Ahora que parece que la televisión empieza a marcar las modas en cierto tipo de productos, nos llega una película como ‘Templario’ (‘Ironclad’, Jonathan English, 2011) para sumarse así a una fiebre iniciada por Ridley Scott hace once años, y mantenida en la actualidad por la HBO y su ‘Juego de tronos’ (‘Game of Thrones’) —interesante serie que mejora según avanza—. Historias con una fuerte carga épica, o eso se intenta, ambientadas en distintas épocas y que rescatan el gusto por las aventuras antiguas, historias atemporales, o no, sobre justicia, fe, venganza y amores prohibidos. Todo ello lo podemos encontrar en el tercer largometraje del desconocido Jonathan English, firmante de ‘Nailing Vienna’ (2002) y ‘Minotaur’ (2006), sus dos trabajos previos, bastante mal considerados por todo aquel que los ha visto.

Para ‘Templario’, que adapta una historia de su propia cosecha, ha tenido la suerte de contar con un equipo de actores en los que hay las suficientes caras conocidas como para prestarle un poco de atención. Suerte porque de esa forma su película consigue una mayor distribución, aunque eso luego nada tiene que ver con la calidad del film. Recordemos que directores como Uwe Boll —realizador con el que English ha sido comparado alguna vez— también gozan a veces de un reparto de campanillas y el resultado son unos bodrios de dimensiones cósmicas. El film que nos ocupa no llega a los límites del cine de Boll, hay detalles de puesta en escena y alguna cosa más que impiden que emparejemos la película con subproductos. Aún así, no estamos ni de lejos, ante un film a tener en cuenta.

La historia de ‘Templario’ nos lleva al año de gracia de nuestro señor de 1215 cuando el Rey Juan de Inglaterra (Paul Giamatti) es obligado a firmar la Carta Magna. Profundamente humillado y enfadado decide recuperar su país por métodos más bien poco ortodoxos, aunque en aquellos tiempos no se hacían las cosas de otra manera. Reuniendo un grupo de salvajes guerreros y con la intención de recuperar su reinado, comienza a arrasar el país, provocando muerte y destrucción allá por donde va. Sólo un grupo de hombres desesperados, capitaneados por el barón de Albany (Brian Cox), harán frente a Juan sin tierra. Entre ellos se encuentra Marshal, un caballero templario atormentado por una lucha interna entre fe y razón. Un pequeño grupo salvaje que resistirá en el castillo de Rochester hasta límites insospechados.

El trabajo de English sigue en cierto modo la moda extendida últimamente por películas como la maja ‘Centurión’ (id, Neil Marshall, 2011) o la tonta ‘La legión del águila’ (‘The Eagle’, Kevin Macdonald, 2011), dos peplums que hacen hincapié en la violencia más descarnada, como reflejo de unos tiempos ya de por sí violentos. ‘Templario’ les gana por goleada a ambas en la exposición de la mencionada violencia, llegando hasta unos niveles de gore, lo cual no deja de ser llamativo en una película que por otro lado tiende hacia el realismo. Por un lado me parece estupendo, un relato violento requiere sangre. Por otro creo que el relato se resiente precisamente por ofrecer única y exclusivamente eso como reclamo. Cabezas cortadas, miembros amputados, cuerpos partidos a la mitad a golpe de espada, sangre salpicando literalmente a la cámara y demás son la marca de la casa. La brutalidad como excusa a todos los niveles. Tanto que el resto de elementos del film, salvo excepciones aisladas, quedan totalmente descuidados.

Puede notarse en Eneglish cierta pericia en la planificación, aunque únicamente en la parte desarrollada en el castillo de Rochester, que ocupa buena parte del metraje. Algún que otro plano cenital mostrando el enfrentamiento entre asediados y atacantes revela cierta inspiración en la puesta en escena, pero son sólo casos aislados, el resto del film se mantiene fiel a un montaje caótico con los consiguiente bajones de ritmo. Por lo que respecta al plantel de actores, destacaría a Brian Cox y Jason Flemyng por encima del resto. Paul Giamatti nunca ha estado tan exagerado. James Purefoy, que parece el protagonista, sigue demostrando su perfecta inexpresividad para este tipo de personajes atormentados, y Kate Mara da la sensación de no enterarse de nada, como si estuviera en otra película. La historia de amor de ambos personajes no sólo es ridícula y forzada, sino que termina de matar las pocas posibilidades de que una historia de esta índole contenga algo de emoción.

Y es que este tipo de historias enganchan entre otras cosas por su emoción. En ‘Templario’ decidieron cambiarla por miles de litros de sangre. Una pena.

Dagur Kári es un director francés afincado en Islandia —suyas son ‘Dark Horse’ (‘Voksne mennesker’, 2005) o ‘Nói albínói’ (2003)— que debuta en terreno estadounidense con ‘The Good Heart’, una producción de bajo presupuesto y que evidentemente no tendrá la repercusión que otras películas más famosas de estruendoso éxito están teniendo pero cuya calidad es bastante inferior —no, no me refiero a ‘Kick Ass‘— al film que nos ocupa. Algo parecido le ocurre, aunque menos acentuado, a esa maravilla de ‘Two Lovers’ (id, 2009, James Gray), film de excelente recepción crítica y que el público, el poco que la ve, queda encantado. No quiere decir esto que nos encontremos ante una muestra de gran cine, como es el caso de Gray, pero teniendo en cuenta la cartelera actual, el trabajo de Kári se desvela como uno de los escasos oasis que encontraremos a lo largo y ancho de este desierto de mediocridad cinematográfica.

Kári ha sido reclutado, por así decirlo, por los americanos —aunque hay que señalar que nos encontramos ante una coproducción— en una demostración más de que al otro lado del charco no sólo están faltos de ideas —tanto remake, tanta adaptación— sino que además parecen carecer de una cantera de nuevos directores que animen algo el panorama que al final, y salvo muy contadas excepciones, terminan salvando los directores de siempre cuyos nombres no necesito nombrar.

‘The Good Heart’ cuenta la historia de Lucas (Paul Dano), un joven sin techo que vive en una caja de cartón bajo el puente de Brooklyn y que no tiene a nadie en el mundo salvo un pequeño gatito. Harto de la vida y sin un buen futuro por delante decide suicidarse pero le sale mal. En el hospital conoce a Jacques (Brian Cox), el misántropo dueño de un bar que acoge a Lucas en su seno con la intención de que herede su modo de vida. Lucas, un joven extremadamente agradecido, ve algo de esperanza en su vida. Jacques le enseñará a llevar su bar para que lo atienda los días que aquél no esté, instruyéndole en unas más que curiosas reglas de cómo llevar el negocio.

Estamos ante una película de factura impecable, con una puesta en escena que apuesta por tonos grises que captan un pequeño rincón escondido de la ciudad más famosa del planeta. Uno de esos callejones en los que un viejo bar en un viejo edificio forma el universo personal de los personajes de la historia, la cual es tratada como si se tratase de un cuento de hadas. Componen este microcosmos un ogro que en el fondo no es tan malo como aparenta a primera vista, uno de esos típicos cascarrabias con buen corazón, un héroe que termina siéndolo sin querer y una princesa, a la que Jacques llama “puta” como a todas las mujeres y que suelen ser señal de problemas.

Kári compone una historia llena de sensibilidad en la que una vez más se demostrará que necesitamos a los demás para ser alguien, incluso para realizar nuestros sueños, sean cuales sean. Puede que la historia recorra algún que otro derrotero previsible. Nadie duda, en su tercio final, cómo los acontecimientos tomarán un giro brusco, uno de esos irónicos golpes de la vida, pero no por ello es menos disfrutable. Al menos el director evita sentimentalismos de todo tipo, y es capaz de emocionar sin trucos facilones. Sólo le pongo un importante pero, y es que a Kári conecta los dos personajes centrales con demasiada facilidad, sin que se nos expliquen, nos sugieran siquiera, el interés que Jacques pone en Lucas al conocerlo. También descoloca mucho el personaje femenino, bastante más tópico que los otros dos y cuya razón de ser es simple y llanamente inútil. Sin ella la historia hubiera funcionado de igual manera. Dejo a un lado detalles extraños y aislados como los del gato —y que cualquier amante de los animales rechazará ipso facto—, la descripción de la Sanidad en los USA —esas enfermeras tan amables que cuidan de Lucas—, o los trajeados compradores de edificios que entran en el bar de Jacques y salen con el rabo entre las piernas. Desconcertantes cuanto menos.

Al hacer del realizador hay que sumar las excelentes interpretaciones de Brian Cox y Paul Dano. El primero, secundario de lujo donde los haya del cine actual, compone uno de esos personajes caramelo que todo actor desea, un ser que nada quiere saber de los demás a los que trata como basura —el hecho de que su sustento sea un bar, en el que hay que relacionarse con los demás, no deja de tener su gracia—. A su lado, el joven actor que sorprendió a propios y extraños en la cuasi ridícula ‘There Will Be Blood’ (id, 2007, Paul Thomas Anderson) hace gala de una extraña contención en su bienintencionado rol, logrando expresar el vacío que un solitario puede llegar a sentir cuando no tiene a nadie. La química entre ambos actores es de las que justifican el pago de una entrada de cine.

El actor Mel Gibson había llegado a lo más alto de su fama como estrella cinematográfica a principios de los años noventa, y había debutado como realizador en la estimable y razonablemente interesante ‘El hombre sin rostro’, un drama muy alejado de lo que cabría esperar de un individuo que tanto gusta por hacerse el macho en los vehículos de lucimiento personal que tantas veces le han brindado.

Tiene, por tanto, mérito (y no escaso) que esta estrella se jugase el todo por el todo en un ambicioso drama histórico que, igual que le encumbró como director, podría haberle hundido en la ciénaga de los fracasos rotundos. Apuesta casi suicida en la que, de manera implacable, convive lo formidable con el lugar fácil, el cliché con el arquetipo bien armado, lo bello con lo tosco. Gibson no conoce término medio.

William Wallace fue un líder escocés, que luchó por la independencia de Escocia a finales del siglo XIII. Hay poca información sobre sus primeros años y su juventud, pero sea como fuere es todo un héroe nacional, y su lucha contra los ingleses es algo así como un nacionalismo frente a otro nacionalismo. Tomando este personaje como punto de partida, y reservándose el papel principal, Gibson emprende un drama histórico y épico con reminiscencias al gran ‘Espartaco’ de Stanley Kubrick (sin duda, la mejor y más hermosa de todas las filmadas por el director neoyorquino), y con una recreación de época de primer orden.

Romanticismo y carnicería

“Luchad, y puede que muráis. Huid y viviréis… un tiempo al menos. Y cuando estéis en vuestro lecho de muerte dentro de muchos años, ¿no cambiaréis todos los días desde aquí hasta entonces por una oportunidad, sólo una oportunidad, de volver aquí y decir a nuestros enemigos: Pueden quitarnos la vida, pero jamás nos quitarán… ¡¡La libertad!!”

- William Wallace

El mediocre guionista Randall Wallace (también tiene coña lo del apellido), responsable de cosas nefastas como el libreto de ‘Pearl Harbor’, o de un fascistoide vehículo de lucimiento para Gibson como ‘Cuando éramos soldados’, firma aquí un guión bastante potable, quizá el mejor de su carrera, en el que ya el personaje histórico de William Wallace es tratado con una aureola de romanticismo totalmente ficticio, aureola reforzada más todavía en la puesta en escena de Gibson, que no tiene reparo en convertir a Wallace en un héroe mártir, y casi intachable.

Wallace, aparte de culto (algo que sí parece que era cierto), es encantador, valiente, honesto y con un alto sentido de la familia. Se enamora de Murron (una estupenda Catherine McCormack, actriz completamente desaprovechada, a mi juicio) y ambos viven una historia de amor casi mística, con cruel asesinato incluido. A partir de ahí, Wallace se comprometerá en la lucha contra la opresión inglesa, y en favor de un estado escocés libre. Y en ese compromiso será un hábil estratega, un tipo leal, un guerrero feroz. Un personaje de una pieza, vaya. En contraposición, el cruel rey inglés Eduardo I (un epidérmico Patrick McGoohan) y su homosexual hijo, son lo peor de lo peor.

No es de extrañar, por tanto, que en Gran Bretaña la película fuese acogida con virulencia, así como por parte de todos aquellos que ven con malos ojos que se altere la historia y se juegue al folletín. Sin embargo, y a pesar de que los personajes son ciertamente limitados, precisamente la mayor virtud de la película reside en ese romanticismo exacerbado, que convierte todo lo celta y los ambientes escoceses, en un festín sensorial, y casi en una narración mitológica. Pocas veces hemos visto pueblos celtas y la vida escocesa del siglo XIII con tanto encanto y tanto realismo como aquí. Contribuye también a eso la espléndida fotografía de John Toll (segundo Oscar consecutivo para él, y muy merecido) o la bella partitura de un James Horner en plena forma.

De modo que Gibson sabe rodearse de gente de primer nivel, y se levanta un proyecto de fuste y empaque. Pero no sólo eso, pues él mismo también hace las cosas bien. Sabe enamorarse, como narrador, de la historia que cuenta, y aún con sus limitaciones, sabe electrizar bien la historia, además de filmar muy bien la acción y de poseer una vena épica incontestable. Puede tener aspectos cuestionables, pero la previa de la batalla de Stirling, cuando llegan sus jinetes y se dispone a animar a las tropas con su discurso, desprende una emoción épica como pocas veces he visto yo en una pantalla de cine. Y la batalla, en sí misma, es un esfuerzo visual enorme, a la que se le puede achacar un regusto por el gore que rompe el tono, o una cámara demasiado estilizada, pero que deja, en su mayor parte, con la boca abierta por la potencia y dinamismo de sus imágenes.

La batalla de Stirling, la boda secreta en el bosque nocturno, el secuestro nupcial de la recién casada, el funeral celta, el ajusticiamiento final… secuencias y momentos antológicos, pero que hacen palidecer, en comparación, otros que están muy por debajo. Y me refiero a la segunda batalla (filmada con premura y ni la mitad de la energía de la primera), al asesinato torpe del posible amante del príncipe, a la noche de amor de William con la princesa Isabel de Francia (una Sophie Marceau espantosa, aunque muy guapa, eso sí), a las triquiñuelas de los nobles de Escocia (que parecen de patio de colegio). Todo ello filmado con dinamismo, pero con una tosquedad que evidencia la irregularidad, lo lejos que está Gibson de la excelencia.

El bloque final, con Wallace hecho todo un mártir, mezcla también lo formidable con lo muy discutible, como ese grito final de ¡Libertad!. Fiel a sí mismo, Gibson convierte a Wiliam en un Jesús que se entrega por una causa mayor, mientras es escupido y apaleado. Es muy hermoso cuando ve a Murron entre la multitud, y todo un descanso no tener que ver su cabeza decapitada. Lo que podría haber dado esta película de sí con otro director es una quimera pensarlo, pero qué duda cabe de que a Gibson le sobran ínfulas de artista, aunque también va sobrado de herramientas para la aventura más salvaje, que es lo que potenció al máximo en la estupenda ‘Apocalypto’, quizá su filme más redondo.

‘Braveheart’ se alzó, como era de esperar, con los principales premios Oscar de 1995, a pesar de que compartía añada con filmes bastante más redondos que ella, como ‘Pena de muerte’ (que debió ganar a pesar de no estar nominada a mejor película), ‘Seven’, ‘Casino’, ‘Los puentes de Madison’, curiosamente ninguna de ellas nominada a mejor película, quizá porque hubiera sido descarado que no ganaran.

Conclusión

Estimable película, muy lejos sin embargo de una “obra maestra” (término muy ajado ya por usarlo a todas horas aficionados que no distinguirían una obra maestra ni aunque les tatuaran una en la cara…), o de una altura considerable, por tratar Gibson de ser, a ratos, quien no es, y de quedarse a medio camino, o en tierra de nadie, en muchos segmentos de su relato. Eso sí, filma muy bien, mucho mejor que otros artesanos que van de realizadores preparados y no son más que míseros pega-planos.

Gibson, que juega a un relato sobre la lucha por la libertad cuando en el fondo es una historia nacionalista, tendrá sus limitaciones, pero lo que hace bien (la acción, la épica, el dinamismo) lo hace muy bien. Lástima que luego se entregase a sus más bajas pasiones e instintos comerciales con la deleznable ‘La pasión de Cristo’.

-Sr. Fox: “¿Por qué un zorro? ¿Por qué no un caballo, un escarabajo, o un águila? Lo pregunto más como algo existencialista, ya sabes. ¿Quién soy? ¿Y cómo puede ser feliz un zorro sin, perdóname la expresión, un pollo entre sus dientes?

-Kylie: “No sé de qué estás hablando, pero suena ilegal”.

Tras un retraso considerable, por fin llegará a nuestras pantallas el próximo viernes ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’), escrita y dirigida por Wes Anderson. Tras cuatro películas basadas en ideas originales (tres de ellas co-escritas con Owen Wilson), el cineasta estadounidense optó por adaptar un relato ajeno, uno de los cuentos más populares de Roald Dahl (editado en nuestro país bajo el título de ‘El superzorro’), sobre un zorro muy listo que debe enfrentarse a tres granjeros, lo que le obligaba también a emprender su primer trabajo animado.

Puestos a tirarse a la piscina, Anderson lo hizo a lo grande, eligiendo la artesanal, complicada y lenta técnica del stop-motion, una decisión que le trajo más de un problema (el especialista Henry Selick le abandonó para trabajar en ‘Coraline’, y uno de los técnicos le acusó públicamente de no estar nunca en el set y no tener ni idea de animación), pero que finalmente, viendo el resultado, se revela como un enorme acierto, especialmente ahora que casi todo se tiene que hacer por ordenador (hay aquí escenas “trucadas” de esa forma, pero ya me entendéis), se expande la locura del 3D y el público, o buena parte de él, echa de menos algo más tradicional. Las críticas han sido muy positivas y aunque sea lo de menos, cabe señalar que ‘Fantástico Sr. Fox’ fue una de las cinco nominadas al Oscar a la mejor película animada (premio que se llevó justamente ‘Up’), siendo también finalista la estupenda banda sonora de Alexandre Desplat.

Una adaptación trabajada y personal

El cuento infantil de Roald Dahl, que con una letra muy grande y muchas ilustraciones llega a las 150 páginas, gira en torno a un zorro y tres granjeros, a los que el animal roba constantemente (para alimentar a los suyos, desde luego). Un día los tres hombres deciden unir sus fuerzas y acabar de una vez por todas con el zorro y su familia, tras descubrir el árbol bajo el que viven. Poco más hay en el relato de Dahl, y esto lo toma Anderson no sólo para trasladarlo a su terreno sino también para extenderlo considerablemente, dando como resultado una película completamente suya de unos noventa minutos.

La base de la historia sigue siendo la misma, casi todo lo que sucede en la obra original pasa también en la película, y por supuesto los animales están ahí, tal y como los imaginó Dahl, pero Anderson, con la ayuda de Noah Baumbach (con quien ya había trabajado en ‘Life Aquatic’), les inventa un pasado, los dota de una mayor personalidad, los hace más contradictorios, y los lleva por un camino diferente, ya que la película no termina donde lo hace el libro, lo que se agradece muchísimo, pudiendo haberse conformado simplemente con añadir algún detalle personal y dejar todo lo demás tal y como estaba. De hecho, se ha incluido demasiada trama nueva, siendo uno de los defectos de un film en general muy entretenido, fresco, atípico.

Desde la primera escena, uno comprende varias cosas; que esto se lo han tomado muy en serio, que no se está ante una película corriente y que la firma Wes Anderson. Todo arranca con un libro que se abre, y siendo la adaptación de un cuento es algo comprensible, pero hay que decir que así es justo como comienza ‘Los Tenembaum’ (lo mejor de este realizador hasta el momento), para luego mostrar al protagonista mascando una ramita y escuchando música, apoyado en el tronco de un árbol mientras espera a su novia. Tras unos diálogos rápidos marca de la casa, se lanzan a robar comida y en el intento quedan atrapados, momento en el que ella aprovecha para confesar que está embarazada; la cara del zorro os la podéis imaginar. Años después (más para los animales que para los humanos), ya tenemos la clásica familia disfuncional del cine de Anderson.

Familia y amigos del irresponsable señor Zorro

Aun con aspecto de zorro, el protagonista (con la voz de George Clooney) es el mismo personaje inmaduro de las anteriores películas del director, el mismo adulto egoísta, excéntrico y torpe con su familia, que debe afrontar sus fracasos, hacerse cargo de sus responsabilidades y emprender un cambio antes de que sea demasiado tarde y se quede solo el resto de sus días. Está la esposa, Felicity (voz de Meryl Streep), comprensiva pero responsable, que aguanta como mejor puede el comportamiento de su marido, no sólo por amor sino también probablemente porque se siente culpable por haberle despertado de su sueño de juventud eterna, pero que en un momento dado deberá obligarle a elegir: o ella (y su familia) o la puerta, donde puede seguir con sus juegos.

Por otro lado están los vástagos, quienes sufren por las expectativas de su padre y crecen amargados, no perdonando fácilmente a quien les forzó a pelear para conseguir una vida que realmente no deseaban (sigo hablando del cine de Anderson, si bien esto lo habrá vivido más de uno en sus propias carnes). En ‘Fantástico Sr. Zorro’ tenemos a dos pequeños compartiendo el mismo techo, aunque sólo uno es hijo de los zorros (Jason Schwartzman), el otro es un sobrino que debe quedarse con ellos (Eric Anderson, hermano del director); mientras que el primero intenta llamar la atención de su padre pero no hace más que meter la pata, enfadarse y aislarse, el segundo es justo lo que deseaba el Sr. Fox, un atleta que le puede acompañar en los robos, pero claro, no es su hijo.

Puede que Anderson descuidara el trabajado en el set, que no entendiera bien cómo funciona el “stop-motion” y que reciba más mérito del que merece por el magnífico resultado final, pero lo que es indudable es que la película funciona, que el guión, aun partiendo de lo escrito por Roald Dahl, es completamente suyo, y que supo cuidar las voces de sus personajes, consiguiendo para ello un reparto envidiable en el que figuran, además de los ya mencionados, Bill Murray, Michael Gambon, Willem Dafoe, Owen Wilson, Brian Cox y Adrien Brody, entre otros. Una película de precioso acabado, entretenidísima y recomendable tanto para los niños (sigue siendo un cuento protagonizado por zorros) como para los adultos (que pillarán alguna broma más). Se queda en la memoria, o quizá sólo si te encantan los animales.

La. Sangre. Correrá. Oh. Sí. Ahí tenéis el llamativo primer cartel de ‘Templario’ (‘Ironclad’), que como podéis ver promete mucha sangre. La película, protagonizada por James Purefoy, ha sido descrita como ‘la versión medieval de Los Siete Samurais’ y se centra en un grupo de guerreros templarios que deben defender el castillo de Rochester ante el ataque del ejército dirigido por el tirano rey John, a quien da vida el genial Paul Giamatti.

Cabe destacar que Purefoy y Giamatti están acompañado por Brian Cox, Robert Carlyle, William Moseley, Jason Flemyng, Bob Hoskins, Pete Postlethwaite, Kate Mara y Mackenzie Crook, entre otros, por lo que el reparto es sin duda una de las grandes bazas de la película. Tras las cámaras, un señor llamado Jonathan English, que hace cuatro años dirigió una cosa titulada ‘Minotaur’ (‘La leyenda del Minotauro’). Esperemos que no sea de los realizadores que se ponen nerviosos cuando tienen que rodar una batalla y haya organizado un buen espectáculo.

Por el momento no hay fecha de estreno para nuestro país, pero puede que mi compañero Adrián nos hable de ella desde el Festival de Berlin, donde la película se proyectará por primera vez. A continuación os dejo un par de vídeos del rodaje que he encontrado echando un ojo en Youtube:

Actualización: El estreno en España está previsto para el 22 de julio de 2011.

PD: Purefoy, Flemyng, Postlethwaite y Crook vuelven a verse las caras tras ‘Solomon Kane’... ¿¿Es que las rodaron a la vez??

Vía | Empire

Tres años después de ‘X-Men’, éxito de taquilla y la primera piedra del actual género de superhéroes, Bryan Singer pudo contar con más medios, más libertad y (no menos importante) con sus colaboradores habituales (John Ottman en la banda sonora y el montaje y Newton Thomas Sigel en la fotografía) para filmar una continuación. Una secuela que Singer se tomó como un reto. Sería todo lo que quiso y no pudo hacer en la primera parte.

‘X-Men 2’ (‘X2’, 2003) mantiene a los mismos protagonistas de ‘X-Men’, lo cual es una gran ventaja pues ya no era necesario ni introducirlos al público ni decirles porqué actúan así. Sin embargo, en lugar de dejarlos ahí, pasar un poco por alto sobre estos personajes, Singer aprovecha para ahondar más en ellos y jugar con todas las posibilidades que se quedaron fuera en la primera parte. De este modo, podemos disfrutar de una conversación entre Xavier y Magneto que se mantiene por más tiempo, conocer mucho más a los jóvenes mutantes de la escuela o seguir explorando el pasado de Lobezno, por poner un par de ejemplos.

Precisamente, a pesar de la gran variedad de personajes que aparecen en la película (más que en ‘X-Men’), Logan/Lobezno (Hugh Jackman) vuelve a ser el eje central de la historia, moviéndose básicamente en torno a dos necesidades: saber quién es y proteger a “sus” dos chicas (Pícara y Jean, por razones muy diferentes). Es el mismo personaje de la primera parte, con sus mismo comportamiento, salvo por el hecho de que ya no parece necesitar el estar solo, sino que acepta su pertenencia al grupo de Xavier.

Por otro lado, quiero reflejar aquí un pequeño gran problema que se va a originar (nunca mejor dicho) con el spin-off de Lobezno, ‘X-Men Origins: Wolverine’. Una vez que veamos ésta, cuya acción va antes que las de Singer, ¿no quedarán mal todas esas pesadillas y oscuros recuerdos sobre un pasado que, lejos de ser un secreto, ya hemos visto claramente en una película? Por no hablar de que Jackman esté más viejo y musculoso o que Dientes de Sable y William Striker tengan otro físico…

Hasta cinco personajes (importantes) nuevos se incluyen en esta ‘X-Men 2’, a cuál más interesante y mejor explotado; plenos aciertos del guión escrito por David Hayter, Zak Penn y Bryan Singer. Por un lado tenemos a Stryker, el principal villano de esta secuela, Jason (o mutante 143), su hijo, Dama Mortal, su guardaespaldas, Pyros, otro alumno de Xavier, y Rondador Nocturno, el primer mutante que veremos en la secuela. La presentación de este personaje puede haber dado origen, perfectamente, a uno de los inicios más espectaculares de la Historia del cine.

Si el principio de ‘X-Men’ estaba destinado a situarnos el fenómeno mutante en nuestro pasado y nuestro presente, presentándonos unos hechos fantásticos en un contexto real, para que entendiéramos desde los primeros minutos que estábamos viendo una película “seria” de ciencia ficción, el arranque de ‘X-Men 2’ tiene el propósito de romper todos los esquemas, sorprender al público, atarlo a la butaca y decirle “nos hemos superado”. De paso, de nuevo, se plantea la problemática de tener a mutantes con habilidades extraordinarias caminando libremente entre nosotros, el argumento de estas dos películas, casi dos mitades de una sola.

La secuencia nos presenta a Kurt Wagner, Rondador Nocturno (Alan Cumming), un mutante que está a punto de asesinar al Presidente de los Estados Unidos, pero que en realidad actúa de forma inconsciente bajo la influencia de Stryker. Éste aprovecha la ocasión y el temor del Presidente (que tiene un cierto parecido a Bush) para plantear una ofensiva sobre la raza mutante, especialmente, sobre Xavier y su escuela, tras descubrir que en ella se esconde, entre otras cosas, un jet de posibilidades desconocidas. En realidad, su objetivo es “Cerebro”, la máquina con la que Xavier tiene acceso a todos los mutantes del planeta.

Sin duda, los villanos se le dan bien a Singer. Si en ‘X-Men’, el Magneto de Ian McKellen era el personaje más atractivo y fascinante, en ‘X-Men 2’ destaca la interpretación de Brian Cox como Stryker, el humano más peligroso al que se hayan enfrentado los protagonistas. Los buenos y los malos. Porque en esta secuela, ambos bandos tendrán un mismo enemigo y, para combatirlo, deberán unir sus fuerzas. Es otro de los aciertos del enfoque de la segunda parte, y sigue en esa dinámica que comentaba antes, probarlo todo, jugar con todos los ingredientes y ver qué situaciones no se habían visto antes. De ahí sale también la escena humorística en la que Lobezno, aparentemente, comparte lecho con varias de las mutantes.

En síntesis, puede decirse que Bryan Singer consigue su propósito con ‘X-Men 2’, que ésta va un paso más allá que ‘X-Men’, al menos en lo que a espectacularidad, belleza y solidez se refiere. Hay más personajes, más acción, una trama más elaborada (con más conflictos) y más sorpresas incluso, sin que se haya descuidado, a cambio, ni el aspecto de las interpretaciones ni la coherencia a la hora de integrar elementos fantásticos en un contexto real.

Sin embargo, no estoy de acuerdo con los que señalan que ‘X2’ sea mejor que ‘X1’. Por lo pronto, esta secuela no puede funcionar sin la primera parte, y eso es un handicap; no ocurre lo mismo con ‘X-Men’, que funciona por sí sola. Por otro lado, me interesa más la trama de la primera parte, más centrada en la diferencia entre los hombres y los mutantes. Y por último, restar protagonismo a Magneto me parece, sencillamente, una mala idea.

En cualquier caso, ‘X-Men 2’ repitió y amplió el éxito de la primera parte. La crítica la trató mejor y en taquilla también obtuvo mejores resultados; la película costó unos 110 millones de dólares (35 más que la primera) y recaudó, sólo en Estados Unidos, más de 210. El final dejaba abierta la puerta para la tercera parte, y Singer, como queda de manifiesto en los comentarios del DVD de ‘X2’, tenía intención de hacerla. Sin embargo, Superman se cruzará en su camino y los planes sobre ambas películas darán un giro. ‘X-Men 3’ quedaría en manos de Brett Ratner y ‘Superman Returns’ en las de Singer. Los mutantes perdieron el rumbo, y sobre Kal-El hablaremos en unos días.

Especial Bryan Singer en Blogdecine:

Bryan Singer

Bryan Singer: ‘Public Access’

Bryan Singer: ‘Sospechosos habituales’

Bryan Singer: ‘Verano de corrupción’

Bryan Singer: ‘X-Men’

Después de comprobar que los organizadores del Festival Internacional de cinema de Catalunya, a. k. a. Festival de Sitges no tienen mucha idea de quién es su público y de dónde encuentra éste la mayor parte de su información y de sus referencias, hemos visto que en cuento a programación son aún más desastres. Si a eso le sumamos el absurdamente desorbitado precio de las entradas y las malas condiciones de visionado que tendrá cualquier espectador que no haga aproximadamente dos horas de cola o pague aún más por localidades numeradas, podremos concluir que, por muy atractivo que sea su contenido, es un certamen al que poco apetece acudir.

Nota: me parece importantísimo recalcar, antes de que sigáis con la misma cantinela en los comentarios, que todo lo que voy a decir a continuación no está motivado por la negación de la acreditación, ya que no fui yo quien la solicitó, sino otro de los editores de Blogdecine, por lo tanto, no me afectó. Otros años sí que la pedí y me la negaron igualmente y no dije nada, lo cual demuestra que me da igual. Y este año, por los mismos motivos por los que esto me afecta más directamente, no la solicité; así que ésa no puede ser mi motivación.

Todo mi enfado con el festival se debe a un motivo mucho más poderoso y que me afectó de manera enormemente más directa y personal. De hecho, me parece bastante más grave lo que cuento aquí que lo de la acreditación. El desastre organizativo por el cual se dejaron de proyectar los cortos que estaban previstos haciendo, con ello, perder el dinero de viaje y alojamiento a los autores, es lo que realmente quiero señalar en este artículo. Olvidáos, por favor, de los otros posts sobre Sitges y leed éste como si fuese de un blog diferente (ya que en realidad es de una persona diferente) para que así dejéis de pensar que los motivos por los cuales yo escribo esto son los mismos que los que tenían mis compañeros cuando escribieron los suyos. Mis motivos son otros, insisto, más graves y que causaron un perjuicio económico mucho más directo y mayor.

Ahora continúa el post como estaba escrito: Comprendemos que organizar eventos de esta envergadura es complicado, pero en el Festival de Sitges tienen a muchas personas que se dedican a eso y que pueden tenerlo todo previsto. En cualquier certamen grande y en el que haya que coordinar a muchas personas, puede salir algo mal, pueden fallar cosas. Pero en este caso llegan una catástrofe organizativa que supera a la de festivales mucho menores, hechos con menos dinero y menos personal. Cuando tenemos además en cuenta que llevan 41 celebrando el festival, nos extraña que fallen cosas tan básicas como las que este año se les han dado mal.

Algunos ejemplos de la falta de coordinación serían los siguientes: a la llegada de Abel Ferrara al aeropuerto, el festival no se había molestado en enviar a nadie para recogerlo. Por supuesto, la prensa no estaba allí. O bien porque no la habían avisado o porque prefería cubrir un photocall con alguna actriz de buen ver. Pero al menos, el festival que le ha invitado debería hacer que se sintiese acogido. Cuando llegó al hotel tampoco había nadie de la organización y su alojamiento no estaba previsto. Aquí se puede leer este incidente completo.

El tema de programación es algo que también clama al cielo. Que en una sesión de entrevistas, en un ciclo de conferencias, en la parrilla televisiva, incluso en la distribución de las pistas de un aeropuerto ordenes las cosas y luego las horas no coincidan porque todo ha durado más o menos de lo que preveías se puede comprender. Pero si lo que se programa son sesiones de proyección de películas, no tendría por qué ocurrir. Antes de ordenarlas se sabe lo que duran todas ellas y, por tanto, no hay posibilidad de que se produzcan retrasos. Algo de desorganización en este sentido y que la puntualidad no sea británica se puede comprender, con retrasos a lo mejor de diez minutos o de un cuarto de hora, pero que cada sesión se inicie media hora o tres cuartos de hora más tarde de lo anunciado no tiene ningún sentido. Y demuestra una gran falta de respeto a sus espectadores.

Pero eso no es nada. Las películas y los cortometrajes estaban previstos con fechas y horas concretas. Y una vez el festival ya había comenzado, con todos los programas impresos y la información repartida, se cambiaron sobre la marcha estas horas e incluso se eliminaron cortos de la lista. Por un lado están los espectadores que han pagado su entrada y pueden sentir curiosidad por lo que han visto, pero más grave es que los autores de estos cortos han viajado hasta allí para asistir a su proyección, se han costeado todo el viaje y el alojamiento porque el festival no les ha pagado nada y luego se han encontrado con que su película no aparecía en el momento previsto. Cuando se han realizado estos cambios, nadie ha avisado a los afectados de que ocurriría así.

En alguna ocasión se ha llegado a presentar un cortometraje delante de un largo y ha salido su director a ofrecer unas palabras al público. Cuando el corto iba a comenzar, los créditos del largo han empezado a rodar por la pantalla ante el estupor de los presentes. Una vez acabado el largo, el cortometraje seguía sin proyectarse y tuvo que ser el público el que, entre silbidos, demandase la proyección de lo que se les había anunciado al inicio de la sesión.

En festivales con mucho menos presupuesto y menos cantidad de patrocinadores a cualquier persona que presente allí un cortometraje, como mínimo, le pagan una noche de hotel. Y es obvio que también le invitan a la proyección. En Sitges la racanería no llega sólo a acreditar a un mínimo posible de prensa, sino también en no dar invitaciones para ver su propia película ni siquiera a los equipos de los films que se programan. Las cifras indican que Sitges es uno de los pocos festivales que tiene superávit. Con esta política de ahorro no me extraña. Si las sesiones de cortos fuesen de entrada gratuita, se comprendería que no pagasen a sus autores, pero están proyectando sin coste cortos por cuyo visionado sí cobran a cada espectador, así que algún tipo de compensación deberían obtener los responsables de esas películas.

Poco importa ahora quién haya obtenido los premios de un festival que tiene fama de no premiar precisamente lo que mejor calidad ha demostrado de entre sus participantes, pero aquí va esa información:

• Mejor Película: ‘Surveillance’, de Jennifer Lynch,

• Premio Especial del Jurado: ‘Eden Lake’ de James Watkins

• Mejor Director: Kim Jee-woon por ‘Joheunnom nabbeunnom isanghannom’ o ‘ The Good, the Bad and the Weird’

• Mejor Actor: Brian Cox por ‘Red’

• Mejor Actriz: Semra Turan por ‘Fighter’

• Mejor Guión: Alexis Alexiou por ‘Istoria 52’ (‘Tale 52’)

• Mejor Fotografía: Angus Hudson por ‘The Brøken’

• Mejor Diseño de Producción: Tulé Peak por ‘A ciegas’ (‘Blindness’)

• Mejores Efectos de Maquillaje: Benôit Lestang & Adrien Morot por ‘Martyrs’

• Mejores Efectos Especiales: Kim Wook por ‘Joheunnom nabbeunnom isanghannom’

• Mejor Banda Sonora Original: Kenji Kawai por ‘Sukai kurora’ (‘The Sky Crawlers’)

• Mejor Cortometraje: ‘Next Floor’ de Denis Villeneuve

• Mención Especial del Jurado al Cortometraje: ‘Centigrade’ de Collin Cunningham

Aquí podéis consultar quiénes han sido los premiados en otras categorías.

En un futuro no muy lejano se ha creado The World Security Network, una amalgama de las fuerzas de seguridad diseñada para combatir el crimen. Con tecnología punta e inteligencia artificial se ha dado vida al Agente Crush, pero éste no está funcionando bien. Todo lo que toca se rompe y allá donde él llegue se produce una guerra. Boris Goudphater, el prototipo deteriorado de Crush, se ha escapado y tiene un malvado plan para conquistar el mundo. El inventor Spanners y su hija, Cassie, ayudarán a Crush a detenerlo.

A continuación se puede ver un tráiler (en inglés) y más abajo el póster:

Las voces de los personajes las pondrán, entre otros: Ioan Gruffudd, como el protagonista; Danny Glover, en el personaje de Major Rusty Gubbins; Brian Cox, haciendo de Spanners; Neve Campbell, en el papel de Cassie, Brian Blessed (‘La víbora negra’), como Boris Goudphater, y Tim McInnerny (también de ‘La víbora negra’), hará del sargento y del operador. Roger Moore, uno de los verdaderos Bond, hará un cameo en el papel de Burt Gasket.

Con este reparto de voces probablemente tendrá más gracia que ‘Team America: World Police’. Se ha comentado que trata de hacer otro tipo de humor. ‘Team America’ me sorprendió porque entré al cine sin saber que era un film cómico y por eso me hizo bastante gracia. Tiene algunos momentos metalingüísticos logrados. Son muy buenas las letras de las canciones de su b. s. o., como ‘America, Fuck Yeah’ o ‘Pearl Harbor Sucked’, en la que se mete con Michael Bay.

Vía | Página oficial.

Cary Elwes, Andie MacDowell, Brian Cox y Laura Harring progtagonizan ‘As Good As Dead’ (como si estuvieses muerto).

Un extremista de izquierdas, Ethan (Elwes), mata a un cura que está detrás de un grupo racista blanco (Cox) y huye. La viuda del reverendo (MacDowell), en lugar de agradecérselo y mandarle una cajita de bombones, lo persigue, junto con sus dos ayudantes fascistas pueblerinos (Frank Whaley y Matt Dallas). Jess Wexler interpretará a la mujer de Ethan y Laura Harring a su vecina.

Jonathan Mossek dirige ‘As Good As Dead’ sobre el guión de Erez Mossek y Eve Pomerance. Producen First Line Entertainment y Edward Bass. Jonathan Pillot y Heidi Jo Markel son los productores ejecutivos.

Cary Elwes (en el centro de la fotografía) fue el protagonista de ‘La princesa prometida’ (‘Princess Bride’) y recientemente ha salido en ‘Saw’. Andie MacDowell (a la derecha de la imagen) tiene una carrera en el cine antes de sus anuncios de L’Oreal, de entre la que yo destaco claramente ‘Cuatro bodas y un funeral’. Brian Cox, entre muchas otras cosas, hizo del profesor de guión Robert McKee en ‘El ladrón de orquídeas’ (‘Adaptation’). Laura Harring (a la izquierda en la foto) era la morena de ‘Mulholland Drive’.

Fuente | The Hollywood Reporter.

Me encanta Brian Cox. Debo reconocer que no me había fijado tanto en él hasta que lo vi encarnando a William Stryker en la fantástica ‘X-Men 2’. Luego busqué, compré, vi y disfruté de lo lindo con ‘Manhunter’, donde Cox interpreta a Hannibal Lecter, años antes de que el personaje tuviese el rostro (para siempre) de Anthony Hopkins. Su talento y credibilidad para interpretar cualquier tipo de personaje le han facilitado trabajo como secundario en un montón de títulos conocidos por todos, como ‘Adaptation: El Ladrón de Orquídeas’, ‘Troya’, ‘El Mito de Bourne’ o ‘Zodiac’, ofreciendo siempre un excelente nivel.

Hace poco me encontré con ‘Red’, un thriller del que aquí os traigo el trailer y el póster. La película ha sido dirigida por Trygve Allister Diesen y Lucky McKee, y gira en torno a un veterano de guerra que pasa los días tranquilamente con su mejor amigo, un viejo perrillo llamado Red, hasta que un día, un niñato malcriado decide acabar con la vida del animal; tras intentar resolver el asunto por las buenas, el hombre decidirá tomarse la justicia por su mano. El reparto está encabezado por Brian Cox, Tom Sizemore, Amanda Plummer, Kim Dickens y Robert Englund (el único Freddy Krueger por el momento).

El 8 de agosto se estrena ‘Red’ en Estados Unidos. Esperemos que algún día llegue a nuestro país.

Vía | Impawards