En mi texto sobre ‘Sucker Punch’ (id, Zack Snyder, 2011) —película que puede ser tan disfrutable como repulsiva— algunos arremetían contra mí única y exclusivamente porque no pensaba como ellos. En este nuevo ejercicio que está de moda, que es criticar a los que critican, se utilizan argumentos tan delirantes como el hecho de ir a ver tal o cual película esperando siempre una grandísima obra maestra, como si estuvieran metidos en mi cabeza para saber lo que pienso, decido o deduzco. Que si los tráileres ofrecen no sé qué, que si el cartel es muy indicativo sobre una película, que si los efectos visuales son efectos visuales, a lo que supongo que habrá que sumar la pataleta de niño pequeño o rasgada de vestidura, dependiendo del consumidor. Espero sinceramente que algunos no pasen de ahí, ya que la flagelación no es algo recomendable, al menos la que se conoce bajo términos judeocristianos.

El trabajo que algunos desempeñamos en lugares santos como éste a veces, muchas diría yo, parece precisamente eso: una completa flagelación, al menos bajo términos de cinefilia. Si hace unos meses servidor se quejaba de la mediocridad reinante en las carteleras —por ello me refugio en otro cine— sólo se me ocurre a mí ir a ratificar dicha creencia con películas del calibre de la de Snyder, la de Aja o la que nos ocupa, ‘Invasión a la Tierra’ (‘Battle: Los Angeles’, Jonathan Liebesman, 2011). En este caso, el tráiler sí hacía prever tal vez no una gran película, pero sí algo mínimamente decente, o al menos algo superior a esa tontería llamada ‘Skyline’ (id, Colin Strause, Greg Strause, 2010), de los encargados de los efectos visuales del film de Liebesman, y que se apresuraron a sacar antes. Efectivamente ‘Invasión a la Tierra’ es mejor que la citada, pero por muy poco.

Pero por muy buena pinta que tuviese el tráiler, y que a algunos les hizo aventurar que estábamos ante un cruce entre la excelente ‘Black Hawk derribado’ (‘Black Hawk Down, Ridley Scott, 2001) y la entretenida ‘Independence Day’ (id, Roland Emmerich, 1996), lo cual no hubiera estado nada mal, al final se revela como una mezcolanza simple y casi cutre no sólo de los dos films mencionados, sino de muchos más, hasta el punto de que ‘Invasión a la Tierra’ carece de personalidad propia pues continuamente hace referencia a otras películas, amén de recopilar todos los tópicos del cine bélico uno tras otro. A estas alturas tirar de tópicos no es nada malo, ya está todo contado desde hace muchos años, pero eso no significa que no pueda hacerse bien. Al fin y al cabo, las historias sobre no rendirse jamás, sobre no dejar que nos pisen, sobre la supervivencia al fin y al cabo, en un mundo que cada vez parece más cerca de la extinción, siempre han servido para grandes películas.

En el marco de la ciencia ficción, las invasiones extraterrestres a nuestro planeta han sido del agrado del público durante generaciones y generaciones. En los años 50 se llegó a límites insospechados, y más aún teniendo en cuenta el miedo al comunismo que reinaba en aquella época en la sociedad norteamericana, el aluvión de invasiones de otros mundos se caracterizó por poseer mensajes políticos nada disimulados. Más tarde, cuando el cine cambió sus fórmulas y cineastas como Steven Spielberg y John Carpenter aparecieron, se optó por un tono más intimista, sin renunciar a la espectacularidad. Con la mencionada cinta de Emmerich, hace ya quince años, empezó a optarse por una visión más catastrófica del asunto. Los efectos visuales dominaban el producto en la mayoría de las ocasiones, y ahora Liebesman continúa la fórmula adaptándose a estos tiempos filmados cámara en mano.

Explicar de qué va ‘Invasión a la Tierra’ —lamentable título español, como siempre, puesto que el original es mucho más preciso y contundente— es una pérdida de tiempo. El esquematismo con el que está compuesta la historia es tal, que llega a límites vergonzosos, sobre todo en los diálogos, los cuales se debaten entre las frases de ánimo —“¡vamos, vamos, vamos!”, “¡corre, corre, corre!“—, y los chistes sexuales supuestamente graciosos —“¿Dejas que te hagan eso en la primera cita?“—, además de un montón de frases patrioteras con las que se subraya pesadamente que los Marines de los Estados Unidos son los mejores, y lo vana a demostrar. Está claro que si nos ponemos en situación, los discursos de ánimo en momentos de combate son necesarios, pero en ‘Invasión a la Tierra’ ocupan una gran parte del metraje, y termina resultando desesperante. Hasta tal puno que el espectador, al menos yo, desea que los extraterrestres lleven a cabo con rapidez su plan de exterminación.

Los dos únicos puntos que me parecen salvables en la película es el hecho de que el punto de vista es siempre el de los protagonistas, de forma que el espectador va recibiendo información al mismo tiempo que ellos; poco llegamos a saber de los extraterrestres que casi nada llegan a interactuar con los humanos —el momento en el que un extraterrestre y un humano están más cerca supone uno de los mejores instantes del film, por su dureza—, y en ese aspecto se le agradece a la película que vaya directa al grano. Otro es que gracias a la presencia de Aaron Eckhart se aguanta mejor el film; el actor está totalmente entregado y se nota que se lo ha pasado en grande. No son broma sus declaraciones sobre el hecho de que ha sido el rodaje en el que más se ha divertido, y que no dudaría en regresar en una secuela. Su tópico hasta los huesos personaje posee cierta densidad gracias al trabajo de Eckhart que lo hace con convicción, todo lo contrario que sus compañeros de reparto, que van desde unos muy desaprovechados Michael Peña y Bridget Moynahan hasta una cansina Michelle Rodriguez en su sempiterno papel de tipa dura.

Desfachatez enorme por su ramplonería, cuesta creer que se hayan gastado 70 millones de dólares, y no es un presupuesto excesivo para una película de estas características, en un desfile de soldaditos dispuestos a morir mientras nos recuerdan una y otra vez lo buenos que son. Como anécdota cabe señalar que el film se inspira en un hecho real acaecido durante la Segunda Guerra Mundial cuando en la noche del 24 de febrero se avistaron aviones no identificados sobrevolando Los Angeles, y sospechando que eran japoneses, los americanos desplegaron su defensa disparando munición antiaérea. La cosa no pasó de un susto y fue declarada una falsa alarma. El incidente fue bautizado como Batalla en los Ángeles, y ahora la película la podemos bautizar como topicazo coñazo que ni entretiene. Ahora bien, como promoción del cuerpo de marines de los Estados Unidos no tiene precio.

Ya hablamos en su momento sobre ‘Battle: Los Angeles’, cuando Aaron Eckhart firmó para protagonizarla, y comentamos que se trataba de un proyecto de acción y ciencia-ficción con alienígenas. Hoy os traigo los primeros cinco carteles de la película, en los que no aparece ni el títulos ni los actores ni el director, sólo unas supuestas pruebas fotográficas de naves extraterrestres en varias ciudades del mundo durante el siglo XX, rematado con el que podríamos catalogar como el verdadero primer póster de ‘Battle: Los Angeles’ (y casi de ‘Predators’ también). La primera intención de estas imágenes es la de dar a conocer al público la web oficial del film: ReportThreats.

Escrita por Christopher Bertolini y dirigida por Jonathan Liebesman (‘La matanza de Texas: El origen’), ‘Battle: Los Angeles’ es según sus productores una mezcla entre ‘Independence Day’ y ‘Black Hawk Derribado’; se centra en un comando de marines que combate en las calles de Los Ángeles contra un poderoso ejército extraterrestre que pretende invadir el planeta. Michelle Rodriguez, Bridget Moynahan, Michael Peña, Joey King y Jim Parrack, entre otros, acompañan a Eckhart al frente del reparto. La fecha del estreno es el 11 de marzo de 2011.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: También he incluido las dos primeras imágenes oficiales de la película, en la que podemos ver a Eckhart y a Rodriguez en plena faena (militar).

Vía | Impawards

‘Up in the Air’

Dirección: Jason Reitman. País: USA. Año: 2009. Duración: 108 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: George Clooney (Ryan Bingham), Vera Farmiga (Alex), Anna Kendrick (Natalie Keener), Jason Bateman (Craig Gregory), Danny McBride (Jim), Melanie Lynskey (Julie Bingham), Amy Morton (Kara Bingham), Sam Elliott (Maynard Finch), J.K. Simmons (Bob), Zach Galifianakis (Steve), Chris Lowell (Kevin). Guión: Jason Reitman y Sheldon Turner; basado en la novela de Walter Kirn. Música: Rolfe Kent. Estreno en USA: 23 Diciembre 2009.

Sinopsis: Ryan Bingham es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida volando se ve amenazada en el momento en que está a punto de conseguir diez millones de millas en vuelos frecuentes y justo cuando ha conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.

¿Qué podemos esperar? El siguiente paso del director de ‘Gracias por fumar’ y ‘Juno’. O al menos, es lo que llevo rezando yo desde que vi el tráiler. Puede ser la única película con opciones de amargar la noche de los Oscars a James Cameron y su ‘Avatar’. Tiene más de un 8 de media en sitios tan diferentes como Metacritic e Imdb. En su crítica, mi compañero Jesús alaba el guión y califica la película de elegante y entretenida.

‘Nine’

Dirección: Rob Marshall. País: USA. Año: 2009. Duración: 118 min. Género: Drama, musical, romance. Interpretación: Nicole Kidman (Claudia Jenssen), Kate Hudson (Stephanie), Daniel Day-Lewis (Guido Contini), Penélope Cruz (Carla), Marion Cotillard (Luisa Contini), Sophia Loren (la mamma), Judi Dench (Lilli), Fergie (Saraghina), Ricky Tognazzi (Dante), Giuseppe Cederna (Fausto), Elio Germano (Pierpaolo). Guión: Michael Tolkin y Anthony Minghella; sobre el libreto de Arthur Kopit para el musical ‘Nine’, basado a su vez en la película ’8 ½’ (1963) de Federico Fellini. Música: Andrea Guerra. Estreno en USA: 25 Diciembre 2009.

Sinopsis: El director de cine Guido Contini (Daniel Day-Lewis) se encuentra en Venecia en mitad de una profunda depresión. No consigue recuperarse a nivel profesional, ni tampoco su vida privada está en un buen momento. Varias mujeres le atormentan, entre ellas su esposa (Marion Cotillard), su amante (Penélope Cruz), su madre (Sophia Loren), su musa (Nicole Kidman), su diseñadora de vestuario y confidente (Judi Dench) y hasta una periodista americana que le persigue (Kate Hudson). Todo ello mientras intenta centrarse en la producción de su última película.

¿Qué podemos esperar? Ésta iba a ser una de las películas del año pasado, pero al final la vemos en 2010 y lo peor es que parece que no será tan buena como esperábamos. Al menos, eso es lo que se deduce de los comentarios críticos hechos hasta ahora. En Metacritic no la aprueban por los pelos (4,9) y en Imdb alcanza más de un 6 de media. Es del director de ‘Chicago’ y tiene un reparto que quita el hipo. Será un palo, pero yo no lo me la voy a perder.

‘Rompedientes’

Título original: ‘Tooth Fairy’. Dirección: Michael Lembeck. País: USA. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Comedia, familiar, fantasía. Interpretación: Dwayne Johnson (Derek), Ashley Judd (Carly), Julie Andrews (Lily), Billy Crystal, Stephen Merchant (Tracy), Seth MacFarlane (Ziggy), Chase Ellison (Randy), Destiny Grace Whitlock (Tess). Guión: Lowell Ganz, Babaloo Mandel, Joshua Sternin, Jeffrey Ventimilia y Randi Mayem Singer; basado en un argumento de Jim Piddock. Música: George S. Clinton. Estreno en USA: 22 Enero 2010.

Sinopsis: Dwayne “The Rock” Johnson es “El hada de los dientes” también conocido como Derek Thompson, un impetuoso jugador de hockey cuyo apodo viene dado por su costumbre de dejar sin dientes a sus adversarios. Cuando Derek echa abajo los sueños de un chico, es condenado a trabajar duramente convirtiéndose en una verdadera hada de los dientes durante una semana, con el añadido de tener que llevar el correspondiente atuendo de tutú, alas y varita mágica. Al principio, Derek “no puede hacerse con los dientes”, pues es muy torpe y se tropieza a menudo al volar. Pero, poco a poco, mientras va habituándose a su nueva situación, Derek empieza a reencontrarse con sus propios sueños olvidados.

¿Qué podemos esperar? Pues a La Roca haciendo el tonto, una vez más, para deleite de los más pequeños. Algunos pueden llegar muy lejos por un puñado más de dinero. Sorprende encontrarse a Merchant metido en una producción hollywoodiense de este calibre, esperemos que sea el primer paso para otro tipo de productos, es un tipo muy divertido (tarea para los que no sepan de qué estoy hablando: buscar la serie ‘Extras’).

‘La herencia Valdemar’

Dirección y guión: José Luis Alemán. País: España. Año: 2009. Duración: 100 min. Género: Suspense, terror. Interpretación: Daniele Liotti (Lázaro), Óscar Jaenada (Nicolás Tremel), Laia Marull (Leonor Valdemar), Silvia Abascal (Luisa Lorente), Rodolfo Sancho (Eduardo), Ana Risueño (Dra. Cerviá), Luis Zahera (Lovecraft), Paco Maestre (Aleister), Ana Bullón (Beatriz), Norma Ruiz (Ana), Paul Naschy (Jervás), Eusebio Poncela (Maximilian). Música: Arnau Bataller.

Sinopsis: Luisa Lorente es una experta tasadora de casas antiguas que acude a la mansión Valdemar en lo que parece ser otro trabajo rutinario. Pero, al llegar allí, desaparece sin dejar rastro. Su jefe, Maximilian, contrata los servicios del detective Nicolás Tremel para encontrarla lo antes posible. Tremel se enfrentará entonces a la leyenda de Valdemar, una tragedia que ocurrió hace más de un siglo pero cuyas consecuencias siguen vigentes en la actualidad.

¿Qué podemos esperar? Incluso después de haber visto esa horrenda imagen de La Roca vestido de hada, creo que la última película en la que actuó el recientemente fallecido Paul Naschy tiene muy mala pinta. Todo huele fatal, no tenéis más que buscar imágenes de la película. Yo no sabía cuál poner, pero al final me he decidido por esa tan divertida de la Abascal, porque no me imagino a una actriz menos metida en su papel durante una escena de terror/suspense. Jaenada haciendo de infalible detective (marcando la mandíbula en al menos un par de fotos que he visto), Zahera interpretando a Lovecraft (WTF??) o Poncela en plan Drácula completan el cuadro. Ya me contaréis.

‘Ricky’

Dirección: François Ozon. Países: Francia e Italia. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama, fantástico. Interpretación: Alexandra Lamy (Katie), Sergi López (Paco), Mélusine Mayance (Lisa), Arthur Peyret (Ricky), André Wilms (doctor), Jean-Claude Bolle-Reddat (periodista), Julien Haurant (bibliotecario), Eric Forterre (carnicero), Hakim Romatif (vendedor), Maryline Even (Odile). Guión: François Ozon y Emmanuèle Bernheim; inspirado en la novela ‘Moth’ de Rose Tremain. Música: Philippe Rombi. Estreno en Francia: 11 Febrero 2009.

Sinopsis: Cuando Katie, una mujer común, encuentra a Paco, un hombre común, ocurre algo mágico y milagroso: una historia de amor. De esta unión nacerá un bebé extraordinario: Ricky.

¿Qué podemos esperar? Con un año de retraso llega a España lo último de Ozon, con el español Sergi López al frente del reparto. Mi compañera Beatriz ya la ha visto y en su crítica nos dice que es una película extraña y desconcertante. En todo caso, a ver en cuantas salas la proyectan.

‘Sobrepasando el límite’

Título original: ‘Noise’. Dirección y guión: Henry Bean. País: USA. Año: 2007. Duración: 91 min. Género: Comedia negra. Interpretación: Tim Robbins (David Owen), Bridget Moynahan (Helen Owen), William Hurt (Sr. Schneer), Margarita Levieva (Ekaterina), Gabrielle Brennan (Chris Owen), María Ballesteros (Gruska), William Baldwin. Producción: Susan Hoffman y Henry Bean. Música: Phillip Johnston. Fotografía: Andrij Parekh. Montaje: Lee Percy y Julie Carr. Diseño de producción: Kelly McGehee. Vestuario: Alex Alvarez. Distribuidora: New World Films. Estreno en USA: 9 Mayo 2008.

Sinopsis: Un hombre se está volviendo loco por el constante ruido que hay en la ciudad de Nueva York, lo que le lleva a convertirse en el ‘El Rectificador’, ideando un ingenioso plan para eliminar los ruidos de la calle. Poco a poco los neoyorquinos se le unen en esta imposible misión: silenciar la ciudad más ruidosa del mundo.

¿Qué podemos esperar? El argumento me gusta mucho (supongo que como a cualquiera que le moleste especialmente la contaminación acústica) y el reparto, encabezado por Robbins y Hurt, no puede ser más atractivo. Puede salir una comedia muy interesante. La cuestión es que se hizo en 2007 y pasó por los cines norteamericanos hace ya casi dos años. Así funcionamos aquí. Pero en fin, de nuevo, a ver si la ponen en algún cine, al margen de Madrid y Barcelona. Os dejo un clip de la película, por si tenéis dudas:

Vía | Labutaca

No creo que llegue nunca a lo que hace el protagonista de esta película, pero siempre me ha parecido escandaloso lo ruidosa que es la gente, en general. En ‘Noise’, segunda película de Henry Bean tras la interesante ‘The Believer’ (con un Ryan Gosling pletórico), un hombre llega a volverse loco por el constante ruido que provocan los coches de su barrio; decidido a solucionar el problema con sus propias manos, se alza como un vengador contra la contaminación acústica en la ciudad de Nueva York.

El siempre magnífico Tim Robbins es el principal reclamo de un film que también cuenta en su reparto con Bridget Moynahan, William Hurt y William Baldwin. ‘Noise’ no tiene aún fecha de estreno.

Actualización: La película se titula en España ‘Sobrepasando el límite’, y se estrena el 22 de enero de 2010.

‘Prey’ está inspirada en hechos reales y no tiene prevista fecha de estreno en España. En EE. UU. fue directa al DVD. A continuación podéis ver un tráiler en inglés.

Ya que él tiene que trabajar, Tom Newman, (Peter Weller) deja con su segunda mujer, Amy (Bridget Moynahan), a Jessica (Carly Schroeder), de 14 años, que sólo es hija de Tom, y a David (Connor Dowds), de diez años, hijo de ambos. Están en una reserva de Sudáfrica. Brian (Marius Roberts), el guía, los saca de la carretera para que el viaje sea más entretenido. Según se acercan al Río Cocodrilo, que está seco, David dice que tiene que evacuar. Mientras el niño hace pis, acompañado por el guía, su hermana graba en vídeo cómo un león lo acecha. La joven trata de arrancar el coche, pero Brian tiene las llaves. Una leona acecha a las mujeres. Brian y David corren hasta el coche. El niño logra entrar, pero la leona devora al guía. Desconfiando de que llegue un helicóptero a salvarlos, ahora tendrán que salir del 4x4 para coger las llaves.

No hay que confundirla con el libro de Michael Crichton, que trata sobre nanorrobots que escapan de un laboratorio y amenazan el planeta, y cuyos derechos, según Variety, había adquirido Fox en 2002. Ni con el videojuego. Tampoco con todas las demás películas de mismo título. Una de ellas también está inspirada en hechos reales y también comienza con un viaje en 4x4 al desierto del que nunca volverán.

Os doy títulos de otros países, por si os sirven para encontrarla: En Brasil, ‘Cazados’; en México, ‘Carnada’; en Argentina, ‘Presa del miedo’; en Italia, ‘Prey, se abre la veda’.

Página oficial de ‘Prey’

Al igual que ‘Rosas rojas’ (‘Imagine me and you’), ‘Los líos de Gray’ (‘Gray Matters’) parece que tuviese inmunidad ante las malas críticas debido al tema que trata. Ambos films plantean la homosexualidad como algo natural y esta normalización es muy loable, pero las buenas intenciones no son suficientes para convertir en apreciables películas que poseen pocas cualidades. Así que, arriesgándome a que de nuevo, como ocurrió cuando hablé de la película protagonizada por Lena Headey y Piper Perabo, se me rebata la crítica en base únicamente a este aspecto, no puedo evitar decir que el film ‘Los líos de Gray’ tiene un hilo argumental mínimo y que termina de forma brusca y dejando la sensación de estar incompleto.

El argumento de este film, que se estrena el 13 de julio, se centra en dos hermanos que viven tan unidos como si fuesen una pareja. Cuando Gray recibe la indicación de que necesita desvincularse de su hermano, le busca una novia que no tarda ni un día en aceptar casarse con él. El conflicto llegará cuando la protagonista bese a su futura cuñada y se dé cuenta de que está enamorada de ella.

Como punto de partida no suena tan mal (o sí). Lo que ocurre es que la película ha tratado de ser tan amable en todos los sentidos que no ha querido presentar como un verdadero conflicto el triángulo amoroso. Y, si bien es correcto que no se haga ver que la homosexualidad tiene que ser necesariamente un tormento, es algo básico que sin conflicto no hay interés en la historia. De la misma forma en que en ‘Rosas rojas’ el marido que es abandonado perdona en seguida, en ésta, el hermano al que le han puesto los cuernos también se muestra como la persona más comprensiva del mundo. Tanta amabilidad no es del todo verosímil.

El problema con el hermano y la cuñada se resuelve en seguida y hacia el final nos damos cuenta de que lo único que estaba contando la película era cómo salía la protagonista del armario. El tema del triángulo amoroso era sólo una excusa para que pareciese una comedia romántica, definición muy alejada de la realidad. Si bien el “outing” podría ser un argumento para un film, tal como está presentado en ‘Los líos de Gray’, no lo es. Lo sería sólo en el caso de que supusiese un verdadero conflicto para ella y no lo presentan de esta forma, sino como algo que, tras una pataleta, resulta muy liberador. Me parece una decisión muy positiva el optar por normalizar antes que por protestar y el hacer ver que resulta beneficioso y catártico asumir la sexualidad, pero en tal caso, me resulta contradictorio que se desproporcione de tal manera el hecho de salir como para creer que por sí mismo ya es un argumento para una película. En el caso de que lo fuese, más que una normalización, se estaría haciendo una protesta sobre la falta de aceptación que hay en la sociedad hacia las personas gays. Sería otra opción que no es en absoluto la que ha tomado ‘Gray Matters’.

Por lo tanto, esas intenciones de dulcificación han impedido a la autora, Sue Kramer, profundizar en la psicología de los personajes y contarnos una historia que realmente despierte empatía o curiosidad. Se ha quedado en lo superficial y simple, cuando podría haber retratado una evolución de personaje interesantísima. Lo que ocurre en ambos films es que hay una falta de valentía o quizá demasiadas intenciones de hacer un producto para cualquier tipo de público. A veces se confunde comercial con simplón y poco trascendental.

En ‘Gray Matters’ y en ‘Rosas rojas’ se presentan casos en los que las mujeres descubren su homosexualidad a una edad muy tardía. Me pregunto por qué se habrá tomado esa opción de manera tan repetida. ¿Será que ocurre mucho en la vida real?

Los aspectos técnicos de ‘Los líos de Gray’ no merecen la crítica negativa que estoy dirigiendo a su guión. La realización es buena, el film tiene ritmo y al principio incluso cuela eso de que es un comedia romántica. Pero la decepción del final da al traste con todo lo anterior.

En el apartado actoral, los dos protagonistas: Heather Graham y Tom Cavanagh, hacen buenos trabajos y confieren simpatía a sus personajes. El tercer vértice del triángulo, Bridget Moynahan (‘Seis grados’) no tiene un personaje desarrollado. Su papel consiste en ser guapa, simpática y perfecta, otra ausencia de realidad delictiva en el guión. Dentro de eso, no lo hace mal. Es curiosa la aparición de Alan Cumming, que es homosexual en la vida real, pero que hace papel de hetero quizá para crear una paradoja, aunque no por eso se evita el momento de travestimo tan típico ya en las comedias.

Para resumir se podría citar el refrán “de buenas intenciones está el cementerio lleno”. Por positivo que veamos el propósito del film, el producto final no es bueno. En otras ocasiones, encontramos buenas películas con un mensaje reprobable. De vez en cuando se conjugan las dos virtudes. Pero no es el caso.

En Blogdecine | Tráiler con beso de las protagonistas. Los Líos de Gray no interesan a nadie.

En la tercera quinta entrega de esta saga, el aprediz de mago favorito de todos regresa a Hogwarts, para cursar su quinto año de Artes Ocultas y descubre que su credibilidad y reputación están en su nivel más bajo. Concretamente, se rumora que su enfrentamiento con Lord Voldemort no son más que patrañas. Para colmo, Harry tendrá que vérselas con la nueva profesora Dolores Umbridge, algo así como el fascismo hecho mujer.

En algún lado he leído que se trata de la película de Potter más oscura, aunque la mejor.

Fast Food Nation, de Richard Linklater. Fue una de las dos películas que Linklater presentara en Cannes, el año pasado. Su trama es sencilla y tiene un punto de partida interesante. Un ejecutivo de una importante cadena de comida rápida llamado Don Henderson, un buen día descubre que la carne de las hamburguesas de su negocio está contaminada con desechos fecales. Con mierda, vaya, para decirlo sin ambages.

Henderson emprenderá una investigación que se transformará en un viaje iniciático hacia corazón de las tinieblas del mundo de la comida chatarra. Y lo que habrá de encontrar, definitivamente, no le gustará. Noticia: abstenerse quienes detestan el cine y el estilo de Richard Linklater.

Obras en casa, de Brigitte Roüan. Chantal Letelier, personaje interpretado por Carole Bouquet, bella abogada progresista, es una adalid de los derechos de los inmigrantes ilegales parisinos. Un día decide contratar al arquitecto colombiano, a quien le acaba de conseguir su permiso de trabajo. El joven arquitecto trae entonces a sus compatriotas indocumentados a trabajar con él. Y, desde luego, el choque de clases no se hace esperar.

Red Road, de Andrea Arnold. La directora de este filme tomó irrumpió en la escena cinematográfica mundial por la puerta grande. Primero, su cortometraje ‘Wasp’ ganó el Oscar. Luego, Red Road, el filme que hoy estrena en España, arrasó con los premios en cuanto festival, concurso o evento compitió, incluyendo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes del 2006.

Se trata de uno de los resultados del último experimento de Lars von Trier, en el que varios directores debían hacer varios filmes con los mismos actores —interpretando los mismos personajes— y las mismas locaciones, en Glasgow. Etriquetada con frecuencia como una Rear Window tecno, el filme cuenta la historia de Jackie, operadora de un sistema de vigilancia que pasa sus días frente a un monitor, vigilando lo que sucede en las calles, pero emocionalmente desconectada de aquellas imágenes. hasta que un buen día, su pasado aparece en aquellas pantallas.

A partir de allí se desarrollará un drama thrilleroso de obsesión y venganza. Si yo fuera al cine este fin de semana, sería mi primera opción.

Barrio Cuba, de Humberto Solás. La penosa rutina de varios personajes se entrecruzan en la hermosa y derruida ciudad de la Habana, en tiempos de revolución.

Protagonizada por Jorge Perugorría, este filme del maestro Solás ha sido descrito como una historia de luchadores que se rebelan ante su incierto destino, pero al mismo tiempo el retrato de una país en un momento “en el que es muy difícil mantener la dignidad”, aunque vale la pena intentarlo y una declaración de amor hacia una de las más bellas ciudades del mundo, La Habana.

Los Líos de Gray, de Sue Kramer. Esta película se hizo famosa en la red por el beso lésbico entre dos de sus protagonistas, Heather Graham y Bridget Moynahan. Cuenta la historia de dos hermanos muy, muy unidos, interpretados por la Graham y Thomas Cavanagh, que terminan enamorados de una misma chica (Moynahan). Es la ópera prima como guionista y directora de Kramer. Y, como la apunta el colega Red Stovall, tal parece que se trata de un filme inofensivo:

La película no se arriesga ni lo más mínimo en ninguno de sus planteamientos. Estamos ante un film blando de cabo a rabo. Nada lo diferencia de cualquier estrenos tv de un domingo por la tarde, ni siquiera la mencionada secuencia lésbica.

Septiembres, de Carles Bosch. La nueva producción de Carles Bosch, el autor de Balseros, explora la vida carcelaria y las relaciones amorosas de ocho reclusos (cuatros hombres y cuatro mujeres) cuyas vidas se entrecruzan cada septiembre en el Festival de la Canción, organizado en la prisión de Soto del Real, en Madrid.

La sensibilidad a la hora de retratar estas historias de amor, le hizo merecer a Septiembres un premio especial del jurado en el Festival Internacional de Miami. Este fin de semana también me iría a ver este filme.

Hana, de Hirokazu Koreeda. A principios del siglo XVIII, el joven samurai Aoki Sozaemon viaja a Edo (el Tokio antiguo) para vengar la muerte de su padre. Pésimo con la espada y renuente a cumplir su misión, su paso por un barrio miserable de Edo hacer cambiar al joven, quien ahora aprecia la vida y comienza a cuestionar su misión y la pertinencia de la venganza.

Verdades Ocultas, de Baltasar Kormákur. A principios de la década de los 80, el investigador de una agencia de seguros Abe Holt (interpretado por Forest Whitaker, lo que acaso sea garantía de calidad), viaja a un remoto pueblo de Minnesota (en Minnesota, al parecer, todos los pueblos son remotos, además de problemáticos), para desentrañar un misterio.

Resulta que, según la policía, el consumado estafador Kelvin ha muerto en un accidente de tránsito mientras iba camino a visitar a su hermana Isold (Julia Stiles). Pero Holt no cree una sola palabra del reporte policíaco y va decidido a averiguar la verdad oculta en el asunto.

Next Door, de Pål Sletaune. Esta coproducción danesa sueca noruega, cuenta una historia con un transfondo de sadomasoquismo entre John y sus dos atractivas y retorcidas vecinitas.

Entre todas las cosas extrañas y retorcidas que sucedieron aquel verano newyorkino del ‘77 (apagones generales, saqueos, el furor por Studio 54, los asesinatos del Hijo de San), acaso la más extraña y retorcida de todas haya sido el auge del Cosmos, el más famoso equipo de balompié de Los Estados Unidos, y su jugador estrella, Pelé. Extraña y acaso no tan retorcida, porque en los Estados Unidos de entoces, pocos sabían de la existencia del llamado Deporte Rey.

Once in a Lifetime de Paul Crowder y John Dower cuenta la historia de la rara oncena, fruto de la obsesión de Steve Ross, entonces presidente de la Warner Bros, por popularizar el fútbol en suelo americano.

La suerte de Emma, de Sven Taddicken. La vida de Emma, una tierna solterona propietaria de una granja de cerdos (tan solitaria e inventiva que usa una motocicleta como consolador) cambia cuando, una noche, un automóvil lujoso se estrella cerca de su casa. Dentro del auto encuentra a Max, vegetariano, neurótico, melómano, quien le ha robado un montón de dinero a su astuto jefe. para Emma, quien además vive bajo la tiranía de su madre y acosa por los reclamos románticos de un agente de policía de la localidad, aquel es el hombre de sus sueños.

Pero no todo podía ser perfecto: Max, quien sufre un cáncer de páncreas en fase terminal, le quedan dos semanas de vida…

El próximo viernes se estrena entre nosotros ‘Los Líos de Gray’, película que no pretende insultar a nadie ni criticar nada, pero que termina siendo politicamente correcta de una forma descaradísima, a pesar de que durante todo el metraje se habla de sacar a relucir la verdadera identidad de cada uno y no renunicar a ello, todo dentro de una historia con toques de homosexualidad, que no están los suficientemente explotados, así como los demás elementos del film, que incluso resultan engañosos. Lo que al final se queda como una comedia romántica más, navega por momentos sin rumbo fijo desoncertando en buena medida al aburrido espectador.

La película viene precedida por la forma de publicitarse que ha tenido, usando la secuencia en la que Heather Graham y Bridget Moynahan se dan un beso. Simplemente lamentable, aparte de que dicha secuencia no es nada del otro mundo. Sí, da un poco de morbo ver a esas dos actrices pegarse el lote, pero es todo como muy inocente y light. me gustaría saber qué hubieran hecho otras dos actrices, y por supuesto otro director, o como en este caso, directora. Aquí no se han atrevido a nada que ya no se vea en una serie de televisión.

¿De qué va ‘Los Líos de Gray’? pues de dos hermanos que viven juntos desde hace siglos y que apenas tienen vida social. Como eso no está muy bien visto por el resto de la sociedad, deciden salir “de caza” y buscar una novia para el macho de la pareja. La encuentran a la velocidad del rayo, y suenan campanas de boda aún más rápido. Pero la hermana también se siente atraída por la afortunada joven, algo que traerá algunos problemillas consigo.

Pero no nos asustemos. La película no se arriesga ni lo más mínimo en ninguno de sus planteamientos. Estamos ante un film blando de cabo a rabo. Nada lo diferencia de cualquier estrenos tv de un domingo por la tarde, ni siquiera la mencionada secuencia lésbica. Sue Kramer debuta tanto en la dirección como en el guión, con esta película y se nota bastante. Ha preferido jugar sobre seguro antes de ser tildada de algo, ya que un film de mayor compromiso con el tema que trata, es evidente que habría dividido a la audiencia. Todo lo viste con los elementos de la típica comedia romántica americana, cambiando algunas cosillas, como por ejemplo pasando la historia de amor a un plano secundario y centrándose en las dudas interiores de su personaje central. ¿El resultado? pues lo de siempre en este tipo de películas, poca chicha, mucha tontería y bastante previsibilidad.

Sólo hay un par de cosas que llaman la atención. Lo mucho que la película alude a films clásicos, como si quisiera rendir un homenaje a aquellas viejas películas, cosa que desde luego no cosigue, porque un homenaje no consiste en citar de carrerilla mil títulos, y mucho menos en saberse de memoria los pasos de baile de un número musical de una determinada película, algo que en el presente film resulta bastante forzado y difícil de creer, no por el hecho en sí, sino por cómo está presentado y aplicado en los personajes. La otra cosa es el personaje interpretado por un curioso Alan Cumming, que interpreta a un taxista que se cruza en la vida de los protagonistas, y que proporciona los mejores momentos de la cinta, aquellos en los que la película parece que va a apartarse de lo de siempre.

En cuanto a las dos actrices principales, no se puede decir que molesten demasiado, pero sus trabajos tampoco son dignos de elogio. Heather Graham es una belleza impresionante, pero debería empezar a potagonizar otro tipo de películas, o la perderemos para siempre. Bridget Moynahan está un pelín por debajo, ya que su personaje está bastante mal dibujado, y parece prácticamente una excusa para despistar. A su lado, el televisivo Thomas Cavanagh, sin complicarse demasiado la vida, con una interpretación muy, muy corriente.

La película prácticamente no habla de nada, dejando un montón de cabos sueltos. Ni amor homosexual, ni amor hetero, ni nada de nada. Los líos del título son paradójicamente un lío en sí, en una película que da bandazos para todos los lados sin terminar de definirse ni hablar claro. Y estamos hablando de un film americano simple de los que hacen como churros y sin pensar. Apaga y vámonos.

Ya lo decía ayer mi compañero Antonio Toca, no hay nada como calentar el estreno de una película.

Se puede hacer como en Factory Girl, insinuando que hubo sexo real en las escenas de cama, o al estilo Manuale d’amore 2 prometiendo ver lo nunca visto (previa censura y posterior recuperación) o de forma incluso mucho más sencilla, escogiendo a dos actrices tan guapas como Heather Graham y Bridget Moynahan y haciendo que protagonicen un (semi) tórrido beso con lengua.

¿Increíble verdad? Pero cierto. Con este vídeo es como se publicita Gray Matters, desde su propia web oficial y blog. Una comedia romántica, dirigida por Sue Kramer, en la que Heather Graham y Thomas Cavanagh son dos hermanos enamorados de la misma chica, Bridget Moynahan.

Resulta curioso, que en tiempos en los que parece que está (casi) todo visto, funcionen estrategias tan inocentes como esta, con concurso de vídeos con los mejores besos incluido. Por cierto, también está disponible el trailer, pero claro, visto lo visto ¿A quién le interesa?

Esta misma madrugada, entre cervezas y música, hablábamos de que últimamente se recurre demasiado a la narración no lineal en las películas, o sea, a través de numerosos flashbacks. Ahí tenemos los casos recientes de las estupendas ‘El Truco Final (El Prestigio)’ y ‘Banderas de Nuestros Padres’. Y algunos decían que ya están hartos de tanta filigrana narrativa, de tantas idas y venidas en el tiempo. Eso sí, cada vez se utiliza más en un tipo de película que quiere sobre todas las cosas, sorprender al espectador y dejarle deslumbrado con una sorpresa final al estilo de ‘El Sexto Sentido’. Evidentemente, a veces, dicho recurso está inteligentemene utilizado, al servicio de una historia, e incluso, si no estuviera narrado de esa forma, tendría mucha menos fuerza. Otras veces, son ganas de marear al espectador, con alucinantes giros de guión, que no hay por donde cogerlos, y que simplemente buscan el efectismo barato.

‘Mentes en Blanco’ podría entrar perfectamente en el último grupo de películas mencionadas. Su argumento gira en torno a un grupo de hombres que despiertan, encerrados en un almacén. Algunos están atados y otros tienen alguna herida. Curiosamente, ninguno de ellos recuerda gran cosa, ni siquiera su propia identidad. A partir de ahí, todos empezarán a hacer memoria, y descubrir poco a poco qué es lo que les ha llevado a esta situación. Evidentemente, nada es lo que parece.

La película recuerda, y salvando las distancias, por supuesto, a ‘Memento’, porque parte de una situación, y poco a poco se van descubriendo los hechos pasados, a cada cual más sorprendente. Sin embargo, hay algo que la diferencia (además de otras cosas, menos importantes) de la maja película de Christopher Nolan. Si en aquél, todo iba hacia atrás y adquiría un sentido único a la par que lógico, en ‘Mentes en Blanco’ va hacia atrás (en escenas con un toque onírico, muy mal rodadas) y a la vez hacia delante, ya que la situación en la que se encuentran los personajes ha de ser resuelta de alguna forma. Dicho así, no parece que sea un problema. Sin embargo, si uno se mantiene bien atento, se da cuenta de lo que te están contando es una estupidez como una casa, y la forma elegida para hacerlo no es la más adecuada, por enomemente tramposa e incluso facilona.

El guionista podría habernos contado cualquier otra cosa distinta a la que nos cuenta en la película, el resultado hubiera sido el mismo. Todas las situaciones y sorpresas que nos son desveladas están quitadas de la manga, y no tienen absolutamente ninguna coherencia con lo que nos cuentan. Es más, se podrían haber cambiado los roles en la resolución del misterio, por así llamarlo, y nos hubiera dado igual. Y es que la historia sin comienzo de ‘Mentes en Blanco’ se parece a esos juegos que los de mi generación acostumbrábamos a hacer partiendo de una situación casi ridícula y había que adivinar cómo se había llegado a esa situación. Normalmente se escogía siempre la misma historia, pero cada uno podía inventarse lo que fuera, siempre y cuando todo fuera conducido hacia esa situación incialmente planteada. Plantear un misterio o enigma de esa forma lo hace cualquiera.

El film también abusa de giros finales debido precisamente a que te puedes inventar lo que sea. El espectador se cansa de tantos giros, y lo cierto es que la sorpresa brilla por su ausencia, por no hablar de que estamos ante una película realmente aburrida, a pesar de lo interesante de la propuesta. Porque lo que no hay que negarle a este tipo de films es que sus propuestas o ideas siempre resultan interesantes. El desarrollo ya es otra cosa.

Como puntos positivos recalcaría que la puesta en escena, salvo esos flashbacks antes mencionados, es bastante sugerente y saca partido de los pocos elementos que tiene a su disposición el director, el debutante Simon Brand, para crear la atmósfera debida, algo que ciertamente consigue. También podemos disfrutar de un elenco de actores, que sin hacer grandísimas intepretaciones, ya que los personajes son todos muy poco interesantes, están todos muy correctos, cumpliendo sobradamente su labor. James Caviezel, que aguanta con todo el peso de la función, está más comedido que otras veces. Greg Kinnear demostrando una vez más, lo camaleónico que es, y todavía sin disgrutar del éxito que este actor merece. Barry Pepper otro tanto de lo mismo, y aquí incluso podríamos decir que es el mejor de todo el reparto. Joe Pantoliano no pinta absolutamente nada, y Peter Stormare en un rol demasiado tópico y sobre el que no cabe la más mínima duda acerca de sus intenciones, algo que nos desvelan demasiado pronto. Para contrarrestar tanta masculinidad, tenemos a Bridget Moynahan, que está impresionante, pero como actriz pues no impresiona tanto, si no más bien todo lo contrario. Su personaje probablemente sea el más absurdo de todos, y sobre el que más sorpresas recaen.

Una floja película que se va desinflando según avanza, y que en ciertos momentos puede provocar cierta gracia, debido a la desfachatez de un guión imposible, que parece que escribiera alguien con la mente en blanco, valga el chiste redundante. Habrá que estar atentos al próximo film de Brand, que apunta maneras, esperando que le toque dirigir otro tipo de historia más estimulante.

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• ‘Mentes en Blanco’, otra con final sorpresa