La película de ‘Sherlock Holmes’ está cada vez más cerca, y todo apunta a que será uno de los bombazos taquilleros del año. En Warner Bros. están tan convencidos de ello que no sólo pusieron en bandeja al otrora rebelde Guy Ritchie el presupuesto de una superproducción, sino que la idea de una o dos secuelas era algo que ya se daba por hecho. Es el nuevo modelo de Hollywood, antes se hacían películas, una a una, ahora se hacen trilogías, sagas, y cuando se agotan, tocan los “reboots” (“reinicios”) y todo empieza de nuevo. Mientras paguemos, así será.

Pero me estoy desviando del tema central. La noticia es que la Warner ya tiene oficialmente a Kieran y Michele Mulroney trabajando en el guión de ‘Sherlock Holmes 2’ (o ‘Sherlock Holmes: The Rise of Moriarty’, por variar), que podría estar en los cines en 2011, si se dan prisa. Parece que ésa es la idea, sacar cuanto antes una segunda parte, que la gente no se olvide de toda la polvareda levantada con esta nueva adaptación de las aventuras del famoso detective, creado por Arthur Conan Doyle y renovado ahora por Guy Ritchie.

Por otra parte, el fiable portal Variety vuelve a llamar la atención sobre la posibilidad de que Brad Pitt interprete al profesor James Moriarty, no sólo en la segunda parte, sino ya en la primera. Cuentan que Pitt, que trabajó a las órdenes de Ritchie en ‘Snatch’, habría realizado un cameo en ‘Sherlock Holmes’ dando vida al clásico villano, pero su aparición es tan corta, quizá incluso entre sombras, que el actor ni siquiera aparece acreditado. Ya veremos, por lo pronto lo único cierto es que Pitt está negociando con la Warner para participar en la secuela.

La fecha del estreno de ‘Sherlock Holmes’ en España es el 15 de enero de 2010.

PD: Kieran es hermano de Dermot Mulroney; Michelle es la mujer del primero. El matrimonio fue contratado (junticos, como parte de las ayudas que Hollywood destina a las familias) para escribir el guión de la película de ‘La liga de la justicia’, que parece que nunca veremos.

Vía | LasHorasPerdidas

Diez años ha tardado Quentin Tarantino en tener lista su particular visión de la II Guerra Mundial. Diez años desde que, tras finalizar ‘Jackie Brown’ (la única de su filmografía que no parte de un guión original, y curiosamente, para muchos su obra más redonda), Tarantino quiso crear su propia película bélica, inspirado por la italiana ‘Aquel maldito tren blindado’ (‘The Inglorious Bastards’ en Estados Unidos) de Enzo G. Castellari, por la que siente verdadera fascinación, a pesar de ser un aburrido bodrio de cabo a rabo. Pero es que al director de ‘Pulp Fiction’ le pierde la serie B y el exploitation, lo bizarro, lo cutre y lo exótico, como queda bien claro por todos los homenajes (o plagios, según el observador) que nutren su cine.

El norteamericano quería narrar la aventura de un grupo de soldados que deben infiltrarse entre los nazis para llevar a cabo una misión suicida. Pronto surgieron los nombres de Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone o Bruce Willis, pero Tarantino no se decide, deja el guión sin acabar y decide cambiar de proyecto, centrándose en otro que había nacido durante el rodaje de ‘Pulp Fiction’ (‘Kill Bill’, que por razones comerciales acabó dividida en dos). Con el apoyo de un gran estudio como la Universal, que cubría los costes de la película que tenía en mente, y tras permitirse el lujo de rodar la divertida ‘Death Proof’ para la fallida experiencia de ‘Grindhouse’, Tarantino acaba el guión y emprende por fin el rodaje de su ‘Inglorious Bastards’, que acaba llamándose ‘Inglourious Basterds’, y que en España se ha estrenado como ‘Malditos traductores’... ah, no, ‘Malditos bastardos’.

Afirma Tarantino que durante todos estos años ha estado reescribiendo el guión de ‘Malditos bastardos’, y que sus personajes han ido cambiando de bando a bando, de situación en situación, hasta que finalmente encontró una historia que le dejó satisfecho, y dio el aviso para empezar con la pre-producción de su nuevo trabajo como director, el séptimo en términos oficiales (no se cuenta ‘My Best Friend´s Birthday’, según el realizador, un film de aprendizaje). Lo que finalmente se ve en la gran pantalla dista mucho de parecerse a su querida ‘Quel maledetto treno blindato’ (1978), lo cual es una muy buena noticia, manteniéndose sólo el tono ligero de la narración, dando cabida a bromas y diálogos intrascendentes aun en momentos de grave peligro, y, claro, que hay un comando de soldados norteamericanos que deben realizar una misión prácticamente suicida contra los nazis.

Con el típico arranque de cuento, “Érase una vez…”, Tarantino nos prepara para sumergirnos otra vez en su singular universo, en esta ocasión para contarnos por primera vez una historia (o puzzle de historias, más bien) no contemporánea. La película comienza con un capítulo que parece sacado de un spaguetti western, incluso con la música de Ennio Morricone para hacer más creíble la ilusión, salvo por un pequeño pero crucial detalle; esto es, como nos han anunciado, la Francia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, y la cosa va de unos nazis despiadados que persiguen y aniquilan judíos. Así de simple, así de ficticio, así de sangriento; esto es Tarantino. Nada que objetar, lo contrario sería engañarse.

Así que empieza esta ‘Malditos bastardos’, tan esperada y con un guión que supuestamente ha requerido diez años de trabajo, y se nos presenta una situación en la que un granjero recibe, en su tranquila casa en medio del campo, la visita de un coronel nazi llamado Hans Landa. Desde el principio, sin sutilezas (que nadie las busque aquí), sabemos que el alemán sabe más de lo que aparenta y que el francés está mintiendo, pero claro, no se lo va a poner fácil al coronel, hay demasiado en juego. Todo bien, muy bien, hasta que la conversación y el juego detectivesco de Landa comienza a extenderse sin medida, de forma casi ridícula, sin llevar a ninguna parte. Todo es charla, y a Tarantino parece valerle, pensando que con los diálogos y el paso de los minutos es suficiente para crear tensión.

Pero la tensión hace aguas por todas partes cuando los dos tipos no dejan de hablar, y no pasa nada. Al final, como esperábamos desde hacía tiempo, el nazi pone las cartas sobre la mesa, el granjero confiesa y los judíos que estaba ocultando… Bueno, ya sabéis. El desenlace de la secuencia es estupendo, vigoroso y visualmente brillante (por cierto, con guiño cinéfilo a cierta obra maestra de ese director que “sólo” hacía westerns). Pero es que para llegar a eso, se ha tenido que pasar por un tedioso intercambio de frases que no tiene ningún sentido, más allá de que el realizador esté encantadísimo con sus personajes y encuentre tronchante cada detalle de la interpretación de Christoph Waltz, que efectivamente, como se dijo en Cannes (donde ganó el premio al mejor actor), es lo mejor de ‘Malditos bastardos’.

La estructura de este primer capítulo se repite, más o menos, en todos los demás que están por venir, hasta que Tarantino se queda contento, después de unas innecesarias, exageradas dos horas y media, y nos dice a la cara, a través de uno de sus bastardos, que cree que ésta es su obra maestra (si esto es así, y no otro chiste más, es que ha perdido definitivamente el juicio). El cineasta adora tanto a sus personajes (esto es, en el fondo, a sí mismo) que no sabe cuándo parar, cuándo mandarles callar, y deja que suelten un rollo increíble cada vez que aparecen, regodeándose en larguísimas secuencias donde lo relevante se presenta al principio y al final, sobrando prácticamente todo lo demás (esto se nota especialmente en el interminable encuentro en la taberna). De los gratuitos y lentos planos detalle de la nata de los postres, o de Mélanie Laurent pintándose los labios, mejor ni hablar.

Dicho esto, no puedo sino sorprenderme (porque soy un tipo tranquilo, si no ya estaría correteando por los tejados lanzando patéticas maldiciones) ante el éxito cosechado por ‘Malditos bastardos’ en Estados Unidos, donde ha recaudado más de cien millones de dólares y parece que ha dejado al público de lo más contentico, hablándose ya de una secuela; en la popular Imdb, el nuevo trabajo de Tarantino(rrrrr) aparece entre las 50 mejores películas de todos los tiempos (da una risa tremenda, cuando lo piensas de verdad). No me cabe la menor duda de que aquí se dará un resultado similar en taquilla, esto se viene anunciando desde hace mucho, y el tono cómico-sangriento de la propuesta, más Brad Pitt en el cartel, atrae mucho; lo que no tengo tan claro es que la respuesta del público español sea tan positiva. Estoy impaciente por comprobarlo.

No estoy de acuerdo con los que dicen, como mi compañero Adrián, que esto es puro Tarantino. Lo parece, durante la película están los rasgos más superficiales de su cine, pero no está lo importante, la frescura y la fuerza narrativa de sus anteriores trabajos. ‘Malditos bastardos’ es la primera película de Tarantino que me aburre, la primera cuyos diálogos (la mayoría, no todos) no entretienen ni sorprenden, sino que parecen escritos sin ningún criterio, por mero divertimento de su autor; es más, exceptuando el Hans Landa que compone Waltz, no hay nada aquí que justifique un segundo visionado, cuando en otras ocasiones era algo que estaba deseando al salir del cine. ¿Divertida? Bueno, alguna risa saca, cierto, y si te divierte ver a Eli Roth masacrando nazis, definitivamente, ésta es tu película.

Cuando, en cierta secuencia, al término de ‘Death Proof’, sentimos compasión por un asesino despiadado como Stuntman Mike, interpretado con gran oficio por Kurt Russell, nos sentimos también miserables por experimentar ese sentimiento, mientras asistimos a la implacable venganza de la que es objeto, y por cierto que merecida venganza. Algo similar ocurría en la que posiblemente sea la obra magna del director de Tennessee, Kill Bill, pues en la venganza de La Novia sus enemigos llegaban a adquirir cierta dignidad a la hora de morir.

Ahora, con este ‘Inglourious Basterds’ (no voy a escribir la estúpida traducción española), Tarantino nos entrega, como suele hacer, una fuerte dosis de sí mismo, en su extraño y feroz, brillante y desequilibrado, homenaje y reescritura de las constantes del cine de aventuras y espionaje con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial, y lo hace arrebatándoles la humanidad a la mayoría de los aliados y dándosela algunos nazis, elaborando una fascinante galería de rostros y caracteres, para un violento zarpazo de ingenioso y arrollador cine de autor.

Los personajes, y sus actores, son el motivo de esta película

Dice Tarantino que cuando escribe, puede tener en la cabeza algunas ideas o alguna estructura previa, pero que sus personajes, a los que con tanto mimo ha esbozado, son los que le van dictando qué es lo que va a suceder. También toma a dictado los diálogos, imaginando que les oye hablar. Ha llegado hasta tal punto, en la confianza extrema que tiene a sus hijos de papel y celuloide, que les permite incluso cambiar el rumbo de la historia, en una orgía de sangre final de pasmoso salvajismo. Todo es posible en esta oda desenfrenada al poder subversivo del cine.

Porque amor al cine hay en el cariño de Tarantino no sólo a sus personajes, sino a los actores que les interpretan, todos ellos, como siempre, en estado de gracia, y muchos (sobre todo Pitt y Waltz) como si no fueran ellos, en una transformación física y anímica absoluta, embebidos de sus propias creaciones, pletóricos de felicidad y talento por participar en esta fantasía lúdica, verdadero capricho estético del director que ha de entenderse como tal. En él hay cabida para que una actriz célebre (Kruger, que parece fugada de alguna película clásica de los años treinta) acuda a una misión suicida con un crítico de cine (Fassbender, en una creación estupenda), y termine su labor la dueña de un vetusto cine sediente de sangre nazi.

Pero de todos ellos el personaje más inolvidable de la película es, sin lugar a dudas, el fascinante monstruo alemán interpretado con inusual maestría por el casi desconocido Christoph Waltz, que se inscribe con letras de oro en la larga tradición de sádicos y astutos oficiales nazis de la historia del cine. Hans Landa es un cruce entre el doctor Lecter, Sherlock Holmes y Reinhard Heydrich, y con él Tarantino echa el resto y añade otro complejo y oscuro rostro a su particular universo. Ganador del premio en Cannes, es probable su nominación al Oscar como mejor secundario, pero esto es un filme coral, y su personaje no tiene nada de secundario, de hecho es la pieza catedralicia de la película.

Un relato que se hace corto

Presentada en el Festival de Cannes de este año, dentro de su Sección Oficial a concurso, la séptima realización de Quentin Tarantino fue vista allí con un montaje diferente del que ahora llega a las salas. Como Blogdecine no estuvo presente en Cannes, sólo pueden aventurarse conjeturas acerca de tal montaje, en teoría más corto que el que ahora ha llegado a las salas y a San Sebastián. La película dura 160 minutos, estructurados en cinco grandes bloques o capítulos que abarcan un núcleo central que se va ramificando con total naturalidad.

No existen, por tanto, tres actos definidos y diferenciados. Me comentaba Alberto Abuín que es una película de momentos. Y es cierto, pero hecho a drede. Los cinco bloques están escritos de modo que parece que van, cada uno de ellos, perforando y percutiendo en una idea y un motivo, hasta profundizar en ella y terminar con un gran clímax que salpica el futuro devenir de los acontecimientos. Y todo comienza, y termina con Landa. Primero en el capítulo 1, que a modo de introducción nos presenta a este abyecto y encantador personaje (y que es una de las mejores secuencias jamás dirigidas por Tarantino), y finalmente en el capítulo 5, donde Landa conoce un inesperado desenlace al inesperado giro que él mismo había provocado.

Entre medias, saltos temporales tan del gusto del director, un capítulo dedicado al precioso personaje de Mélanie Laurent, y el fabuloso capítulo de la posada, en el que Tarantino, como venía haciendo durante toda la película, llega lo más lejos posible en la dilatación del tiempo. En ese sentido el relato se hace corto: no sólo porque desearíamos conocer más a fondo a estos personajes, sino porque el objetivo de Tarantino, más que la acción, es el suspense. El tiempo se alarga hasta el paroxismo, para deleite de las mascaradas que supone el lenguaje.

Lenguaje en doble sentido, el visual y el sonoro, este último auténtico motivo y razón de ser del suspense, pues con los diferentes idiomas y acentos, Tarantino desvela su gran pasión por la voz y los juegos de palabras. De hecho, sólo se lanzó a hacer ‘Inglourious Basterds’ con confianza cuando conoció al políglota Waltz. Y todo esto convierte el mero hecho de asistir a verla doblada al español en un disparate sin pies ni cabeza, pues se pierde un nivel importantísimo de esta estupenda película. Una película en la que el tono y el estilo parecen fluctuar con desdén, pero que está filmada con verdadero arrojo, y cuyo montaje final parece algo tosco y acerado, pero eso no hace sino acrecentar su bestialismo y su sequedad visual.

Tarantino se ríe de la Segunda Guerra Mundial, pero también del género. Al mismo tiempo, les riden pleitesía a ambos. No quiere hacer un filme perfecto, quiere grandes momentos, disfrute lúdico, sorprender, hacer reir, de la mano de estos “infames hijoputas”. Y lo consigue con creces. Vaya si lo consigue.

Sí, ese individuo con barba de quince centímetros y aspecto de ser tu vecino, es Brad Pitt, que ha provocado la locura al llegar a San Sebastián. Es lo que tiene ser una superestrella mundial, las fans (y algún fan masculino también había) ignoraron la lluvia que durante todo el día, de manera pertinaz, ha caído sobre la ciudad, y han obtenido su merecido premio: un garabato de su ídolo en un cuaderno plagado de fotos. En comparación, la llegada de Tarantino, algunas horas antes, fue bastante más pacífica (muy diferente de lo que ocurrió en Cannes), y mucho más tranquila.

Siendo, como es, una de las películas norteamericanas más esperadas de los últimos meses, ‘Inglourious Basterds’ tiene agotadas todas las entradas en los pases que no son el de prensa (como es lógico), y parece una buena opción por los directores de este certamen para abrirlo por todo lo alto. Sobre ella dejaré una crítica a parte en este blog, pero puedo adelantar que es puro Tarantino, que a los que le siguen no les va a defraudar (a la mayoría, supongo), y que a los que no le soportan no les va a interesar en absoluto (salvo conversos, que siempre aparecen).

La rueda de prensa ha sido tan animada como podía esperarse, y se ha desarrollado entre bromas y chistes fáciles. En este tipo de eventos, Tarantino se muestra en su salsa, y sabe encandilar a su platea, por mucho que algunos, supongo, no le traguen. Posee ese talento innato de algunos showman, los cuales carecen por completo de sentido del ridículo, y aunque a menudo lo bordea, su ingenio y su verborrea le ayudan a provocar la sonrisa en sus auditorios. Estaba feliz de encontrarse en nuestro gran festival, sabiendo además que se estrena la película hoy mismo en todo el territorio español.

Un buen Egoyan, una excepcional Julianne Moore

El egipcio Atom Egoyan es un veterano en esto de presentar películas en importantes certámenes europeos. Ha llevado cinco de sus realizaciones a Cannes, donde ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico por ‘El dulce porvenir’, así como el premio FIPRESCI por esta y por ‘Exótica’, hace ya unos cuantos años. Esta es la primera vez que trae un trabajo suyo a este festival, y podría llevarse algún premio, aunque es pronto para decirlo, pues es la única a competición que se ha podido ver.

‘Chloe’ podría ser su mejor película en bastantes años. Cuenta la turbia historia de un matrimonio plagado de dudas y enfrentado, de manera descarnada, al paso del tiempo y lo que esto supone de desintegración del deseo sexual, propio y ajeno. Una compleja trama de celos y engaños, de inquietantes resultados, que ha recibido una ovación cerrada del público, a pesar de que no han sido pocas las voces que señalan que en su conclusión se desmadeja y desdibuja, como efectivamente así es, parte de lo que hasta entonces tan bien se había armado.

Eso sí, lo que nadie ha puesto en duda es el formidable trabajo de su actriz protagonista, Julianne Moore (sin duda, una de las intérpretes mejor dotadas y más autoexigentes de su generación), que desde ya mismo suena como firme candidata a la Concha de Plata a mejor actriz, premio que si recoge al final de esta edición nadie se sorprenderá lo más mínimo. Como anécdota es ineludible decir que Liam Neeson sufrió la pérdida su mujer, Natasha Richardson, durante el rodaje de esta película, y muchos están de acuerdo en que esto se siente de manera notable en su interpretación, como no podría ser de otra manera.

Dice el cineasta: “Es cierto que esa frase lo desmitifica, pero todos sabemos que un orgasmo tiene más cosas. El encuentro sexual, sus connotaciones psicológicas, emocionales… El problema es que Katherine, la protagonista, necesita que la exploren emocionalmente, como ella explora, al ser ginecóloga, a sus pacientes”. Va a provocar no pocas disensiones esta película, lo cual es bueno, y con sus errores, abre de manera estupenda la sección oficial. Ya veremos si el listón se mantiene, si sube de nivel, o si baja…

Ceremonia de inauguración

Edurne Ormazabal, que lleva presentando el festival desde hace más de diez años, ha aparecido en medio del extraño decorado de este año, para dar paso a un clip que recoge algunas imágenes de lo que ha sido este festival, y que anuncia un poco lo que va a dar de sí la 57 edición. Luego, han dado paso a la presentación del premio FIPRESCI, que este año ha recaído en ‘La cinta blanca’, de Michael Haneke, que ya había sido galardonada con la Palma de Oro del Festival de Cannes. No hay entradas disponibles ya en el festival para verla, y tampoco un pase de prensa. Me reservo el obvio comentario al respecto.

No ha venido Haneke a recoger el premio, sino una productora de la película. Su discurso sobre las películas independientes y su defensa sobre la presencia de los críticos en el cine, ha sido breve y algo confuso. A continuación se anuncia el premio Donosti a Ian McKellen, que será entregado el próximo miércoles 23. Ya hablaremos en su momento de este actor y de sus palabras al recoger el premio.

Una delgadísima Elena Anaya, con un rubio nada favorecedor, presenta la retrospectiva al gran Richard Brooks, que los que no tengan sus obligaciones en la sección oficial y sus debilidades en Zabaltegui Perlas, quizá puedan ver. Anaya se ha hecho un poco de lío explicándolo todo, pero ha cumplido. Es una buena idea hacer un ciclo sobre este realizador, que tiene alguna que otra obra notable, incluidos un par de westerns de referencia.

Goya Toledo, también delgadísima (yo no comprendo qué tipo de dietas siguen estas chicas), presenta la sección La Contraola, 40 películas del novísimo cine francés. Nuevamente una sección para que los cinéfilos, y no la crítica (más que nada, porque no da tiempo), se pase por el festival, y además un muy buen reclamo. Marta Etura presenta otra sección paralela dedicada al cine vasco, y por lo menos no parece la radiografía de un silbido. No, tampoco va a dar mucho tiempo a echarle un vistazo a alguna película de esta sección.

Más secciones: ‘Horizontes Latinos’. Aida Folch, con unos taconazos de vértigo y el “gabon” de rigor, hace los honores. También ha tenido su hueco el presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematrográficas, el señor Alex de la Iglesia, que ha dicho que menos arte, y más industria, y que el cliente siempre tiene la razón. En pocas palabras, que lo más importante es que el espectador esté contento. Ahí queda eso. Una también delgada Emma Suárez presenta a una delgadísima Saffron Burrows, que habla sobre el premio a nuevos directores.

Tras la presentación del jurado, cuyo presidente es el director Laurent Cantet, Palma de Oro por ‘Entre les murs’, da lugar el pase de gala de la primera película a concurso, ‘Chloe’, cuyo director ha proclamado que España es tan extraordinaria como su película.

Esto no ha hecho más que comenzar.

Recupero hoy la sección “Frases de cine”, que igual que muchas cafeterías ha estado cerrada por vacaciones. Como sabéis, semanalmente iré recopilando las declaraciones más jugosas, divertidas y llamativas realizadas por los profesionales del séptimo arte.

La estrella Brad Pitt ha estado promocionando su nuevo trabajo, a las órdenes de Quentin Tarantino y, entre otras cosas, ha dicho orgullosamente esto:

‘Valquiria’ es una película ridícula. [...] ‘Malditos bastardos’ cambia la experiencia del cine. Es increíblemente avanzada, en tres idiomas, tiene fuerza. Es el primer paso hacia el futuro

El actor Sam Worthington dice que ha leído las opiniones del público sobre ‘Terminator Salvation’, y lejos de decir que no le importan las críticas… ¡está de acuerdo con ellas!

Si hubiera un enorme robot de diez toneladas acercándose a la gasolinera, joder, claro que lo habríamos oído. Y no me di cuenta. Así que voy a ser un poco mejor cuando esté mirando mis jodidos guiones. Me siento idiota por no habérselo dicho a McG.

Willem Dafoe, protagonista de ‘Antichrist’, actualmente en nuestras carteleras, se refiere a la depresión que sufrió Lars Von Trier durante el rodaje:

No podía operar con la cámara, estaba temblando todo el tiempo, fue algo terrible. Cada vez estaba más frágil, más delicado, más delgado, pero fue capaz de terminarla.

Javier Fernández, el director general de Cinesa, cree que la piratería es un gran problema y que no se está haciendo todo lo posible por erradicarla, pero que eso no tiene nada que ver con el cine español:

Las películas españolas ni se ven en las salas de cine ni se piratean, porque no interesan. Los productores españoles tendrían que buscar lo que le gusta al consumidor.

El director Enrique Urbizu tiene nueva película, ‘No habrá paz para los malvados’, y prepararla le ha hecho reflexionar:

A veces me da por pensar que estamos vivos de puto milagro. El orden del mundo es el caos. Si estudias el 11-M como lo hemos hecho el guionista Michel Gaztambide y yo descubres que aquella barbaridad está llena de azares.

Jacinto Molina, más conocido como Paul Naschy tiene la solución para la crisis del cine:

Muy fácilmente, sobre todo el cine español: cambiando de argumentos, empezando a hacer películas que interesen al público. Hacen las mismas películas siempre, sobre la Guerra Civil o los problemas del vecino de enfrente. Deberían usar la imaginación, rodar películas de aventuras, de terror, de fantasía.

El “granaíno” Alfredo Díaz ha rodado su primer largometraje con apenas 20 euros; la ha titulado ‘Dreams and drugs’, la distribuye gratuitamente, y tras la experiencia ha dicho:

Sólo hace falta una cámara y buenas ideas para hacer grandes películas.

El director William Friedkin ha recibido el premio honorífico en el Festival de Locarno, y en una de las entrevistas que le han hecho, ha dicho lo siguiente:

Para mí la verdadera edad de oro que ha vivido la industria del cine fueron los años 30, los 40 y los 50. Pocas películas de los 70 están a la altura de Casablanca, Ciudadano Kane o El tesoro de Sierra Madre. Entonces sí que se realizaban auténticas obras maestras.

El productor de la taquillera ‘District 9’, Peter Jackson, premiado, famoso y forrado hasta las cejas, quiere que le consideremos como un tipo corriente:

Me considero un friki que disfruta de su condición. Cuanto más trato con los Spielberg y los Del Toro me doy cuenta de que son gente como tú y como yo, que todos nos parecemos, aficionados al cine que crecimos amando el medio. Algunos somos más afortunados y podemos hacer películas.

Channing Tatum, uno de los protagonistas de ‘G.I. Joe’, puede ser (y es) mal actor, pero al menos es un chico sincero:

Me gustan los papeles con mucha acción, físicos. Como muchos colegas no quieren hacerlos me los dan a mí.

Woody Allen está rodando su nueva película en Londres, y ha explicado por qué tarda tanto en decidir los títulos (y ahora se entiende eso tan feo de ‘Vicky Cristina Barcelona’):

Si no es muy buena, le doy un título nada llamativo ni prometedor. Así evito los desengaños. Pero si es buena le pongo un nombre agresivo, seguro, y espero lo mejor.

PD: De postre (cómo me gustan los postres), otra de Friedkin: “Respeto el trabajo de George Lucas, pero contribuyó a convertir el cine en una industria de fast food”.

Vía | Worstpreviews, Público, ElperiódicodeAragón, Elpaís, Larioja, NortedeCastilla, Ideal, AdslZone

A diferencia de lo que ocurre con el cine (menuda “fiesta” nos tienen preparada, con esta cartelera), en el mercado del DVD hay esta semana una variada e interesante cantidad de estrenos, empezando por uno de los títulos más aplaudidos del pasado año, y que estuvo a punto de arrasar en los Oscars; finalmente, fue una de las grandes derrotadas, pero eso no tiene nada que ver con la calidad de la película. Vamos a echar un vistazo a lo más destacado:

• ‘El curioso caso de Benjamin Button’

La película: Sobre todo, lo último de David Fincher (por ahora, claro). Sólo por eso ya merece la pena no perderse esta extraña historia de amor protagonizada por un hombre que nace siendo viejo y envejece siendo un bebé. Basada en el cuento de F. Scott Fitzgerald, la película está protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond y Elias Koteas. Y a mí me pareció la mejor de las cinco candidatas al Oscar, si bien eso no es decir mucho, ya que me parece que no estuvieron las mejores. En cualquier caso, una estupenda película, muy cuidada y con momentos memorables, que no podéis dejar pasar.

El DVD: Salen hasta cinco ediciones diferentes, para que ningún tipo de consumidor quede fuera (es que esta gente siempre piensa en nosotros, es conmovedor). En primer lugar, está la edición sencilla, de un solo disco, que trae la película y audiocomentarios de Fincher; por otro lado, también está la edición especial, que incorpora un segundo disco lleno de extras, con 14 documentales que nos destripan toda la producción, galerías de fotos y tráileres; en tercer lugar, hay una edición especial con estuche de cartón (un material valioso para los cinéfilos consumistas), que incorpora un puñado de fotos de la película; también podéis adquirir una edición de coleccionista, que incorpora los dos discos, más el cuento original de Scott Fitzgerald y una copia digital de la película (todo por unos excesivos, creo yo, 40 euros); por último, si tenéis suerte, podréis encontrar la edición ultradefinitiva, que trae lo mismo que la del coleccionista más una cesta con un clon de Benjamin Button, recién nacidito y con todos los papeles en regla, listo para ser adoptado (precio recomendado, 40,95 euros).

Críticas en Blogdecine:

‘El curioso caso de Benjamin Button’, extraordinaria fábula sobre la vida

Oscars 2009: ‘El curioso caso de Benjamin Button’

‘El curioso caso de Benjamin Button’, un nuevo Fincher

El curioso y fantástico caso de Benjamin Button

• ‘Punisher 2: Zona de guerra’

La película: Aunque haya ahí un dos, en realidad esto no es la secuela de nada. Se trata, en realidad, de un intento de empezar de cero con Frank Castle, alias The Punisher, el popular personaje de cómic, violento, vengativo, con la camiseta negra y la calavera en el pecho. Tras las cámaras, la directora Lexi Alexander, delante, Ray Stevenson, Dominic West, Doug Hutchison y Julie Benz. Un fracaso en taquilla y la última película del Castigador en bastantes años. Hasta que crean que el público ya se ha olvidado y lo vuelvan a intentar otra vez.

El DVD: Dos posibilidades. Por un lado, la única edición de ‘Punisher 2: Zona de guerra’, con un montón de extras que incluyen documentales y comentarios de la directora y el director de fotografía; por otro lado, un pack con ésta y ‘The Punisher (El Castigador)’, la anterior película sobre el personaje, protagonizada por Thomas Jane y John Travolta, que nos la quieren vender como si fuera la primera parte, tomándonos por tontos. En fin, si eres fan del Castigador, muy muy muy fan, es un pack recomendable, por el precio, a menos que ya tuvieras la de Jane y Travolta, claro.

Crítica en Blogdecine:

‘Punisher 2. Zona de guerra’, violencia a discreción

• ‘Habitación sin Salida 2’

La película: Segunda película que nos intentan colar como lo que no es. Aunque esta cosa se titule ‘Habitación sin salida 2’, en realidad no es la secuela sino la precuela de la película protagonizada por Kate Beckinsale y Luke Wilson hace un par de años. En fin, como si a alguien le importara, ¿verdad? Eso pensarán. Os dejo el “brillante” argumento: Jessica, su prometido y un amigo de éste, se hospedarán en un motel en medio de la nada; lo que no sospecharán en que en ese lugar realizan películas snuffs para venderlas en el mercado negro con los huéspedes que se alojan allí..

El DVD: Entre los extras, audiocomentarios, escenas eliminadas, documentales y tráileres. Un montón de cosas para la película que es, mientras que otros títulos mucho más interesantes no traen ni subtítulos en castellano. Ver para creer.

• ‘Resistencia’

La película: Tras la notable ‘Diamante de sangre’, creo que no era el único que esperaba con entusiasmo lo nuevo del director Edward Zwick; desgraciadamente, el producto es bastante inferior, importando bien poco todo lo que sucede en la pantalla, aun siendo una historia realmente dramática. A destacar el reparto, encabezado por Daniel Craig, Liev Schreiber y Jamie Bell, y la banda sonora, compuesta por el gran . Una película fallida que, no obstante, puede entretener una aburrida tarde sin nada más que hacer.

El DVD: Dos ediciones para elegir. Por un lado está la edición sencilla, con un solo disco, que incluye los audiocomentarios del director; por otro lado, podéis adquirir la edición especial, con dos discos, para los que quieren todos los extras (tráiler y documentales, sobre la producción y la historia que se narra).

Crítica en Blogdecine:

‘Resistencia’, Edward Zwick quiere ser Spielberg

• ‘El hijo de Rambow’

La película: Garth Jennings dirige una comedia dramática sobre dos niños que ruedan su propia película, ‘El hijo de Rambow’, un homenaje a Sylvester Stallone y su ‘Acorralado’, con el que pretenden ganar un premio. La crítica la puso bien, entre ellos mi compañero Alberto Abuín, y es de esas películas que pasan fugazmente por la cartelera, así que el DVD es una segunda oportunidad para verla. No pinta mal.

El DVD: La edición incorpora como contenido extra el audiocomentario del director, el productor y el reparto, un documental del rodaje, y ‘Aron’, el cortometraje que inspiró la película.

Crítica en Blogdecine:

‘El hijo de Rambow’, cuando éramos niños

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  ‘El secreto’

La película: Drama con toque sobrenatural producido por Luc Besson, dirigido por Vincent Perez y protagonizado por David Duchovny y Lili Taylor. La historia gira en torno a un hombre cuya vida cambia repentinamente cuando el autobús que llevaba a su hija y su esposa cae por un barranco; la esposa muere en el hospital, pero su hija continúa con vida, sin embargo, cuando despierta, parece estar poseída por el espíritu de su madre. ¿Cómo lo afrontará Mulder?

El DVD: Si alguien compra esta película encontrará unos extras compuestos por entrevistas, un documental sobre el rodaje, un tráiler y las típicas fichas informativas, que nadie lee a menos que el DVD no traiga nada más.

• ‘Mi nombre es Harvey Milk’

La película: Sale a la venta otra de las cinco candidatas a los Oscars más importantes en la pasada edición, el drama dirigido por Gus Van Sant, que aquí se dejaba de experimentos, sobre la figura del político homosexual Harvey Milk, asesinado en 1978. A destacar un reparto de lujo encabezado por Josh Brolin, Emile Hirsch, James Franco y, por supuesto, Sean Penn, ganador del Oscar al mejor actor; mi opinión sobre esto ya la he dejado clara en varias ocasiones, me parece que la estatuilla debió ir para Mickey Rourke, aunque es cierto que Penn realiza una gran interpretación, imitando perfectamente a Milk (pero es que me acuerdo del final de ‘El luchador’ y… me sigo quedando con Rourke). Película que creo que hay que ver, porque tiene algunos momentos gloriosos.

El DVD: Una única pero completita edición. Entre los extras, suculentas escenas eliminadas y varios documentales, sobre la producción y sobre Harvey Milk, para los que no conocían a este hombre tan peculiar.

Críticas en Blogdecine:

‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir

Oscars 2009: ‘Mi nombre es Harvey Milk’

‘Mi nombre es Harvey Milk’, luchando con las mismas armas

‘Mi nombre es Harvey Milk’, la libertad es posible

Otros lanzamientos:

Otras películas que también salen en DVD esta semana son: ‘Los McMasters’, un western cuyo máximo interés residen en que, entre otros, está protagonizado por Jack Palance y el recientemente fallecido David Carradine (¿al final en que quedó lo de su muerte?); ‘Las huellas borradas’, un drama de Enrique Gabriel protagonizado por Federico Luppi, Mercedes Sampietro y Elena Anaya; ‘La tierra tiembla’, en la que el maestro Luchino Visconti nos transporta, durante la época de Mussolini, a un pequeño pueblo costero siciliano donde un pescador, harto de los abusos a los que son sometidos, se rebela y decide plantar cara a los comerciantes; ‘La travesía de París’, una comedia ambientada en la Francia ocupada por los nazis dirigida por Claude Autant-Lara, con Jean Gabin, Bourvil y Louis de Funès; por último, comentaros que también podéis encontrar en vuestra tienda favorita ‘Oriente y Occidente’ y ‘Los europeos’, dos dramas de época dirigidos por James Ivory.

Vía | ZonaDVD

Ya lo tenemos aquí. El tráiler completo de ‘Malditos bastardos’, la esperadísima nueva película de Quentin Tarantino. Este segundo avance revela bastante más que el primero que vimos, pero tampoco es de los que te destripan la película entera. Son dos minutos (el teaser tráiler duraba ) en los que podemos comprobar que Tarantino no se ha cortado un pelo con la violencia. Personalmente, el tráiler me ha gustado mucho, y mejora las expectativas que tenía sobre lo que podremos ver el próximo 18 de septiembre, que es la fecha de estreno aquí en España; en Estados Unidos podrán verla a partir del 21 de agosto.

‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’) está protagonizada por Brad Pitt, Eli Roth, Til Schweiger, Christoph Waltz, Michael Fassbender, Diane Kruger, Samm Levine, Mike Myers, Daniel Brühl, Cloris Leachman, Julie Dreyfus, B.J. Novak y Martin Wuttke (Hitler). La sinopsis de la película es la siguiente: Durante la ocupación alemana de Francia, el teniente Aldo Raine organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds”, los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark, una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich.

PD: Samuel L. Jackson también interviene en la película, aunque sólo podrán apreciarlo los que vean el film en versión original, ya que es el narrador de la historia.

Vía | TheMovieBox

La promoción de ‘Inglourious Basterds’, lo nuevo de Quentin Tarantino, sigue su curso, y aquí tenemos el nuevo cartel internacional, y parece que definitivo, de la película, que se estrena en Estados Unidos el 21 de agosto; desgraciadamente, en España no veremos ‘Malditos bastardos’ hasta el 18 de septiembre, casi un mes más tarde. Esto me recuerda que Tarantino ha hablado sobre la futura secuela, que ya tiene escrita, revelando que girará en torno a un grupo de cinéfilos españoles que deciden vengarse de los constantes retrasos en los estrenos y los absurdos cambios de títulos de este país, masacrando a todos los culpables, de forma divertida y ultraviolenta… ‘Mardito bastardez 2: Hasta las pelotas’ podría ser el título. Aún se lo está pensando. Es exclusivo todo esto, sois los primeros que lo leéis.

Como sabéis, la película nos traslada a la II Guerra Mundial, y se centra en un puñado de soldados llamados “The Basterds”, liderados por Aldo Raine (Brad Pitt), y cuya misión es causar el mayor número de bajas en el ejército nazi. Si queréis saber un poco más, os recuerdo que podéis echar un vistazo al tráiler, que salió hace tiempo. Pitt, Diane Kruger, Eli Roth, Til Schweiger, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Melanie Laurent y Christopher Waltz (premio al mejor actor en Cannes) son los principales integrantes del reparto, al que seguro que Tarantino ha sacado el máximo jugo. Ya queda menos, tened paciencia.

PD: Por cierto, el cartel me gusta. Poca sangre, quizá.

Vía | Cinefilo.es

En ‘Lawrence de Arabia’ el cineasta David Lean se acercaba a la personalidad del mítico oficial británico no con la intención de proponer respuestas a su enigmática personalidad, sino con la retorcida mirada del poeta, la que gusta en regodearse en el misterio. Son más importantes las preguntas. “Print the legend”, diría John Ford. Las leyendas son la mentira más maravillosa, excepto si tú eres la leyenda y has de cargar con tu pasado. Que se lo pregunten a William Munny, el protagonista de la resurrección del western para muchos. Pero si ‘Unforgiven’ era la resurrección y la deconstrucción de un mito, este hermoso poema es el retorno a los orígenes de la mítica.

Libérrima, sorprendente, de carácter exageradamente artístico, no muchos han visto en cines (y quizá menos aún en Dvd), el segundo largo (después de un debut para el olvido) del director Andrew Dominik, que habrá que esperar a que el mejor cronista que existe, el tiempo, la deje madurar para que se descubra, a nivel global, lo que significa y aporta este título a la evolución del cine moderno. Es un rayo de luz, en verdad, que muchos quizá no han sabido (o podido) apreciar en su magnitud, pero que a juicio de quien esto escribe tiene toda la pinta de una obra de arte imperecedera.

Andrew Dominik demuestra aquí la inspiración y la mirada de un artista consumado, pues no sólo se encarga de la puesta en escena, sino que también firma en solitario el prodigioso guión, adaptación de la novela de Ron Hansen, un consumado especialista del salvaje oeste. En su acercamiento a la figura de James, y también de Ford, en la recreación de ambientes, en la personalísima óptica sobre las costumbres de su país a finales del siglo XIX, Dominik parece influenciado por dos de los más grandes artistas del cine norteamericano (no sólo de ahora mismo, sino de toda la historia): Terrence Malick y Paul Thomas Anderson. De Malick acoge su infinito amor por la naturaleza, su concentración sobre los elementos puramente lumínicos o sonoros.

Y de Anderson acoge esa narración conscientemente juvenil sobre unos acontecimientos trágicos, densos; así como esa extraña energía en el montaje con la que el californiano construye sus ideas y una cierta presentación de los personajes. De la mano de estos dos maestros, el neozelandés Dominik se adentra, sin vuelta atrás, en una mítica que creíamos que ya no era posible, pero que vuelve a serlo por el amor a una cultura que parece encapsulada en el tiempo, como una generación espontánea de antihéroes trágicos. Y no deja de tener ironía que esta película naciera el mismo año que la magistral ‘There Will Be Blood’, película con la que guarda raras similitudes estilísticas y temáticas, y que le arrebató el Oscar a la mejor fotografía (el de mejor película ya sabemos a qué tipo de lugares comunes está destinado ese premio).

No es exagerado afirmar que el trabajo con la luz de Roger Deakins en ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, sólo podía ser superado por el alumno más aventajado de las lecciones que Malick brindó a John Toll o Néstor Almendros, el gran Robert Elswitt, que con ‘There Will Be Blood’ alcanzó el techo de los maestros en su oficio. Luego hay algunos que aún se preguntan por la dudosa influencia de Terrence Malick en el cine norteamericano: pues nada menos que un aliento lírico que socava los mismos valores de la narración clásica estadounidense para cuajar unas imágenes que van más allá de lo que quizá soñaron ellos mismos. Pero todo se andará con el tiempo, cuando se vuelva la mirada hacia el trabajo de Anderson, y sobre todo de Malick.

Dominik aprende lo mejor de ellos, y arma una estructura irregular, hecha así a propósito, y que puede descolocar a aquellos que siempre buscan en el cine lo mismo (esto es, presentación, nudo y desenlace) y que son incapaces de dejarse sorprender por un relato que se oponga a sus expectativas. Irregular porque su realizador tiene la suficiente sensiblidad no sólo para no hacer aparecer continuamente a Jesse James (más bien, aparece poco, puesto es un reparto coral), sino para dar la oportunidad a todos los personajes con capítulos independientes, en un trenzado de secuencias que se aleja mucho del interés de los directores al uso de contar una historia. Esto es un estudio de caracteres, a cuál más resbaladizo y desesperado.

Con la ayuda de Deakins, Dominik retrata a estos personajes siempre con unas fuentes de luz justificadas (que aunque lo parezcan, no son siempre naturales), blancos matinales provenientes del reflejo de la nieve, amarillos cálidos provocados por una vela o una fogata, o suaves de un atardecer. Pero no sólo eso, Dominik se vale de la luz para crear estados emocionales, amplificados por la minimalista música de Nick Cave y Warren Ellis, que tan poco se parece a otras que crearon Jerome Moross para ‘Horizontes de grandeza’ o John Barry para ‘Bailando con lobos’, por ejemplo. Una música más inspirada en el folklore americano que aquellas, y por tanto más verdadera.

Imposible resulta describir también la riqueza léxica de unos diálogos tan literarios como cinemáticos, plagados de slang y de juegos de palabras que resultan imposibles de traducir, y que por eso recomiendo escuchar no sólo en su V.O., sino también con subtítulos en inglés, pues si resulta imposible a un doblador expresar todo ese texto, también a un subtitulador. Es simplemente amor por el lenguaje, con unas parrafadas a medio camino entre lo paleto y lo culto, lo vulgar y lo sublime, un compendio de frases que deberían estudiarse en un ensayo dedicado sólo a ellas. Todo esto, sumado a un título tan atípico da idea del poco interés de sus responsables por contentar al espectador más acomodado, ese que sólo quiere que le distraigan los fines de semana sin poner nada de su parte, y que cree poder decidir de qué está hecho el cine, y en qué tienen que esforzarse los artistas.

Sobre todo, ¿quién fue realmente Jesse James? Encarnado por un Brad Pitt en plenitud de facultades, no es, aunque pudiera parecerlo, el protagonista de la historia. Tal protagonismo recae sobre todo en Robert Ford, interpretado por un sensacional Casey Affleck en el papel de su carrera. James es, claro, el alma de la película, pero su corazón es Robert, el perdedor, el pringado Robert Ford, el paria que quiere respeto, que quiere, sobre todo, un poco del amor que es capaz de dar. Nos sentimos perturbadoramente identificados con su patetismo. Bellísima la secuencia en que le obligan a enumerar las razones por las que James, ya desde su niñez, era un ídolo para Robert. Es una verdadera declaración de amor desesperada, frustrada por James en su, creo yo, fingimiento de la humillación hacia Robert.

Pitt trabaja sobre todo con los ojos, en un trabajo de una fisicidad admirable. Hay una melancolía, un hartazgo en su composición, indescriptibles. Cuando hace una cosa, se nota que quiere hacer la contraria, y que piensa otra, y que dice otra. Es un enigma disfrazado de un engaño, aupado en una leyenda mentirosa. Para Dominik, es un Cristo cruel, venerado y temido por sus hombres, sus apóstoles. Los que le traicionan mueren de una forma espantosa (crudísima la violencia de esta película, muy parecida a lo que de verdad tuvo que ser en aquella época y que tan bien describe el sheriff de ‘Unforgiven’), y otorga su halo a quienes pueden servirle. ¿Es malvado James? Tampoco lo parece. Quizá nada más un solitario eterno, un vagabundo de la mística norteamericana. Mientras Dominik derrama cinismo y ternura hacia sus fuera de la ley a partes iguales, con él tiene desengaño y lirismo.

De ahí viene la oscuridad que oculta la luz en la extraordinaria secuencia del robo al tren, y que muchos sólo han querido ver como una muestra de autocomplacencia, ignorantes de que Dominik lo que quiere es crear algo bello para los sentidos y a la vez una metáfora de una personalidad inasible. Pero quien tenga ojos que vea, y ya vendrá el tiempo a dejar a cada cual en su lugar, tanto a Dominik y su película como a artistas dudosos que sólo saben hacer copy/paste de cómics o espectáculos sobre la desgracia humana. Yo, personalmente, me quedo con Jesse Brad Pitt James, que ríe y llora y mata y ama con locura en esta película, hasta que nos enamoramos de él, y le odiamos y le tememos también.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, el lento declive de los pistoleros

• ‘El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, tan larga como su título

Aquí tenemos dos nuevos carteles de una de las películas más esperadas del presente año (no es mi caso), ‘Malditos bastardos’, el nuevo trabajo del admirado por medio mundo Quentin Tarantino. Esta vez al director de ‘Pulp Fiction’ le ha dado por el cine bélico, tomando como base una película italiana de los años 70 titulada ‘Quel maledetto treno blindato’, dirigida por el inefable Enzo G. Castellari, y que en los USA se rebautizó como ‘The Inglorious Bastards’. Lo cierto es que gustándome sólo la ópera prima de Tarantino (el resto me aburre soberanamente y he sido capaz de ver ‘Pulp Fiction’ hasta 7 veces intentado ver lo que muchos ven y yo no), me apetece bastante este regreso a los films bélicos de la clase de los que se hacían en las décadas de los 60 y 70.

Brad Pitt y Eli Roth son dos de los protagonistas centrales del film, el cual narra la historia de un grupo de soldados norteamericanos que, durante la Segunda Guerra Mundial, deciden provocar el terror entre los soldados nazis, matando a cuantos más mejor, y utilizando la mayor violencia posible. Y siendo Tarantino el director, esto último lo encontraremos en suma cantidad. Otra cosa es que sea gratuitamente o no. ‘Malditos bastardos’, que se exhibirá en Cannes, se estrena entre nosotros el próximo 18 de septiembre.

Vía | Impawards