Otro remake para Brian de Palma. Si en diciembre os hablaba de ‘Passion’, la nueva versión de ‘Crime d´Amour’ que el realizador prepara con Rachel McAdams y Noomi Rapace, ahora le toca el turno a ‘Heat’, pero tranquilos, que os veo venir, no se trata de la película de Michael Mann. El nuevo proyecto que tiene entre manos De Palma es una actualización de un film estrenado en 1986 que dirigió Dick Richards con Burt Reynolds en el papel principal; en España le pusieron el título de ‘Acorralado en Las Vegas’, porque eso de ‘Calor’ podía sonar a cine erótico… Jason Statham, uno de los actores favoritos de los aficionados al cine de acción (odiado por dormir con cierta chica con nariz de boxeador), ha sido confirmado como el protagonista de la nueva ‘Heat’, cuyo rodaje está previsto para finales de este año o principios de 2013, en ese país donde, al parecer, no gusta ver ganar a los deportistas españoles.

En la nota de prensa que ha facilitado la compañía Sierra/Affinity se habla de un remake de ‘Heat’, si bien es probable que más adelante, cuando avance la producción, se modifique la versión oficial y se empiece a vender como “nueva adaptación”, que suena mejor. Y es que el material del que partía la película original era una novela de William Goldman (ganador del Oscar por los guiones de ‘Dos hombres y un destino’ y ‘Todos los hombres del presidente’) que él mismo se encargó de trasladar a la gran pantalla. Lo curioso es que Goldman se ha comprometido a escribir, otra vez, la misma historia para De Palma. Bueno, un trabajo fácil. ¿Y de qué va el asunto? De un ex adicto al juego que se gana la vida como guardaespaldas en el mundillo de las apuestas; este peculiar protector, que no usa armas de fuego, se mete en problemas cuando defiende a una vieja amiga que es brutalmente golpeada por un importante mafioso. Desde luego encaja Statham ahí, y con el responsable de ‘El precio del poder’ (‘Scarface’) encargado de la puesta en escena puede salir una película intensa y entretenida. Ya veremos, aún queda mucho.

PD: El último estreno de Brian de Palma es ‘Redacted’ (2007).

Vía | ComingSoon

A principios de este año os informé sobre el esperado regreso de Brian de Palma, cuyo última película, ‘Redacted’, se estrenó hace ya cuatro años. El cineasta tiene entre manos un remake titulado ‘Passion’ y recientemente ha encontrado a las actrices que lo van a protagonizar. Rachel McAdams y Noomi Rapace darán vida a los personajes que encarnaron Kristin Scott Thomas y Ludivine Sagnier en el film original, ‘Crime d´Amour’ de Alain Corneau. El rodaje de la nueva versión, que cuenta con un presupuesto estimado en 20 millones de dólares (10 menos de lo que se dijo en un primer momento), comenzará el próximo 5 de marzo en Berlín.

La historia de la película francesa giraba en torno a la perversa relación de seducción y dominación entre dos mujeres que trabajan para una multinacional, una veterana ejecutiva y su joven protegida. Parece ser que en el remake habrá más violencia ya que una de las protagonistas tratará de matar a la otra cuando descubra que le ha robado una lucrativa idea empresarial. De Palma, responsable de títulos como ‘Vestida para matar’ (‘Dressed to Kill’) o ‘Doble cuerpo’ (‘Body Double’), confesó que lo que le interesó del guion fue la posibilidad de combinar erotismo, suspense y asesinato. Esperemos que no se trate de un mero encargo para pagar facturas y que realmente le apasione filmar esta historia. De momento suena bien, ¿no?

PD: Curiosamente, ambas actrices coinciden en ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’ (‘Sherlock Holmes: A Game Of Shadows’).

Vía | TheFilmStage

Vendió su alma por el Rock & Roll…

Ingredientes de ‘El fantasma de la ópera’, ‘Fausto’, ‘Frankenstein’ y ‘El retrato de Dorian Gray’, agitados y mezclados con estética glam y una sátira de la industria musical. Eso y más es lo que se encuentra el espectador que se adentra en el siniestro, romántico, desatado, hortera y cómico viaje que propone ‘El fantasma del paraíso’ (‘The Phantom of the Paradise’, 1974), una atrevida “opera rock” dirigida por un Brian de Palma pletórico en imaginación y energía, solo un año después de estrenar con éxito ‘Hermanas’ (‘Sisters’, 1973). La banda sonora se vendió con facilidad pero la película no tuvo suerte en taquilla, produciéndose uno de esos casos en los que poco a poco, tras el desconcierto o la indiferencia inicial, fue conquistando espectadores, y resistiendo los cambios en las modas y los gustos del público, se convirtió en un título de culto, al igual que otra propuesta de estética similar que se estrenó solo un año más tarde (‘The Rocky Horror Picture Show’), siendo calificado como uno de los mejores musicales jamás filmados. La etiqueta sigue vigente hoy día.

Escrita por De Palma en colaboración con el músico, compositor y actor Paul Williams (que además de autor de las canciones es quien interpreta al villano de la historia), ‘El fantasma del paraíso’ se centra en dos personajes de comportamiento obsesivo vinculados por su deseo de fascinar al mundo con su obra, Winslow Leach (William Finley), un apasionado cantautor que ansía crear una pieza magistral, y Swan (Williams), un ambicioso productor que busca crear el espectáculo musical definitivo. Es interesante cómo en un principio se nos hace creer que el protagonista del relato va a ser este “Cisne” que parece haber nacido para asombrar al mundo, y que todo va a girar en torno a una desesperada búsqueda artística, pera enseguida se nos revela como un ser mezquino y diabólico, manipulador y sin escrúpulos, que ha encontrado una nueva presa a la robará su talento: el ingenuo y poco agraciado Winslow, el antihéroe de una grotesca peripecia que se va enturbiando y desenfrenando con el paso de los minutos.

Parece que fue ayer cuando conocí a Annette en ese coro de iglesia. La metí en canto, la enseñé a vestirse, conseguí su primera actuación. Le pagué a un crítico. Hizo un reportaje precioso. Le dije con quién tenía que ser amable… Le di drogas para que fuera de gira, hice que su disco fuera un éxito. Y te la vendí. Tú hiciste que fuera la mejor del rock. ¿Y qué hace ella? Nos traiciona, cancela lo de Las Vegas… y quiere dar entradas gratis a los huérfanos hambrientos. Para mí era más que un objeto, era la luz de mi vida. Y ahora se ha ido. La demandamos. No podíamos perder. Teníamos un riguroso contrato, era como una cerradura bajo llave. Soborné al juez. Pero dijo que no se puede firmar un contrato de por vida. Dijo que éramos una desgracia para la profesión. Yo hice de ella una puta avara, ¿y yo soy una desgracia?

La película cautiva desde el principio, desde los créditos iniciales. Arranca con la carismática voz en off de Rod Serling (el creador de la serie ‘En los límites de la realidad’) presentando a Swan como esa brillante figura que busca lo inalcanzable, y acto seguido vemos una actuación de The Juicy Fruits, una exitosa banda de pop-rock que lleva el sello del magnate (“Death Records”, “Discos Muerte”). Visualmente resultaría un segmento aburrido, de no ser por la letra de la canción (que uno sospecha que será premonitoria), el comportamiento de los miembros del grupo y una escena que sucede en un despacho situado en las alturas (Swan siempre observa desde arriba, como un dios) cuyos ventanales dan al escenario, donde la mano derecha de Swan habla (directamente a la cámara, uno de los muchos recursos que emplea De Palma para atrapar nuestra atención) sobre una cantante a la que deben castigar, lo que nos mantiene alerta, expectantes. Asimismo, se intercala otra escena en la que vemos cómo alguien pega un pequeño anuncio encima del enorme letrero de los Juicy Fruits, lo que nos indica que se trata de un don nadie y que, posiblemente por envidia, no soporta al popular grupo.

Pronto descubrimos que se trata de otro músico, uno que escribe y compone sus propios temas; mientras la cámara da vueltas a su alrededor de Winslow (y nos preguntamos de qué circo habrá salido semejante “freak”), Swan interrumpe a su interlocutor, emocionado, pues acaba de encontrar el sonido que buscaba para su espectáculo definitivo, bautizado como “El paraíso”. El esbirro del dueño de Death Records ofrece entonces a Winslow un jugoso contrato, éste pica el anzuelo y entrega su trabajo para una cantata, con una serie de condiciones que son falsamente aceptadas. Pasados unos meses sin que nadie le llame, Winslow busca a Swan y descubre que está usando sus temas sin permiso; así conoce y se queda prendado de Phoenix (Jessica Harper, en su primera aparición en la gran pantalla), una de las muchas chicas que acuden a las pruebas de “El paraíso” (esclavas de ese ídolo que aparece entre rojas humaredas). El compositor es expulsado de la casa de Swan y encarcelado con pruebas falsas (en “Sing Sing”, para mayor cachondeo); tras una milagrosa fuga, y un desafortunado accidente en la fábrica del sello Death Records mientras huía de la policía, Winslow desaparece y es dado por muerto.

Evidentemente no lo está. A través de una portentosa secuencia de suspense marca de la casa, que juega con el plano subjetivo y la pantalla dividida, De Palma nos presenta al fantasma del paraíso con un homenaje a ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958); más adelante, el mismo personaje protagonizará una desternillante escena que parodia el famoso asesinato de la ducha en ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1969), y es que no podía faltar el recuerdo del director al maestro Hitchcock. Winslow, transformado ahora en una especie de enorme cuervo sobrenatural ultrajado, con rasgos que recuerdan inevitablemente a Darth Vader (el traje oscuro, la capa, la fuerte respiración, la voz electrónica, la máscara que esconde el rostro desfigurado), pretende sabotear “El paraíso” pero Swan vuelve a engañarle; promete que reformará el espectáculo para ajustarlo a todas sus exigencias, incluyendo situar a Phoenix como estrella principal. El fantasma vende su alma (como todos en la película) y sella el acuerdo con su propia sangre, en una escena que parece sacada de ‘Una noche en la ópera’ (‘A Night at the Opera’, 1935). De ahí en adelante, más música, diversión, crítica (los medios como vergonzosa herramienta de la sociedad de consumo, en la presentación del disparatado personaje que encarna Gerrit Graham), melodrama barato (por supuesto, buscado), cutrez (ídem), misterio, odio, asesinato, depravación, obsesión, desamor (tremenda la escena de Swan castigando al fantasma) e inevitable tragedia.

Es una película exagerada, frenética y apasionada, que se disfruta plenamente a pesar de algunas decisiones estéticas de la época, un presupuesto escaso que no permitía derroches y problemas extracinematográficos que afectaron al montaje (la discográfica de Swan debía ser “Swan Song”, justo el nombre que eligió Led Zeppelin para su sello, obligando a retocar y eliminar numerosos planos para evitar un litigio judicial que retrasaría el estreno). ‘El fantasma del paraíso’ es indudablemente una de las joyas de la irregular filmografía de Brian de Palma, una gozada que no acusa el paso del tiempo gracias a su espíritu gamberro, su audacia, su humor y su poderío visual. Deja imágenes en la retina que no pueden olvidarse.

Ya comprobamos en ‘Gomorra’, la influencia que tiene entre los chavales de barrios marginales la película de Brian de Palma ‘El precio del poder’ (‘Scarface’, 1983). El film puede gustar a gentes de todo tipo, pero cuando hablo de esta influencia me refiero a que toman al protagonista, Tony Montana, encarnado por Al Pacino, como modelo de comportamiento y, lo que es peor, de vestuario. La desaforada escena final también se ha convertido en un icono y se utiliza como ejemplo de tiroteos inconcebibles, como se contaba aquí. Los malotes hip-hoperos norteamericanos han convertido a la figura de Montana en algo parecido al Elvis danzarín que aquí popularizó hace unos años un spot publicitario y lo llevan de emblema colgado al cuello, mientras que la frase “Say hello to my little friend” es el politono más vendido.

Con un éxito que ha perdurado tantos años y que hasta se podría decir que ha reflorecido en una generación que no había nacido cuando se estrenó la película, no es de extrañar que a Universal Pictures les interese revisitar el concepto del mafioso inmigrante que irrumpe en el crimen establecido persiguiendo una versión retorcida del “sueño americano”. El productor Martin Bregman, que participó en la que hasta ahora es la plasmación más reciente, está buscando guionistas para poner en marcha lo que insisten que será un nuevo acercamiento, pero no un remake ni una secuela.

Tendremos que ver cómo se recibe la noticia, pues ya hace casi tres décadas, la idea de crear una revisión del clásico de Howard Hawks, producido por Howard Hughes, con guion de Ben Hecht, ‘Scarface, el terror del hampa’ (‘Scarface’, 1932), no se tomó demasiado bien. Quien en 1932 era un italiano en Chicago –interpretado por Paul Muni–, en 1983 tenía orígenes cubanos y en la versión del siglo XXI no se sabe aún qué nacionalidad tendrá, pero la cuestión hispana está en plena efervescencia en EE. UU. en la actualidad, por lo que no sería de extrañar que siguiesen por ahí. En mi opinión, las dos películas que existen actualmente sobre “caramarcada” son tan diferentes que pueden funcionar sin problema de forma complementaria. Las dos se mantienen dentro del mismo género y ambas son muy violentas para sus épocas, pero el cambio de ambiente y estilo visual es tal, que se pueden tomar como propuestas diferentes y seguro que una tercera encajaría de la misma manera en el conjunto.

Vía | Deadline

No me cansaré nunca de repetir que Brian De Palma es uno de los directores contemporáneos más complejos, notables y fascinantes. Tampoco se puede negar que cuando se le va la olla (y esto le ha ocurrido bastantes veces, por desgracia, en su larga trayectoria) da la impresión de ser un cineasta caprichoso, sin rumbo, de decisiones estéticas y narrativas más que cuestionables. No hay término medio con él: o firma una película magistral, o una película absolutamente mediocre y prescindible. Sus títulos interesantes sin más son bastante escasos. Esto, qué duda cabe, acrecienta la vehemencia hacia sus grandes logros, como ‘Vestida para matar’ (‘Dressed to Kill’, 1980), un thriller esencial de los años ochenta que, a día de hoy, parece bastante olvidado y hasta ninguneado por ciertos sectores, y que da muestras palpables de que a un nivel básico de realización de películas (en los movimientos de cámara siempre ejecutados para crear un estado de ánimo muy determinado, en el uso del espacio y el tiempo cinematográficos, en el puro instinto dinámico y cinemático innato en él) hay pocos directores comparables, incluso en las nuevas generaciones.

Pero no solamente eso: su pasión por el suspense (que no debe reducirse, aunque él lo haya propiciado con fuerza, a su admiración sin límites, sobre todo en su juventud, por Alfred Hitchcock), su habitual y luctuosa mezcla de géneros (que le lleva a trasgredir con desvergüenza e ingenio muchas de sus reglas) y su mirada macabra y guiñolesca (que en demasiados realizadores es un divertimento mientras que en De Palma parece una necesidad creativa), han cuajado en un puñadito de obras inolvidables que, a buen seguro, le aseguran una plaza entre lo más interesante del último tercio del siglo XX. Y si su obra maestra definitiva es ‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito’s Way’, 1993), pues en ella depuraba su estilo a la hora de filmar cine negro, en un insuperable equilibrio entre formalismo y drama, quizá la cima de su vertiente más sangrienta y espeluznante sea esta aventura siniestra, de la que deberían aprender todos los que quieran contar una historia de asesinatos y erotismo salvaje, pues el desasosiego y la inquietud que provocan sus imágenes no abandonan al espectador bastante tiempo después de haberlas presenciado.

En cierta forma, no siempre admitida por algunos, ‘Vestida para matar’ anticipa muchos de los thrillers eróticos de los años noventa que tanto dieron que hablar, aunque ninguno se le acerca en salvajismo e intensidad, tan solo la no menos magistral ‘Instinto Básico’ (‘Basic Instinct’, Paul Verhoeven, 1992), que homenajeaba, por cierto, la recordadísima secuencia del ascensor, y a la que se puede considerar una continuación temática y estilística en toda regla. En aquella también se introducían elementos de psicología, del doble como figura mefistofélica y del sexo como puerta a una violencia infernal y a una atmósfera enrarecida. Pero también, a poco que uno se fije, las imágenes de la película de De Palma poseen remiscencias de la zona final de ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), de muchas ideas brillantes de ‘De entre los muertos’ (‘Vertigo’, 1958), de los dobles sentidos y la ambigüedad de ‘Sospecha’ (‘Suspicion’, 1941), pero actualizando y pervirtiendo ese mundo “hitchcockiano” para transformarlo en otra cosa, en un mundo plenamente “depalmiano”, que funciona con sus propias normas y leyes, y con una fuerza expresiva que le deja a uno sin aliento.

La retorcida y penetrante mirada de De Palma

A grandes rasgos, la rocambolesca trama de ‘Vestida para matar’ termina por dar bastante igual, siendo una película construida a base de grandes momentos, sin respiro ninguno, destinados a crear una opresión tremenda en la mente del espectador, traducida luego a un malestar físico incontestable. Pero a pesar de eso, creo que es uno de los mejores guiones escritos por Brian De Palma, y puede que el más completo y elaborado de todos ellos. En comparación, puede revisarse ‘En nombre de Caín’ (‘Raising Cain’, 1992), también escrita en solitario (y escribir en solitario es realmente algo mucho más difícil que escribir en compañía, ni que decir tiene filmar guiones ajenos), y el contraste es notorio. Aquí De Palma se siente más libre que nunca y es capaz de poner sobre el papel una historia y una construcción de personajes que le pertenecen en cada línea y en cada gesto, luego sublimados por una puesta en escena realmente inspirada, que lleva mucho más allá lo creado en el guión, y que es capaz de conceder el máximo protagonismo a la imagen como vehículo de las emociones. Un thriller que exprime todos los códigos genéricos y por el que no pasa el tiempo.

Porque nada en ella está sujeto a una moda, sino que es indagación estética en los recovecos más oscuros y retorcidos de la mente humana. Eso sí, nunca de una manera especulativa o racional, siempre furiosamente audiovisual y dinámica. La búsqueda de un psicópata asesino de mujeres que se viste también de mujer y que las corta con una terrorífica navaja de afeitar podría haber derivado, en manos menos refinadas y decadentes que las de De Palma, en un vulgar espectáculo sangriento y morboso. Pero el talento enorme de este realizador lo convierte en un espectáculo amoral, perturbador, casi inimaginable. Con su imaginación visual, es capaz de transformar cada espejo, cada sombra sinuosa, cada profundidad de campo, en una posibilidad infinita para el horror. Pero no el evidente, sino el que cada cual lleva consigo. Por eso es imposible dejar de admirar que De Palma permita que cada uno de nosotros introduzca en la imagen sus demonios particulares, como si los interiores de esta película fueran espacios propicios para el mal absoluto, o como si no hubiese lugar para la piedad y el sosiego.

Y para lograr todo ello De Palma se vale de una música muy sugerente de Pino Donaggio, de una fotografía sobresaliente del fallecido Ralf D. Bode, de un diseño de producción fantástico de Gary Weist, y sobre todo de un grupo de actores en estado de gracia, como una fugaz pero sorprendente Angie Dickinson (alucinante su escena en la ducha), de un joven Keith Gordon, de una guapísima Nancy Allen (una actriz maravillosa que merecía gozar de un recuerdo más cariñoso por parte de los cinéfilos) y sobre todo de un Michael Caine imperial que sabe jugar como nadie a los dobles sentidos y a una contención que esconde mucho más de lo que muestra, apropiándose de cada secuencia y bordando uno de sus papeles más difíciles y resbaladizos, uno de esos que distinguen a los grandes actores de las leyendas del cine. Visto el final de ‘Vestida para matar’, que no desvelaremos, es una gozada volver a verla acto seguido para encontrar un sentido a las enigmáticas frases y los dobles sentidos de un personaje que era muy fácil que cayera en el ridículo o la incoherencia pero que él sabe llevar a lo sublime

Conclusión

Película de obligado visionado tanto por los amantes del cine en general como por los degustadores de lo macabro en particular, que sabrán disfrutar desde la primera hasta la última imagen, de todos los sonidos, de una aventura terrorífica que se va enrevesando hasta la locura y en la que nos dejamos enrevesar tan a gusto, mecidos a placer por la perversa imaginación de un hombre de cine que, cuando quiere, es uno de los mayores narradores del mundo.

El director de ‘Carrie’ (1976), ‘Los intocables de Eliot Ness’ (‘The Untouchables’, 1987) y ‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito´s Way’, 1993), entre otras, ha vuelto, cuatro años después del estreno de su último trabajo (‘Redacted’). Ésa es la buena noticia. La mala, que se va a encargar de OTRO remake. Pero bueno, vamos a ver lo que sale antes de masacrarlo, ¿no?, tengamos un poco de fe. El estadounidense Brian de Palma ha firmado esta semana para dirigir una nueva versión de la francesa ‘Crime d´amour’ (2010!!). El remake del último film de Alain Corneau (fallecido el pasado verano) se titulará ‘Passion’ y contará con un presupuesto de 30 millones de dólares.

La historia del film gira en torno a dos ejecutivas de una multinacional (Kristin Scott Thomas y Ludivine Sagnier en la original) que se odian y se enfrentan hasta el punto de llegar al asesinato. Al parecer, De Palma se ha mostrado muy entusiasmado con este proyecto y ha declarado que desde ‘Vestida para matar’ (‘Dressed to Kill’, 1980) no tenía la oportunidad de combinar erotismo, suspense, misterio y asesinato en una sola película. Bueno, no es por meterme con el cineasta, que ha filmado algunos títulos que adoro, pero esos elementos son bastante comunes y podía haberlos conjugado perfectamente mucho antes, si realmente hubiera querido. Pero no quiero dejarme llevar por la desconfianza, esperemos que consiga un buen reparto y esté afortunado con el relato que han puesto en sus manos. El rodaje de ‘Passion’ comenzará en agosto.

PD: Antes de esto, se rumoreó que De Palma estaba interesado en dirigir ‘Paranormal Activity 2’. ¿Puede estar tan desesperado?

Vía | Variety

Del grupo de amigos, cineastas surgidos de la escuela de cine, que forman lo que yo llamo los Wonder Boys de los 70 (ese apócrifo grupo del New Hollywood), probablemente sea Brian De Palma (Nueva Jersey, 1940) el que posea una carrera más irregular y menos sólida. Desde luego, no puede compararse su trabajo con el los otros dos italoamericanos del grupo, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, a pesar de que los tres tocan temas parecidos desde ópticas no demasiado divergentes. Pero De Palma, creo, se sitúa en una esfera muy inferior a la de esos dos colosos. Pese a ello, y pese a varios títulos suyos que son un verdadero despropósito, De Palma es uno de los más grandes realizadores (en cuanto a lo puramente audiovisual) y uno de los directores más complejos de las últimas décadas, muchas veces incomprendido en sus más arriesgados y personales trabajos. Ese no es el caso de la película que hoy nos ocupa, casi unánimamente considerada como su obra de madurez y, probablemente, la más bella y emocionante de todas sus películas.

Aunque el original ‘Carlito’s Way’ (proveniente de una de las dos novelas en que se basa el guionista David Koepp, escritas por el juez de la corte suprema de Estados Unidos, de origen puertorriqueño, Edwin Torres) es muchísimo más sugerente y elegante que el español, por una vez no protestaremos demasiado, porque ‘Atrapado por su pasado’, aún en su tosquedad, es un título que adelanta perfectamente el tema de la película: un hombre que, como tantos personajes scorsesianos, busca una salida a su anterior vida, una redención en la que pondrá todos sus esfuerzos, pero cuyo pasado actúa como una losa que le impide moverse de una existencia de violencia y de sordidez. La traducción original, sin embargo, que podría traducirse como ‘A la manera de Carlito’, es aún más explícita respecto al carácter del personaje, quien aunque ha cambiado y no desea regresar a una vida de crimen, quiere también seguir haciendo sus cosas a su manera sin que nadie pueda inmiscuirse, a pesar de que intuye que eso conllevará un alto precio.

Sólo Al Pacino, que vuelve a las órdenes de De Palma diez años después de la un tanto envejecida ‘El precio del poder’ (‘Scarface’, 1983), podía dar vida a este puertorriqueño compasivo aunque furibundo, una leyenda de su barrio, antiguo narcotraficante que dio con sus huesos en la cárcel, de la que sale gracias a su abogado David Kleinfeld (un alucinante Sean Penn, en una caracterización sorprendente y salvaje) mucho antes de lo previsto. Pero sale, según sus propias palabras, rehabilitado y listo para llevar una vida normal. Hay mucho de western crepuscular en este relato, con Carlito Brigante incapaz de reconocer su antiguo barrio, paseando por él como un pistolero entrado en años, siempre en guardia ante los jóvenes desconocidos y protector con los que son familia o amigos. Por eso el dolor ante el repentino asesinato de su primo, que él intenta evitar con sus reflejos de narco curtido en mil batallas, es el dolor por su propia juventud perdida, por los años que no pasan en balde, y por el pasado irrecuperable, malgastado en tiroteos con codiciosos vendedores de droga capaces de vender a su madre por un buen alijo.

Escape a Paraíso

El comienzo de la película es su final, y su conclusión es el arranque. Ya sabemos, desde el minuto uno, que Carlito Brigante sólo tiene un sueño, un anhelo: largarse de allí y no volver jamás. Irse a una isla a vender coches usados. Ese paraíso, esa utopía (que tampoco es tanto pedir), representa su objetivo, y corre hacia ese objetivo con todas sus fuerzas, desde que sale de los juzgados. El problema es que todos los que le rodean, supuestos amigos y supuestos socios, se lo pondrán tan increíblemente difícil que se verá forzado a regresar a sus antiguos hábitos nada más que para sobrevivir. La excepcional secuencia en la que le tienden una trampa a su primo, y en la que se ve obligado a matar de nuevo (un verdadero prodigio de montaje, de ingenio y de suspense) ya nos avisa de que por muy sencillo que pueda ser su sueño, no le va a resultar nada fácil esquivar la cárcel o la muerte y alcanzarlo. Es el precio a pagar.

Pero hay muchas secuencias antológicas en esta película, como el reencuentro de Brigante con Gail (una guapa y sensual Penelope Ann Miller), arrasado por una nostalgia y una desazón indescriptibles, o la escena del barco, o el larguísimo climax final, donde por fin el De Palma de antaño se desata y reaparece en todo su barroquismo y grandilocuencia visual, una secuencia en la que una estación de trenes se convierte en el templo donde Carlito debe conocer si es posible o no redimirse, y con la que De Palma vuelve a situarse entre los grandes de su tiempo, creando una pieza de gran complejidad técnica y perfección dramática. Pero nunca este director se había mostrado tan preocupado por las tragedias y el sufrimiento de sus personajes, tan cercano a su existencia y a su realidad. Si hubiera realizado dos o tres películas más de esta altura, hablaríamos de este cineasta en otros términos, no me cabe duda.

Nunca De Palma había narrado con tanta precisión, con tanta pasión, en perfecta sintonía con su operador Stephen H. Burum (habitual en su filmografía, y que aquí firma su mejor trabajo, un color que en algunos interiores es como un blanco y negro alterado) y con sus montadores Kristina Boden y Bill Pankow, que hacen maravillas con la difícil puesta en escena de De Palma, dilatando y comprimiendo el tiempo como dos artesanos que cincelaran su obra con martillo de seda. El legendario diseñador de producción Richard Sylbert (responsable del diseño de ‘Chinatown’, ‘Rosemary’s Baby’ o ‘The Cotton Club’, casi nada, y ya fallecido) crea una atmósfera a un tiempo realista y estilizada hasta la abstracción, mientras el compositor Patrick Doyle (además del inolvidable tema de Joe Cocker que oímos arriba del todo) ofrece una partitura frenética, dolorosa y épica a un tiempo.

Carlito ama a su manera, comprende la amistad a su manera, vive a su manera y muere a su manera. Su soledad es la del rebelde que soñaba con escapar de un mundo hipócrita y retorcido, donde no hay reglas ni códigos, y donde un favor a un amigo mata, según sus propias palabras, más rápido que una bala. Los grandes ojos negros y la barba negra de Pacino se nos quedan grabados en la retina, como expresión de voluntad, de dignidad de un hombre que comprende los errores del pasado y que pide una sola opotunidad más, porque sabe que no va a volver a equivocarse. No fallará, como tampoco falla De Palma tras los fracasos de ‘En nombre de Cain’ (‘Raising Cain’, 1992), ‘La hoguera de las vanidades’ (id., 1990) o ‘Corazones de hierro’ (‘Casualties of War’, 1989). Sin embargo a De Palma le dejan llevar a cabo su redención, mientras que Carlito tiene que conformarse con la fugaz visión de un cartel en el que imagina al amor de su vida bailando cerca de la playa, en ese paraíso que probablemente no verá jamás.

Conclusión

Obra mayor de los noventa, con la que Pacino da muestra de su genio un año después de ganar el Oscar con la olvidable ‘Esencia de mujer’ (Martin Brest, 1992) en la que Sean Penn demuestra que está a su altura y que pronto será una leyenda como él, y con la que De Palma nos cautiva y nos enamora, más convincente y conmovedor que nunca en su arte de narrar con imágenes .

Son numerosas las películas que salen a la venta esta semana, ya sea en DVD o en Blu-ray, pero pocos de estos lanzamientos suponen novedad en estos formatos, ya que varios de ellos son reediciones y otros surgen con la excusa de vender un pack con las dos opciones: DVD y BD, juntas. Tenemos films de David Fincher, Brian de Palma, Martin Scorsese, Bryan Singer, Darren Aronofsky, Joe Wright y Jean-Luc Godard, entre otros: grandes nombres, algunos de los cuales nos presentan, en esta ocasión, una de sus obras cumbre, mientras en otros casos, se trata de sus trabajos menores o menos conocidos y reconocidos.

‘El solista’ (‘The Soloist’)

Es una pena que un director tan hábil como Joe Wrigth se haya encargado de una historia tan mínima, autocomplaciente y con un mensaje de tal ñoñería: la novela autobiográfica de Steven López. Ni siquiera los grandes actores que la protagonizan: Jaime Foxx, Robert Downey Jr. y Catherine Keener la arreglan. A pesar de lo bien rodada que está la película, cualquier elemento que se refiere a la narración, desde los flashbackas hasta la incapacidad de trasladar que la crítica social en algo que no sean los carteles finales, falla.

Críticas en Blogdecine por orden cronológico de publicación:

• El buen hacer de Joe Wrigth al servidioi de una nimia anécdota.

• El solista perdido.

‘Transporter 3’

Va a sonar raro que me parezca más recomendable comprar la tercera parte de una franquicia de acción sin la más mínima pretensión, que el film de autor con importantes intérpretes que he descartado antes, pero el caso es que, dentro de lo que cada película aspira a ser, ésta cumple mucho mejor y seguro que satisfará sin problemas a los aficionados al género. Es muy espectacular y la acción está bien compuesta. Los fallos que se le podrían extraer a la trama o a los diálogos, serían susceptibles de ser considerados como una macarrada hecha a propósito para contribuir al humor de la cinta.

Críticas en Blogdecine::

• ‘Transporter 3’, un megatón de acción.

• ‘Transporter 3’, Jason Statham y nada más.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio Castellano. Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Tráiler.

‘El luchador’ (‘The Wrestler’)

Continúo con estas ediciones que venden el Blu-ray e incluyen el DVD de regalo. El regreso de Mickey Rourke con esta película fue muy sonado. Su interpretación es tan sincera y entregada que convierte un film crudo y rodado con una estética casi pobre en una película emotiva donde los vínculos paterno-filiales se convierten en lo más valioso. Darren Aronofsky pone al personaje de Rourke contra las cuerdas cuando le plantea la necesidad de tomar la decisión más importante de su vida para narrar la historia de un hombre enfrentado a un conflicto extremo.

Críticas en Blogdecine por orden cronológico de publicación:

• ‘El luchador’, cuando la vida golpea duro.

• ‘El luchador’. Hasta los golpes falsos duelen.

• El luchador acabado.

• ‘El luchador’, sin concesiones.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio Castellano. Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Tras las cámaras. Entrevistas a los protagonistas: Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood. Entrevista al director Darren Aronofsky, al guionista Robert Siegel y al productor Scott Franklin. Tráiler.

‘Valkiria’

No fui a ver ‘Valkiria, al cine en su momento y, cuando la rescaté más adelante en formato doméstico, se confirmó lo que me temía sobre ella. La palabra que me venía a la mente era «chapuza», tanto por el plan que el personaje de Tom Cruise y sus compañeros trazan e intentan realizar, como por la película en sí, que no me pareció que estuviese en absoluto lograda y menos aún si tenemos en cuenta que la firma el, en otras ocasiones genial, Bryan Singer. Ésta también sale en un combo Blu-ray + DVD, pues ya había aparecido anteriormente a la venta.

Críticas en Blogdecine:

• Bryan Singer: ‘Valkiria’.

• ‘Valkiria’, la peor película de Bryan Singer

Características de la edición: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio Castellano. Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Precio recomendado: 17,95 €.Contenido Extra:Comentarios de los protagonistas. El viaje hacia Valkiria. El camino hacia La Resistencia: una guía visual. La secuencia del frente africano. Recreando Berlín. Documental: La Herencia de Valkiria. El punto de vista de Bryan Singer. Despegando el vuelo. Entrevistas con Tom Cruise y Bryan Singer. Tráiler.

‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’

Vuelve a tratarse de una edición que combina Blu-ray con DVD. Cuando publiqué la crítica de este film, vaticiné que le hacía falta un remake norteamericano y, efectivamente, poco después se pusieron manos a la obra con el proyecto. Y no es que prefiera en general el cine estadounidense al noreuropeo, pero en concreto, en una historia como ésta, basada en las intrigas y la acción y cuyo original se ha vendido, no por la calidad de su prosa, sino por todos los aspectos de bestseller que contiene, los de Hollywood son los que mejor resultados pueden dar. La película protagonizada por Noomi Rapace dejaba traslucir sin ningún disimulo que había sido producida con aspiraciones televisivas y no se hacía nada atractiva en cuanto a su estética, aunque tenía algún valor positivo, lo que se perdió por completo en la segunda entrega. Tanto en los libros como en el film lo más atrayente era el personaje de la complicada Lisbeth Salander, una macarrilla necesitada de amor, pero poco dada a demostrar sus debilidades.

Críticas en Blogdecine por orden cronológico de aparición:

• Lisbeth Salander en ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’.

• ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’, algo huele a podrido en Suecia.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Castellano, Catalán. Dolby Digital 2.0 Sueco.Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Tráiler.

‘Rolling Stones, Shine a Light’

Martin Scorsese rueda una gira de la celebérrima banda inglesa los Rolling Stones. En mi crítica empleaba una de las frases más repetidas de las letras que cantó Jagger, «sé que sólo es rock and roll, pero me gusta», no sólo por parafrasear al grupo, sino porque me pareció que definía bien la película. Con ello quiero decir que se trata de un film grandioso, fotografiado de forma espectacular, pero que no creo que pueda gustar a personas que sientan indiferencia hacia la música de los Rolling. Al contrario de lo que decía cuando hablaba de ‘Anvil: el sueño de una banda de rock‘, que podría emocionar a cualquiera, aunque no fuese fan del metal; en este caso es necesario sentir aprecio por el grupo para disfrutar el documental, como si te encontrase en un asiento privilegiado de uno de sus conciertos.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Shine a Light’: sé que es sólo rock&roll, pero me gusta.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco Blu-ray + Película en DVD de regalo. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital Plus 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Castellano. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra:Tráiler. Tras las cámaras. Canciones Extra: Undercover of the night Paint it black Little T&A I’m free Créditos.

‘The Game’

Una de las películas menos apreciadas y reivindicadas de David Fincher ve la luz en formato Blu-ray. En su momento, hasta algunos defensores de ‘Seven‘ juzgaron excesivamente tramposa y formularia una película que, para mí, es honrada desde el propio título: estamos ante un juego, un divertimento. Hasta el grandilocuente final. Sin duda, lo más destacable, por encima de los artificios – normalmente brillantes – de Fincher es la actuación de Michael Douglas: componiendo su clásico personaje despreciable logra, sin embargo, que logremos sentir genuino agobio y hacernos compartir su manía persecutoria. A ver si la edición en Blu-ray da trabajo a los revisionistas.

Crítica en Blogdecine:

• David Fincher, ‘The Game’.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición).Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Portugués, Ruso.Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Portugués, Holandés, Ruso, Itliano, Polaco. PVP Recomendado: 21,95 €.Otros datos de interés de The Game Blu-rayTítulo original: The GameAño: 1997 Director: David Fincher Actores: James Rebhorn, Armin Mueller-Stahl, Michael Douglas, Peter Donat, Deborah Unger, Anna Katerina, Sean Penn, Carroll Baker.

‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito´s Way’)

El estilo visual enfático, barroco, cinéfilo y excesivo de Brian de Palma tiene tantos admiradores como acérrimos detractores. Pero, con ‘Atrapado por su pasado’, De Palma logró que lo mejor y más brillante de su gramática visual narrase de manera inmejorable la historia de un hombre que lucha por su vida – en el sentido más integral del término — para conseguir la que, con creces, es su mejor obra. Desde el plano subjetivo del inicio, en el que vemos que el gángster Carlito Brigante agoniza en una camilla, presenciamos la tragedia de alguien que no ha sabido adaptarse a unos nuevos tiempos en los que ya no existe la lealtad ni la amistad.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Francés. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés. PVP Recomendado: 21,95 €. Contenido Extra: Brian de Palma sobre Carlito’s Way. Escenas inéditas. Así se hizo Carlito’s Way.Otros datos de interés de ‘Atrapado por su Pasado’ Blu-ray. Título original: Carlito´s Way. Año: 1993. Director: Brian De Palma Actores: Ingrid Rogers, James Rebhorn, John Leguizamo, Luis Guzmán, Penelope Ann Miller, Joseph Siravo, Sean Penn, Al Pacino.

Cofre Jean-Luc Godard: Ensayos

La separación, en la obra de Godard, entre “ficción” y “no ficción” siempre ha tenido algo de aleatorio. Hasta en sus largometrajes más canónicamente narrativos, como ‘Al final de la escapada’ o ‘El soldadito’, las reflexiones en voz alta sobre la función y la naturaleza del cine – y otras artes – están más que a la vista. Godard nunca ha dejado de hacer un discurso paralelo sobre teoría del cine y, en este cofre, tenemos la posibilidad de disfrutar de algunas de sus más inspiradas reflexiones. No es, desde luego, el paradigma del disfrute veraniego en dvd, pero quien se aventure podrá presenciar documentos tan curiosos como su desconcertante entrevista a Woody Allen o la emotiva e iluminada ‘Carta a Freddy Bouache’: un mediometraje que justificaría por sí solo la compra de todo el cofre.

Características técnicas del DVD: Contenido: 4 Discos + Libro de 512 páginas. Presentación: Digipak. Imagen: 1.33:1 4/3. Audio: Dolby Digital 2.0 Mono Francés. Subtítulos: Castellano. Incluye: La Gaya Ciencia. Soft and Hard. Número Dos. Guión del film “Pasión”. Cómo va eso. JLG/JLG. Carta a Freddy Buache. Metting Woody Allen. Material Exclusivo: Esta edición se complementa con el extenso volumen, Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes. Conversaciones, entrevistas, presentaciones y otros fragmentos, edición a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, de 512 páginas que, en palabras de los editores, “es un ensayo sobre el cine, unas memorias y un libro de estética construido como un montaje que recoge, por vez primera, las ideas de Godard a lo largo de medio siglo de cine, de 1960 a 2010”.

‘Flash Gordon’

El paso de los años ha convertido lo que era un hito del cine camp en un objeto definitivo de culto. Los decorados, los trajes, los diálogos que muchos recitan con placer culpable… Y, cómo no, la mítica banda sonora de Queen. Quien disfrute cantando el “Aaaaaahhhh” después del “Flash!” en el estribillo de Brian May, acertará comprando este Blu-Ray. Y sé perfectamente que, en esta definición de comprador, no cabe todo el mundo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés, Francés. DTS-HD Master Audio 2.0 Castellano, Alemán.Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Holandés. PVP Recomendado: 16,95 €.Contenido Extra:Audiocomentario del director Mike Hodges. Entrevista con Mike Hodges. Tráiler.

Vía | Zona DVD.

Esta semana apenas hay estrenos a la venta en DVD o Blu-ray. Sólo tres de las películas que salen a la venta son estrenos que han pasado recientemente por salas: ‘The Reader’, ‘R.A.F. Facción del Ejército Rojo’ y ‘Viernes 13’. Por ello, complementaré esta entrada con los films que salen en alquiler. Los estrenos en alquiler pueden suponer una buena oportunidad para ver esas películas que en su momento nos perdimos en el cine, pero que aún no sabemos si nos interesan tanto como para adquirirlas y conservarlas para siempre.

‘The Reader (El lector)’

Stephen Daldry dirige a Kate Winslet en el papel de una mujer que lleva en la piel las marcas de haber sufrido. De manera casual conoce a un joven con el que comienza una relación. Años más tarde, cuando el joven es estudiante de derecho, presencia un juicio y ve que esta mujer se sienta en el banquillo de las acusadas.

A falta de una opinión sobre ‘The Reader (El lector)’, en Blogdecine podéis encontrar cinco críticas sobre ella, una de cada uno de los autores del blog: Jesús León, Juan Luis Caviaro, Adrián Massanet, Alberto Abuín y Beatriz Maldivia.

De todas estas reseñas, la que habla más negativamente del film es la mía, pues encontré que la adaptación había respetado demasiado una estructura que en novela puede funcionar, pero que no es tan adecuada para el cine. Por ello, tiene un inicio demasiado largo en el que es muy fácil prever el giro que dará la historia. Todo podría comenzar con el juicio y darnos lo anterior en unos breves flashbacks. No obstante, la parte central del film, me parece que tiene momentos grandiosos.

‘Los intocables de Eliot Ness’

Nos encontramos ante una edición para coleccionistas de ‘Los intocables de Eliot Ness’ (‘The Untouchables’, 1987), que sale a la venta en formato Blu-ray. El polémico director Brian De Palma, tan dado a los efectismos, los planos secuencia, la imitación a Hitchcock y los argumentos psicológicamente desquiciados; hizo aquí la película que más aceptación podría obtener entre el gran público. Al estar basada en una atrayente historia real sobre el crimen organizado y tener un reparto plagado de famosos, como Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro o Andy García, obtuvo un gran renombre en el momento de su estreno. Aunque ‘Los intocables de Eliot Ness’ sea una cinta más comedida que otras del cineasta, la escena de las escaleras, que homenajea al maestro Eisenstein, sigue resultando espectacular e intrincada veintidós años después.

‘Novecento’

Si bien‘Novecento’ (1976) ya estaba en DVD, lo que encontramos ahora es una edición especial con libro y 2 discos, en exclusiva en un establecimiento. Se exploran los hechos políticos acaecidos entre 1900 y 1945 y cómo estos afectaron directamente a los personajes. Todo son nombres importantes en esta producción, desde los de los actores: Robert de Niro, Burt Lancaster Gérard Depardieu o Donald Sutherland; hasta el del director, Bernardo Bertolucci; pasando por el músico, Ennio Morricone, y el director de fotografía, Vittorio Storaro. Con tal tarjeta de presentación es muy difícil resistirse a este film, a pesar de que dure 245 minutos en su versión recortada. Personalmente, este tipo de historias río tan ambiciosas y ampulosas me atrae poco.

‘R.A.F. Facción del Ejército Rojo’ (‘Der Baader Meinhof komplex’)

Bruno Ganz protagoniza este film dirigido por Uli Edel, en el que se nos cuenta cómo el terrorismo sacude los mismos cimientos de la todavía frágil democracia alemana durante los años ’70. El film dura 150 minutos y los rumores cuentan que no se trata de una película clara y directa, sino de un batiburrillo de historias inclusas. ‘RAF: Facción del Ejército Rojo’ estuvo nominada a los Oscar.

‘Viernes 13’ (‘Friday the 13th’)

Con producción de Michael Bay y dirección de Marcus Nispel, se han retomado acontecimientos argumentales de las tres primeras partes rodadas en los años ochenta para hacer un remake de ‘Viernes 13’, en lugar de una duodécima entrega, que es la que tocaba. Mal, porque así, cuando toque llamarla ‘Viernes 13, 13ª parte’ no se podrá. Clay se dirige al bosque de Crystal Lake para buscar a su hermana. Allí tropieza con los viejos y decrépitos restos de una cabaña que yace detrás de unos árboles cubiertos por denso musgo. Esta no la vi, pero reconozco que, cuando era pequeña, seguía esta saga como si se tratase de películas familiares. En aquella época, lo normal era militar o bien en ésta o bien en ‘Pesadilla en Elm Street’. Juan Luis Caviaro la califica de “cosa” y de “comida basura” en su crítica y le pone 0 estrellas, una puntuación que yo no sabía que se podía dar.

Alquiler:

‘Rudo y Cursi’

Carlos Cuarón, hermano de Alfonso, dirige esta película. Gael García Bernal y Diego Luna son los hermanos del título, jugadores de fútbol y con personalidades diferentes. En el film se verán las desventuras que sufran estos jóvenes, que son como niños. En mi crítica, comenté que la rivalidad que se venía en sinopsis y tráilers luego no se puede ver por el film y también que la película es floja psicológicamente y todo el humor que tiene se reduce a las expresiones pintorescas de los protagonistas mexicanos o de su entrenador argentino. No le daba más de dos estrellas.

‘Nunca es Tarde Para Enamorarse’ (‘Last Chance Harvey’, 2008)

Aparece en alquiler tanto en DVD, como en Blu Ray. Dustin Hoffman y Emma Thompson quieren demostrarnos que el amor no tiene edad en ‘Nunca es Tarde Para Enamorarse’, de Joel Hopkins. Harvey, un hombre aburrido y cansado, que viaja a Londres para asistir a la boda de su hija, y conocerá allí a la mujer que le cambiará la vida. En Blogdecine, podéis elegir entre tres críticas para saber qué idea haceros de la película: la de Alberto Abuín, la de Juan Luis Caviaro y la de Jesús León. No la he visto, así que puedo aprovechar que ahora está en los videoclub para darle una oportunidad.

‘La Reina Victoria’ (‘The Young Victoria’)

El propio título ya nos indica de qué trata este film: la juventud de la Reina Victoria. En general, las tramas reales en los dos sentidos, es decir: basadas en una historia real y referidas a la realeza, me interesan bien poco. Si, encima, se trata de uno de los títulos menos considerados dentro de este género, la consecuencia lógica es que no la haya visto no y pueda ofrecer una opinión sobre ella. Mis compañeros de blog están en las mismas. A pesar de todo, el reparto no se puede decir que sea pobre: Emily Blunt, Jim Broadbent, Paul Bettany, Miranda Richardson y Rupert Friend. Dirige Jean-Marc Vallée.

‘Semi-profesional’ (‘Semi-pro’)

Will Ferrell interpreta a un entrenador y jugador de baloncesto en una de las comedias que se basan únicamente en explotar la gracia de este actor: ‘Semi-pro’, de Kent Alterman. Me refiero a que está muy bien que se hagan películas que giran en torno a una interpretación, si ésta va a ser genial o desternillante, pero lo que ocurre con algunos de los films protagonizados por Ferrell (no sé en éste, pues aún no lo he visto) es que estiran demasiado estos momentos humorísticos hasta que al final pierden la gracia. Porque una cosa es que el actor tenga vis cómica y otra que pueda soportar todos los minutos que le echen haciendo reír. De nuevo opino sin haberla visto, pero el argumento del film –un equipo de segunda sueña con subir a la NBA— me suena a lo más convencional y ñoñamente infantil que se puede hacer en cine y creo que sólo me agradaría si se tomase muy poco en serio y finalmente el equipo no lograse ascender.

Vía | Zona DVD

De vez en cuando me trago en televisión, cambiando de canal, alguna que otra película de esas que gozan de un prestigio que jamás he comprendido, y que con el paso de los años, en lugar de hacerme cambiar de opinión, su visionado no hace sino reafirmarla. Es de esas películas sobre las que no me resisto a dejar mi sincera opinión en blogdecine, y que me aseguran algunas conversaciones fructíferas con los lectores, pero también innumerables reacciones virulentas. No sé si este será el caso, pero si para algo me siento delante del ordenador todos los días es para decir lo que pienso, con sensatez y deseo de promover el debate.

Con ‘Los intocables de Eliot Ness’, por tanto, me sucede como con ‘Alatriste’ o ‘Promesas del este’, no me cabe en la cabeza cómo diantre puede existir tanta gente (sobre todo la segunda, también es verdad) que las considere estupendas, incluso excepcionales. Las veo varias veces, preguntándome qué es lo que no soy capaz de apreciar, sintiéndome un verdadero idiota. Y nada, me sigue pareciendo que aunque son grandes oportunidades de lucimiento para su director, y aunque contienen varios y evidentes valores, todos ellos coexisten por separado, sin formar una verdadera unidad, y, lo más importante, sin elevarse de una superficialidad abrumadora.

Vaya por delante que De Palma es uno de esos directores a los que, si bien soy capaz de aceptar que su carrera ha resultado mucho menos apasionante de lo que podría haber llegado a ser, me parece uno de los realizadores más grandes de su generación. Así, tal cual. Y por realizador quiero decir dueño de una capacidad audiovisual muy, pero muy por encima de la media. De Palma es un maestro no sólo de la planificación entendida esta como composición de los planos y del continuo temporal de los mismos, sino a la hora de crear un mosaico visual y sonoro de gran fuerza y complejidad. En esto no tiene nada que envidiar a Scorsese, por ejemplo. Sin embargo, en casi todo lo demás, percibimos a un gran autor incapaz de ofrecer la mínima coherencia, de establecer un tono, de dirigir a los actores con solidez.

Para algunos ‘Los intocables’ es una de sus mejores películas. No es mi caso. Recuerdo haberla visto en la niñez y haberme enamorado de ella. En mi primera cinefilia recordaba la famosa escena de las escaleras (como todos sabemos, homenaje a cierta película rusa…), la muerte de Malone, la música de Morricone, como detalles sueltos de un gran filme. Pero uno va evolucionando (más le vale) en su criterio, y ya dejé de ponerla en el mismo listón de ‘Goodfellas’ (que ví poco después y que aún hoy me parece excepcional) o que la propia ‘Carlito’s Way’ (muy superior a esta, y quizá la gran obra maestra de su director). Ahora mismo no me parece mucho mejor que la muy menor, y trivial, ‘American Gangster’. Pero soy capaz de saber apreciar sus grandes valores de producción, su gran fotografía, la espectacular música de Morricone, la buena interpretación de Connery, alguna secuencia resulta con magisterio. Pero todo esto no hace una buena película.

Y es que este film negro lo tenía todo para triunfar. Al gran esfuerzo de producción se unía un reparto estelar, con dos secundarios de la categoría del propio Connery y De Niro, y con el guaperas Costner en plan gran chico americano. Y el guión es obra nada menos que de David Mamet, según algunos (yo no, tengo que decirlo) uno de de los mejores guionistas del mundo. Pero la verdad es que todo queda en algo muy menor. Ni el guión, ni la dirección, ni el resultado global final son dignos de una gran película. La legendaria historia de la ley seca que tuvo como protagonista al gángster más famoso de cuantos han existido parece aquí aguada, infantilizada casi. No sabe uno si está ante un homenaje al género o, más bien, ante una obra bufa, con un pésimo (sí, pésimo) Robert DeNiro, que ya por entonces iniciaba un sorprendente declive en su carrera.

Resulta cómico el gran De Niro en su caracterización, la verdad, más aún cuando quiere parecer violento o terrible. Sin duda la intención del actor y del director era añadir un carácter bufonesco que le hiciera aún más terrible. A mi parecer fracasaron. La famosa secuencia del bate de béisbol resulta ridícula, incapaz de provocar la menor tensión, y es tan exagerada, que en lugar de violenta termina siendo cómica. Pero es que De Niro no tiene prácticamente nada a qué agarrarse, más allá de su nueva transformación, ganando una vez más muchos kilos para una caracterización muy inferior en densidad y contundencia a la arrolladora de ‘Raging Bull’. Y ya se sabe, con un mal villano, una película sobre la lucha entre el bien (la ley) y el mal (los malvados vendedores de alcohol), no podía funcionar.

Con un Costner más soso imposible, nos quedaba el maravilloso Sean Connery, en uno de esos papeles que los amantes del buen cine y de este intérprete (creo que ambos grupos se complementan) siempre recuerdan con gran placer. Y está estupendo el hombre, aunque tampoco él, en su papel de policía honesto hasta las cachas, tiene mucho donde agarrarse, y ha de recurrir a todo su encanto, y a su irresistible presencia, para hacer olvidar al público sus diálogos mecánicos y la escasa enjundia de un personaje que si llega a ser interpretado por otro de ninguna manera habría provocado tanta admiración. Pero es lo que tienen algunos actores. En el fondo da igual la endeblez del guión que les entreguen, ellos lo dan todo.

Porque endeble es un guión que parece escrito por un principiante más preocupado por el impacto que por la coherencia, por los lugares comunes que por la construcción de un drama serio y potente. Es lamentable tener que escribir esto, sobre todo con gente de gran talento metida dentro de una superproducción de este calibre, pero lo que a lo mejor hace un par de décadas era estupendo, ahora se queda en banal, y es que el tiempo es inmisericorde, y acaba destapando las penurias de muchas realizaciones que podrían haber sido grandes películas, y sobre todo, intemporales. Y sin embargo esta propuesta es descaradamente comercial, sin el menor riesgo o interés estético, a medio camino entre una anquilosada repetición de viejos trucos del género, y una ironía muy mal asumida en el relato.

Ya digo, una oportunidad desaprovechada. Y ahora dicen que preparan una precuela. En fin. Tengo que dejar de perder el tiempo, y hablar sobre cosas importantes. Por ejemplo, la siguiente entrega de ‘El Padrino, parte II’.