro»), de Woody Allen. Para ello, el director neoyorquino de setenta y cuatro años, ofreció, junto con los miembros del equipo artístico de la película, una rueda de prensa.

De entre sus declaraciones, se podría destacar esta explicación sobre el comportamiento de los personajes de su nuevo film: «soy bastante pesimista, siempre lo he sido, incluso de niño. La vida es una experiencia pesadillesca: ¡la única forma de ser feliz es mintiéndote a ti mismo! Las únicas dos personas de mi película que son felices están completamente locas». Habló, asimismo, de la vejez, tema central de ‘You will meet a tall dark stranger’, cinta en la que un marido con miedo a envejecer abandona a su esposa: «Hacerse mayor en realidad no supone ninguna ventaja. No te haces más inteligente ni más generoso. ¡Mi consejo es evitarlo!»

Las críticas sobre lo último de Allen no han sido negativas, pero tampoco demasiado entusiastas. Da la sensación de que los asistentes a las proyecciones salieron satisfechos, pero no sorprendidos. Por lo que cuentan los siguientes críticos y según las sinopsis de la película, da la sensación de que ‘You will meet a tall dark stranger’ sea una nueva ‘Si la cosa funciona’.

Por ejemplo, el veredicto de Boyero, para El País es que «el cerebro de Woody Allen permanece sin sombra de esclerosis, tan afilado y potente como siempre. También su comprensión de todos los anhelos, miedos, miserias, engaños y grandezas de la condición humana». Una publicación francesa, presente en el festival, indica que la película se disfruta como comedia, pero en la parte negativa señala que «la intriga se percibe como artificial, aunque se trata de un cuento y como tal lo presenta Allen». En esta otra, comentan que «sus personajes huelen un poco a naftalina: los hemos visto y revisto en Allen», pero él «se divierte haciendo que sus personajes se muevan de manera anárquica».

‘Another Year’, de Mike Leigh

A competición dentro de la sección oficial se presentaba ‘Another Year’ («otro año»), del director británico Mike Leigh. Este film también se centra en la manera en la que asumimos la vida y tratamos a los demás a medida que nos hacemos mayores. Leigh sentenció en su rueda de prensa que «desgraciadamente, la película no ofrece ninguna solución, pero despierta el tipo de pensamientos, emociones y sentimientos que tenemos todos ante los obstáculos que nos plantea la vida».

La acogida de la prensa en la proyección de ‘Another Year’ no fue generosa en aplausos. La crítica de Boyero dice que «el equilibrio entre alegrías y tristezas, cuando pilla el claroscuro sus historias resultan tan veraces como conmovedoras […] Lo que ves y escuchas hace daño, logra que entiendas las razones y las circunstancias de toda esta gente para ser como son. Te emociona». Al igual que a la de Allen, muchos medios han calificado la última apuesta de Mike Leigh de «comedia triste» o «agridulce».

Otras proyecciones

La jornada de ayer se completó con la proyección de ‘Unter dir die stadt’ («Bajo la ciudad»), de Christoph Hochhäusler; y con ‘Kaboom’, de Gregg Araki.

Hoy se presentarán en la sección ‘Un Certain Regard’ («una cierta mirada»), ‘Hai shang chuan qi’ («ojalá supiera»), del realizador chino Jia Zhang-Ke. Se ofrecerá una proyección especial de ‘Over your cities grass will grow’ («crecerá hierba sobre vuestras ciudades»), de Sophie Fiennes.

La proyección estrella de esta noche será ‘La Princesse de Montpensier’, de Bertrand Tavernier, que entra en competición. Tavernier llevaba 20 años sin que sus films se entraran a concurso por la Palma de Oro. En esta ocasión, ha conseguido volver con un drama enfrascado en el corazón del siglo XVI, adaptación de una novela de Madame de La Fayette, cuya trama es la rivalidad exacerbada que existe entre los pretendientes de la rica heredera del reino. ‘La Princesse de Montpensier’ está protagonizado por Lambert Wilson, Mélanie Thierry, Gaspard Ulliel y Grégoire Leprince-Ringuet.

Cobertura diaria del Festival de Cannes 2010 en Blogdecine.

Vía | Página oficial del Festival de Cannes.

Camino

Se estrenó con polémica, pero ‘Camino‘ fue la mejor película española de 2008. Valentía a cargo de Javier Fesser para llevar a cabo un proyecto que no te deja indiferente. Se ofrece una edición especial con 2 DVD en el que podemos encontrar un sorprendete, para tratarse del cine español, audiocomentario de Javier Fesser, recopilatorio de escenas eliminadas, y un diario de rodaje a cargo de Jim Box, que es un interesante director de cortometrajes a seguir. Dicho esto, la película se debe ver, y además esta edición especial tiene un precio interesante.

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No soy muy fanático de este tipo de películas, a no ser que la propuesta alternativa de unos amigos, unas cervezas y una conversación distendida, de esas que si te pierdes algo de la película tan poco te importa mucho, sea tan sugerente como para sentarme a verla. Poco más que decir de una película, cuya misión es esa que comento con anterioridad. En el DVD nos encontramos con el audicomentario del director, obligatorio, pero pienso que en películas con más empaque, las escenas eliminadas, y un “sugerente”, para quien así lo piense, adentrándonos en el mundo de Harold y Kumar

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Happy, un cuento sobre la felicidad

Mike Leigh es un director con marca. Es aparecer su nombre en una película y sabes que hay un plus que otros directores no te ofrecen. Lo que pasa es que a pesar de saber eso, con esta película da un pequeño traspiés al compararla con sus obras anteriores. Es una comedia con su gracia, pero a Mike Leigh hay que pedirle algo más. Por el otro lado, el tema de la edición especial, que lo es porque contiene dos discos y unas entrevistas al director y a los actores en la segunda unidad. A veces me pregunto qué entienden las distribuidoras con eso de especial cuando éste se diferencia poco en contenidos adicionales de la normal. Misterios de la vida…

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Ken Loach: Initial series

El pack incluye las siguientes películas del director inglés: ‘Family Life‘ (1971), ‘El viento que agita la cebada‘ (2006), ‘Sólo un beso‘ (2004), ‘En un mundo libre…‘ (2007). Además, se acompañan del filme ‘Carry on Ken’ (2006), un documental que rinde tributo a toda su trayectoria, justo en su setenta aniversario. De Ken Loach, podemos decir que es el cronista social del Reino Unido, y abanderado del Free Cinema. Pero la cuestión es preguntarse cuál es la razón del nombre del pack, cuando en esa serie inicial encontramos tres de las últimas películas realizadas por Loach. ‘Family Life’ es la única que responde a la idea de descubrir a este director, que llamó y gustó bastante la atención en su estreno. ¿El resto? Pues dados a escoger, uno hubiera seleccionado otras obras.

Los niños de Huang Shi

Hubiera funcionado mejor como serie de televisión que como película. Lo que ves te sabe a poco, además de aburrirte bastante. La edición especial en DVD tiene el aliciente como contenido extra de las entrevistas a los “verdaderos” niños de Huang Shi supervivientes. Vamos, el gancho perfecto.

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• ‘Los Niños de Huang Shi’, torpe recreación de una historia real

Max Payne

Basada en el videojuego del mismo nombre, es de esas películas con la que únicamente acumulas bostezo tras bostezo. El DVD incluye la novela gráfica. Perfecto, pero me pregunto, ¿para este viaje son necesarias las alforjas? Bajo vuestra responsabilidad.

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• ‘Max Payne’, entre tontos anda el juego

• ‘Max Payne’, la bala lenta que no llega a su objetivo

Reflejos

Producto de consumo rápido, tan rápido que al cabo de las horas te has olvidado de él con facilidad. Conviene preguntarse que espera del cine supuestamente de terror hoy en día. Al menos, y eso es lo cierto, los asiáticos se lo curran mejor a la hora de los planteamientos, a pesar de los defectos que incluyen sus películas. Aquí se aprovechan del agente de 24, Kiefer Sutherland, para explotar comercialmente la película. Lo malo es que el actor hace tiempo que se olvidó lo que era actuar. ¿Los extras del DVD? Buscarlos bien, porque cuesta encontrarlos.

Críticas en blogdecine:

• ‘Reflejos’, al otro lado del espejo

La vida y nada más

Para el final queda Bertrand Tavernier. Gustará más o menos su obra , pero es lo poco apetecible de esta semana, y más cuando se trata de su primera obra maestra. Hay un pack de estreno con algunas de sus obras, pero aquí destacamos ‘La vida y nada más‘, que además se trata de una versión por su 20 aniversario, de necesaria recuperación. Nos cuenta como una bella y elegante mujer sigue intentando tener noticias de su marido, un militar desaparecido en el frente, dos años después de acabar la Primera Guerra Mundial. Desplazada al aún desolado lugar de los sangrientos combates, conoce al comandante Dellaplane, responsable de una sección del ejército francés encomendada a la búsqueda e identificación de víctimas del conflicto. Cuenta con la intervención del gran Phillipe Noiret y es una película de obligada visión.

Vía | Zona DVD

Ha pasado ya un año desde que supimos de la posibilidad de que Don Cheadle protagonizara un film sobre Miles Davis. Ahora por fin se confirma la noticia, con el añadido de que el actor también va a dirigir la película y participar en su producción.

El guión correrá a cargo de Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson, autores de varios biopics como Nixon, Ali y Copying Beethoven.

Don Cheadle no tiene experiencia de momento como director, pero espero que el haberse implicado tanto en este proyecto sea un sinónimo de que se lo toma como algo realmente importante y especial.

Miles Davis era un artista excepcional, un fuera de serie con una vida agitada que puede dar mucho juego. Pero al pensar en él todo es música y eso es, a mi parecer, lo que debería saber reflejar la película. Algo similar (por pedir que no quede) a lo que hizo Bertrand Tavernier en Alrededor de la Medianoche.

En cualquier caso ya estoy impaciente por ver el resultado. Mientras podemos deleitarnos con esta actuación que os dejo a continuación, de Miles Davis junto a John Coltrane interpretando “So What”.

Vía | Cinematical

La película estará basada en la obra ‘In The Mist with Confederate Dead’, escrita por James Lee Burke, también autor de la obra en la que se basó la antes mencionada ‘Prisioneros del Cielo’. En ella se narra el caso de un detective que tendrá que resolver un caso sobre un asesino en serie, y en el que tendrá algo que ver las apariciones fantasmales de soldados confederados muertos hace años en la Guerra Civil. Además de ver al excelente Tommy Lee Jones al frente del reparto, la película estará dirigida por Bertrand Tavernier, director francés autor de las fantásticas ‘La Muerte en Directo’ o ‘Alrededor de la Medianoche’, entre otras maravillas.

Vía | Comingsoon

El dueño de un taller de tuning que no consigue levantar el negocio y que es acosado por una inmobiliaria para que le venda el local, se desespera cuando ve que la empresa que constituía todos sus sueños, casi toda su vida, se ha incendiado. Por si fuera poco, al tratar de cobrar el seguro descubre que no lo podrá reclamar porque ha sido estafado.

“La semana que viene (sin falta)” es la frase que repite el protagonista a sus acreedores cuando quieren cobrar, a sus empleados cuando necesitan el sueldo ya atrasado desde hace varios meses, a su ex-mujer cuando le reclama la pensión, a su hijo cuando le recuerda que le había prometido un ordenador, a sus clientes cuando le solicitan el resultado de un encargo, a la Seguridad Social, a Hacienda…

Sin haber visto la película original, que estaba protagonizada por Vincent Lindon, me atrevo a aventurar que podría ser mejor, pues en la española hay buenos elementos de guión, pero todo se estropea por la falta de empatía con el protagonista y por lo débiles que parecen sus motivaciones. El personaje central, encarnado por Imanol Arias, es un hombre egoísta, autocompasivo, que cree que el mundo gira a su alrededor y piensa que sólo él tiene problemas. Cuando necesita que alguien le haga un favor o le ayude, trata a esas personas a base de insultos y malas maneras. Y todo esto aún antes de saber que ha sido estafado. Es un ignorante, pero no deja que los demás le hagan ver la realidad, cree que lo sabe todo. Cuando comienza la picaresca que planea, la identificación mejora, pero al principio, la empatía con el mecánico es muy difícil.

La motivación de no vender el local tampoco es comprensible. En la película se insiste en que, si vende, lo pierde todo, pierde la posibilidad de tener un negocio propio. Eso no es necesariamente así. Si está mal de dinero, podría acceder a la oferta de la inmobiliaria, comprar un local más alejado o más pequeño, pagar las deudas con la diferencia, y seguir con su negocio. Hacia el final se habla de que los locales los había construido su padre. Si hubieran dicho esto desde el principio, se entendería más su motivación sentimental. Pero, sin entenderse la motivación, no es posible identificarse con nada de la película porque vemos que la venta sería una solución mucho más inteligente y sencilla que las que él encuentra.

No funciona como cine social debido a que el perjuicio hacia el trabajador no proviene de una gran empresa o una multinacional maliciosa y explotadora, sino de otro pobre hombre. Al contrario: la aseguradora es la única que pone buena fe en todo el asunto. Por el mismo motivo (no detallo más para no estropear la sorpresa), toda la trama que centra a Imanol Arias, su familia y amigos, es un movimiento absurdo pues, si no lo hubieran hecho y se hubieran quedado en sus casas esperando, el resultado habría sido el mismo.

‘La semana que viene’ está rodada con tres cámaras de alta definición. El resultado no es malo, salvo por los momentos en los que el blanco domina la pantalla. En estas ocasiones, las masas de luz revientan demasiado y se hace, no sólo más patente que está grabado en vídeo, sino además, un poco molesto para la vista.

No obastante, el resultado general es bueno y la película puede ser una de las más entretenidas del cine español de la temporada.

Ahora mismo escucho un fragmento, mientras recuerdo la mirada acuosa de Dexter Gordon, en su papel de saxofonista alcohólico, que le valió una nominación al Oscar como mejor actor. Podría decirse que se interpretaba a si mismo, por los paralelismos entre su vida y la del personaje, de cualquier modo, hizo un trabajo excelente. También François Cluzet, dando vida a un dibujante sin recursos apasionado del jazz, y simbolizando en su relación con el músico, el verdadero significado de la amistad y la admiración.

Una película, con momentos musicales excelentes, fascinante, que atrapa desde el primer momento, con una historia sencilla que logra emocionar, por auténtica.

A todo esto ¿Por qué pensaba en cine y en jazz? Porque ya queda abierta la convocatoria para la segunda edición de Jazz Corto. Esta muestra internacional de cortometrajes relacionados con el mundo del jazz forma parte del Festival de Jazz de Galapagar, que se celebrará en Madrid los días 24,25 y 26 de junio. En la página web de la muestra se encuentran los plazos y requisitos para participar.

Para los que no se conformen con ver, escuchar y sentir, si no que también quieran aportar su granito de arena a esta conjunción que tan buenos resultados puede llegar a dar.