Qué alegría comprobar que ya queda menos para poder ver lo nuevo de Wes Anderson, casi dos años después del estreno en España de la divertida ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’, 2009). Aquí os dejo el primer tráiler de ‘Moonrise Kingdom’, el séptimo trabajo de este peculiar director, cuyo rodaje os adelanté en marzo del pasado año. El vídeo es exactamente lo que cabe esperar, dos minutos de situaciones y diálogos genuinos del universo creativo de Anderson, quien ha podido contar de nuevo con un reparto espectacular.

Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Jason Schwartzman, Jared Gilman y Kara Hayward, entre otros, protagonizan una película que han escrito Wes Anderson y Roman Coppola; por si fuera poco, Alexandre Desplat se encarga del score original. La historia de ‘Moonrise Kingdom’ está ambientada durante los años 60 en una localidad de Nueva Inglaterra, y gira en torno a dos chicos enamorados; cuando se ven obligados a huir juntos, lejos de quienes les rodean, todo el pueblo se moviliza para encontrarlos, destapando en el proceso viejos rencores y relaciones secretas. Llegará a los cines en el mes de mayo, al menos en Francia y EE.UU. ¿Qué os parece? tiene buena pinta, ¿no? Ya sé que no hay inmensas explosiones, coches volando por los aires, bobas supermodelos meneando el trasero ni tipos con abdominales perfectos luciéndose mientras dan puñetazos, pero oye, los raros también tenemos derecho a ver cine. Ya era hora.

PD: Murray ha intervenido en todas las películas de Anderson excepto en una, su opera prima, ‘Ladrón que roba a otro ladrón’ (‘Bottle Rocket’, 1996).

Cuando, hace algunas semanas, escribí el análisis de una de las comedias norteamericanas más desvergonzadas de los años ochenta, la divertidísima ‘Golpe en la pequeña China’ (‘Big Trouble in Little China’, John Carpenter, 1986), y lamenté su fracaso en taquilla (así como la ceguera por parte de muchos críticos), que tantos problemas posteriores le han proporcionado al bueno de Carpenter, saqué a colación dos cintas muy inferiores (sobre todo la segunda, que también se reía, pero sin la menor gracia, de misticismos orientales) que sí conocieron un grandioso y, para mí, significativo éxito: ‘Los cazafantasmas’ (‘Ghostbusters’, Ivan Reitman, 1984) y ‘El chico de oro’ (‘The Golden Child’, Michael Ritchie, 1986). Las nombré por ser también muy cercanas en el tiempo al filme de Carpenter, y por erigirse en iconos de lo comercial de esa década lamentable. Muchos lectores se echaron las manos a la cabeza: ¿cómo se atreve el ignorante de Massanet a vilipendiar públicamente una de las películas de nuestra infancia? Aunque probablemente nadie me crea, mi intención sólo era la de establecer un paralelismo entre algunas películas y un sucinto bosquejo de la incontestable degradación del cine de aventuras que se llevaba a cabo por parte de directores, críticos y público.

Pero recojo el guante, ya que no pocos pidieron que argumentara mis ideas sobre ‘Los cazafantasmas’, una película que ya era vieja cuando nació, y hoy, después de un cuarto de siglo largo desde su estreno, lo es mucho más. En realidad, me da la sensación, es algo casi buscado o pretendido, cuando no una desgana o una desidia: la única motivación para hacer esta película es la de hacer grandes cantidades de dinero. Para eso está diseñada, orquestada y vendida. De modo que toca volver al viejo debate de si el cine comercial es necesariamente malo o despreciable. Yo creo que no. No es perjudicial (para nuestras neuronas) por definición que una película haga mucho dinero en los cines de todo el mundo. Lo que sí es al menos sospechoso, cuando no degradante, son ciertas estrategias comerciales muy descaradas, como es el caso que nos ocupa, elaborada para no molestar a nadie, absolutamente inocua y trivial, con caros y luminosos efectos especiales, que salta, con muy poca fortuna, del terreno de la comedia bufa al de la comedia romántica, de ahí, al terror sobrenatural, de ahí, a la sci-fi más chabacana, de ahí al fantastique más ramplón… No vaya a ser que se quede algún género sin tocar.

Tanto es así, que yo no sabría como definirla. Es cierto que los géneros no son más que etiquetas comerciales, diseñadas para que el espectador establezca unos gustos muchas veces basados en lugares comunes, lugares comunes que luego todos despreciamos. Pero pocas veces como en el caso de ‘Los cazafantasmas’ nos encontramos con un producto tan ávido de atraer a todo tipo de espectador, con tal de engordar las cifras de venta. Y debido a ello se resiente muchísimo un relato que avanza a trompicones (por decir algo suave), que sufre de recalcitrantes bandazos de tono y de ritmo (y careciendo por ello de cualquier tono y del menor ritmo), y que quiere ser un gran espectáculo pero que, debido a las limitaciones visuales del director Ivan Reitman, más parece un carísimo telefilme de sobremesa que una grandiosa aventura destinada a maravillarnos con imágenes poderosas. Ni siquiera su pretendido “grand finale”, con el cuarteto protagonista luchando denodadamente contra todo tipo de dioses y monstruos descabellados, alcanza una mínima parte de la espectacularidad pretendida, por absoluta torpeza en la planificación y un infantiloide sentido de la acción y la aventura.

Cuatro colegas haciendo cine

La cosa se aclara bastante cuando se sabe que el objetivo inicial era un vehículo de lucimiento para Dan Aykroyd (en teoría, fascinado con lo paranormal…) y John Belushi, que ya habían hecho algo parecido en ‘Granujas a todo ritmo’ (‘The Blues Brothers’, John Landis, 1980). Belushi moría en 1982, y al proyecto se unía el cineasta Ivan Reitman, que exigía algunos cambios en el guión, pero al final bien parece (porque lo es), una reunión de antiguos colegas del show ‘Saturday Night Live’ jugando a exterminadores de fantasmas, más algunos añadidos como Sigourney Weaver, que parece estar en otra película gran parte del metraje. Otros antiguos colaboradores de aquel show que todavía perdura, como Chevy Chase o John Candy, fueron considerados para algún papel, mientras que para el cuarto miembro del grupo, se llegó a considerar a Eddie Murphy en lugar del casi desconocido actor afroamericano Ernie Hudson. Así las cosas a nadie le puede sorprender la sensación de colegueo y de gran vulgaridad que desprenden las imágenes del filme.

Ni siquiera el siempre estimulante Bill Murray consigue hacer algo decente. Porque, ¿de todos los chistes y diálogos supuestamente chispeantes, hay alguno realmente bueno?. De todas las escenas de acción y aventura, ¿hay alguna destacable y que esté realmente bien rodada?. Y en cuanto al terror que algunas imágenes de fantasmas o demonios que se pasean por sus imágenes, ¿hay alguna realmente inquietante o perturbadora? Como entretenimiento para pasar el rato, supongo que puede funcionar, pero no consigue absolutamente nada de todo lo que busca provocar en el espectador. Ni comicidad, ni terror, ni intensidad. Imposible defender una película en la que no conectas con ninguno de sus estrafalarios personajes, que bien podrían estar en un episodio del ‘SNL’ (cantera de algunos de los mejores, pero también de los peores cómicos norteamericanos de las últimas décadas…) antes que en una supuesta gran película de aventuras. Los actores parecen estar de vacaciones y cada uno dirigido por su lado, en lugar de en un reparto cohesionado y sólido. Parece como si no se creyeran lo que están interpretando.

Para acabar de rematar la mediocridad de la cinta, el espantoso diseño de producción de John DeCuir, llevado a cabo con un mal gusto y una inapetencia indescriptibles, arruina la bastante inteligente fotografía del gran László Kovács, que proponía unos claroscuros de gran alcance anímico, y un vibrante colorido que buscaba una cierta expresividad, pero todo queda al final en un cómic tosco, blandengue. Eso sí, en un aspect ratio de 2.20:1. Y con copias en 70 mm. Por otro lado, la hábil música del no menos grande Elmer Bernstein, que crea algunas texturas sobrenaturales muy interesantes, se ve eclipsada por el horrible y comercial tema, archiconocido por todos, de Ray Parker Jr., machacón y pegadizo como pocos, que a día de hoy permanece como una de las canciones más famosas (y peores) de toda la historia del cine. El año 1984 conoció varias grandes películas, que merecen una nostalgia y un cariño por parte de los cinéfilos, bajo mi punto de vista, mucho mayor que este ‘Los cazafantasmas’.

Conclusión y, ¿algo salvable?

Sin llegar a los paupérrimos niveles de ‘El chico de oro’, esta cinta no es más que un producto para adolescentes que, a día de hoy, ya no se sostiene por ninguna parte. No tengo nada contra el cine de aventuras y comercial, más bien todo lo contrario. Pero es importante convenir en que el cine de aventuras no implica necesariamente tosquedad en las formas, ni desidia en el ritmo o el tono. En realidad, el cine de género es una buena excusa para que cineastas de fuste (Reitman nunca lo fue) hagan cine grande, no ya en lo escenográfico y superficial, sino en la composición de la materia que están filmando. Que se lo pregunten al maestro Carpenter. ¿Algo salvable? La música de Bernstein y la fotografía de Kovács, ya comentadas. El diseño de sonido, bastante ingenioso. Poco más.

Espero que haya lectores a los que les alegre esta noticia tanto como a mí. Wes Anderson ya tiene a punto su nuevo proyecto, titulado ‘Moonrise Kingdom’; el rodaje comenzará esta misma primavera y está previsto que termine antes del verano. Recientemente se ha confirmado que el cineasta estadounidense podrá contar en su séptimo largometraje con un espectacular reparto encabezado por Bill Murray, Bruce Willis, Tilda Swinton, Edward Norton, Frances McDormand y Jason Schwartzman, entre otros. Raro que no esté ahí ningún Wilson, pero aún hay tiempo, al menos para un cameo.

Será la sexta ocasión en la que Anderson cuente con Murray (ambos en la foto de arriba), tras colaborar en ‘Acamedia Rushmore’ (‘Rushmore’, 1998), ‘Los Tenenbaums’ (‘The Royal Tenenbaums’, 2001), ‘Life Aquatic’ (‘The Life Aquatic with Steve Zissou’, 2004), ‘Viaje a Darjeeling’ (‘The Darjeeling Limited’, 2007) y ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’, 2009), el último trabajo del realizador. La única vez que no coincidieron fue en el debut de Anderson, ‘Ladrón que roba a otro ladrón’ (‘Bottle Rocket’, 1996), probablemente porque aún no se conocían.

El guion de ‘Moonrise Kingdom’ lo han escrito Roman Coppola y el propio Wes Anderson (el segundo que escriben tras el de ‘Viaje a Darjeeling’). La historia de la película está ambientada en los años 60 y presenta la huida de dos jóvenes amantes de su pueblo natal, provocando que sus familiares y amigos se lancen a buscarlos. Al parecer, la aventura expondrá viejos rencores y ocultas relaciones románticas entre varios de los personajes que emprenden la búsqueda. Por el momento no hay fecha de estreno. Maldición.

PD: Schwartzmann también puede considerarse un habitual de Anderson, previamente colaboraron en ‘Academia Rushmore’, ‘Viaje a Darjeeling’ y ‘Fantástico Sr. Fox’.

Vía | /Film

Por fin podemos echar un vistazo al primer cartel de ‘Passion Play’, una película que había caído en el olvido pese a contar con un llamativo elenco protagonista. Al parecer, no tuvo suerte en el festival de Toronto (septiembre de 2010) donde recibió malas críticas, perjudicando sus posibilidades de distribución; finalmente, tras meses en el limbo, se confirma que saldrá a la venta en DVD el próximo 31 de mayo, tras un estreno limitado en un par de cines de Nueva York y Los Ángeles. Triste desenlace para una producción de la que todavía no tenemos ni un mísero tráiler (hay una escena circulando por la red desde hace tiempo).

Escrita y dirigida por el debutante Mitch Glazer, la historia de ‘Passion Play’ gira en torno a un trompetista sin fortuna que se mete en buen lío tras liberar a una chica de las garras de un despiadado gangster. Mickey Rourke interpreta al músico, Megan Fox a la muchacha (descrita como una atracción de circo, una “freak”) y Bill Murray al mafioso. Rhys Ifans, Kelly Lynch, Jerry Sawyers y Rory Cochrane, entre otros, completan el reparto principal de un drama con sabor a cine negro que posiblemente tampoco llegue a nuestras carteleras. Y sin embargo, se estrenan cosas como ‘Esa abuela es mi padre’ (‘Big mommas: Like father, like son’). Misterios de este negocio. Por cierto, ojo con la señorita Fox, de estrella a gafe comercial; la moraleja: no menosprecies a Michael Bay.

PD: Glazer participó en los guiones de ‘Los fantasmas atacan al jefe’ (‘Scrooged’, 1988), ‘Grandes esperanzas’ (‘Great Expectations’, 1998) y ‘La prueba’ (‘The Recruit’, 2003), entre otros.

Vía | EntertainmentWeekly

¡Una película donde los protagonistas tienen más de 30 años! Vaya, y además resultan ser Robert Duvall, Sissy Spacek y Bill Murray. Nada mal, ¿eh?, a mí me parecen razones más que suficientes para interesarse por ‘Get Low’, el debut del director Aaron Schneider (ganador de un Oscar en 2003 por el cortometraje ‘Two Soldiers’). Arriba tenéis el cartel y abajo el tráiler, que la verdad es que pinta bastante bien. Dicho esto, os recuerdo que Adrián vio la película en el Festival de San Sebastián y la calificó de muy previsible, salvando sólo la participación de Duvall y Spacek.

Escrita por Chris Provenzano y C. Gaby Mitchell a partir de hechos reales, ‘Get Low’ gira en torno a Felix Bush, un hombre viejo que decide que ya es hora de planificar su funeral. Sin embargo, el evento será algo fuera de lo común ya que Felix quiere estar vivo cuando se celebre y que en lugar de ser algo triste se parezca más a una fiesta; su intención es reunir a mucha gente y confesar un secreto que ha guardado durante demasiado tiempo. Lucas Black, Gerald McRaney, Andrea Powell, Bill Cobbs y Scott Cooper acompañan a Duvall, Spacek y Murray al frente del reparto. La fecha del estreno en EE.UU. es el próximo 30 de julio; esperemos que no tarde mucho más en caer por aquí.

PD: ¿Cuánto van a seguir esperando para darle un Oscar a Murray?

Vía | Impawards

-Sr. Fox: “¿Por qué un zorro? ¿Por qué no un caballo, un escarabajo, o un águila? Lo pregunto más como algo existencialista, ya sabes. ¿Quién soy? ¿Y cómo puede ser feliz un zorro sin, perdóname la expresión, un pollo entre sus dientes?

-Kylie: “No sé de qué estás hablando, pero suena ilegal”.

Tras un retraso considerable, por fin llegará a nuestras pantallas el próximo viernes ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’), escrita y dirigida por Wes Anderson. Tras cuatro películas basadas en ideas originales (tres de ellas co-escritas con Owen Wilson), el cineasta estadounidense optó por adaptar un relato ajeno, uno de los cuentos más populares de Roald Dahl (editado en nuestro país bajo el título de ‘El superzorro’), sobre un zorro muy listo que debe enfrentarse a tres granjeros, lo que le obligaba también a emprender su primer trabajo animado.

Puestos a tirarse a la piscina, Anderson lo hizo a lo grande, eligiendo la artesanal, complicada y lenta técnica del stop-motion, una decisión que le trajo más de un problema (el especialista Henry Selick le abandonó para trabajar en ‘Coraline’, y uno de los técnicos le acusó públicamente de no estar nunca en el set y no tener ni idea de animación), pero que finalmente, viendo el resultado, se revela como un enorme acierto, especialmente ahora que casi todo se tiene que hacer por ordenador (hay aquí escenas “trucadas” de esa forma, pero ya me entendéis), se expande la locura del 3D y el público, o buena parte de él, echa de menos algo más tradicional. Las críticas han sido muy positivas y aunque sea lo de menos, cabe señalar que ‘Fantástico Sr. Fox’ fue una de las cinco nominadas al Oscar a la mejor película animada (premio que se llevó justamente ‘Up’), siendo también finalista la estupenda banda sonora de Alexandre Desplat.

Una adaptación trabajada y personal

El cuento infantil de Roald Dahl, que con una letra muy grande y muchas ilustraciones llega a las 150 páginas, gira en torno a un zorro y tres granjeros, a los que el animal roba constantemente (para alimentar a los suyos, desde luego). Un día los tres hombres deciden unir sus fuerzas y acabar de una vez por todas con el zorro y su familia, tras descubrir el árbol bajo el que viven. Poco más hay en el relato de Dahl, y esto lo toma Anderson no sólo para trasladarlo a su terreno sino también para extenderlo considerablemente, dando como resultado una película completamente suya de unos noventa minutos.

La base de la historia sigue siendo la misma, casi todo lo que sucede en la obra original pasa también en la película, y por supuesto los animales están ahí, tal y como los imaginó Dahl, pero Anderson, con la ayuda de Noah Baumbach (con quien ya había trabajado en ‘Life Aquatic’), les inventa un pasado, los dota de una mayor personalidad, los hace más contradictorios, y los lleva por un camino diferente, ya que la película no termina donde lo hace el libro, lo que se agradece muchísimo, pudiendo haberse conformado simplemente con añadir algún detalle personal y dejar todo lo demás tal y como estaba. De hecho, se ha incluido demasiada trama nueva, siendo uno de los defectos de un film en general muy entretenido, fresco, atípico.

Desde la primera escena, uno comprende varias cosas; que esto se lo han tomado muy en serio, que no se está ante una película corriente y que la firma Wes Anderson. Todo arranca con un libro que se abre, y siendo la adaptación de un cuento es algo comprensible, pero hay que decir que así es justo como comienza ‘Los Tenembaum’ (lo mejor de este realizador hasta el momento), para luego mostrar al protagonista mascando una ramita y escuchando música, apoyado en el tronco de un árbol mientras espera a su novia. Tras unos diálogos rápidos marca de la casa, se lanzan a robar comida y en el intento quedan atrapados, momento en el que ella aprovecha para confesar que está embarazada; la cara del zorro os la podéis imaginar. Años después (más para los animales que para los humanos), ya tenemos la clásica familia disfuncional del cine de Anderson.

Familia y amigos del irresponsable señor Zorro

Aun con aspecto de zorro, el protagonista (con la voz de George Clooney) es el mismo personaje inmaduro de las anteriores películas del director, el mismo adulto egoísta, excéntrico y torpe con su familia, que debe afrontar sus fracasos, hacerse cargo de sus responsabilidades y emprender un cambio antes de que sea demasiado tarde y se quede solo el resto de sus días. Está la esposa, Felicity (voz de Meryl Streep), comprensiva pero responsable, que aguanta como mejor puede el comportamiento de su marido, no sólo por amor sino también probablemente porque se siente culpable por haberle despertado de su sueño de juventud eterna, pero que en un momento dado deberá obligarle a elegir: o ella (y su familia) o la puerta, donde puede seguir con sus juegos.

Por otro lado están los vástagos, quienes sufren por las expectativas de su padre y crecen amargados, no perdonando fácilmente a quien les forzó a pelear para conseguir una vida que realmente no deseaban (sigo hablando del cine de Anderson, si bien esto lo habrá vivido más de uno en sus propias carnes). En ‘Fantástico Sr. Zorro’ tenemos a dos pequeños compartiendo el mismo techo, aunque sólo uno es hijo de los zorros (Jason Schwartzman), el otro es un sobrino que debe quedarse con ellos (Eric Anderson, hermano del director); mientras que el primero intenta llamar la atención de su padre pero no hace más que meter la pata, enfadarse y aislarse, el segundo es justo lo que deseaba el Sr. Fox, un atleta que le puede acompañar en los robos, pero claro, no es su hijo.

Puede que Anderson descuidara el trabajado en el set, que no entendiera bien cómo funciona el “stop-motion” y que reciba más mérito del que merece por el magnífico resultado final, pero lo que es indudable es que la película funciona, que el guión, aun partiendo de lo escrito por Roald Dahl, es completamente suyo, y que supo cuidar las voces de sus personajes, consiguiendo para ello un reparto envidiable en el que figuran, además de los ya mencionados, Bill Murray, Michael Gambon, Willem Dafoe, Owen Wilson, Brian Cox y Adrien Brody, entre otros. Una película de precioso acabado, entretenidísima y recomendable tanto para los niños (sigue siendo un cuento protagonizado por zorros) como para los adultos (que pillarán alguna broma más). Se queda en la memoria, o quizá sólo si te encantan los animales.

Después de tantas ideas y venidas, de si aquel la produce, de si el otro la escribe, y demás vainas que se tantean cuando un proyecto de estas características sale a la luz, al final ha surgido lo inevitable. ‘Ghostbusters III’, o lo que es lo mismo ‘Los cazafantasmas 3’ —como aquí la titulen de otra forma me da algo—, será dirigida por Ivan Reitman, el mismo responsable de las anteriores entregas, que recordemos ha dejado un buen montón de dinero en las arcas de la Columbia. Nunca le cogí el gustillo a ambos films, pero es innegable que marcaron toda una época, y el hecho de que ahora continúen con la saga es una noticia que alegrará a un montón de gente.

‘Los cazafantasmas 3’ ya tiene asegurado a la mayor parte del reparto de las dos entregas anteriores, o sea, Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson. La gran Sigourney Weaver y Rick Moranis —en la foto— aún no han confirmado su participación en el film, pero sería un enorme placer —sobre todo para un servidor— el contar con la presencia de esa maravillosa actriz, a la que a este paso nunca darán un Oscar, y menos por esta película. Aunque claro, si a don Alfred Hitchock jamás le dieron uno, ¿por qué se lo iban dar a ella, no?

Sí, esta entrada es en realidad para reivindicar a una gran actriz, ¿qué pasa, no puedo?

Vía | Comingsoon

“¿Veis? Es que no puedes fiarte de nadie. La primera chica a la que dejo entrar en mi vida, e intenta comerme”.

Columbus

‘Zombieland’, o ‘Bienvenidos a Zombieland’ (tontería de título), es la ópera prima del realizador Ruben Fleischer, hasta ahora dedicado a los videoclips y los anuncios publicitarios, algo que queda patente desde el principio de su primer trabajo para el cine, con unos fantásticos títulos de crédito (que recuerdan muchísimo a los de ‘Watchmen’, del también “videoclipero” Zack Snyder). Antes de estrenarse en salas comerciales, el pasado 25 de diciembre, la película se proyectó en el Festival de Sitges 2009, donde recibió mucha promoción (incluso repartieron camisetas) y logró el premio del público, que alucinó con una oferta del estilo de la sobrevalorada ‘Zombies Party’ (‘Shaun of the Dead’, 2004).

En realidad, más allá de tratarse de una comedia con zombies, la película de Fleischer no se parece prácticamente en nada a la de Edgar Wright. Como bien ha declarado el primero en varias entrevistas (se ve que mucha gente sólo ha visto una comedia de muertos vivientes), las dos nacen en países diferentes, con una mentalidad, un humor y un estilo de vida diferentes. Pero también, podemos añadir, es distinta la realización y la idea del público al que va destinado. En otras palabras, no se podría hacer ‘Bienvenidos a Zombieland’ en otro sitio que no fuera Estados Unidos. Y esto para bien y para mal.

La película arranca con un plano de la bandera norteamericana boca abajo, mientras suena, a través de un aparato roto, el himno nacional. Un agresivo zombie aparece, ataca al cámara, lo mordisquea un poco y eructa. Es el primer chiste de ‘Bienvenidos a Zombieland’. Acto seguido, siempre con la narración en off de Columbus, el protagonista principal de la historia (interpretado por un divertido Jesse Eisenberg), se nos muestra cómo los muertos vivientes se han ido merendando a toda la población. Mientras vemos imágenes de ataques, mordiscos, etc., Columbus nos va exponiendo los mejores consejos para sobrevivir en los Estados Unidos de Zombieland.

Acabada la introducción y los títulos de crédito (al ritmo de Metallica), comienza propiamente la película. Sin embargo, la historia es tan sencillita, y a Fleischer le puede tanto su origen publicitario, que no deja de interrumpir la acción para volver a incluir pequeñas piezas de ataques de zombies. En este sentido, hay un cierto caos estructural que perjudica la narración, dando la impresión de que no se ha trabajado todo lo que debería el guión, para llegar a un bloque sólido. No tiene demasiado sentido usar el principio de la película para empezar a enumerar reglas de supervivencia, si luego las vas a ir repitiendo a lo largo de la historia. Quizá lo mejor habría sido empezar con uno de los mejores flashbacks, si no el mejor, que protagoniza Columbus; es el que aparece en la segunda imagen de este texto, y al que pertenece la cita que he copiado al principio, una escena fantástica que combina a la perfección el terror con la comedia. Lástima que toda la película no esté al mismo nivel.

En cualquier caso, la comedia, salpicada con acertados toques de terror (menos de lo deseable), funciona bien durante la primera mitad gracias sobre todo a que Columbus resulta simpático (es una especie de joven Woody Allen, un neurótico “geek” moderno) y que, en su intento de encontrar una zona a salvo de zombies, se encuentra con Tallahassee (un gran Woody Harrelson), otro de los protagonistas, el típico tipo duro norteamericano, tontorrón y loco por las armas, con look de vaquero. La película alcanza la cima cuando la extraña pareja es el centro de la historia; se complementan muy bien y dan pie a muchos momentos cómicos. Luego llegan las chicas y el barco empieza a hundirse.

No desde que aparecen. Porque la presentación de las dos hermanas (correctas Emma Stone y Abigail Breslin) es magnífica. Un tanto incoherente cuando lo piensas (no sólo porque no tienen pinta de sobrevivir ni un día en semejante escenario, sino porque no queda muy claro qué hacían allí exactamente, ¿esperar a que llegara alguien?), pero eficaz, con un giro que por más que se vea venir, no deja de ser muy divertido. Sin embargo, las dos chicas cambiarán muy pronto de personalidad, y enseguida comienza el típico enamoramiento bobalicón del cine comercial norteamericano, el que tiene que haber siempre, porque si no parece que ningún productor pone dinero. Finalmente, la ñoña relación entre la jovencita cañón y el friki judío no hace más que estropear la película, llevándola a una dirección diferente, alejada del gozoso gamberrismo inicial.

En conclusión, como os dije desde Sitges, se agradece mucho encontrar una propuesta diferente en la cartelera, que intenta (aunque no lo consiga del todo) ofrecer algo fresco, un producto que se aleje de los tópicos. No sé por qué, el hecho de incluir a los zombies en la trama suele producir normalmente una película mala, o poco trabajada, cuya existencia se justifica en que hay un público, más o menos numeroso, deseoso de ver sangre y muertes grotescas en una pantalla. Al igual que en ‘Zombies Party’ o la magnífica ‘Amanecer de los muertos’, aquí no se usa al muerto viviente simplemente para crear escenas sangrientas o lucir maquillaje, sino que es un recurso, con sus posibilidades, dentro de una historia que no es simplemente morir o matar. Una pena que en Hollywood sólo piensen en el dinero, y nos cuelan un final vergonzoso pensando en la secuela. Ya está anunciada y dicen que será en 3D. Es lo que hay.

PD: El cameo, para enmarcar.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Bienvenidos a Zombieland’, los zombis como excusa

“Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido”.

Charlotte

‘Lost in Translation’ es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver ‘Lost in Translation’ cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia ‘Lost in Translation’ (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el “momento Suntory”. La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de ‘Lost in Translation’ sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla (‘Breve encuentro’ de David Lean, ‘Los puentes de Madison’ de Clint Eastwood o ‘Deseando amar’ de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

‘Bienvenidos a Zombieland’ bebe de otras comedias con zombis como la soberbia ‘Zombies Party’, ineludible referencia cercana, pero le añade el punto gamberro, cuidando al máximo los detalles y parodiando las habituales escenas que una horda de zombis amenazantes puede generar.

Muy loable es el inicio, un arranque magnífico, quizás lo más ensalzable de todo el conjunto, en la que juega con el montaje, los títulos de créditos (tan magistrales como los de ‘Watchmen’, con los que guarda cierta relación) y la exposición, contundente y divertida, de las reglas que el joven protagonista mantiene para sobrevivir en Zombieland. Lugar que resulta tras un apocalipsis zombi, donde todo resulta arrasado y apenas unos pocos supervivientes (acaso los cuatro protagonistas de la historia) mantienen sus códigos para sobrevivir.

El joven Jesse Eisenberg no parece el más ensalzable ejemplo de superviviente en una situación tan crítica como la planteada, un mundo dominado por el caos y la presencia de los no muertos por todas partes, porque resulta asustadizo, tímido y frágil. Pero su personaje aporta un plano interesante en esta aproximación al subgénero. Y más, cuando se une a su contrapunto natural, ese rudo, bestia y obsesionado con un pastel, que interpreta Woody Harrelson. Ambos se unen para sobrevivir, cada uno a su forma, en el mundo zombi.

A ellos, se les une, y también añaden su pizca de interés, dos jóvenes féminas (la morbosa Emma Stone y la correcta Abigail Breslin), que tienen en la picaresca su modo de supervivencia. Inevitablemente, Fleischer utiliza los trazos de una parte del guión más previsible y menos contundente (sobre todo que su inicio), para depararnos una comedia alocada, en la que sobresale un capítulo, divertido, brillante e ingenioso (con los mejores diálogos), aunque poco esencial para el avance del relato, como es el protagonizado por Bill Murray. Capítulo mucho mejor aprovechado que la traca final, y que denota un resultado con altibajos, irregular, y del que queda la sensación de que podía haber dado para mucho más.

Sin embargo, ‘Bienvenidos a Zombieland’ no alarga la historia, no busca la recreación sino busca única y llanamente diversión, a pesar de sus limitaciones y sus desaprovechadas escenas. Y eso lo consigue, con su nota de humor bestia pero poco aporta al universo zombi en el cine. Por cierto, que nadie se vaya hasta el final de los títulos de créditos. Hay sorpresa.

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• ‘Bienvenidos a Zombieland’ en Sitges