Steven Soderbergh es uno de los directores más peculiares que hay en Hollywood. Tan capaz es de rodar una tercera entrega de la muy disfrutable ‘Ocean´s Eleven (Hagan juego)’ como de darle un papel en una de sus películas a la actriz porno Sasha Grey. Su capacidad para ir alternando proyectos de diversa índole se mantiene y tras ‘Contagio’ optó por saltar al cine de acción, pero manteniendo su capacidad de innovar: Le dio el papel protagonista a Gina Carano, una luchadora de artes marciales mixtas cuya experiencia en el cine se limitaba a un papel menor en ‘Promesa sangrienta’. Sin embargo, eso no amilanó a Soderbergh a la hora de seguir potenciando a las mujeres como heroínas de acción perfectamente válidas e incluso más letales que los hombres.

Lo cierto es que el argumento de ‘Indomable (‘Haywire’)’ no es especialmente original: Mallory (Gina Carano) es una agente altamente cualificada que trabaja para el Gobierno de los USA a la hora de ejecutar las misiones más peligrosas y de dudosa legalidad, pero todo cambia tras completar una misión en China: Alguien de su equipo le traiciona y le da por muerta, pero consigue escapar con vida y llega la hora de vengarse, pero no será nada fácil, ya que tendrá que salvar infinidad de obstáculos para intentar lograrlo. Lo cierto es que toda la información que ha sido saliendo me hace pensar en una especie de mezcla entre ‘Kill Bill’ y las películas sobre Jason Bourne. ¿Ser un pastiche es necesariamente malo? Para nada, pero habrá que hacerlo bien para no dejar la sensación de ser otra vez, y estando detrás Steven Soderbergh es algo que doy casi por seguro que no pasará.

Otro de los puntos fuertes de ‘Indomable (Haywire)’ es su reparto, ya que Soderbergh ha cuidado mucho el rodear a Gina Carano de multitud de rostros conocidos: Ewan McGregor, Antonio Banderas, Michael Fassbender, Michael Douglas, Bill Paxton, Matthieu Kassovitz, Channing Tatum, Anthony Wong y Michael Angarano son varios de los hombres que se cruzarán en el camino de la protagonista, ya sea como aliados o como enemigos que neutralizar. No obstante, imagino que muchos de ellos tendrán una presencia reducida en la película en una especie de cameos de lujo y que la presencia de Soderbergh habrá sido clave en que aceptasen aparecer. Hace unos meses ya pudimos ver un tráiler que resultaba bastante atrayente para los amantes del cine de acción, y ahora nos llegan las últimas novedades antes de su estreno en USA el próximo día 20 de este mes.

Y es que además del cartel definitivo de la película también se han hecho públicas la friolera de 37 nuevas imágenes (las podéis ver más abajo) y 3 vídeos sacados directamente de la película (mi preferido, de largo, es el primero). Las malas noticias es que nosotros tendremos que esperar hasta el de 2 de marzo para poder verla. Yo tengo mucha curiosidad, tanto por el reparto como por ver qué ha podido hacer Soderbergh con una cinta de acción con un presupuesto similar a las producciones de Luc Besson (25 millones de dólares). ¿Tenéis ganas también vosotros?

Vía | Twitch Film

Así es, ‘Titanic’ volverá a los cines quince años después, pero ahora en 3D. En Paramount Pictures se han puesto las pilas y han empezado a hacer promoción para que nadie se olvide del evento. Aparte de un cartel (el que tenéis arriba), el estudio ha lanzado a través de la página de la película en Facebook un tráiler del reestreno presentado por el mismísimo James Cameron. Lo tenéis más abajo (en inglés, si lo encontráis con subtítulos avisadme), y es un estupendo avance, muy bien montado, que transmite emoción y aventura. Sinceramente, dan ganas de volver a verla, supongo que su legión de fieles admiradores quedarán impacientes por acudir de nuevo al cine para disfrutar en la gran pantalla de una de sus películas favoritas.

18 millones de dólares y 60 semanas de trabajo están detrás de esta nueva ‘Titanic’ en 3D, que estará en los carteleras el próximo 6 de abril, solo cuatro días antes de que se cumplan 100 años desde que el trasatlántico iniciara la trágica travesía que se narra en la película (10 de abril de 1912). Los fans que no quieran verla en 3D no tendrán que perderse el reestreno ya que Paramount también ofrecerá una una copia remasterizada digitalmente de la película en 2D.

Recordemos que la película, escrita, producida y dirigida por Cameron, estaba protagonizada por Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Bill Paxton, Bernard Hill y Gloria Stuart; fue la gran triunfadora en los Oscars alzándose con hasta 11 estatuillas (el mismo año de ‘L.A. Confidential’...) y se convirtió en la más taquillera de la Historia. Un récord que conservó hasta que el propio Cameron estrenó la sobrevalorada ‘Avatar’ (2009), con el 3D que ahora ha aplicado a la todavía más sobrevalorada ‘Titanic’ (1997), según el director con el objetivo de convertirla en una nueva experiencia para el público. Pues claro, no va a decir que es para sacar más dinero…

PD: Os dejo también un interesante vídeo donde Cameron donde habla del 3D. Ojo al showman que le entrevista…

Otra película de Steven Soderbergh con reparto espectacular. Relativity Media aprovechó el revuelo mediático causado por la San Diego Comic-Con para lanzar el cartel y el tráiler de ‘Haywire’ (antes conocida como ‘Knockout’), un thriller de acción cuya mayor peculiaridad es que está protagonizado por Gina Carano, famosa luchadora de artes marciales mixtas.

Carano, que ha ejercido de modelo y ya había coqueteado antes con el cine, se ha encargado de rodar todas sus escenas de acción, sin dobles o especialistas, y lo cierto es que es una gozada verla en el tráiler dando hostias a gente como Channing Tatum o Michael Fassbender. Eso sí, ojo a la excesiva duración del avance, destripa bastante la trama e incluso revela la muerte de alguna estrella; cuesta pararlo, pero lo más recomendable es no ver más del primer minuto y quince segundos.

Escrita por Lem Dobbs, ‘Haywire’ gira en torno a una agente contratada por el gobierno para misiones secretas de dudosa legalidad, hasta que un día deciden tenderle una trampa y eliminarla. Pronto se darán cuenta que fue una mala idea cabrear a la versión femenina de Jason Bourne. Ewan McGregor, Antonio Banderas, Michael Douglas, Bill Paxton, Matthieu Kassovitz, Anthony Wong y Michael Angarano, entre otros, también tienen minutos en la nueva película de Soderbergh, que llegará a los cines el 20 de enero de 2012. Por cierto, el director de ‘Traffic’ y ‘Ocean´s Eleven’ ha aclarado que no va a dejar el cine, que lo de su retirada fue un malentendido provocado por Matt Damon y la prensa.

PD: Un comentario en Youtube: “Qué más da la historia, yo quiero ver a Gina Carano pateando culos”.

Vía | ReelzChannel

Primero de los cuatro posts que quedan para terminar este ciclo vampírico que me he permitido el lujo de realizar por aquello de acordarnos de vampiros verdaderos únicos e intransferibles, antes de que las nenazas que brillan a la luz del sol se apoderen de las pocas neuronas que quedan en el planeta. Empezamos con la que, a mi juicio, se trata de la mejor película de vampiros que parió el cine moderno —si es que tal acepción puede darse—, la verdadera ópera prima de Kathryn Bigelow, directora de intensa mirada fílmica, que ha entendido el mundo masculino mucho mejor que otros compañeros de profesión siendo hombres. ‘Los viajeros de la noche’ (‘Near Dark’, 1987) compitió aquel año con ‘Jóvenes ocultos’ (‘The Lost Boys’, Joel Schumacher, 1987) por recuperar el cine de vampiros, en una década en la que el cine destinado a un público juvenil marcaba las pautas a seguir.

Films como el mencionado, o la excelente ‘Noche de miedo’ (‘Fright Night’, Tom Holland, 1985), sobresalían dentro del género fantástico, de entre toda la retahíla de productos que inundaban las salas de cine. La sombra de Steven Spielberg, uno de los realizadores más “copiados” en aquellos años, planeaba sobre muchos de esos films, pero en el caso del trabajo de Bigelow, la cosa apunta otras maneras. A pesar de que su reparto está lleno de actores jóevenes en su mayoría, ‘Los viajeros de la noche’ parece pasar olímpicamente de las pautas marcadas en este tipo de cine, y propone una historia llena de suciedad, violencia, muerte y desolación. Una película por la que su directora recibió el apodo de “Sam Peckinpah femenina”, algo exagerado sin duda, pero no del todo descabellado.

Kathryn Bigelow ha pasado a la historia del Cine por ser la primera mujer en ganar un Oscar a la mejor dirección, por su magistral ‘The Hurt Locker’ (‘En tierra hostil’), premio que salvo excepciones da un cierto status. Pero en su debut en solitario —recordemos que su anterior film, ‘The Loveless’ (1982), está codirigido con Monty Montgomery—, Bigelow tuvo las cosas verdaderamente difíciles. El productor Edward S. Feldman advirtió a la realizadora que si después de unos días de filmación, ella no tenía las cosas claras al respecto de lo que estaba haciendo, sería reemplazada, cosa que evidentemente no ocurrió. El conflicto venía del hecho de que Bigelow y Eric Red —interesante escritor y director con películas tan recomedables como ‘Cohen y Tate’ (‘Cohen and Tate’, 1988)— pensaban en principio en hacer un western, pero el género cinematográfico por excelencia no despertaba el interés del público como antaño, y a no ser que te llamases Clint Eastwood cualquier proyecto de esa índole era susceptible de ser un fracaso.

Como el género de terror estaba dando sus buenos frutos en esa década, Red y Bigelow optaron por una mixtura de géneros, y sin renunciar al western, realizaron una muy interesante y fascinante mezcla entre el mencionado género y el cine de vampiros. Aquellas películas de la Hammer o la Universal habían sentado las bases de un tipo de cine que sufrió importantes cambios en la década de los 80 gracias a trabajos como el de Tom Holland o el que nos ocupa, que si bien no triunfó en las carteleras —debido muy probablemente a tener que competir con el mucho más promocionado film de Schumacher ya citado, y también por ser la última producción de DeLaurentiis Entertainment Group— propuso cambios y giros en el universo vampírico que hoy día están plenamente asentados. John Carpenter seguiría desarrollando ese tratamiento —siempre con el gran Terence Fisher en mente—, y mientras productos actuales como la serie de televisión ‘True Blood’ los explotan al máximo, en otros como la saga vampírica de nenazas los prostituyen vilmente sin ningún tipo de rubor.

‘Los viajeros de la noche’ es una historia sobre la adicción como en las mejores películas de su directora, y también una historia de amor a primera vista o primer mordisco, nunca mejor dicho. Un por aquel entonces desconocido Adrian Pasdar —ahora lo es más gracias a la serie ‘Héroes‘— da vida a Caleb Conton, un paleto tonto y simple, que conoce a una misteriosa chica llamada Mae —una sensual Jenny Wright, que después no se prodigó demasiado— con la que tiene un encuentro brevemente apasionado que termina con un mordisco en el cuello. De regreso a casa, y sin saber por qué, Caleb empieza a sentirse mal, y en un abrir y cerrar de ojos es secuestrado por una peculiar familia de vampiros que se ven obligados a a cogerlo entre ellos debido a que Mae lo ha transformado. A partir de ahí, Bigelow y Red juegan todo el rato con los tópicos o clichés del western y cómo no, del mundo de los vampiros.

Argumentalmente los referente al western más directos de ‘Los viajeros de la noche’ son ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956) —cambiamos indios por vampiros y al personaje de Natalie Wood por el de Jenny Wright— y ese carácter grupal de sus personajes centrales, que remite directamente a Howard Hawks y que empareja a Bigelow con John Carpenter. Es precisamente esto una de las constantes en el cine de la realizadora; para ella el grupo es algo espiritual, subversivo, con un punto de sagrado, pero cuya supervivencia no depende tanto del grupo en sí, de su unión, sino de uno de sus componentes, fiel al cojunto y libre al mismo tiempo, como por encima del bien y del mal. El personaje de Jenny Wright es la única razón de Caleb para quedarse entre sus nuevos amigos y también la única por la que lo arriesgará todo para traerla hacia la luz, teniendo que romperse ese grupo tan cariñosamente retratado.

Lance Henriksen, Jenette Goldstein y Bill Paxton venían de trabajar juntos en la magistral ‘Aliens, el regreso’ (‘Aliens’, James Cameron, 1986) en la que también estaba muy marcado ese carácter grupal, y los actores demuestran tener una compenetración fuera de lo común, transmitiendo ese aire de familia unida que jamás será vencida, pero en la que no todo es un camino de rosas por muy unido que se esté. Entre todos ellos resalta con mucha diferencia el personaje de Severen, al que da vida un Bill Paxton totalmente entregado, lleno de carisma y cachondeo. Sus continuas bromas y la aceptación de su condición de inmortal desde una perspectiva totalmente amoral le convierten en alguien atrayente, fascinante, pero también muy peligroso. Su sed de sangre no es tanto la necesidad de alimentarse como la necesidad de aferrarse a la vida que ya no tiene, y de abrazar en cierto modo, esa eterna muerte que es su vida en realidad.

A pesar de algunos tics típicamente ochenteros —esa música de Tangerine Dream—, ‘Los viajeros de la noche’ resiste muy bien el paso del tiempo, y desvela a Bigelow como una perfecta narradora cinematográfica, o sea, como una experta en el uso de la imagen. Basten señalar todas las secuencia de acción del film, acertadamente coreografiadas y planificadas, y en las que no hay ningún tipo de concesión. El secuestro de Caleb, la matanza en el bar —absoluto delirio lleno de violencia—, o el tiroteo en un motel —con un detalle visual fascinante: las balas no hacen daño a los protagonistas, pero los agujeros dejados por las mismas en ventanas y paredes dejan pasar la mortal luz del sol— son poderosos instantes. La palabra “vampiro” no se pronunica durante todo el metraje y los colmillos brillan por su ausencia, del mismo modo que no hay indios ni praderas que cabalgar, pero uno huele el polvo, aprecia el carácter nómada de la familia de vampiros/rechazados sociales, se siente fascinanción por la noche e incluso se teme el amanecer, que puede traer tanto la muerte como un nuevo despertar.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de George Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington
• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda
• ‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass
• ‘El beso del vampiro’ de Don Sharp
• ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ de Terence Fisher
• ‘Drácula vuelve de la tumba’ de Freddie Francis
• ‘El baile de los vampiros’ de Roman Polanski
• ‘Las amantes del vampiro’ de Roy Ward Baker
• ‘Lust for a Vampire’ de Jimmy Sangster

• ‘Drácula y las mellizas’ de John Hough

• ‘La mansión de los crímenes’ de Peter Duffell

• ‘El vampiro sangriento’ de Miguel Morayta

• ‘Drácula’ de John Badham

• ‘The Night Stalker’ de John Llewellyn Moxey

• ‘El ansia’ de Tony Scott

• ‘Noche de miedo’ de Tom Holland

• ‘Jóvenes ocultos’ de Joel Schumacher

• ‘La invasión de los vampiros’ de Miguel Morayta

• ‘El vampiro’ de Fernando Méndez

• ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves

Steven Soderbergh ya tiene a los protagonistas de su nueva película, ‘Knockout’, un thriller de espionaje que va a protagonizar la luchadora profesional Gina Carano. El director de ‘Traffic’ y ‘Ocean´s Eleven’, que no hace mucho declaró que estaba pensando en una retirada (cuántos dicen eso), ha logrado reunido un atractivo reparto en el que figuran Ewan McGregor, Antonio Banderas, Michael Douglas, Channing Tatum, Michael Fassbender, Mathieu Kassovitz, Michael Angarano y Bill Paxton, entre otros. Paxton ha sido el último en subir a bordo, sustituyendo al inicialmente previsto Dennis Quaid (comprometido con ‘Soul Surfer’, que va a dirigir… ¡Kevin Sorbo!).

La trama de ‘Knockout’ gira en torno a una delincuente que es reclutada por el gobierno para misiones secretas, hasta que un día deciden tenderle una trampa y eliminarla (¡hey!, a lo mejor se cruza con ‘Los perdedores’). Si no fuera porque está Steven Soderbergh tras las cámaras, y hay gente importante en el reparto, este proyecto tendría nulo interés, como ver a Michael Bay jugando al ajedrez contra Roland Emmerich. Bueno, eso podría ser divertido… En fin, está previsto que el rodaje de lo nuevo de Soderbergh comience esta misma semana en Dublin. Os dejo con un vídeo de Carano en plena acción, por si no la conocéis (si ponéis su nombre en “google – imágenes” comprenderéis por qué es famosilla) u os mola esto de ver chicas dándose hostias.

Actualización: La película cambió de título, el definitivo es ‘Haywire’.

PD: Paxton ha dicho recientemente que ahora es el momento perfecto para preparar la secuela de ‘Twister’. ¿Qué os parece?

Vía | Empire

Resulta muy difícil hablar o escribir sobre esta película. Y no precisamente porque se haya hablado en profundidad sobre ella, sin prejuicios; ni porque lo que se haya escrito le pueda hacer justicia. En realidad, es difícil porque al ser una de las películas más famosas de la historia del cine, es también una de las más odiadas, y una de las más incomprendidas. Esto resulta chocante, por cuanto cualquier persona en este planeta puede comprenderla, sin ni siquiera entender u oír los diálogos, y cualquier persona en el mundo puede sentirse identificado con esta tragedia (que para su director tiene aires bíblicos), y eso es mucho decir.

Después de la casi desconocida versión de 1943 dirigida por Klingler y Selpin, y de la muy famosa de Jean Negulesco de 1953, sin olvidar que Hitchcock estuvo a punto de dirigir su versión en los años 40, llegó la más ambiciosa producción sobre el evento. Unas quinientas personas reconstruyeron fielmente, en cien días la carcasa exterior del barco, en los estudios de la Fox de Rosarito en Baja California, México. Cameron estaba dispuesto a jugárselo todo con la que sería la película (la primera suya que no es Sci-Fi) más ambiciosa y sincera de su carrera. La más personal y arriesgada.

En primer lugar conviene insistir en algo que a mucha gente le pareció un error mayúsculo de su realizador, pero que al responsable de éste análisis le parece precisamente uno de sus primeros aciertos a la hora de afrontar su estrategia narrativa: la decisión de enfocar ésta historia desde un tono abiertamente melodramático. El elemento máximo que destaca en ésta decisión es la creación de un romance que pudo haber existido pero que no es más que una invención de Cameron incrustada en un hecho real. Antes del estreno comenzaron a oírse las voces que clamaban que no era más que un ‘Romeo y Julieta’ marino. En realidad, esta es una de las constantes del folletín dieciochesco, aquella forma narrativa que acercaba eventos históricos ayudado por historias ficticias. Por eso asombra aún más la extrema sobriedad y la ausencia absoluta de divismo en la puesta en escena y el acercamiento a los personajes y a las personas que allí sufrieron y murieron. Decía Cameron en los comentarios del DVD que sintió una conexión especial con esa gente y esa historia, algo que le pedía ser extremadamente honesto. Ya de inicio la forma de afrontar la película está en las antípodas de la irresponsable ‘True Lies’.

En cuanto a lo de ‘Romeo y Julieta’, no deja de ser un argumento pueril, pues todas las historias de amor cuentan los problemas de dos amantes para poder estar juntos. Problemas provocados por su diferencia social o procedencia geográfica, entre otros. Sin embargo, tanto el hundimiento del barco más famoso del mundo, como la historia de amor, armada como excusa emocional que arrastre al espectador, terminan resultando secundarios ante la metáfora del mundo que es el RMS Titanic para James Cameron. El buque, ahora una tumba marina y lo que representa su destino son el verdadero protagonista, la razón primera y última, y con él sus moradores, las personas que compartieron su final y las que le sobrevivieron. El misterio de la suprema conmoción que es ‘Titanic’ seguramente habita en el mezquino corazón humano, y en su capacidad de sufrimiento.

Ya desde los títulos de crédito queda bien claro que el centro del relato de Cameron no son Kate Winslet ni Leonardo DiCaprio. Sino un mundo en pequeñito, reflejo del mundo en su totalidad: el buque y sus tres clases sociales. Un cántico sombrío, fúnebre, acompaña el cartel del título de la película, con las aguas nocturnas (negras, siniestras) del océano al fondo. Seguidamente, varias focos de luz rompen la oscuridad y descienden a un abismo insondable. Son los sumergibles comandados por Brock Lovett (un excelente Bill Paxton), un tipo que va de arqueólogo e historiador, pero que no es más que un arribista sin escrúpulos, un cazatesoros, incapaz de comprender lo que significa el RMS Titanic. Su viaje es parcialmente el viaje del propio Cameron, desde la posición de un director quizá más interesado en lucirse con una gran historia, hasta la de un artista comprometido con lo que cuenta. Su búsqueda es creíble: la de un diamante que pudo haber estado a bordo del buque. El diamante será, al mismo tiempo, símbolo y significado de varios elementos dla historia.

El cazatesoros no da con el tesoro esperado, pero sí con otro: la memoria de una anciana que vivió el hundimiento. La anciana Rose es la catalizadora, la transformadora y la transformada. Porque ‘Titanic’ no es sólo un homenaje a las víctimas y al evento real, también una historia feminista de lucha y de coraje. La de una mujer que ha de mover montañas para ser libre. Rose, desde un principio, es asociada de forma sutil con el agua y el mar. No es casual que la primera escena de la anciana, aparezca justo detrás de una pecera en primer término. Está modelando con barro y arcilla, lo que la predestina a compartir su memoria con el que no respeta la memoria, Lovett, y que también hace pocos minutos vio sus manos encharcadas en el barro y la loza de la rescatada caja fuerte de Lovett, encontrando al azar un dibujo de ella. Ya en el Keldysh, el barco científico, la anciana Rose observa su retrato sumergido en un líquido protector transparente. El contraplano es el rostro de Rose detrás de ese mismo líquido, hermanándola de nuevo con el agua y el mar. En ese momento, la centenaria mujer cierra los ojos y obtenemos un afilado y hermoso plano-inserto de los ojos azules de Jack Dawson. Las aguas del tiempo comienzan a hacer cobrar vida al relato al que asistiremos.

Porque de cobrar vida se trata. Durante las perturbadoras imágenes del pecio, observamos un piano desvencijado, mientras oímos unas notas lejanas. El relato reclama un narrador que vuelva a la vida al barco y a sus espectrales moradores. Que lo haga real, dolorosamente cercano. Tambien mientras Rose recorre sus antiguos objetos, como el espejo mohoso, el pasado reclama regresar con fuerza. Pero sobre todo con el pasador de pelo, en forma de mariposa, que simboliza el cambio, la transformación, de gusano a bella criatura alada. Ya identificada con el elemento líquido, Rose se dispondrá a hacer presente el pasado. Y lo hará delante de unos monitores en los que se proyectan unas imágenes del pecio. La misma figura narrativa de ‘Aliens’ se hace ahora lírica. Lo que las pantallas (recordemos los monitores reproduciendo lo que captan las cámaras alojadas en los cascos de los marines), situadas detrás de Rose, ofrecen es una imagen muerta del buque. Con el relato de la protagonista (comienza de forma también lírica: “It’s been 84 years, and I can still smell the fresh paint. The china had never been used. The sheets had never been slept in. Titanic was called the Ship of Dreams, and it was. It really was”) el pasado se hace presente.

Con uno de los planos más emocionantes de la entera historia del cine, el monitor de video que muestra una imagen real/falsa, se transforma en una pantalla de cine que muestra una representación ficticia/verdadera. Hemos viajado 80 años y está a punto de zarpar el RMS Titanic. Miles de personas acuden a despedirlo en su viaje inaugural en Southampton. La energía y la vitalidad que transmiten las imágenes es indescriptible. Por fin, vemos a Rose de joven (interpretada con grandísima verdad por Winslet), una aristócrata de familia venida a menos que necesita de un matrimonio de conveniencia para sobrevivir. Desde su primer plano el drama interior de Rose es patente: no sólo no ama a su futuro marido, sino que vive una vida que la reduce a mera comparsa, a objeto, y que le roba toda dignidad.

Ya en la primera secuencia se identifica al buque como metáfora emocional de Rose (también del resto de personajes, pero sobre todo de ella…), pues nada más contarnos la voz en off que en su exterior estaba serena, pero en su interior gritaba, una sirena resuena aguda, expresando ese estado interior. De ahí pasamos a Jack (un luminoso Leonardo DiCaprio). Este relato no va a guardar una coherencia en el punto de vista. Hubiera sido un tremendo error limitarse a las experiencias de Rose, pues la tragedia es global e infinita. A la oscuridad anímica de Rose se opone la vitalidad y optimismo inagotables de Jack. El dibujo del personaje no es especialmente complicado. Pero tiene su lógica. A fin de cuentas, es un hombre sin nada en el mundo, y por lo tanto sin nada que perder. A la complejidad psicológica de Rose también opone él su sencillez.

Winslet y DiCaprio son sólo el mascarón de proa de un reparto deslumbrante y en estado de gracia, en el que todos (hasta los que tienen unas pocas frases) tienen su momento de lucimiento, propiciado por un guión que es un prodigio de inventiva, de capacidad de crear momentos y diálogos memorables y plausibles, de evocar, en definitiva, un pasado con total credibilidad y verdad. Y esto lo logra el Cameron guionista con una facilidad y prontitud que hay que verlo para creerlo. El cosmos de personajes que se entrecruzan sin cesar en esta película es un mosaico sublime de rostros, miradas, réplicas, gestos y sonidos. El director alcanza la excelencia en la elaboración de sus ritmos internos. Y esto nace de la profunda identficación y proximidad que siente Cameron por esta tragedia y sus víctimas.

De pronto, nos hemos olvidado de que el barco va a hundirse. El pasado es presente en verdad. Lo vivimos cada vez como si pasara por primera. El espectador es ya, a la primera hora de metraje, pasajero del RMS Titanic. Algo enigmático ha encerrado su imaginación entre sus camarotes y pasillos. El artista no recrea la vida, o la imagina, la crea. Y Cameron ha logrado su objetivo: la vida ha vuelto al Titanic.

En Blogdecine:

• James Cameron (I): El futuro es ahora

• James Cameron (II): Universo Terminator

• James Cameron (III): Huir o morir

• James Cameron (IV): El exterminador líquido

• James Cameron (V): El legado de Ridley Scott

• James Cameron (VI): La madre de todos los monstruos

• James Cameron (VII): Abismos impersonales

• James Cameron (VIII): Mentiras y vulgaridades

A menudo, los grandes directores se permiten a sí mismos llevar a cabo bobadas por mero divertimento. Ahora bien, también es justo que si ellos se dedican a ganar grandes cantidades de dinero (como es el caso) y a pasárselo en grande, pero al mismo tiempo traicionan gran parte de su personalidad y de su coherencia artística, los seguidores de su obra deberíamos poner las cosas en su justo lugar: True Lies es, con mucho, la peor película de toda la carrera de James Cameron. Una nimiedad que, si bien no es totalmente nefasta, sí está presidida por una aplastante mediocridad, cuyas virtudes, que también las tiene, no logran hacer olvidar su conservadurismo, su carácter tendencioso y su humor sin gracia.

Remake de una película francesa de 1991, dirigida por Claude Zidi, titulada ‘La Totale!’, que muy poca gente ha visto y que resulta muy superior en todos sus aspectos a ésta. Vehículo de lucimiento para la estrella decadente que comenzaba a ser Arnold Schwarzenegger, quien encarna un héroe improbable sin el menor carisma ni fuerza dramática o cómica. Mixtura genérica que pretende ser un homenaje/sátira de Bond, pero que no convence en ninguno de los dos niveles, en un conjunto amorfo cuyo primer visionado entretiene sin problemas, pero al segundo o tercero comienza a revelar su torpeza.

La historia arranca al más puro estilo Bond (con la colaboración de un diseñador de producción habitual en esa saga, el británico Peter Lamont), pues seguimos a Harry Tasker en una clásica infiltración del género a una mansión de la que espera poder robar información fundamental para su país. Ya desde ese mismo comienzo se advierten varias cosas: el excelente trabajo de montaje de Conrad Buff, Mark Goldblatt, Richard A. Harris y el propio Cameron, no acreditado; el tono bufo muy poco acertado que va a ser una constante hasta el final; la fotografía impersonal, limpia y desapasionada de Russell Carpenter; y la falta de ambición y de garra de una puesta en escena y de un director que filma con pasmosa facilidad pero también con pasmoso desinterés.

Las investigaciones del invencible Harry Tasker le llevan al acecho de un terrorista islámico internacional, y pronto su trabajo resulta ser un obstáculo para llevar una vida familiar apacible, pues su mujer (una maravillosa Jamie Lee Curtis) se siente sola e ignorada, y su hija (una guapa Eliza Dushku en los inicios de su carrera) es una incomprendida adolescente y una pequeña criminal. En el momento en que ella conoce a un caradura vendedor de coches que se hace pasar (en una gran ironía) por agente secreto (interpretado con mucha coña y talento por ese gran actor que siempre es Bill Paxton) comienza la verdadera película, y es en esa zona central, con el espía/aburrido marido intentando recuperar a su mujer/falsa amante de un vendedor de coches/falso espía, donde están los mejores minutos de una comedia que debería haber tenido en Lee Curtis y su inolvidable Helen Tasker, a la protagonista de la misma. Pues ella es lo mejor, de lejos, de ‘True Lies’.

Poco nos importan, pues, las aventuras del marido, y mucho las de un personaje femenino en la mejor tradición del cine de su director, que primero se nos muestra como un ama de casa acomplejada, conservadora y predecible, y que explota hacia la mitad de la película como una mujer asombrosa, audaz e independiente. Su transformación final, en el pasillo del hotel, es antológica, y el momento siguiente (un strip-tease…digamos…accidentado) conforman lo más gracioso que podemos ver de una comedia de humor grueso (por decir algo suave), en la que Cameron da rienda suelta a un mal gusto (recordemos el plano inserto del puñetazo a Bill Paxton) y unas soluciones tramáticas de una vulgaridad impropias de un hombre que no parece él mismo.

Pero ya ni siquiera en las secuencias de acción, campo en el que Cameron ha demostrado su maestría en numerosas ocasiones, destaca esta película. Por primera vez son atropelladas, embarulladas, sin chispa. La secuencia del baño es demasiado larga y repetitiva, y su violencia coreografiada resulta poco verosímil. El plano subjetivo del gran villano chequeando cada uno de los compartimentos resulta hasta torpe y desganado en su planificación y encuadres. Y la posterior persecución a caballo carece por completo del dinamismo de otras cacerías motorizadas firmadas por el director canadiense, con un clímax en lo alto de un edificio que parece directamente sacado de una película de Terence Hill y Budd Spencer (recordemos a Arnie hablando con el caballo, ¡que se avergüenza de no haber saltado a otro edificio!). Si Cameron esperaba que nos riéramos con semejante humor de tercera, sin duda estaba completamente desconectado de la realidad.

Pero sucede una especie de milagro, y comenzamos a tener una historia más o menos simpática con la aparición del vendedor de coches. De pronto, la película cobra vida. Ahora tenemos a un personaje real con problemas reales, Helen, y a un marido celoso que abusará de las herramientas y posibilidades de su oficio para averiguar todo sobre la secreta relación y para intentar ofrecerle una redención a su esposa. Lástima que cuando llega lo mejor (el strip-tease) sea el final de ese pasaje, y regresemos, en mi caso de muy mala gana, a la historia de los terroristas islámicos dispuestos a sembrar el caos en Estados Unidos. Acompañados por Lee Curtis esta vez, pero disminuido su personaje casi a la nada por la servidumbre hacia su marido. Y es que ese es el primer indicio de incoherencia artística de Cameron. Nunca ninguna mujer de su cine había sido ninguneada (ni siquiera Lindsey Brigman en ‘The Abyss’) por el personaje masculino, sino que se había impuesto a él por pura fuerza moral, lo que aquí se ve falseado por las necesidades de una historia grotesca.

Como grotesco resulta el retrato que de los fanáticos terroristas hace Cameron. Por supuesto que se trata de una comedia, pero de una comedia familiar, no una comedia negra, y su forma de dibujar a los islámicos, más aún en los tiempos que corren, es insultante. Los trata directamente como a subnormales. Ignoro si algún musulmán ha visto esta película y se ha sentido ofendido, pero no me extrañaría. Yo me siento ofendido. Algunos dirán que su caricatura está permitida, pero en mi opinión confunden caricatura con ignorancia y soberbia. El plano final del gran villano, atado al misil y volando con él por los aires hacia su muerte, da vergüenza ajena.

Pero sobre toda esa indefinición entre tonos (acción…comedia ligera..comedia negra), esa incoherencia y ese humor zafio, se eleva una broma absurda sobre las armas nucleares que, de golpe y porrazo, desbarata esa visión del apocalipsis nuclear (vista en el díptico ‘Terminator’ y en ‘Aliens’) no es más que un chiste. Algunos dirán que Cameron se ríe de sí mismo y del género (Sci-Fi muy aguada) que le ha hecho célebre. En opinión de quien esto suscribe, no se observa un espíritu cáustico o satírico (que cuando es adecuado enriquece un tema trágico), sino simplemente una flaqueza de recursos y de creatividad.

Tras la reafirmación del estilo de Cameron, visto en la rotunda obra maestra que es ‘Terminator 2’, una obra de madurez, Cameron efectúa un incuestionable gran paso atrás. ¿Podría rehacer el camino andado con su siguiente película sobre el más célebre hundimiento de la historia?

En Blogdecine:

• James Cameron (I): El futuro es ahora

• James Cameron (II): Universo Terminator

• James Cameron (III): Huir o morir

• James Cameron (IV): El exterminador líquido

• James Cameron (V): El legado de Ridley Scott

• James Cameron (VI): La madre de todos los monstruos

• James Cameron (VII): Abismos impersonales