A raíz del mismo, mucho se está comentando sobre la calidad de las últimas obras del neoyorquino, en especial, empieza a cobrar fuerza la idea que no hace una gran película desde ‘Balas sobre Broadway’, y que desde 1994, año en la que estreno esta película, no ha hecho nada que realmente merezca la pena en su filmografía. ¿Y qué pasará cuando Woody Allen desaparezca y nos acordemos y echemos de menos la cita anual con su cine y su talento? Resulta que Woody Allen tiene a sus espaldas películas magistrales, y por lo visto, ese ahora mismo es su problema. No rodar desde 1994 una obra maestra como ‘Balas sobre Broadway’. Discrepo por completo de esta opinión, porque considero a ‘Match point’ una grandísima película, cercana a la calidad de la citada, por hablar de una más reciente, no las dos últimas, y sobre la que The Guardian, por cierto, descarga su ira.

Comparar su cine con el de Mike Leigh me parece fuera de lugar, simplemente porque entiendo que son dos cineastas distintos, con unas formas propias de entender lo que es el cine y las historias que quieren contar. Pero de ahí a pensar que Woody Allen poco más o menos habría que retirarlo o manderle de expedición a otros países europeos, mejor de la zona del Mediterráneo, para que sigan financiando sus proyectos, es tratar de demostrar que el cine que se realiza actualmente es mejor de lo que es en realidad. Curiosamente cualquier obra menor o mala de Woody Allen aporta más que muchos de los estrenos que nos vemos obligados a tragar a lo largo del año, y que en muchas ocasiones son los seguidores de Allen los que se quejan de su indefensión. Que sus películas sean menos vistas que otras, no quiere indicar nada sobre su calidad, porque el cine es un arte que no se mide por el dinero de taquilla, como atestiguan los Oscars o los Bafta, por citar dos premios conocidos por todo el mundo. Que yo sepa Allen no ha hecho nunca cine comercial.

Si castigar de esa manera a Woody Allen por no rodar películas tan buenas como sus obras magistrales, es decirle poco más o menos que se jubile, es proponer a voz en grito que sus seguidores debamos olvidar nuestra dosis anual de sus neuras. Existen tradiciones y tradiciones, y seguramente el neoyorquino tiene en su cabeza aún muchas buenas historias que contarnos. Y este atropello me recuerda al que le realizaron a Billy Wilder, que se vio obligado a jubilarse teniendo aún en su cabeza muchísimas buenas historias que contar, pero que nadie quería financiar. Dejemos a los genios que se retiren cuando les de la real gana. Cuando luego no estén les echaremos de menos, y entonces, ¿de qué nos quejaremos? Pues que ya no se hacen películas como las que hacía Woody Allen.

Vía | El País
Más información | The Guardian
En blogdecine | Médem y Allen, obra menor o mala película

Que una película sea aburrida no quiere decir que no sea buena, puede gustar.

Lo dijo Nuria Prims, actriz española, sobre ‘Reencarnación’, que se estrena hoy; un largometraje de Salomón Shang que (al parecer) “refleja en tres horas de largos silencios la soledad y alienación humanas”.

No he visto el film en cuestión, pero las declaraciones de la señorita Prims me han recordado aquello que dijo Billy Wilder en el famoso libro de conversaciones con Cameron Crowe (fallido intento de recuperar las magistrales que mantuvieron Hitchcock y Truffaut). Wilder aseguraba que tenía diez mandamientos, y que los nueve primeros decían: “¡no debes aburrir!”. Ya sé que Wilder no es Dios (bueno, algunos mantienen que sí)... pero es Wilder, maldita sea, el señor al que debemos agradecer alegrarnos el alma con obras maestras como ‘El Apartamento’ o ‘Con Faldas y a lo Loco’. Algo sabrá de este tema, ¿no?

En fin, me acuerdo de David Lynch y su ‘Inland Empire’, de Gus Van Sant y su llamada “trilogía de la muerte (del espectador)”, de Jia Zhang Ke y su ‘Naturaleza Muerta’, etc, etc. No digo que Shang haya hecho algo como lo de estos señores, ya digo que no la he visto, pero parece que su película es el plato indicado para los que defienden (normalmente con tanta palabra vacía que da risa) los títulos señalados. Si alguien la ve, que nos ilumine, por favor.

Vía | El Periódico

Esta década me ha resultado mucho más fácil que las anteriores, y he elegido las diez películas de tirón, las primeras que me han venido a la cabeza, sin necesidad de pararme a pensar en las otras que no he puesto, y que vosotros os encargaréis de citar.

• ‘La Muerte Tenía un Precio’. La culpable de que me guste el cine. De la “trilogía del dólar” del gran Sergio Leone es mi preferida. Inolvidable banda sonora de Morricone, al igual que todos los personajes. Ese duelo final entre Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté, con Eastwood marcando el ritmo con música de reloj es simple y llanamente antológico.

• ‘2001, una Odisea del Espacio’. Logra dividir a las audiencias, entre los que la admiran y los que la odian profundamente. Evidentemente yo soy de los primeros. Aún a día de hoy sigue fascinando como el primer día. Kubrick logró una obra maestra conjuntado lo clásico y lo futurista de forma genial. ¿Quién ha sido capaz de hacer que una nave espacial bailase al son de un vals de Strauss?

• ‘El Apartamento’. Otra joya de Billy Wilder, una tragicomedia llena de vida con unos personajes fantásticos e imperecederos. Para reir, para llorar, para ver una y otra vez. Ya no se hacen películas así.

• ‘Charada’. Stanley Donen no sólo hizo musicales, y esta película es una buena prueba de ello. Con un sentido del humor típico de su director, y un manejo del suspense cercano a Hitchcock, Donen realizó una de sus mejores películas con una pareja absolutamente perfecta: Cary Grant y Audrey Hepburn.

• ‘El Verdugo’. Lo cierto es que en aquella época todas las películas que hizo Luis García Berlanga eran maravillosas. Ésta sin duda es una de ellas, pero no sólo destaca en la filmografía de su director, sino en toda la historia del cine español. Inolvidable Pepe Isbert, como siempre.

• ‘Suspense’. Basada en ‘Otra Vuelta de Tuerca’ de Henry James, es un espeluznante relato de fantasmas que logra algo que la mayoría de las películas de terror no logran: dar verdadero miedo. Si no lo creéis, probad a verla de noche, completamente a oscuras y en soledad (toda película se merece como mínimo el respeto de verla así). No se os pasará la inquietud en semanas.

• ‘Matar a un Ruiseñor’. Gregory Peck ganó un merecido Oscar por dar vida a uno de los personajes más queridos que hayan existido en el celuloide, Atticus Finch. Absolutamente perfecta de principio a fin, la película habla de muchas cosas, como el amor fraternal, la inocencia, el racismo y la justicia. No sólo es una película, es una lección de humanidad enormemente educativa.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’. La película que demuestra que la leyenda siempre es más bonita y preferible que la realidad. De lo mejor de la filmografía de John Ford, un western que habla sobre el paso del tiempo, sobre la amistad y el amor.

• ‘La Leyenda de la Ciudad sin Nombre’. Probablemente mi musical favorito. Un estruendoso éxito de finales de los 60, logrando meter en las listas de éxitos canciones tan maravillosas como “Wonderin´ Star”, interpretada por un Lee Marvin en estado de gracia. Él y un dinámico Eastwood se repartían el amor de una excelente Jean Seberg.

• ‘El Guateque’. Blake Edwards y Peter Sellers se hicieron famosos entre otras cosas por dar vida al Inspector Clouseau, pero personalmente pienso que la mejor película en la que ambos colaboraron es ésta. Absolutamente desternillante, con un personaje central lleno de carisma, es para llorar de risa siempre que se ve. Enumerar los magníficos gags que hay en el film, y que muchos de ellos homenajean al cine mudo, me llevaría un post entero.

Ahora os toca a vosotros compartir conmigo vuestras películas favoritas de la década de los 60. Apuesto a que volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los 70.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40
• Mis películas favoritas (4): años 50

Aprovechando que se estrena este viernes ‘El romance de Astrea y Celadón’, he elaborado esta lista de películas en las que alguien se viste, durante una importante parte del metraje, del otro sexo. “Travestismo” está entre comillas porque no es un verdadero travestismo, sino algo forzado por los acontecimientos y con un fin que no es la propia vestimenta transformista. Es decir, que todas ésas que estáis pensando de Almodóvar, no contarían.

No sé si será una coincidencia o que este tema es buen material, pero una de mis películas favoritas —o quizá mi favorita— entra por la puerta grande en esta lista, en la que, además, se incluyen otras que también son muy de mi agrado.

• 10. ‘El romance de Astrea y Celadón’ (‘Les Amours d’Astrée et de Céladon’, 2007), de Eric Rohmer

La causante de la lista. Aquí se puede leer mi anonadada crítica.

• 9. ‘¿Víctor o Victoria?’ (‘Victor Victoria’, 1982), de Blake Edwards

Sé que todos reivindicaréis que esté más arriba, pero nunca me gustó esta película. La frase de “tus pechos parecerán pimientos asados” me dio tanta repulsión que aún no me he recuperado.

• 8. ‘Tango y Cash’ (‘Tango & Cash’, 1989), de Andrei Konchalovsky

Una película que me parece muy entretenida. Uno de mis placeres culpables. Se especula que, aunque la haya firmado, Andrei Konchalovsky no tuvo mucha autoría en el film.

• 7. ‘Golfus de Roma’ (‘A Funny Thing Happened on the Way to the Forum’, 1966), de Richard Lester

Pseudolus convence a Hysterium de que le ayude vistiéndose de mujer. Y el plan, como suele ocurrir, sale mal, lo que complica cada vez más las cosas.

• 6. ‘Robin Hood’

Tanto podría ser la de Walt Disney (1973), en la que el protagonista y Little John se transformaban en pitonisas para robar el carruaje del príncipe, o la de de John Irvin para televisión (1991), pues en ella Uma Thurman se viste de chico para ir a ver a Patrick Bergin.

• 5. ‘Willow’ (1988), de Ron Howard

Vale, ya sé que no forma parte de la trama principal y que no dura mucho, pero es que a Val Kilmer le queda bien incluso el maquillaje.

• 4. ‘Mulan’ (1998), de Tony Bancroft y Barry Cook

Películas y leyendas asiáticas con muchachas que se disfrazan de hombres hay muchísimas. Quizá la más célebre en occidente sea ésta.

• 3. ‘Yentl’ (1983), de Barbra Streisand

La vi hace la tira de años, pero me gustó mucho, sobre todo por las escenas de equívoco en las que tiene que compartir la cama con su compañero. Muy en la línea de Barbra Streisand lo de colocarse en situaciones de comedia romántica, aunque el film sea una crítica social.

• 2. ‘Tootsie’ (1982), de Sydney Pollack

Uno de los guiones más redondos de la historia, citado en casi cualquier manual al respecto. Con una interpretación a su altura. El ritmo desaforado de una comedia como debe ser.

• 1. ‘Con faldas y a lo loco’ (‘Some like it hot’, 1959), de Billy Wilder

¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya de ‘Con faldas y a lo loco’? Pues eso, cuando os dije “pero una de mis películas favoritas —o quizá mi favorita—” supongo que ya adivinabais que me refería a ésta.

*-*

Serían una categoría completamente diferente las películas que tratan sobre identidad confusa, transformismo deseado u homosexualidad —sobre eso ya publiqué otra lista—, como ‘Ed Wood’, ‘Mi querida señorita’, ‘Desayuno en Plutón’, ‘Juego de lágrimas’, ‘La jaula de las locas’, ‘Hedwig and The Angry Inch’, ‘Transamérica’, ‘Priscilla, reina del desierto’, ‘Boys don’t Cry’… Ni las transformaciones totales como ‘Hairspray’.

Hay otros títulos, como ‘Psicosis’, ‘En nombre de Caín’ o ‘Vestido para matar’… que presentan a un actor vestido de mujer, pero no entrarían exactamente en la lista ya que, en ellas el personaje no se ha disfrazarse conscientemente, sino que sufre desorden de múltiples personalidades, tema sobre el que hablé aquí extensamente.

‘Monjas a la carrera’, ‘Señora Doubtfire’, ‘La novia era él’, ‘Los ángeles de Charlie’ o ‘La gran aventura de Sylvia’ (‘Sylvia Scarlett’, 1935) no están mal, pero tampoco me gustan tanto como para llegar a la lista. ‘Un chico como todos’ (‘Just one of the guys’ )me encantó en mi adolescencia, pero no sé qué pensaría si la volviese a ver. Y no sé qué decir de ‘Glen or Glenda’. ‘La tía de Carlos’ es tan casposa que no la mencionaría si no fuera para evitar que alguien la proponga.

‘Belle Epoque’ tiene una escena interesante, pero está motivada por un carnaval y no forma parte esencial del argumento. Ni es lo suficientemente larga la escena de ‘Las vacaciones de Mr. Bean’; como no lo es la transformación de Eowyn en ‘El señor de los anillos. El retorno del rey’.

No he visto ‘Balzac y la costurera china’, ‘Nora’, ‘Osama’, ‘Shakespeare in love’, ‘El Delantal De Lili’, ‘He’s a Woman, She’s a Man’, ‘Entre 100 mujeres’ ni ‘Ella es el chico’ (‘She’s the Man’), así que no puedo opinar sobre ellas.

Por supuesto, habrá muchas que, o se me hayan pasado por alto o no las conozca. Ahí entráis vosotros, para aportar más.

Joe Carnahan, que sorprendió con la manífica ‘Narc’, cambia totalmente de estilo e inspirándose en Mr. Tarantino realiza una película un tanto atropellada, pero con la que pasar un rato entretenido. Mi compañero Chico Viejo se lo pasa más en grande, y yo no me emociono tanto. Cosas de la edad. Es una edición de un sólo disco, pero los extras pueden tener cierto interés.

‘Las Edades de Lulú’

Uno de los más grandes bodrios de Bigas Luna, inaguantable de principio a fin, pretendiendo ser un descenso a los infiernos del sexo por parte de un personaje que no se sabe controlar. La película se edita en una colección dedicada al cine español, en la que además también tenéis disponibles los siguientes títulos: ‘Beltenebros’, floja película de Pilar Miró; ‘Tiempo de Silencio’, de cuando Vicente Aranda no era tan insoportable; ‘Jamón, Jamón’, ésta sí una de las mejores película de Luna; y ‘La Noche más Larga’. Las ediciones vienen peladas con los típicos extras de trailers y fichas técnicas.

‘El Gran Carnaval’

Una de las obras maestras del gran Billy Wilder, un film imprescindible y de rabiosa actualidad. Un día sucede un accidente en una mina quedando un obrero atrapado. Hasta allí llegarán todos los medios de comunicación, y un periodista sin escrúpulos se hará cargo de la situación logrando que rescaten muy lentamente al hombre, para así poder hacer una crónica del suceso todos los días y ganar fama. Impresionante Kirk Douglas. La edición viene totalmente pelada, que le vamos a hacer.

‘28 Días Después’ (edición coleccionistas)

Ahora que esta semana se estrena ‘28 Semanas Después’, aprovechan y sacan una edición toda lujosa de la maja película de Danny Boyle. Escenas inéditas, video muscial, un cómo se hizo, una cajita muy mona. Y además no está muy cara.

‘Centauros del Desierto’

Edición especial con caja de tela del que para muchos es el mejor western de todos los tiempos. Para un servidor desde luego es uno de los mejores, con una impresionante historia y donde la sutileza fue una de las mejores armas de John Ford, dirigiendo a su actor fetiche, un inmenso John Wayne. Los extras son todos muy jugosos, y es una oportunidad que no hay que dejar escapar.

‘Diamante de Sangre’

Sin lugar a dudas una de las mejores películas de Edward Zwick, con unos perfectos Leonardo DiCaprio y Djimon Hounsou, lleno de aventuras y emoción a partes iguales. Tanto a un servidor como a Chico Viejo nos ha parecido una muy buena pelíula que se encuentra entre lo mejor de principios de año. Salen dos ediciones, una normalita y otra especial con infinidad de extras.

‘Seven Men From Now’

Film inédito en nuestro país, y que supone la primera colaboración entre el mítico Budd Boetticher y Randolph Scott, un actor más bien sosete. Ejemplar western con un conciso guión, y lleno de suspense, que en su momento ya comenté aquí. La edición viene con todo tipo de extras, algo realmente curioso por tratarse de un film desconocido para la gran mayoría, aunque así deberían venir todas las ediciones en dvd.

‘Apocalypto’

La última maravilla de Mel Gibson como director, un enorme canto al propio séptimo arte como medio de comunicación en una película frenética y llena de emoción. Como bien habréis deducido a un servidor le encanta, y ahí estará para comprarla, aunque a mi compañera Beatriz le pareció una estupidez, y evidentemente no estará ahí para comprarla. Salen dos ediciones con pocos extras, pero una tiene una caja normal y corriente de plástico, y la otra una de esas chuladas de metal que tiene algún efecto raro sobre los que somos consumidores.

‘Persiguiendo a Amy’

Para mí una de las mejores películas de Kevin Smith, que tiene el problema de tener que aguantar a Ben Affleck, pero a cambio disfrutamos de una Joey Lauren Adams deliciosa, en una historia sobre el amor y sus formas. Totalmente recomendable, y sin extras. Menos da una piedra.

‘Amor al Primer Mordisco’

Cuando la vi hace siglos en un pase televisivo me había encantado, pero mucho me temo que si la viera ahora, opinaría algo totalmente distinto. Una parodia sobre Drácula, encarnado éste por George Hamilton. Edición cutre donde las haya, yo me lo pensaría dos veces.

Más información | Zona Dvd

Los Premios ‘Cámara de Oro’, que organiza la publicación alemana ‘Hörzu’, se entregan tradicionalmente pocos días antes del inicio del Festival de Cine de Berlín, la Berlinale, que este año tendrá como fecha de comienzo el 8 de febrero. Sirven de desembarco previo de estrellas internacionales en la capital alemana y la prueba de esto está en que sólo se los conceden a quienes asistan para recogerlos.

Entre los galardonados con la ‘Cámara de Oro’ estuvieron los actores Pierce Brosnan y Nicolas Cage, así como ‘Lilo’ Pulver, legendaria por su papel en ‘Uno, dos, tres’, de Billy Wilder.

Cage lo recibió en la categoría de cine internacional en una gala repleta de estrellas.

Liselotte Pulver, ‘Lilo’, para sus compatriotas, lo recibirá, a sus 77 años, por el papel de secretaria Ingeborg en la célebre comedia de Wilder ambientada en el Berlín de la Guerra Fría.

En la parte musical, obtuvieron estos premios el director de la Filarmónica de Berlín, Simon Rattle, por la labor en favor de la integración desempeñada al frente de esa orquesta, y el cantante estadounidense Lionel Ritchie, en lugar de Julio Iglesias, como inicialmente estaba previsto, ya que el español no pudo asistir a la gala de entrega, que se celebró anoche.

Otros ilustres ganadores de este premio fueron, durante los 42 años de existencia de las “Cámaras de Oro”, intérpretes de la talla de Dustin Hoffman, Bruce Willis o Jerry Lewis.

La selección de candidatos para la Berlinale se puede consultar aquí.

Vía: Terra

Algunos ejemplos de estos carteles se pueden ver en la imagen de la izquierda: arriba, a la izquierda el cartel de ‘El verdugo’, de Luis García Berlanga; a la derecha, ‘El cochecito’, de Marco Ferreri. Abajo, la lámina de ‘Pánico en la escena’, de Alfred Hitchcock, y ‘Primera Plana’, de Billy Wilder.

La exposición sigue la aparición del libro ‘Mac Cartel’, que se presentó el día 2 de octubre en el Cine Verdi Park de Barcelona, con la presencia del cartelista y del escritor Paco Baena.

Según nos dice el mismo Mac, en sus comienzos encontraba rutinario el diseño de los carteles, y quería darles un tratamiento más artístico, propio de la pintura. Macario es admirador de los grandes pintores, en especial de Fortuny y de Velázquez. Él, a su vez, también es pintor y, según sus propias palabras, el cartel es una pintura artística. Además considera que es importante reflejar el espíritu de la película, por lo que no le bastaba con copiar unas fotos de los protagonistas y, siempre que le era posible, no acometía su diseño hasta después de haber visto la película. Cuidaba, además del dibujo, de la composición e incluso de la disposición, forma y color de la grafía, ya que pensaba y piensa que esta forma un todo con el cartel.

Puesto que desempeñó su labor a lo largo de más de treinta años (su primer cartel firmado fue Nagana, en 1955, y el último, El placer de matar, realizado en 1988), a causa de la variación de las tendencias cartelísticas y, por supuesto, de su evolución personal, hay en su diseños una gran variedad de estilos. Así se puede observar un marcado cambio; en su primeras obras ofrecía un diseño más sencillo que luego, con el paso del tiempo, se va haciendo más abigarrado y barroco, y presenta un mayor abanico cromático.

También se puede observar como muchas veces, en una misma época, los diseños guardan entre sí una similitud. Por ejemplo en 1962 nos encontramos con carteles como Hatari, El montacargas o Panorama desde el puente con un diseño que utiliza la fotografía en blanco y negro combinada con el dibujo en color, o bien, en 1964, en las películas La cesta, Miguelín y Tom Jones presentan un diseño similar, formado por un dibujo central y, a su alrededor, las figuras en blanco y negro de los protagonistas.

Queremos destacar que Mac ha tocado todos los géneros cinematográficos: la comedia, el western, el de terror, el de aventuras, etc. A lo largo de la exposición se ha querido poner esto de manifiesto, por lo que están presentes todos ellos.

Entre sus carteles podemos encontrar retratos de muchos de los actores y actrices más famosos de la historia del cine, tanto españoles como extranjeros (buena parte de ellos se convirtieron en sus admiradores). Como se puede ver, algunos de estos son auténticas obras de arte.

Como nos dice el propio Macario Gómez, él intentaba no repetir; quería que cada obra fuese distinta y tuviera su propia identidad. En algunas ocasiones existen carteles diferentes para una misma película, debido a que a veces realizaba varios diseños a la vez (tal es el caso, por ejemplo, de Un infierno en la ciudad, para cuyo estreno realizó dos carteles). Hay otras ocasiones en que el diseño corresponde a momentos distintos, ya que provienen de dos encargos diferentes, uno de ellos en la fecha del estreno y el otro posterior, con motivo de la reposición de la película. En este caso puede haber variaciones conceptuales: los derechos de la película se pueden haber vendido, con lo que el cliente es una distribuidora diferente de la inicial, o al haber pasado mucho tiempo han variado las condiciones o el entorno. Por ejemplo, entre los dos carteles de La jauría humana habían pasado diez años. En el primero, Marlon Brando aparece de frente, y en el segundo, de perfil (esto mismo ocurre con El rostro impenetrable). Es de suponer que esto se debe al carisma que cobró este perfil después su utilización en el cartel de la película El padrino, que se estrenó en ese intervalo.

En ocasiones tampoco podía expresarse libremente por causa de la censura. Así, un cartel en el que dibujó a Brigitte Bardot con un escote que los censores consideraron excesivo se lo devolvieron tachado con lápiz de plomo, por lo que tuvo que repetirlo poniéndole un escote menor (sustituyó el inicial, de pico, por otro cuadrado), pero se negó a firmarlo. Otro ejemplo lo tenemos en el caso de Operación: Londres llama a Polo Norte: había colocado a los pies del águila una cruz gamada que, a instancias de la censura, se vio obligado a sustituir por una cruz de hierro.

Estos últimos párrafos están extraídos del catálogo y pertenecen a Elena Cervera.

Firmado Mac. Carteles de cine de Macario Gómez. Filmoteca Española. Magdalena, 10. Madrid. De lunes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00. Hasta el 31 de diciembre.

La programación de octubre del cine Doré se puede consultar aquí.

Vía: Ministerio de Cultura, El País