En general, me interesan poco las películas biográficas, lo que no está motivado por mi desinterés hacia las vidas de personajes famosos o por descubrir, sino porque este tipo de relatos suelen armarse con una estructura de episodios desligados, en lugar de con el clásico objetivo vs. conflicto mantenido hasta el final del metraje. De ‘J. Edgar’, la película de Clint Eastwood que se estrenó la semana pasada, encuentro la parte personal como la más inspiradora. No me baso en el morbo de descubrir un secreto embarazoso sobre un hombre de estado, sino porque supone una contradicción para el protagonista, elemento que siempre se ha apreciado como el que mejor puede servir para hacer humano, polifacético y rico a un personaje. Son los dilemas los que mueven a actuar de una determinada manera a los protagonistas y las decisiones tomadas a partir de estos serán necesariamente más dignas de análisis que las que surjan de una mente serena.

La interpretación de Leonardo DiCaprio es sublime, con especial mérito en los momentos en los que hace de anciano. En ellos, no solo su maquillaje está muy logrado –no así el de Armie Hammer–, sino que además, sus movimientos y postura imitan tal cual los de un hombre mayor. Si escribo que he echado de menos una exploración más profunda de una mente desquiciada no estoy afirmando que su actuación adolezca de ningún matiz. Me refiero al perfil dibujado desde el guion: esperaría que todas esas luchas internas y externas hubiesen dado lugar a un ser aún más atormentado. Si bien los autores no lo muestran con un hombre por completo en sus cabales –principalmente en su relación enmadrada con el personaje de Judi Dench–, sí le conceden una compostura que me hace pensar en cierta benevolencia hacia él. No hablo de que esperase ver un castigo ideológico que lo mostrase como un loco debido a sus decisiones, sino a lo que parece más lógico que pudiese haber surgido de su situación. La dignidad con la que se lo muestra, si bien colabora a que la película pueda seguirse con la empatía necesaria para acompañar al protagonista, creo que al mismo tiempo también limita el retrato.

Un narrador poco fiable que cuenta en primera persona

La cara más política de la moneda me resulta más tediosa, debido a que la elección del punto de vista impide estudiar con amplias miras el mundo en el que se desarrolla la historia. El guionista Dustin Lance Black –cuyo guion de ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’, 2009) dio pie a uno de los pocos biopics que defiendo– opta por una perspectiva en primera persona, más común en literatura que en cine. Se orquestan diferentes acercamientos, ya que las secuencias más íntimas las vemos en modo omnisciente y las más oficiales salen de boca de Hoover. Ambos aspectos se ven en modo de saltos al pasado, intercalados con acciones en el presente. La estructura contiene un entramado intrincado, con flashbacks de distinta condición –recuerdos y confesiones–, además de dos narraciones presentes en paralelo.

Sin embargo, el punto de vista no abandona a nuestro protagonista. Por ese motivo, la narración se centra en las oficinas de Hoover y en su hogar, dándonos una visión muy cerrada, que a mí personalmente me produce el anhelo de que el enfoque se expanda para sumergirse en las implicaciones que tuvo su mandato al frente de la agencia de investigación. Quedan fuera de la ecuación las opiniones que el director del FBI podía causar en los presidentes bajo los que sirvió o los efectos que sus decisiones tenían sobre la política del país.

Ítem más, el protagonista compone un narrador poco fiable, obligando así al público a que sea quien juzgue cada una de las escenas y dándole un papel activo con el requisito de seleccionar lo que decide creer o rechazar. La elección del punto de vista que antes decía que resultaba limitadora, por esta otra parte ofrece esta valiosa posibilidad. Es, por lo tanto, un cine hecho para espectadores maduros y participativos, no para quienes esperen recibir los mensajes digeridos. Esa dignidad de la que hablaba algunos párrafos más arriba también está justificada por esta engañosa primera persona en la que los momentos en los que sale más airoso son aquellos que él mismo dicta a sus biógrafos.

Conclusiones

En el pasado he declarado que algunas de las películas de Clint Eastwood me gustaban más que otras y he llegado ahora a la conclusión de que estas diferenciaciones no se deben a que su labor como director haya dado unas veces mejores resultados que otras. Creo que su mano certera y su saber hacer, no exento de clasicismo, siempre han estado presentes. El factor que provocaría que personalmente me convenzan más unas cintas que otras considero que reside en la elección del argumento de fondo y del enfoque. Ya que maneja temas tan variados, este cineasta algunas veces dará en lo que más nos conmueve y otras centrará sus esfuerzos en premisas que nos atañen o sorprenden poco. Pero seguir la fórmula del éxito probado no es un movimiento que se pueda considerar valiente.

En definitiva, diría que he encontrado grandes elementos en ‘J. Egdar’, pero que al mismo tiempo he echado en falta cierta profundización en el retrato del personaje protagonista y cierta expansión en el análisis de las implicaciones de su actuación. Leer cualquier comentario biográfico sobre lo que supuso en la vida real J. Edgar Hoover para EE. UU. y para el mundo entero da una sensación de consecuencias mucho mayores de su cargo que las que se perciben en el film, demasiado centrado en lo que para él posiblemente fue descomunal, pero que desde aquí se percibe como mínimo: el secuestro del hijo de Lindbergh. Si bien es lógico que el hombre del que se habla quede reducido a hombrecillo cuando se muestran sus intimidades y debilidades, la película no tendría que haber perdido la medida de lo que el ejercicio de su labor supuso para esos cincuenta años y esas legislaturas de ocho presidentes que estuvo tras la mesa del buró más célebre del mundo.

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Especial Clint Eastwood, por Alberto Abuin.

YouTube fue una de las grandes revoluciones de Internet en su momento. Sí que había formas de ver vídeos en Internet, pero no había ninguna especie de gran base de datos que recopilase vídeos con información de prácticamente cualquier cosa que uno pueda imaginar. La única discriminación existente son las quejas por copyright que hacen que algunos vídeos acaben siendo eliminados, aunque eso también se evita muchas veces con alguna treta. Sin embargo, YouTube tiene varias pegas: La primera es que es una forma perfecta para perder el tiempo a lo tonto vagabundeando de vídeo en vídeo, pero la que ahora nos interesa es su capacidad como, no veo el motivo para no llamarlo así, medio de información.

El problema más grave de YouTube es que, dadas las limitaciones temporales (sé que uno puede incluso ver películas enteras en un sólo vídeo de la web, pero no es lo habitual) resulta casi obligado una tendencia a la superficialidad, a ser una forma de enterarte de algo de modo un tanto superficial, como si fuese una especie de grandes éxitos de lo que realmente sucedió. Algo similar sucedería en el caso de Wikipedia, pero al menos allí hay una mayor interconexión para ir saltando y enterarte de forma más detallada de aspectos concretos del artículo, mientras que en YouTube simplemente te ofrece la ocasión de ver otros grandes éxitos de temas similares o puede darse el caso de que sea un vídeo idéntico subido por otro usuario. Y dado el éxito que ha tenido YouTube era cuestión de tiempo que esta tendencia saltase a otros ámbitos, y dado el gran interés del cine por rodar biopics a mansalva también era de esperar que sucediese más temprano que tarde, y eso es lo que ha sucedido con ‘La dama de hierro’, la película que nos habla de la vida y obra de Margaret Thatcher.

Los fallos de ‘La dama de hierro’

Creo que ya ha quedado bastante claro que no acabé muy satisfecho con mi visionado de la película y también cuál es el gran mal que veo en la película, pero dejadme que me extienda un poco más al respecto: ‘La dama de hierro’ es un fallo casi total a nivel de guión sin que necesariamente pueda decir que es, y perdón por la expresión, una mierda. El guión de Abi Morgan toma dos elementos como eje del relato: La relación personal entre Thatcher (Meryl Streep) y su marido Denis (Jim Broadbent) para representar el presente de la protagonista y la carrera política de Thatcher. Siendo generosos, puedo decir que la relación matrimonial funciona bien y sabe esquivar el caer en demasiados sentimentalismos por el hecho de que, y no creáis que es un spoiler porque no es el caso (es algo que sabemos bien pronto), él está muerto y la salud mental de ella está deteriorándose. Tampoco es que logren un retrato brillante al respecto, pero es la parte que consigue una mayor conexión con el espectador, sobre todo por el personaje de él.

Los problemas graves llegan a la hora de mostrar la carrera política de la protagonista, ya que se va saltando de un evento a otro sin dejar el más mínimo espacio a cierta reflexión al respecto. Aquí lo que importa es dejar ver la mano dura de la protagonista, pero también sus aciertos y el bien que hizo a Inglaterra. Eran tiempos duros y era necesario tomar medidas con mano de hierro y eso es lo que pasa. Toma medidas y a la porra, ya pasamos al siguiente problema. No hay nada que impacte porque todo parece una mini-etapa de 2-3 minutillos que sólo va a fortalecer el hecho de que la protagonista es una gran persona. Y punto. Vamos, una especie de grandes éxitos de toda su carrera, en la que ni siquiera se paran a comentar un poquito el hecho de que sea la única mujer entre un montón de hombres. Eso es indiferente, pero también es esa la sensación que deja en el espectador todo lo que se le está contando.

Tampoco creo que haya sido muy acertado elegir a Phyllida Lloyd para encargarse de la dirección de la película siendo su gran carta de presentación para el cine el haberse encargado de rodar ‘¡Mamma Mia! La película’, el famoso musical con las canciones de Abba que, oh casualidad, también protagonizó Meryl Streeo. Y es que la única explicación que veo es que se llevasen tan bien en el rodaje de esa película que por eso hayan querido repetir. Le pega es que aLloyd aún le viene muy grande el rodaje de una película con fines oscarizables y no sabe qué hacer con un guión tan limitado. Y es que ya he mencionado varias veces el tema de dejar la sensación de ser un grandes éxitos, pero es que hay varios momentos en la película en el que el montaje de la película fortalece esa sensación. Y es que Lloyd apuesta por esa opción tan respetable de intentar ser invisible en la puesta en escena, pero eso sólo funciona de verdad cuando tienes un material de mucho nivel entre manos, y no es el caso. Y lo peor de todo es que en ningún momento consiga que uno sienta empatía con la protagonista. De hecho, y eso es algo que comenté bastante con la persona con la que vi la película, Thatcher cae mal al espectador cuando la película no se corta en pasar de contarnos varios aspectos polémicos de su ideario. En fin, un desastre.

Lo poco bueno de ‘La dama de hierro’

Es obvio que en una película como ‘La dama de hierro’ el gran punto fuerte iban a ser las interpretaciones, pero incluso ahí no consigue terminar de fascinar al espectador. Es obvio que Meryl Streep realiza una buena interpretación y vuelve a darnos muestra de su gran capacidad para los acentos, pero es que aquí donde reaparece el problema de la empatía. Y es que llega un momento en el que a uno le da igual lo que haga o diga la señora que hay en pantalla y eso afecta a la actuación de Streep, que sin dejar de ser buena espero que no se les ocurra premiarla con un Oscar cuando ha tenido muchísimas otras actuaciones muy por encima de ésta. El otro personaje importante es el que le toca a Jim Broadbent y es aquí donde la película encuentra cierta redención, ya que es él quien consigue ganarse el aprecio del público, en especial con la parte de la historia en el presente (donde tiene una mayor libertad de movimientos, algo que Broadbent sabe aprovechar), ya que en la centrada en la carrera política de Thatcher tiene una importancia casi marginal. ¿Y el resto del reparto? pues por ahí están, pero ninguno tiene un personaje con la suficiente enjundia como para destacarle. Vamos, bulto para que avance la historia y la protagonista tenga alguien a quien replicar y quedar por encima. Una pena.

En definitiva, ‘La dama de hierro’ es un biopic superficial que nunca llega a atrapar al espectador por la historia que está contando con la parcial salvedad de la parte más humana de la historia. Además, también falla en su intento descarado por conseguir la empatía del espectador aligerando (o directamente eliminando) los aspectos más polémicos de la carrera política de Thatcher. Lo único que merece la pena salvar son las actuaciones de Meryl Streep y Jim Broadbent, pero por sí solos no consiguen que ‘La dama de hierro’ sea no ya una película recomendable, sino simplemente digna de un aprobado. La primera decepción de 2012, sólo espero que no haya muchas más.

Aseveraría que el estreno en España —mañana, 10 de septiembre— de ‘The Runaways’ está motivado exclusivamente por la presencia de Dakota Fanning y de Kristen Stewart en su cartel. Fuera de eso, el film, escrito y dirigido por Floria Sigismondi, carece de reclamos pues, para empezar, me temo que escasearán, no ya los fans del grupo en nuestro país, sino simplemente las personas que conociesen su existencia. Para continuar, si bien una historia de rebeldía adolescente con algo de sexo, drogas y rock&roll podría tener tirón independientemente de lo célebres que sean los personajes reflejados, ‘The Runaways’ no engancha, es confusa en cuanto a sus propósitos y se pierde en un marasmo de escenas apáticas y poco pertinentes.

Personajes vacíos

El guión se basa en el libro autobiográfico de Cherie Currie, centrándose así en la época en la que la cantante estuvo en el grupo y dando prioridad a los sucesos que a ella le atañían. Dakota Fanning, que siempre ha interpretado a niñas con una madurez de adulta, en este caso encarna a una mujercita que tiene una actitud muy infantil. De la interpretación de la joven actriz no se puede decir nada negativo. Sin embargo, encontramos muchos problemas en el personaje: sería arduo determinar si es una tipa dura o una ñoña, pero no porque su retrato entrañe contradicciones, sino porque sufre una pobre definición.

La adolescente se comporta por inercia y dejándose llevar ante todas las situaciones. Esto puede ser un reflejo de su comportamiento real, pero ayudaría conocer, al menos, lo que Cherie deseaba o rechazaba en su fuero interno. Al carecer, no sólo de iniciativa, sino incluso de gustos u opiniones, convierte en difícil la empatía con lo que le acontece. Los problemas que le aquejan no se ven sino como caprichos de púber y arrebatos de niñata, pero no porque carezcan por sí mismos de fuerza, sino por la forma en la cual están introducidos en el relato, pues con los mismos sucesos, se podría haber alcanzado un poderoso conflicto.

Aunque tengamos el punto de vista de Currie, el protagonismo está repartido entre ella y Joan Jett, quizá porque ésta es productora de la película. Esto consigue disolver y repartir la cercanía entre una de ellas y el espectador que se habría producido si la predominancia hubiese sido única, así como la fuerza emocional que podrían haber tenido los hechos narrados.

En cuanto al resto de las componentes de las Runaways, resulta ridículo ver cómo se las ningunea. Quizá beneficiaría a Sigismondi aprender que no es necesario que un personaje sea principal para que participe en una película. Lita Ford, que ha tenido una carrera más reconocida que la de Currie, apenas disfruta de una o dos frases durante la película y siempre para apoyar una escena acerca de la cantante. Las otras dos son muebles que tocan instrumentos, pues no se les permite siquiera la única frase que se les concede a algunos figurantes.

En la batalla por el protagonismo, vence el personaje de Jett, aun a pesar de que Kristen Stewart aporte menos como actriz que Fanning. Esto se debe a que está retratado con mayor profundidad y a que en ella sí vemos a una persona decidida, que sabe lo que quiere y que lucha por conseguirlo. Personalmente, habría preferido acercarme a lo que cubre la película de una forma más resumida y pasar rápidamente a la etapa en solitario de la autora de ‘I love Rock ‘n’ Roll’ o ‘Bad Reputation’, cuya música, además, era superior a la del grupo —aunque queda claro que el aspecto musical es el que menos importa a las creadoras—.

Unas jóvenes rebeldes a las que se les da todo hecho

Pero incluso si nos quedásemos con la historia de Joan Jett, el film carecería de gancho debido a su total ausencia de conflicto. A los personajes todo les resulta demasiado fácil, todo se lo dan hecho, todo les llueve del cielo. De esta forma, no se existe la tensión por ver si consiguen lo que desean, que es lo que normalmente nos engancha a una historia. Como suele ocurrir en las biopics, ‘The Runaways’ es un conjunto de momentos que se suceden uno tras otro, pero que no están hilados entre sí ni se dirigen a ningún fin.

El tomar un grupo de otra época podría haber servido a la cineasta para hacer un análisis del momento y, si bien esto está apuntado aquí y allá, la profundización en el tema es poca. En algún momento se atisba una crítica contra la explotación de estas jovencitas, ya que la música era sólo una excusa para ofrecer carne al público. Pero el mensaje no se termina de concretar y se pierde cuando, en realidad, la película peca de lo mismo, pues busca el escándalo y el impacto entre los más fácilmente impresionables, dejando la música en un último término.

Una lección para la juventud

Cuando se acerca al final, ‘The Runaways’ se convierte en una lección para las adolescentes sobre lo malas que son las drogas y, siguiendo ese propósito, termina cayendo en todos los esquemas que hemos visto tantas veces en films sobre artistas acabados y hundidos por sus adicciones. El que Cherie Currie, hoy en día, se dedique a rehabilitar chavalas con su mismo problema me permite aventurar —sólo estoy especulando— cómo puede ser el libro: un manual de autoayuda para superar el enganche a las drogas.

La fotografía es bonita y la ambientación es un acierto —los parecidos con las auténticas músicas son asombrosos—, pero eso hace que la directora se recree demasiado en estos logros e incluya escenas que simplemente se aprecian por su belleza formal.

El respeto que pudiesen merecerme las Runaways por lo que significaron para la historia de la música se desvanece con esta revisión de sus inicios, tan carente de fuerza y de interés. Si las había considerado unas heroínas que rompieron esquemas y dejaron claro que el rock no sólo pertenecía a los hombres, ahora las veo —al menos a Currie porque Jett mantiene una dignidad— como niñas asustadizas que se dejaron llevar por una casposa maniobra de márketing.

Mi puntuación:

Y más biopics de músicos importantes. Decía el otro día que las únicas películas que pueden tratar sobre artistas y estar dirigidas a todos los públicos, incluso a los no seguidores, son las biografías filmadas. Pero, claro, para eso el film tiene que ir a lo obvio y lo comercial, como se demuestra con el título que llevará la película sobre la vida de Louis Armstrong, ‘What a Wonderful World’, una canción muy bonita, pero tan utilizada que ya cansa.

Entiendo que no es sólo un título con gancho, también la posibilidad de darle mucha ironía; sé que cualquier montaje de imágenes hecho con este tema de fondo arranca la lagrimita y, por supuesto, comprendo que hay que esperar a ver que se hace para saber si realmente se caerá o no en el tópico.

El actor Forest Whitaker, quien ya ha toreado en estas plazas pues interpretó a Charlie Parker en ‘Bird’ de Clint Eastwood; no sólo dará vida a Armstrong, sino que también dirigirá la película. Ron Bass escribirá el guión original.

Aquí llega lo de la ironía que decía: ‘What aWonderful World’ se centrará en los años que pasó Armstrong en Nueva Orleáns sumido en la pobreza para luego dar paso a su carrera como cantante trompetista.

Whitaker ya había dirigido ’First Daughter’, pero en este caso el proyecto le llega más al alma: “Armstrong dejó una marca monumental en nuestras vidas y en nuestra cultura. Llevó una vida increíble y, a través de su arte, cambió la forma en la que se tocaba música que ya no se escuchó igual después de que él pasó por la escena musical, no sólo aquí en EE. UU., sino en el mundo entero”, dijo Whitaker.

Lo del título del film que decía antes también se me ocurrió por el nombre internacional que le dieron a ‘La Môme’: ‘ La Vie en rose’, quedándose con la canción más famosa de Piaf, en lugar de con la que mejor definía el film: ‘Non, je ne regrette rien’. Y, claro, la productora es la misma: Legende, con sede en Paris.

Es la primera vez que la Fundación Armstrong da permiso para que se haga una película e incluso está colaborando con la financiación. El rodaje comenzará en verano en Louisiana, donde tendrán acceso a documentos personales del músico y actor.

Vía | Variety.

La que tratara (aún no hay nada seguro) la vida del músico australiano estaría dirigida por Nick Egan, responsable de los vídeos de la banda y amigo de Hutchence, y podría llevar como título ‘Slide Away’ en referencia al tema escrito por Hutchence e interpretado a dúo junto a Bono, líder de U2. El nombre del grupo del australiano podría ser un juego fonético parecido al de la banda irlandesa. Mientras U2, leído en inglés suena a “you too” (tú también), INXS a lo que suena es a “in excess” (en exceso), lo cual, visto lo visto, se les podría aplicar sin problemas.

Entre los nombres que se bajaran para dar vida a Hutchence, aparece como principal candidato Johnny Depp. Creo que lo haría bastante bien, dados los gestos a los que estaba acostumbrado el cantante de INXS, y lo exagerado que puede ser Depp. El propio Bono, con unos años menos, también podría interpretarlo. ¿Qué otros actores lo harían bien? Y otra pregunta se me ocurre. ¿Cantará él o pondrán las actuaciones y el actor hará el play-back?

El resto del equipo artístico estaría compuesto por Eric Bana (a quien, en la película ‘Munich’ le vi cierto parecido a Jim Morrison), Julie Walters, Naomi Watts, Eva Green, Hayden Christensen y Stephen Rea.

Protagonizada por Adrien Brody (‘El pianista’, ‘El bosque’ o ‘King Kong’) y Penélope Cruz (‘Volver’, ‘Belle Époque’, ‘La niña de tus ojos’…) y dirigida por Menno Meyjes, la película se adentra en la historia de amor vivida por el gran torero y la temperamental actriz Lupe Sino. La producción corre a cargo de Andres Vicente Gómez y tendrá un presupuesto en torno a los 20 millones de dólares. El rodaje se prolongará durante 12 semanas y tendrá lugar en Ciudad de la Luz (Alicante), Córdoba, Madrid, Salamanca, Carmona, Puerto de Santa María y Sanlúcar de Barrameda.

La historia cubre los últimos años de la vida de Manolete, cuando ya convertido en una gran figura nacional, conoce y se enamora de Lupe Sino, una mujer que le inculca su intenso amor por la vida. Se establece así un triángulo amoroso formado por Lupe, que representa la luz en la vida del torero y Manolete, que también está enamotado de la muerte.

Completan el reparto los actores Juan Echanove, en el papel de Pepe Camará, apoderado del torero; Santiago Segura, como Guillermo, su chófer y mozo de espadas; Josep Linuesa, como el aristócrata Enrique de Ahumada y Ann Mitchell, en el papel de Dña. Angustias, la madre del diestro.

Ésta es la tercera película del holandés Menno Meyjes, responsable de la dirección y el guión de ‘Manolete’, tras dirigir ‘Max’ y ‘The Martian Child’. Le precede una sólida carrera como guionista con títulos como ‘El color púrpura’, por la que consiguió una nominación al Oscar; ‘Indiana Jones y la última cruzada’ y ‘El imperio del sol’. También fue el responsable de la adaptación al inglés de ‘El sueño del mono loco’, de Fernando Trueba, película que, en 1990, le hizo ganar un Goya en la categoría de mejor guión adaptado.

Vía | Lolafilms

A pesar de que ambos poseen enormes narices, no sé si Adrien Brody tiene suficiente parecido con el torero. Viendo fotos de Manolete, se me ocurre que podrían dar bien el tipo Eduardo Gómez, más conocido como Mariano, el padre de Emilio en ‘Aquí no hay quien viva’. O, si la cosa va de narices, el protagonista de las películas argentinas ‘No sos vos, soy yo’ y ‘Tiempo de valientes’: Diego Peretti. El caso es que Brody es más atractivo e internacional, pero no tiene mucho sentido escoger a un neoyorquino para hacer de español.