1. Es un Autor Insobornable.
A diferencia de la gran mayoría de cineastas, el éxito-revelación del cineasta indio, ‘El Sexto Sentido’ (The Sixth Sense, 1999) es un punto de partida, un pequeño comienzo de lo que será un discurso mucho más interesante y complejo que le ha llevado a ser acusado de una lista ingente de tópicos y deberes, todos basados en que sus películas deben tener un (satisfactorio) giro final. Lejos de eso, Shyamalan ha tejido una filmografía en la que los momentos líricos cobraban mayor importancia, hasta llegar a un momento de aislamiento que iba directamente en contra del formato en el que trabajaba (blockbusters aparatosos, industriales).

2. La joven del Agua.
Este salto mortal sin red es, quizás, una de esas películas que, con todos sus defectos, merece ocupar el lugar de clásico indiscutible. Trabajando con el operador habitual de Wong Kar-Wai, el magnífico Christopher Doyle, Shyamalan encontró un aspecto visual arrollador para dar a la luz (y a la sombra) un cuento de hadas que se mezcla con la nocturnidad de un apartamento, unas criaturas que pueden ser sugerentes al borde de una piscina y de un jardín.

Haciendo un uso, entre sublime y autoindulgente, del humor suplió todas las exigencias del guión, exterminó al crítico y lanzó una advertencia (guerrillera) al espectador e incluso se permitió refutar parcial e inteligentemente su anterior película, aquella ‘El Bosque’ (The Village, 2004) que fue la primera (gran) sacudida a una sociedad puritana y belicosa que continuaba bajo el mandato de un presidente empeñado en hablar, maniqueamente, del Mal (en mayúsculas). Si allí las comunidades albergaban una visión cerril y reaccionaria del mundo, aquí una pequeña comunidad podía encerrar el mayúsculo destino de la humanidad, todo ello codificado en los relatos mitológicos. Lo que Shyamalan estaba haciendo, y muchos no se dieron cuenta, es la síntesis de todas sus obras y a su vez su versión más radical: hombres heridos y sin fe, cuentos populares que encierran las claves del universo cotidiano, las consecuencias de la muerte para los que sobreviven….

3. Incluso su peor película contiene su aliento.
El gran problema de ‘Airbender. El último guerrero’ (The Last Airbender, 2010) no era su cineasta, sino ese guión y ese remontaje, con la sombra alargada de la productora, siguiendo el manido esquema de Joseph Campbell y George Lucas en vez de dar vuelta y libertad total a un director que, sin embargo, se mostró capaz de rodar cosas como esta. Si el cine de acción no podía ser una experiencia estética, Shyamalan nos probó equivocados.

4. Porque ha firmado la mejor película de superhéroes.
Ninguna de las adaptaciones oficiales de superhéroes ha brillado con tanta sutileza y poesía como lo hace ‘El Protegido’ (Unbreakable, 2000) que configura el relato superheroico a un aspecto común, cotidiano, tejiendo un relato de resonancias mitológicas envidiable: la idea de que el fan fatal de los superhéroes, el coleccionista, es su mayor supervillano se probó fructífera ¿acaso no es esa la idea tras el villano de ‘Los Increíbles’ (The Incredibles, 2005)?

5. James Newton Howard que estas en los cielos.
Las colaboraciones entre compositor y cineasta (Herrmann/Welles o Horner/Cameron por no citar siempre las más obvias) dan resultados enormes en cualquier cineasta, potencian y el caso de Newton Howard con Shyamalan es un crescendo imposible. ¿Mis favoritas? Esos adagios dignos de Bernard Herrmann en los títulos de crédito de ‘Señales’ (Signals, 2002), ese salto mortal sin red con Bob Dylan en ‘La joven del agua’ (Lady in the Water, 2006) o la banda sonora de ‘El incidente’ (The Happening, 2008), una felicidad imposible.

6. Películas de monstruos (interiores)
Desde que Alfred Hitchcock decidiera que las aves eran la materia para un género improbable, la monster movie de interiores (porque, queridos lectores, la protagonista de aquella cinta era la catástrofe sexual de Heddren y los problemas maternales de Rod Taylor), no he visto cineasta más osado en conceptos. Convertir a la naturaleza, los árboles y el aire lo que proporcionaba era una hermosa y valiente oda al amor y a la crisis de pareja, cargada de reescrituras propias, incluyendo una coda a ‘Señales’ (Signs, 2002).

7. Es el gran heredero de Jacques Tourneur.
He invocado ya a Hitchcock, pero el aliento poético, disparado y espiritual, de Shyamalan lo sitúa en una raza improbable de cineastas: los poetas forjados en las producciones de Val Lewton, en concreto en las que dirigió Jacques Tourneur. Si hay alguna posibilidad de que ‘La mujer pantera’ (Cat People, 1948) sea entendida como manifiesto poético, Shyamalan es su gran discípulo: su cámara se mueve con sutileza, sus encuadres buscan siempre el rostro del individuo y sus sombras, no estamos ante el barroco (ya enfatizado por la generación de los años ochenta) sino ante el redescubrimiento de las capacidades expresivas de la elipsis.

8. Una espiritualidad (verdaderamente) post-spielbergiana.
Que Steven Spielberg confiese en la biografía de John Baxter que siempre recordara ‘El mayor espectáculo del mundo’ no me parece una casualidad: Cecil B. DeMille hacía espectáculos arrolladores y bíblicos y en aquella película abordaba el show business como algo tan enorme y magistral como el viaje de Moisés. ¿O tal vez fuera que Moisés era tan espectacular y circense como ‘El mayor espectáculo del mundo’ (The greatest show on earth, 1952)? Dejo las maldades para otro post, pero si Spielberg tomó a DeMille para descubrirnos las luces en el cielo de un hombre corriente, Shyamalan ha ido más allá: el hombre corriente es, también, su propia revelación, su propio campo. Un vigilante de seguridad, un cura retirado, un modesto trabajador de apartamentos y un profesor: todos ellos sufrirán un viaje, sin momentos excesivamente grandilocuentes, en el que cambiará su percepción cósmica sin que el movimiento sea demasiado brusco. Lo que hay que proteger y lo que hay que entender es, sorpresa, el amor, incluso el perdido.

9. Por su (interminable) Descubrimiento de autores y talentos.
¿Había considerado alguien el potencial dramático de Bruce Willis antes de Shyamalan? ¿Sabíamos del prodigio magnético y expresivo de Bryce Dallas Howard? ¿Qué sería de nosotros sin ese primer contacto con una arrebatadora Zooey Deschanel? ¿Y esos trabajos, prodigios de la micro-expresividad, que brindan William Hurt o Samuel L. Jackson como villanos nada convencionales? Si hay alguien que ha demostrado que las estrellas pueden trabajar más allá de registros habituales o de cultivar una imagen o un tipo de papeles, es él.

10. Porque él ama a Resnais.

Y nosotros con él.

Aquí os traigo los resultados de la última encuesta, centrada en la música de las películas. Por supuesto, hay numerosas bandas sonoras sublimes, canciones memorables y compositores excepcionales, y decidir cuál es mejor no solo sería algo absurdo, también innecesario, yo prefiero verlo como un juego, una excusa para repasar, recordar, opinar y debatir, nada más. Dicho esto, vamos a echar un vistazo a las opciones más votadas:

• ‘Pulp Fiction’ (1994) tiene la mejor banda sonora (soundtrack) del cine. La selección musical del film más famoso de Quentin Tarantino (por el cual ganó la Palma de Oro en Cannes) se llevó el 17% de los votos, un 5% más que la de ‘Amélie’ (‘Le fabuleux destin d´Amélie Poulain’, 2001); la banda sonora de ‘Forrest Gump’ (1994), curiosamente del mismo año que ‘Pulp Fiction’, quedó tercera con el 10%.

• ‘Knockin´ on Heaven´s Door’ es la mejor canción original incluida en una película. El tema de Bob Dylan para ‘Pat Garrett & Billy the Kid’ (1973), uno de los mejores trabajos de Sam Peckinpah (en mi opinión es el mejor), fue votado por el 14% de los lectores, superando a ‘Moon River’ (Johnny Mercer, Henry Mancini, Audrey Hepburn), ‘Ghostbusters’ (Ray Parker, Jr.) y ‘Streets of Philadelphia’ (Bruce Springsteen); curiosamente, las tres canciones quedaron empatadas con un 10% de votos.

• ‘La guerra de las galaxias’ (‘Star Wars’, 1977) tiene el mejor “score” del cine (la música de fondo que acompaña y subraya la imagen). La partitura de John Williams se lleva el triunfo en esta categoría con facilidad, alcanzando el 28% de votos. El 14% de los lectores se decantaron por la música de Nino Rota para ‘El padrino’ (‘The Godfather’, 1972), y el 8% eligió la de Ennio Morricone para ‘La misión’ (‘The Mission’, 1986).

• John Williams es vuestro compositor de cine favorito. El 29% de los lectores votaron por el autor de la música de títulos como ‘Superman’, ‘En busca del arca perdida’ o ‘La lista de Schindler’, entre otras; no os perdáis el vídeo que os dejo abajo, pone la piel de gallina. Ennio Morricone (‘El bueno, el feo y el malo’, ‘Érase una vez en América’, ...) quedó en segundo lugar con el 21% de los votos y Hans Zimmer (‘La roca’, ‘Origen’...) completa el podio con el 18%.

Y eso es todo. ¿Qué os parecen los resultados? Por mi parte, es la primera vez en la que estoy de acuerdo con todo, recalcando una vez más lo dicho en el primer párrafo, que no se trataba de sentar cátedra. No dudo que haya bandas sonoras tan buenas o mejores que la de ‘Pulp Fiction’ ni digo que Williams sea el mejor compositor que ha trabajado en cine, pero sí son las dos opciones que votaría en esta encuesta, ayer, hoy y mañana, porque el CD de la película de Tarantino lo he escuchado miles de veces y Williams firma la música de varias de mis películas favoritas, aquellas que despertaron mi amor por el cine.

PD: Próxima encuesta, ¿terror o comedia?

Llegamos al que para un servidor es el punto más alto en la filmografía de Sam Peckinpah. Cuando se trata de debatir cuál puede ser la mejor película de Peckinpah, y la cosa siempre está entre ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) y ‘Pat Garrett y Billy the Kid’ (‘Pat Garrett & Billy The Kid’, 1973). El film protagonizado por William Holden es una cumbre del género western, de eso no hay duda, una película gracias a la cual el género se revalorizó y se abrió a nuevos caminos cuando éste ya parecía muerto. Una obra maestra cuya influencia en el cine posterior aún continúa dándose en la actualidad, pero la película que hoy nos ocupa es la representación máxima de todas las inquietudes de Peckinpah, yendo si cabe, un paso más allá.

Una obra de una melancolía casi asfixiante en la que no hay ni buenos ni malos, sólo el paso del tiempo haciendo mella sobre unos personajes que intentan adaptarse a los nuevos tiempos, aunque para ello tengan que traicionar a sus amigos de toda la vida. Peckinpah se permite además introducirse brevemente en la historia de los USA con la reconstrucción de un mito como Billy el Niño enfrentado por principios al poder establecido en una época en la que el viejo Oeste estaba muriendo.

Peckinpah, el problemático

Los rodajes de Sam Peckinpah eran famosos por los enormes problemas que el director causaba en los mismos, corriéndose juergas todos los días, que normalmente acaban en peleas, algunas de ellas muy serias, o despedía a un buen número de empleados por no cumplir bien su trabajo. La filmación de ‘Pat Garrett y Billy The Kid’ permanece como una de las más laboriosas, difíciles e incluso peligrosas de toda la filmografía de su director, al que todo el mundo odiaba por su fuerte carácter, y al mismo tiempo amaban por su indiscutible gran talento. En un principio el proyecto de la película fue ofrecido a Monte Hellman, quien venía de obtener cierto éxito con ‘Carretera asfaltada en dos direcciones’ (’‘Two-Lane Blacktop’, 1971), película que por cierto encantaba a Peckinpah y en la que sale uno de sus actores fetiche, Warren Oates.

Curiosamente el guión de la mencionada película era obra de Rudy Wurtlizer que también escribió el de ‘Pat Garrett y Billy the Kid’ y que tuvo que presenciar cómo Peckinpah hacía prácticamente una reescritura completa de su texto. Este fue el primer problema en el accidentado rodaje del film. Wurtlizer no entendía, así lo explicaba James Coburn en varias entrevistas, que un guión debía ser destrozado por el director para a partir del mismo material construir algo nuevo con la misma esencia. Y eso es precisamente lo que hacía Peckinpah, poseía un ojo único para sacar el máximo provecho de las historias que llegaban a sus manos. El problema es que muchos no lo entendían así y los enfrentamientos se sucedían días tras día.

A eso hubo que sumar que el mal estado de una lente de cámara provocara que la parte derecha de la imagen estuviese desenfocada, error del que no se percataban hasta que la película se positivase. Peckinpah protagonizó una de las anécdotas más famosas de su carrera, aquella en la que viendo en una sala lo que habían grabado acercó un silla, sobre la que se subió, a la pantalla y meó sobre la misma, lo que provocó el asombro de los presentes, entre los que se encontraba un joven Bob Dylan, que se acercaba por primera vez al mundo del cine, alentado por su amigo Kris Kristofferson quien sugirió su nombre a Peckinpah para que compusiera la banda sonora de la película. Acabó interpretando un personaje que no estaba en el guión, Alias, un experto lanzador de cuchillos que nunca se sabe de qué bando está y es como una especie de apartado testigo de los actos de Billy.

El fin de una época, fragmentación y síntesis

La historia de ‘Pat Garrett y Billy the Kid’ cuenta el enfrentamiento entre Garrett y Billy cuando el primero decide pasarse al lado de la ley aceptando el puesto de sheriff. Una caza a través de los encuentros y desencuentros de ambos personajes y de todos aquellos que formaron parte de sus vidas cuando les unía un bien común en tiempos de libertad. Ahora esa libertad está supeditada a los grandes caciques que limitan sus terrenos con alambradas. Garrett decide subyugarse a ellos, Billy seguirá defendiendo su libertad, la que realmente todos añoran.

En un principio Peckinpah montó un largometraje de tres horas y cuarto de duración, pero le obligaron a reducirlo por las evidentes exigencias comerciales. Logró reducirlo con la ayuda de nada menos que cuatro montadores —entre los cuales se encontraba el futuro director Roger Spotiswoode— a casi dos horas consiguiendo un grado de síntesis absolutamente envidiable. El mandamás de la Metro Goldwyn Mayer por aquellos años, James Aubrey, que tenía fama de inculto y de despreciar a todo el mundo incluido el público, quiso reducir aún más la película y negó a Peckinpah todo control sobre la misma. Al fin y al cabo, la MGM le contrató porque lo consideraban un director rentable gracias a su anterior película, y usaron su nombre como publicidad. En 1989 y 2005 se realizaron dos restauraciones de ‘Pat Garret y Billy the Kid’ que se acerca bastante, o eso dicen, a lo que Peckinah tenía en mente. Ambas, a pesar de poseer seis minutos de diferencia en su metraje se apartan en el montaje y en la utilización de la banda sonora. Personalmente me quedo con la última restauración hecha.

‘Pat Garrett y Billy The Kid’ habla del fin de una época a través de sus personajes, en cierto modo todos acabados. Billy sigue siendo la voz de la rebeldía, su destino es morir como vivió, con coherencia a sus principios; Garrett quiere sobrevivir a cualquier precio, aunque éste sea matar a su mejor amigo. La película parece construida a base de fragmentos en los que se hace hincapié sobre la idea una y otra vez sin resultar repetitiva, las relaciones entre los importantes personajes secundarios son sugeridas, y es el espectador quien las construye en su cabeza gracias a la sutilidad de Peckinpah. La añoranza por los viejos tiempos de libertad y amistad se refleja en cada una de las doloras muertes de muchos de los personajes, siendo famosa la secuencia de la agonía del sheriff Baker (Slim Pickens) al lado de un río, mientras suena ‘Knocking on Heaven´s Door’ de Dylan, y la señora Baker se arrodilla a escasos metros de su marido para hacer lo mejor que una persona puede hacer por su compañero amado, estar a su lado en el momento de su muerte. Garrett (sensacional James Coburn) es testigo mudo desde la distancia y el dolor es palpable en su mirada, mezcla de desesperación, culpabilidad y arrepentimiento. En su fuero interno sabe que dar caza a Billy (Kris Kristofferson nunca estuvo mejor) tiene un precio muy alto, injusto y puede que innecesario.

Pocas veces una película ha sido tan triste y melancólica como ésta. Todo el lirismo de Peckinpah alcanza su máximo esplendor en la corta secuencia en la que, después de matar a Billy, Garrett ve su propia imagen reflejada en un espejo sobre el que dispara. Es a él mismo contra quien dispara, consciente de haberse sentenciado en ese momento. Al matar a su amigo él también ha muerto, da igual cuantos años más viva. Por eso en el momento de su muerte, relatada magistralmente en el inicio del film mediante un montaje que une dos épocas, Garrett recuerda el verdadero momento en el que dejó de vivir, el que nos narra el film en el que parece el flashback más extraño y poético de cuantos se hayan hecho.

Conclusión

‘Pat Garrett y Billy the Kid’ fue un fracaso de público pero las críticas extraordinarias; el tiempo la ha ido revalorizando, descubriéndose como lo que es. El film más íntimo de Sam Peckinpah, en el que con enorme sutilidad aúna reflexión y fisicidad, contención y violencia. La esencia pura de Peckinaph. Una obra maestra.

Anécdota de posdata: Sam Peckinpah era famoso por las enormes borracheras que se cogía en los rodajes y que les llevaba a protagonizar unos cuantos escándalos, por no hablar de los enormes problemas de salud que contrajo debido a su adición al alcohol. En ‘Patt Garrett y Billy the Kid’, el director realiza un breve papel, el de un enterrador que mantiene una corta conversación con Garrett. El sheriff le ofrece un trago de whisky, que el enterrador rechaza con toda naturalidad. Es sin duda un momento antológico, por divertido. Nada más y nada menos que Sam Peckinpah rechazando un trago de whisky, algo sobre lo que James Coburn bromeó durante mucho tiempo.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’
• ‘Perros de paja’
• ‘Junior Bonner’

• ‘La huida’

‘Shutter Island’

Título original: ‘Shutter Island’ (2009, EEUU)
Dirección: Martin Scorsese
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, John Carroll Lynch, Elias Koteas, Joseph McKenna
Sinopsis: Verano de 1954. Los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla de la bahía de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario dirigido por el siniestro doctor Cawley (Ben Kingsley). Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos, y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes.

¿Qué podemos esperar? Cualquier nuevo trabajo de Scorsese siempre es bien esperado. Reconozco que al principio no me sonaba bien, no me atraía en exceso, hasta que su paso por Berlín, ha dejado una ristra de comentarios elogiosos (aunque Adrián desde allí le pareció una decepción anunciada). En cualquier caso, gran reparto y parece que con el talento de Scorsese nuevamente desarrollando una interesante historia vestida de thriller. Imprescindible salir de dudas.

‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’

Título original: Percy Jackson & the Lightning Thief (2010, Canadá-EEUU)
Dirección: Chris Columbus
Intérpretes: Rosario Dawson, Uma Thurman, Pierce Brosnan, Catherine Keener, Sean Bean, Kevin McKidd, Logan Lerman, Steve Coogan, Joe Pantoliano, Melina Kanakaredes, Brandon T. Jackson, Erica Cerra, Chelan Simmons,
Sinopsis: Percy Jackson (Logan Lerman) es un adolescente que descubre que es el hijo de Poseidón (Kevin McKidd), dios del mar y los terremotos. Se entera de que los seres legendarios de la mitología griega todavía existen, como monstruos, cíclopes, Empousai, Titanes, y también los Dioses del Olímpo.
Junto con dos de sus mejores amigos, Percy es enviado a una misión llena de peligros, una búsqueda en un tiempo récord, antes del solsticio de verano, para recuperar el rayo maestro de Zeus (Sean Bean) después de que alguien se lo robara.
Esta revisión de la mitología griega clásica trae a la actualidad a antiguos mitos como el de la Medusa (interpretada en la película por… ¡¡Uma Thurman!!), el Inframundo, el minotauro, Equinda (madre de los monstruos), como padres de la civilización occidental.

¿Qué podemos esperar? Una nueva aproximación al cine de aventuras y fantasía de tono preadolescente que parece recordar en exceso a señores con anillos y a niños magos supertaquilleros. En esta ocasión es el primer asalto a una nueva saga literaria. Parece bien acabado, sorprendente, deslumbrante, con buen reparto pero con historia poco original y muy original tendría que ser para que sorprenda hoy en día a su principal público. No lo tiene fácil.

‘I’m Not There’

Título original: ‘I’m Not There’ (2007, EEUU-Alemania)
Dirección: Todd Haynes
Intérpretes: Cate Blanchett, Ben Whishaw, Christian Bale, Richard Gere, Marcus Carl Franklin, Heath Ledger, Kris Kristofferson, Don Francks, Roc LaFortune, Larry Day, Paul Cagelet, Brian R.C. Wilmes, Pierre-Alexandre Fortin, Richie Havens, Tyrone Benskin, Kim Roberts, Eric Newsome, Angela Galuppo, Jane Wheeler,
Sinopsis: I’m not there es un viaje poco convencional a la vida de Bob Dylan. Seis actores retratan a Dylan como una serie de personas cambiantes, de lo público a lo privado, a lo fantástico, tejiendo un rico y colorido retrato de este icono americano. Poeta, profeta, fuera de la ley, fraude,estrella de la electricidad,mártir del rock and roll, cristiano renacido, siete personalidades entremezcladas, siete órganos bombeando, insuflando a la historia de una vida tan densa y vibrante como la era que inspiró.

¿Qué podemos esperar? Pues que todos nos hayamos olvidado de esta película tras la infame demora a la que la han sometido para estrenarse en España. Sin embargo, no podemos olvidarnos que la gran Cate Blanchett logró una nominación al Oscar por este papel donde se mente en la piel de Bob Dylan. También ganó en Venecia en 2007, y según algunas críticas es todo un festín, llena de matices pero con cierta discrepancia entre las opiniones. Habrá que salir de dudas.

Crítica en Blogdecine:

• ‘I’m Not There’, el trovador de la conciencia

‘El solista’

Título original: ‘The Soloist’ (2008, Reino Unido-EEUU-Francia)
Dirección: Joe Wright
Intérpretes: Robert Downey Jr., Catherine Keener, Jamie Foxx, Stephen Root, Tom Hollander, Rachael Harris, Justin Martin, Marissa Ghavami, Lisa Gay Hamilton, Justin Rodgers Hall, David Jean Thomas
Sinopsis: Un drama acerca del poder redentor de la música, cuenta la historia del periodista Steve Lopez (Robert Downey Jr) y de Nathaniel Anthony Ayers (Jamie Foxx), que había sido un prodigio de la música clásica, pero que ahora toca el violín en las calles de Los Ángeles. Mientras Steve se esfuerza en ayudar al sintecho a recuperar su vida, nace una amistad única que cambiará la vida de ambos.

¿Qué podemos esperar? Una historia muy manida, que sinceramente sólo se salva por el trabajo de Foxx y de Downey Jr., y al que también el retraso en su estreno no le ha hecho nada bien. Una película simplona en su narración que adolece un guión flojo muy de telenovela. Para los más fanáticos de sus intérpretes.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El solista’. El buen hacer de Joe Wright al servicio de una nimia anécdota

‘Arthur y la venganza de Maltazard’

Título original: ‘Arthur et la vengeance de Maltazard’ (2009, Francia)
Dirección: Luc Besson
Intérpretes: Penny Balfour, Freddie Highmore, Mia Farrow, Robert Stanton, Ron Crawford, Matthew Gonder
Sinopsis: Arthur está muy contento porque esta noche es el final del décimo ciclo de la luna y por fin podrá regresar a la tierra de los Minimoys y reencontrarse con la princesa Selenia. Pero el padre de Arthur escoge justo este día para anunciar que acortan sus vacaciones y adelantan la marcha de casa de la abuela. Cuando están a punto de partir, una araña deposita un grano de arroz con un mensaje de socorro en la mano de Arthur: ¡Selenia está en peligro!. Arthur no se lo piensa dos veces y decide ir en su rescate, embarcándose en una aventura que empezará en el bar de Max y en la que se topará con las tropas de Kröb, el nuevo tirano de los Siete Reinos, salvará al pequeño Betameche y luchará contra ratas, ranas y arañas peludas. Al llegar a la aldea de los Minimoys, Arthur descubre que ellos nunca le enviaron el mensaje de socorro. ¿Quién tendió esta astuta trampa a nuestro joven héroe?

¿Qué podemos esperar? Pues la segunda entrega de la trilogía de los Minimoys, la apuesta de Besson por esta historia infantil de animación que ha tenido notable éxito en Francia, aunque reconozco que no vi la primera y no le encuentro suficiente gancho para sumergirme en esta segunda (y tras leer la crítica de Beatriz, aún menos). Pero claro, hay un público infantil que responderá con entusiasmo.

‘Amores locos’

Título original: ‘Amores locos’ (2009, España)
Dirección: Beda Docampo Feijóo
Intérpretes: Irene Visedo, Eduard Fernández, Marisa Paredes, Cuca Escribano, Carlos Hipólito, Marta Belaustegui
Sinopsis: Julia, una joven cuidadora del Museo del Prado, está convencida de que ella aparece en una pintura flamenca que figura en la sala en que trabaja, junto a un hombre que dice es su amante. El día que se encuentra con Enrique, un prestigioso psiquiatra, no tarda en confesarle su convicción de que ambos son los personajes de una pintura del siglo XVII, y que se han amado con locura hace cuatro siglos. Enrique ve en ella a una joven enferma y, aprovechando que está ultimando una investigación sobre los delirios pasionales, decide convertirla en su paciente. La lucha entre la razón y los sentimientos comienza con él tratando de curarla, y ella intentándolo convencer de que ambos están destinados a estar juntos de una manera misteriosa e inexplicable. Esta lucha los llevará a la mágica ciudad de Brujas, donde uno de los dos, conseguirá su propósito.

¿Qué podemos esperar? A pesar de que estuvo en el Festival de Málaga en la sección oficial, esta historia de amor extremo no ha tenido demasiadas buenas palabras. Parece que la cinta no cuenta con una resolución muy afinada para retratar una pasión tan alocada como aparenta, pero es la ración de cine español de la semana y con el buen nivel que llevamos últimamente, miedo me da que nos devuelva el pesimismo (y más con ese toque surrealista que destila).

Vía | MySofa

Ganadora en la Mostra de Venecia de 2007 de la Copa Volpi a la mejor actriz, Cate Blanchett, y del Premio Especial del Jurado, además de otro premio menor, este largometraje todavía no ha sido estrenado, más de un año después, en salas comerciales españolas, por razones indescifrables. En esta segunda mitad de la presente década, la lista de títulos importantes que han visto retrasado o ninguneado su estreno comienza a ser alarmante, insultante y preocupante. La distribución española ha privado al espectador español de una elegía en torno a la figura del que pudiera ser el más prolífico e influyente músico norteamericano del siglo XX.

Los que la han visto esperando un biopic, del estilo de los varios que nos han llegado del otro lado del atlántico estos últimos años, (todos cortados con el mismo patrón), se han sentido vivamente decepcionados ante el torrente de lirismo y el carácter imaginativo que Haynes despliega en ‘I’m Not There’, una película muy difícil de etiquetar y clasificar, y que por tanto irrita a aquellos que quizá pretenden que el cine ha de ser siempre una historia lineal, con planteamiento, nudo y desenlace. Porque esta apasionada película se desprende de todo conservadurismo formal para explorar las posibilidades de la imagen y la estructura fílmicas. Con vocación de ser más una canción que una película, queda al espectador la decisión de dejarse llevar, o de negarse a hacerlo. Aquí no se engaña a nadie.

Hipnótica, irregular, melancólica, psicodélica, ingeniosa, sorprendente, generosa, bohemia, vanguardista, bizarra…‘I’m Not There’ se presta al juego metafórico ilimitado, y se regodea en una narrativa sincopada y lisérgica en ocasiones, radical y hasta serena en otras. Lo menos chocante termina siendo que para contar varias etapas personales y varios ciclos anímicos de la vida del cantautor y potea Dylan, interpreten a la persona y al personaje (que terminan por fusionarse en un todo poliédrico) seis intérpretes diferentes: Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Marcus Carl Franklin, Heath Ledger y Ben Whisaw. Porque lo que al final le queda a uno en la memoria es el viaje sensorial de gran belleza plástica y de amor por el detalle en que nos embarcamos, a poco que aceptemos una estructura heterodoxa.

El pastiche definitivo

Todd Haynes ya había dado muestras de su extravagante, barroca, impredecible personalidad plástica con ‘Velvet Goldmine’ y ‘Far From Heaven’. En realidad, parece que andaba buscando la historia o el personaje definitivos para cuajar definitivamente su estilo personalísimo. Y lo ha logrado. Si en la inolvidable ‘Velvet Goldmine’ contaba la ficticia historia de una estrella del Glam Rock, ahora retrata a una leyenda auténtica de su país. Y lo hace mezclando blanco y negro con color (en varias gradaciones temporales para un trabajo estupendo del operador Edward Lachman), adquiriendo en ocasiones la forma de falso documental y en otras la de videoclip de gran calidad, y regresando siempre a un tono onírico de cadencioso vuelo poético.

Auténtico puzzle narrativo, no exento de mordaz ironía, construido como espejo de un mundo en busca de sí mismo. Porque relatar la vida de este artista, es retratar y analizar la cultura norteamericana del siglo XX (su música, sus géneros cinematográficos, su relación con la iglesia, sus guerras, su despersonalización, su periodismo, su forma de vida), algo que Haynes no se priva de hacer en ninguna secuencia. Los múltiples niveles de ‘I’m Not There’ no olvidan el objetivo final: ofrecer un tío vivo emocional, un collage esperpéntico pero dignificador, que por supuesto se adentra en las miserias de todo artista de rock de vida tumultuosa, pero que ofrece algo más. Una salida digna quizá. En medio de ese vértigo vacío, aún hay tiempo para el existencialismo. Ese que destilan los poetas malditos a los que acusan de venderse, de traicionarse, pero que nunca han olvidado el camino de vuelta.

En realidad, la estrategia deviene fugaz intento de agarrar lo inasible. En lugar de estudiar a la persona, al hombre, Haynes crea seis alter-egos, seis opciones abstractas, algunas de ellas auténticas desvergonzadas falsedades, para tachar del dibujo todo lo superfluo, y obtener así el contorno de Bob Dylan.

Al parecer, Martin Scorsese planea dirigir un biopic para la Universal Pictures sobre Frank Sinatra; la película estaría centrada en los últimos años o la última etapa de la vida del famoso cantante y actor. La hija menor de Sinatra ha sido quien ha destapado la información.

Tina Sinatra, que quiere producir la película (ya hizo lo propio con una mini-serie de 1992 centrada en la figura de su padre), ha revelado que ha hablado con el director de ‘Taxi Driver’ y ‘Casino’ y que éste se encuentra en un “período de reflexión” sobre el proyecto, así como que está dispuesto a presentar la verdad sobre su padre (sobre el de Tina, claro, sobre el padre de Martin no resultaría tan interesante). Eso significaría que en el film no se mostraría ningún tipo de conexión entre el artista y la mafia, a pesar de los rumores (es precisamente esto lo que se quiere “combatir”) y de que sea Scorsese quien esté tras las cámaras; algo que, de todas formas, no ha sido confirmado aún oficialmente. Scorsese ya ha dedicado una película a Bob Dylan (‘No Direction Home: Bob Dylan’) y a los Rolling Stones (‘Shine a Light’). ¿Será Sinatra el siguiente?

La verdad es que con tanto biopic, resultaba raro que no se hablase de una gran producción centrada en este popular mito. Recordemos que Frank Sinatra participó en películas tan famosas como ‘El Mensajero del Miedo’, ‘La Cuadrilla de los Once’, ‘El Hombre del Brazo de Oro’ y, sobre todo, ‘De Aquí a la Eternidad’, por la que obtuvo el Oscar al mejor actor de reparto. Ya puestos, ¿qué actor créeis que debería encarnarle?

Por cierto, mañana se cumplen 10 años sin La Voz. Vamos a dedicarle unos minuticos…

Vía | Dark Horizons

Aquí tenemos el póster italiano de ‘I´m Not There’, una de las sensaciones de este año. Y es que ver a Christian Bale, Heath Ledger, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere y Ben Whishaw como Bob Dylan en una misma película suena, cuanto menos, muy interesante. A ver qué sale.

‘I´m Not There’ ha sido dirigida por Todd Haynes, y en su reparto, junto a los ya mencionados, también tenemos a Julianne Moore, Charlotte Gainsbourg o Bruce Greenwood, entre otros. Aún no hay fecha de estreno para España.

Vía | Impawards

Ya hemos hablado en varias ocasiones de I’m not there, película dirigida por Todd Haynes, en la que varios actores como Richard Gere, Christian Bale, Heath Ledger o Cate Blanchett, dan vida a Bob Dylan.

Hasta ahora, aparte de las imágenes del póster, hemos visto a Cate Blanchett caracterizada como el mítico cantautor en un par de sorprendentes fotos. En este breve clip de la película podemos ver a la actriz interpretando a Dylan por primera vez.

Causa una sensación algo extraña, ya me diréis que os parece.

Vía | Cineblog.it

Por orden en el póster: Richard Gere, Cate Blanchett, Christian Bale y Heath Ledger. Los cuatro dan vida al mítico Bob Dylan en una de las películas más esperadas por un servidor en lo que queda de año, ‘I´m Not There’, que ha sido dirigida por Todd Haynes, autor de la magnífica ‘Lejos del Cielo’ y de la curiosa, aunque menos perfecta, ‘Velvet Goldmine’.

Pero es que además a Dylan también le dan vida Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw, y en el reparto también se dejan ver Julianne Moore (de actualidad en nuestra cartelera gracias a la retardada ‘La Ganadora’), Michelle Williams y Bruce Greenwood, entre otros. La película se estrena en los USA el próximo 21 de Septiembre, y no sería de extrañar que estuviéramos ante uno de los films de los próximos Oscars.

Vía | Las Horas Perdidas

Durante el rodaje de I’m not there ya pudimos ver en un par de imágenes el aspecto que lucirá Cate Blanchett en el film, caracterizada como Bob Dylan.

Sorprendente, aunque nada comparado con esta fotografía que he encontrado en Las Horas Perdidas, donde nos encontramos con el auténtico/a Bob Blanchett o Cate Dylan, por muy raro que esto pueda sonar.

Me explicaré mejor, el parecido es impresionante, la ambientación perfecta, pero el encanto de la actriz sigue estando presente ¿Se puede pedir más en una sola imagen?

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