¿Tienes un conejo en tu bolsillo o es que te alegras de verme?

-Dolores

Hay películas que son mucho más de lo que aparentan a simple vista. Hay también supuestas obras de arte que lo son más por grandilocuencia que por verdadera poesía. Todo depende de quién mire.

Actualmente Robert Zemeckis es un director sin rumbo, que efectuó una pirueta similar a la de su mentor Steven Spielberg cuando intentó dejar atrás su más fecunda etapa para convertirse en eso que se suele llamar “director de prestigio”, quizá sin saber que lo que le dio verdadero prestigio fue la trilogía ‘Regreso al futuro’ y algunas películas de aquella época, en las que su alegría por filmar, su amor por el cine y su imaginación (apadrinado por Spielberg, por supuesto, pues el viejo zorro sabía que el pupilo tenía talento) eran arrolladoras.

Porque amor por el cine, grandioso e ilimitado, tiene esta joya titulada ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’, precisamente lo que no tienen otras de las suyas, como la ultraconservadora, ridícula ‘Contact’, de la que hablamos hace unos meses, o la también ultraconservadora y superficial ‘Forrest Gump’. Zemeckis es un director de un ingenio desbordante, capaz de deleitarnos con aventuras muy por encima de la media. Y esto se percibe desde el mismo comienzo de esta maravilla.

Un guión modélico

En España no existe esa tradición, pero en Estados Unidos, algunas distribuidoras ofrecen, de cuando en cuando, un mini-episodio de ‘The Simpsons’ o alguna otra serie de animación como extra al visionado del largometraje por el que se ha pagado la entrada. Y eso es lo que parece la introducción de esta película, en la que Roger Rabbit, un cruce entre la torpeza extrema de Goofy y el estoicismo del pato Lucas, sufre lo indecible para ejercer de canguro del bebé Herman, una adorable criatura que, en busca de galletas, mete en serios apuros al conejo.

Pero nada es lo que parece. No es un sketch previo al pase, sino un breve episodio a la manera de las series de animación de los años 40 (eso sí, hiperbolizada, como mandan los tiempos). Pero no es una animación, sino imagen real, pues los dibus son actores filmados a cámara. Y el bebé Herman no es adorable, sino un viejo verde. Nada es lo que parece. Descubrimos la pequeñez del set, que parecía enorme viendo la secuencia (uno de los cientos de falseos de la película), y el director de la misma (encarnado por el famoso productor Joel Silver), la corta porque, a pesar de la perfección técnica de la misma, no le parece adecuado cambiar el guión cuando a Roger le salen pajaritos de la cabeza en vez de estrellitas.

De modo que no estamos en una muestra de “cine dentro del cine”, sino en un “cine dentro de un cine que homenajea y reinterpreta a dicho cine”, por llamarlo de alguna manera. Eddie Valiant (fenomenal Bob Hoskins, un actorazo de los pocos que hay), un detective en horas bajas que en lugar de pistola lleva una petaca en su funda, es contratado por el magnate de los estudios de animación para un trabajo sucio (sacarle unas fotos a la mujer del conejo, para animarle la vista…) y absurdo, pero él, desesperado, lo acepta, sin saber dónde se mete.

Basada muy libremente en la novela de Gary K. Wolf, la historia acoge todos los lugares comunes del cine negro clásico de los años treinta, cuarenta y primeros cincuenta, para deconstruirlos y reírse de ellos, pero al mismo tiempo les rinde pleitesía y efectúa la pirueta con cariño y pasión extremos. Así, en la larga secuencia del tugurio llamado ‘La tinta y la pintura’ el gorila es un gorila de animación, al igual que el barman es un pulpo con docenas de brazos, los camareros son pingüinos, y la mujer de Roger Rabbit no es una coneja, sino una hembra impresionante mezcla de Lauren Bacall, Greta Garbo y todas las femmes fatale del género que imaginar quepan, y como tal va a ejercer en esta trama.

Insuperable mixtura de géneros

Quizá el ejemplo perfecto de esa mixtura (sumada al referido amor por el cine) sea la “traición” de Jessica Rabbit a Roger Rabbit, las “palmitas” que lleva a cabo con Marvin Acme… que en efecto ¡son palmas, palmitas! Eso sí, Roger se siente igualmente dolido. Así se mezcla de manera genial la turbiedad del cine negro con el cachondeo desatado de la comedia animada. Pero hay muchos más ejemplos en un conjunto narrado de manera inspiradísima por un Zemeckis en estado de gracia, que imprime (nunca mejor dicho) una nostalgia sincera a la película.

Fenomenal es el plano en el que la cámara se pasea por las pertenencias polvorientas del hermano fallecido de Eddie, que termina precisamente en el propio Eddie a la mañana siguiente, durmiendo la mona. Como fenomenales son todas sus decisiones de puesta en escena, empezando por los actores, pues Hoskins es la antítesis del clásico detective del género, aunque nos lo creemos sin ningún problema. La habilidad de Zemeckis es tal que puede mezclarle en la misma escena con el tenebroso juez Doom (otra caricaturesca y sublime creación del sinpar Christopher Lloyd), un personaje salido de cómic, y que ambos estilos no se anulen el uno al otro, sino que se enriquezcan.

Es decir, lo que quizás en manos de otro cineasta hubiera resultado un collage amorfo, en las de este artista del entretenimiento se convierte en un divertimento insuperable, desprejuiciado y referencial.

Post Data Inevitable: No es una película infantil

Con cada nuevo visionado, me sorprende la violencia de una película que algunos tomaron en su tiempo, equivocadamente, como una muestra de cine para niños, como si hubieran tomado el modelo de cine de detectives y le hubieran rebajado la edad por el mero hecho de incluir dibujos animados (por cierto, en este aspecto, técnicamente no ha sido superada todavía), cuando en verdad se trata de un relato en ocasiones muy oscuro, que provoca la risa pero que también tiene momentos e ideas turbadores.

Turbador es el “baño”, caldo creado por el juez Doom que derrite a los dibus y que parece ser la única forma de matarles (aunque luego iremos viendo unas cuantas maneras más de hacerlo). Inquietantes son los agentes del juez, que no podían ser representados sino como hienas comadrejas (estas pueden morir de un ataque de risa). Dibulywood (en realidad ToonTown) es una especie de Barrio Chino, en el que la ley apenas puede controlar el crimen. El duelo de piano entre el pato Lucas y el pato Donald (la Warner contra la Disney) concluye con este último empleando un cañón, y con los cuernos del diablo, para dejar fuera de combate a su oponente.

Finalmente el juez Doom es el psicópata responsable de la muerte del hermano de Eddie, y su caracterización pone los pelos de punta: una suerte de mutante de dibujos capaz de cualquier crueldad, incluida la destrucción total de ToonTown o del asesinato del mítico Marvin Acme, tirándole una caja fuerte a la cabeza. De hecho, más que enturbiar la comedia de dibujos, parece que la comedia aligera un poco un relato tan sórdido como cualquier otro clásico importante de la gran estirpe del film noir.

Cariño, a lo mejor puedes pasarte por blanca, pero no eres invisible

-Sandman Williams

En ocasiones, queriendo salir de una situación que a priori parece desesperada, terminamos cayendo en la verdadera trampa. Es lo que ocurre cuando, huyendo de nuestro posible verdugo, vamos a parar bajo las ruedas de un autobús. Y algo parecido le sucedió a Coppola, que cuando creía levantar el vuelvo con la maravillosa ‘Rebeldes’, cayó dándose un buen golpe debido al fracaso rotundo en taquilla de la fascinante ‘La ley de la calle’. Y cuando, para salir del atolladero en que estaba metido, no olvidemos el fiasco de ‘Corazonada’, cogió una llamada de Robert Evans.

Evans, que fue uno de los que le hicieron la vida imposible durante el rodaje del primer Padrino. El megalómano y engatusador productor veía que se le iba de las manos su proyecto sobre uno de los locales más famosos de su país a principios de siglo, el Cotton Club, al que sólo podían asistir (adinerados) blancos, y donde sólo podían tocar y bailar talentosos negros, y decidió llamar al que le había salvado en aquella tragedia italoamericana, dando sorpresivamente la vuelta a la situación. Coppola aceptó, y aún se lamenta de ello.

Fue el penúltimo reencuentro con Mario Puzo, con quien le unía una amistad sincera. Gracias a su complicidad, Coppola pudo hacer algunos cambios en el guión previsto. Se trataba de narrar la historia de dos parejas de hermanos (dos negros y dos blancos), cuyas trayectorias vitales se entrecruzaban y rozaban sin llegar a tocarse, o a influenciarse del todo. Aunque en realidad, ‘The Cotton Club’ es una historia coral, donde varios personajes, con el local, la ciudad de Nueva York, la Ley seca y la depresión de fondo, y la música negra y el magnífico score de John Barry como acompañamiento insustituible. Pero algo no acaba de funcionar debidamente.

Cuando Coppola llega a la película, cuyo rodaje ya había comenzado, aquel proyecto ya era un pozo sin fondo. Y a parte de eso…¿qué clase de película era? ¿De autor, comercial? ¿Un musical, cine negro, melodrama? La película sale perjudicada de esa indefinición tonal, y Coppola termina firmando su película más impersonal hasta la fecha. El director que se implica en cada película como si fuera la última, que siempre cuenta algo de su vida a través de sus películas, por primera vez no tiene nada que decir, se queda mudo entre tanto ruido y tanta parafernalia.

Hermanos y música

Veníamos, precisamente, de otra historia de hermanos con ‘La ley de la calle’, pero allí teníamos la sensación de que el director estaba en su salsa, y aquí todo parece un remedo de otras películas suyas (sobre todo ‘El padrino’) y de otros directores que, a lo mejor, podrían haber dado algo más que una realización, eso sí, soberbia. El empaque de la película es esplendoroso. Es un juego de luces y sombras, de sedas y bordados, de cuerpos y melodías. Todo parece un baile sin fin, pero el corazón está ausente.

Hasta ahora todos los personajes centrales de sus películas aprendían algo terrible, mental o emocionalmente. Aquí, el personaje central, el cínico Dixie Dwyer (interpretado por Richard Gere con poca intensidad, por cierto es él quien toca realmente la trompeta) pasa de puntillas por la película, y la identificación es nula. Nos da exactamente igual lo que le pase, porque a él también le da igual. Sabemos que le gusta tocar la trompeta y que es un buen músico de jazz, pero no sabemos lo que quiere, ni lo que le importa, exceptuando estar cerca de la belísima, una vez más, Vera Cicero (Diane Lane, esplendorosa).

En cuanto a Sandman Williams (estupendo Gregory Hines, como siempre) su peripecia de pérdida y reconciliación con su hermano parece una simple anécdota sin fuerza, y aunque nos cae bien y queremos que su vida amorosa, familiar y profesional encuentre una armonía compleja, en el fondo sabemos que todo va a ir bien, y que la verdadera razón de ser, al menos aquí, no tiene nada que ver con los sentimientos de los personajes, sino con la poderosa parafernalia que les rodea, que epata al espectador (y de qué manera) y que termina tragándolo todo.

Por supuesto que hay una violencia salvaje, y también grandes secuencias musicales (aunque Coppola no la considera un musical en sentido estricto, pues como él dice, en un musical no entiendes la historia sin las canciones, lo cual es cierto) y grandes valores narrativos. Aquí, por ejemplo, es inevitable acordarse de la secuencia del asesinato final, con el bailarín golpeando el suelo con los pies y el sicario disparando la ametralladora en paralelo. Esto tiene un aroma que nos retrotrae a las secuencias finales de los dos primeros padrinos, sobre todo el primero. Pero también tiene otro aroma, el de Bob Fosse, a quien Coppola idolatraba. Sin embargo, a pesar de que el virtuosismo y la destreza están muy presentes, una vez más el corazón no lo está.

Coppola perdió la libertad

El director norteamericano con el mundo más personal, a pesar de cambiar sutilmente de estilo a cada nueva película, a cada nueva aventura, se hace impersonal buscando la supervivencia. Y el sueldo es generoso, pero pierde con ella el favor de los grandes estudios. En tres años, conoce tres fracasos rotundos y muy dolorosos, pierde Zoetrope y pierde el control de su carrera. Fracasa tanto en las grandes películas ambiciosas como en el cine de autor, así como en el cine de encargo. Su golpe es duro aunque no letal, pues hacía pocos años que había conocido grandes éxitos económicos, pero su orgullo puede más que su sensatez y acaba convertido, por unos años, en una sombra de sí mismo.

‘The Cotton Club’ es una película digna de ver, pero indigna de este grandísimo artista. Si la hubiera dirigido otro admiraríamos su empuje y su arrojo, pero siendo de Coppola esperamos además verdad y personalidad. Y de eso no hay. Eso sí, como espectáculo, elemento que es lo que más le importa al espectador más perezoso, es uno de primer orden, vistoso y subyugante.

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En la literatura y el cine, es viejo el truco de mezclar muchas influencias para que parezca que la nueva obra es original, cuando en realidad toma de aquí y de allá, a diestro y siniestro. No en vano la saga de ‘Harry Potter’, sin minusvalorar su potencial literario y su rotundo éxito mundial, es un refrito de la obra de C. S. Lewis, Roald Dahl, J. R. R. Tolkien, Michael Ende, Lewis Carroll, Enid Blyton, Hans Christian Andersen, Paul Gallico, Lloyd Alexander… y no sigo, que me salgo del tema. Con esto quiero decir que a ‘Doomsday’ le pasa exactamente lo mismo. Tiene tantas influencias descaradamente copiadas, que lo que la película en sí nos ofrece no tiene relevancia alguna.

Vamos a ver: en el año 2037, Escocia está aislada del mundo, en un apocalíptico estado de cuarentena, tras ser devastada por un virus mortal, que se propagó en 2007. Cuando el virus consigue salir del muro que separa a Escocia del resto del mundo, un grupo de ¿mercenarios? ¿soldados del gobierno? liderado por Eden Sinclair (Rhona Mitra), la típica heroína traumatizada por su pasado, y que cuando era un bebé fue librada de vivir confinada tras dicho muro.

En fin, que con esta sencilla excusa, Neil Marshall, director y guionista de ‘Doomsday’ pone por delante al espectador una sucesión de escenas repletas de violencia gratuita, en ocasiones gore, y delirantes intentos de espectacularidad. Ya en su anterior película En otra película suya que vi, ‘Dog Soldiers’, de hace ya seis años, Marshall nos ofrecía una trama absolutamente marciana que anteponía la violencia pura y dura en contra de un guión consistente y elaborado. En ‘Doomsday’ se ha superado a sí mismo (nótese la ironía). No hay ritmo, no hay coherencia, lo que hay es un batiburrillo de continuos guiños a películas que no es que sean homenajeadas, sino que sufren un vergonzoso copia-y-pega como el que haría el típico estudiante de bachillerato que ha dejado un trabajo de literatura para el último día.

‘Mad Max’, ‘1997: Rescate en Nueva York’, ‘2013: Rescate en L. A.’, ‘El Señor de los Anillos’, ‘Resident Evil’, ‘Gladiator’, ‘28 días después’, ‘Escape de Absolóm’ o ‘Hijos de los Hombres’ son lapidadas sin compasión dependiendo de qué escena o qué planos. Sobretodo ‘28 días después’, que tiene aquí un clon idéntico en formas y contenido. ¿Se imaginan tan explosiva combinación? Yo tampoco, sobretodo porque esta mezcla está realizada de una forma torpísima, en un ejercicio tan impersonal como carente de ideas propias, por lo que puede verse. Pero lo que más se respira es el cine de John Carpenter, de hecho hasta uno de los personajes se llama así, como justificando la enorme influencia de la temática, ambientación, etc. sobre este film. Tanto se nota su condición de pudding de estos títulos, que incluso la película se va dividiendo en actos según esté copiada de uno u otro. Sólo decir que, teniendo en cuenta en qué films se basa, la Escocia que se encuentran los protagonistas la hemos visto cientos de veces.

Rhona Mitra es una actriz atractiva, algo que demuestra especialmente en la serie ‘Boston Legal’, pero desde luego en ‘Doomsday’ demuestra no tener ni idea de cómo encarrilar el reparto. Su personaje es idéntico al de Kurt Russell en las mencionadas películas de Carpenter, pero convertido en mujer, con mucho menos carisma y hasta simpatía. Hay que tener en cuenta también que Marshall desaprovecha de forma atroz el enorme lujo de contar con Bob Hoskins, Malcolm McDowell y Alexander Siddig entre los secundarios. Hoskins sale poco y mal, con cara de “¿pero qué hago yo aquí?”, y los otros dos ponen lo justo para que les salga económicamente rentable su aparición en esta película.

Las escenas de acción, que en la segunda mitad se hacen repetitivas hasta resultar insoportables, están tan mal dirigidas que difícilmente uno se entera de qué narices está ocurriendo. Sólo cuando vemos un plano con Sinclair, la protagonista, comprobamos que sigue viva tras el caos que presenciamos, y que continúa la película (desgraciadamente). Y es que ‘Doomsday’ dura casi dos horas, oiga. Y si bien al principio promete, a pesar de sus manidos recursos, a partir de la primera media hora uno no tiene el más mínimo interés, ni deposita la más mínima esperanza en que la historia remonte, o por lo menos se libere de ese aura de “tomadura de pelo” que tanto la condiciona. El espectáculo de violencia intrascendente que propone no aporta absolutamente al género al que pertenezca este engendro, y su puesta en escena es en general terrible. Del guión, como ya he venido diciendo, ni hablamos. Mi hermano pequeño, en un día inspirado, escribiría algo mejor.

‘Doomsday’ es un subproducto lamentable, irritante como pocos, y una mancha más en la ya de por sí mediocre cartelera veraniega de este 2008. Dios mío, qué hemos hecho para merecer esto.

En Blogdecine:

• ‘Doomsday’, de Snake Plissken a Mad Max pasando por el medievo

Neil Marshall había llamado la atención con sus dos anteriores trabajos como director, ‘Dog Soldiers’ y ‘The Descent’, agradables cintas de género que tomando alguna referencia como punto de partida conseguían tener personalidad. Algo parecido a lo que hicieron en otros tiempos directores más solventes y cualificados como John Carpenter y George Miller, que en films como ‘1997: Rescate en Nueva York’, en el caso del primero, o la saga Mad Max, en el caso del segundo, lograban crear modelos a imitar habiéndolos parido de sus propias influencias de films pasados. Tanto Carpenter como Miller lograron dejar un reconocible sello personal en esas obras creando un universo único que les pertenece sólo a ellos, y que tantas y tantas veces ha sido imitado.

‘Doomsday’, la nueva película de Marshall toma como referencia principalmente esos dos modelos (en el caso de la saga del loco Max, más concretamente el segundo título de la misma, ‘Mad Max: El guerrero de la carretera’, y hasta bautiza a dos personajes secundarios con los nombres de Carpenter y Miller), y los mezcla en un desconcertante popurrí lleno de referencias mil, sin sacarle ningún provecho, y al contrario que sus anteriores films, no puede presumir de tener entidad propia. Una desfachatez en toda regla.

‘Doomsday’ da comienzo cuando en el año 2007 un virus mortal hace estragos en Escocia. Las autoridades inglesas deciden hacer algo que les va a colocar en el punto de mira de las demás naciones del mundo: someter a Escocia a una especie de cuarentena, construyendo a su alrededor un impenetrable muro que aísla al país del resto del planeta. 30 años después, el virus vuelve a hacer acto de presencia en una de las grandes ciudades de fuera del muro. Es entonces cuando un grupo de soldados son elegidos para entrar en la olvidada Escocia e intentar encontrar en un plazo máximo de 48 horas una posible cura para el virus. Sólo con esa premisa, son varias las películas que viene a nuestra mente, y esto no tendría demasiada importancia si su director, y también guionista, se hubiera preocupado por construir una película con una base sólida, y no beber únicamente de infinidad de fuentes sin ton ni son.

Y es que de principio a fin, y sin descanso (el film parece tener ritmo, pero lo que tiene es prisa) no hay más que ecos y más ecos de films como los mencionados u otros más recientes como ‘28 semanas después’, ‘Resident Evil 2’, apuntes inútiles a ‘En busca del arca perdida’ o el descaro supremo de convertir a al protagonista central en una versión femenina del personaje de ‘1997: Rescate en Nueva York’ al que dio vida Kurt Russell. Incluso en ciertos momentos lleva un parche tapándole un ojo, un ojo que cuando se lo saca es una virguería impresionante. Rhona Mitra está de muy buen ver pero carece de aptitudes dramáticas para el papel, y su paso por la película es más bien un desfile de poses de tipa dura, al estilo de Russell en sus tiempos, pero sin el más mínimo carisma. El resto de personajes simplemente no existen, y la aparición en el reparto de cierto actores de renombre es más bien una decisión comercial. Bob Hoskins y Malcolm McDowell nunca han estado tan desaprovechados, y lo que es peor, tan patéticos.

La puesta en escena de Neil Marshall, que era lo mejor en sus anteriores películas, aquí brilla por su ausencia, siendo de lo más anodina y en todo momento oscilante, sin preocuparse de encontrar cierto equilibrio acorde con el tono de la historia. En lugar de eso tenemos una preocupante intención de ametrallarnos con constantes referencias una y otra vez, una y otra vez, sin respiro, sin cuartel, como si fuéramos a dejarnos embaucar por toda esa parafernalia referencial que envuelve el film. Para colmo, el argumento, prácticamente inexistente y sin coherencia alguna, no se sostiene en ningún momento, salpicado además con unos cambios de tono brutales en los que incluso cambiamos de época y de género. Si el inicio y toda la parte final entran de lleno en el subgénero de cine apocalíptico, la parte central intenta homenajear (oooootra vez) a films como ‘El señor de los anillos’ (las dichosas tomas aéreas), ‘Gladiator’, y cualquier película de corte medieval, en el que es por derecho propio uno de los episodios más delirantes y surrealistas (y malos) del cine reciente. De las escenas de acción mejor sería no hablar, porque carecen de toda emoción o espectacularidad (bien entendida, claro) y están muy mal montadas aparte de que se suceden sólo porque sí (la persecución final está llena de incongruencias alarmantes).

‘Doomsday’ no entretiene ni un rato, más bien todo lo contrario, e incluso causa repulsión. A su descarado juego de citas cinéfilas le falta el sentido del humor con el que tomarse a cachondeo todos sus despropósitos. Un bodrio más, hijo perfecto del siglo XXI.

Estos son algunos de los posters que han ido apareciendo de ‘Doomsday’, la nueva película de Neil Marshall, tras ‘Dog Soldiers’ (cutre hasta la risa y, luego, el aburrimiento) y ‘The Descent’ (muy interesante hasta que aparecen los gollums). Este film, a tenor del trailer que pudimos ver poco, tiene buena pinta, aunque teniendo en cuenta los precedentes, mejor ir con cuidado. Eso, claro, cuando se decidan a traerla por aquí; recordemos que en Estados Unidos se estrenó el pasado 14 de este mes y la cosa no funcionó en taquilla.

Protagonizada por Rhona Mitra, Malcolm McDowell, Adrian Lester y Bob Hoskins, entre otros, ‘Doomsday’ parte de que en este año 2008 un virus acaba con gran parte de una población inglesa, por lo que sellan la zona, para evitar que se extienda. Tras 25 años (¿¿dónde estaremos??) creen que todo está resuelto y un grupo entra en la zona, pero claro, había supervivientes, el virus no se ha exterminado y los problemas comienzan.

Vía | Impawards

Neil Marshall ha conseguido hacer un hueco en el género del fantástico/terror gracias a ‘Dog Soldiers’ y ‘The Descent’, dos películas que sin ser una maravilla ninguna de los dos, tienen elementos lo suficientemente atractivos. Ambas eran claros ejemplos de lo que son capaces de hacer en el Reino Unido sin tener que contar con la maquinaria hollywoodiense. Este año nos llegará su tercera película, ‘Doomsday’, de la que aquí tenéis su interesante y desconcertante trailer.

En el film se nos narra como en el 2008 un virus acaba con gran parte de la población de una zona inglesa (qué raaaaro). Sellada la zona, consiguen aislarlo, pero 25 años después descubren que hay supervivientes, y el virus vuelve a brotar. Un grupo de elegidos entrará en la zona sellada para intentar descubrir una cura. La verdad es que me han venido a la mente un montón de títulos a los que el argumento de ‘Doomsady’ remite. Rhona Mitra, Malcolm McDowell y Bob Hoskins interpretan.

‘Doomsday’ (trailer, Quicktime – Flash)

Vía | The Movie Box

Parece prácticamente definitivo que Robert Zemeckis no va a volver a dirigir una película de imagen real, después de haberle cogido el gusto a la animación con la estupenda ‘The Polar Express’, donde Tom Hanks interpretaba varios personajes y Zemeckis se encargaba de convertirlo en un dibujo mediante una técnica de captura del movimiento, algo que volvió a repetirse en la divertida ‘Monster House’ (producción de Zemeckis) y en la todavía inédita ‘Beowulf’ y que promete mucho.

Ahora, el director volverá a repetir técnica en ‘A Christmas Carol’, basada en la obra de Charles Dickens, y para ello contará con un actor idóneo para el papel de Scrooge, el muecas Jim Carrey, que además dará vida al fantasma de las Navidades pasadas, del presente y del futuro, siendo ésta la primera colaboración entre ambos. Bob Hoskins podría interpretar a Mr. Fezziwing, colaborando de nuevo con Zemeckis en un film de animación tras la magnífica ‘¿Quién Engañó a Roger Rabbit?’.

Vía | Dark Horizons

El argumento de ‘Outlaw’ es de los que levantarán polémica. Un grupo de personas que se consideran traicionadas por su gobierno, deciden formar un grupo justiciero, yendo más allá de las leyes limpiando todo lo que consideran una lacra para la sociedad, tomándose la justicia por su mano. Espero que no tenga que venir Harry Callahan a pararles los pies, tal y como hizo en ‘Harry el Fuerte’ en similares circunstancias.

La película ha sido dirigida y escrita por Nick Love, conocido por dirigir ‘The Football Factory’, e interpretada en sus principales papeles por Sean Bean, actor muy adecuado para este tipo de personajes, Bob Hoskins, que lo mismo te hace una gran interpretación como te resulta insoportable, y Danny Dyer, actor fetiche del director. El film se estrena en los USA el próximo 9 de Marzo.

‘Outlaw’ (trailer, Quicktime)

Vía | The Movie Box