Tan divertido es hablar de los géneros (que no son más que una colección de lugares comunes codificados) como necesario darnos cuenta, a mi modo de ver, de que los géneros carecen de importancia, pues constituyen, finalmente, una mera clasificación comercial, una etiqueta limitadora. En el mal llamado cine clásico, los géneros eran algo así como un denominación de origen, inmutable y nítida. En el cine contemporáneo, por suerte, se han transgredido todos los códigos, y se han pervertido los lugares comunes. Ya no es posible seguir contando historias como las del pasado.

Ang Lee (Taiwan, 1954) no sólo no tiene el menor interés en contar historias como las de antes, sino que sabe contarlas de una forma distinta, y en su cine el “qué” y el “cómo” van indisolublemente unidos. Buena prueba de ello es su obra cumbre, la excepcional ‘Brokeback Mountain’, un intenso y tormentoso fresco histórico que se zambulle en algunos de los códigos del western (principalmente, en cuanto a sus ambientes y tipos) para desmontarlo por completo, al mismo tiempo que narra un poema sobre la soledad y el dolor.

Realmente, esto no es una historia de amor. Creo que es una historia en la que apenas hay lugar para el amor. Desde su primera imagen, Lee nos muestra un mundo gélido e inhóspito, carente de afecto. De la pantalla en negro, surgen haces azules (en su mayoría) y rojos (muy pocos), que en realidad conforman los reflejos de un paraje sin vida, que cruza un camión de madrugada, con Ennis del Mar viajando en él. Hemos aceptado el azul como frío y el rojo como calor, con lo que no hace falta decir más. Los primeros minutos son para Ennis (un gran Heath Ledger), al que nos dibujan como un pobre diablo, un ser truncado y silencioso, un misterioso pastor de ovejas incapaz casi de comunicarse.

Es espectacular el plano en el que llega a la oficina del ganadero Aguirre a pedir trabajo. Puede que su ánimo sea sombrío, pero el cielo nublado es muy hermoso, casi místico. Enseguida llega Jack Twist (un no menos estupendo Jake Gyllenhaal), un hombre bastante diferente en algunos aspectos, y muy parecido en otros. Todos sabemos que la relación entre ambos es el motivo de la historia, por eso Ang Lee se toma su tiempo. Twist no es tan pobretón y tan infeliz como del Mar, pero casi. Y es más locuaz y extravertido que él. Desde un principio parecen comprenderse y reconocerse en el otro.

Porque, si lo pensamos bien, pocos ambientes puede haber más agresivos contra la homosexualidad que el country estadounidense. En realidad, para cualquier tipo de afecto, y mucho más la homosexualidad, claro está. De hecho, no es tanto un relato sobre la homosexualidad y la lucha por los derechos individuales, como una certificación del escaso amor que circula por el mundo, y la forma en que es sancionada, perseguida y atacada una forma de afecto en particular. Para Lee, sus personajes son perdedores en ese sentido, pero no hay otras formas de amor triunfantes. Es decir, no es un relato maniqueo. Aquí nadie es feliz, pero sus protagonistas menos aún.

Un lugar y una huida

El primer bloque de la película, el más hermoso desde un punto de vista más visual, representa, claro, el germen temático, pero sobre todo formal. Brokeback es la montaña en la que llevan a cabo el penoso trabajo de pastores, y al mismo tiempo el refugio en el que se sienten libres. Más que unos sentimientos de película romántica, Ennis y Jack encuentran allí un remanso de paz de una vida complicada, y en brazos del otro. Era esperable la reacción furibunda de los conservadores norteamericanos (cinéfilos o no), asi como de algunos “intelectuales” españoles de extrema derecha (me viene a la mente cierto hombrecillo con sobrepeso y gafitas, prolífico escritor y “amante” de los diferentes y los marginados).

La vida sigue para Ennis y Jack después de su encuentro en Brokeback, pero a partir de ese momento su existencia constituirá un “eterno retorno” a ese lugar, convertido ya en la arcadia soñada, lugar de exilio de dos perdedores natos, aunque Jack consiga casarse con la rica hija de un empresario. Ang Lee (y los guionistas Larry McMurtry y Diana Ossana) construirán un complejo andamiaje que es la certificación de una pérdida: vidas devastadas y desperdiciadas, girando en torno a un momento de felicidad pasajera. En cada uno de sus momentos lejos de Brokeback les imaginamos pensando en ese exilio emocional, en esa huida de la zona grisacea de la existencia, en arroyos donde bañarse desnudos y en la camaradería de dos hombres que se comprenden.

Lee maneja el tempo con mano maestra. Ni el menor énfasis de ritmo, ni la menor exageración. Algunos llaman a este cine un “cine lento”. En realidad Lee persigue algo extremadamente importante: una veracidad en la pantalla que asusta. Es un pedazo de vida, una elegía desesperada al hombre corriente, abandonado, solitario. Su cámara y su montaje pasan completamente desapercibidos (aunque hay planos muy hermosos) porque no son lo importante, sino un mal necesario. Es decir, su ritmo no lo crea el montaje, sino varios portentosos actores, y sus imágenes no las crea la cámara, sino una verdad y una sinceridad abrumadoras. Y esto ocurre porque Lee es un verdadero artista, un verdadero director.

Su desolador final es la criba definitiva para el espectador medio: no hay climax, ni resolución. Tan solo un desenlace esperable y terrible. La vida sigue, aún mutilada y sin sentido. A Ennis le queda una foto, un olor determinado, una promesa que nunca pronunció, pero continúa igual de silencioso y estoico. El mundo no ha perdido el tono gris y gélido que al comienzo. Los jóvenes, igual de incapaces de reconocer el amor. Al menos Ennis tuvo a Jack. Lee se entrega a esta historia con un coraje ilimitado (poner a Ledger y a Gyllenhaal a cuatro patas es algo que muy pocos tienen redaños de filmar), con humildad, sin divismos ni morbosidades. Su Oscar fue justísimo. No se entiende que ‘Crash’ se llevara el premio principal. Pero así son esos premios.

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Veinticinco películas que saben a gloria, y que vuelvo a ver siempre que puedo, las que puedo. Entre ellas muchas norteamericanas, pero también europeas, aunque es cierto que el nivel en nuestro continente ha bajado sensiblemente, mientras que al otro lado del charcho ha subido. Así son las cosas. Entre las elegidas, como se verá, hay muy pocas ganadoras del premio cinematográfico menos prestigioso del mundo, el Oscar, entre otras cosas porque el prestigio lo dan los títulos elegidos (no al revés), y muchas veces no hay por donde cogerlos. La gran mayoría, o todo, de la lista es cine de autor, que es el único que soportará el paso del tiempo, o así lo creo yo. Echadles un vistazo, no os cortéis:

‘There Will Be Blood’

Paul Thomas Anderson es uno de los cuatro o cinco directores norteamericanos más importantes de la actualidad. Con esta obra maestra irrepetible, su quinta película, homenajea en cierta forma a Malick, ayudándose además de su habitual diseñador de producción, Jack Fisk. Una recreación de época primorosa, situada en los albores de la fiebre del petróleo, con el mejor actor vivo, el incomparable Daniel Day-Lewis, que da vida a un trasunto del Diablo inolvidable, abyecto y conmocionador. Sublime.

‘El nuevo mundo’

De uno a otro importantísimo director norteamericano, al que actualmente estoy dedicando un extenso especial. En su cuarto largometraje Malick regresa a los territorios por los que sólo él transita en el cine de hoy día, en el que narra el eterno desencuentro del hombre consigo mismo y con la naturaleza. Lirismo estremecedor en una mirada limpia de todo divismo y capaz de mostrar lo inenarrable: al hombre rozando el paraíso y perdiéndolo por su propia incapacidad y su miserable condición

‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’

El francés Michel Gondry, de mano de uno de los más ingeniosos y sorprendentes guiones de los últimos años, obra del ubicuo Charlie Kauffman, firma una maravilla inolvidable de la que, por motivos obvios, y al igual que en el caso de la de Anderson, me niego a poner su título español, porque ofende la vista. Impecables Carrey y Winslet para un relato que a nadie puede dejar indiferente, que conmueve y divierte a un tiempo, que es vanguardista y clásico a la vez. Una joya imperecedera.

‘Brokeback Mountain’

Ya sabíamos todos, bastante antes de esta película, que Ang Lee era uno de los mejores directores en activo, y de los pocos que merecen el calificativo de director a secas. Pero con esta película alcanzó una cumbre muy difícil de repetir. Asombrosos Ledger y Gyllenhaal para una compleja y difícil historia de amor que es también un fresco histórico fascinante. Obra de arte que gana con cada visionado y que da fe de hasta dónde puede llegar el cine.

‘Million Dollar Baby’

El gran Eastwood hace lo que parecía imposible: superar su magistral y terrible ‘Mystic River’ con un drama aparentemente muy sencillo, pero que esconde bajo su serena piel una convulsa representación del drama de vivir, de amar, y de morir. La más lúcida reflexión de su director, en la que es también una de sus mejores interpretaciones, y eso es decir mucho tratándose de un actor superdotado como él. Actualmente, mi compañero Alberto le está dedicando un repaso a toda su carrera, y espero con ganas que llegue el momento de hablar de esta película.

‘El pianista’

Que regrese el mejor Polanski, después de tantos años por debajo de su inmenso talento, siempre es una gran noticia para el cine. Esta vez, lo hace con una historia que espero contar más de sesenta años, y es que a veces la vida es extraña, y lees la biografía de un pianista célebre, y puedes acercarte al horror de tu pasado. Muy superior a ‘La lista de Schindler’ y de similar devastación emocional a la de ‘Shoah’. Imprescindible.

Mi Crítica de ‘El pianista’

‘Héroe’

Muchos se quedaron de piedra cuando descubrieron que la promesa de Yimou de hacer su propio Wuxia (guerreros históricos voladores…no, ‘Matrix’ no inventó nada) se hacía realidad con esta bellísima historia de tres guerreros que juraron matar a un rey, y el misterioso hombre que les derrotó y contó cómo llevó a cabo la hazaña. Un poema visual en toda la grandeza de la expresión, y un canto a la paz y a la fraternidad. Una maravilla.

‘Bailar en la oscuridad’

Muchos, cuando Von Trier se alzó con la Palma de Oro (el premio cinematográfico más codiciado que existe) y su actriz principal el galardón por su trabajo en el Festival de Cannes, por esta perturbadora película, no sabían a qué atenerse con un musical tan atípico. Pero es, sencillamente, una declaración de amor por el musical americano de parte de Von Trier, a la vez que un melodrama de estilo muy complejo y enigmático. Muchos ni siquiera la han visto cuando ven ‘Anticristo’ y ponen a parir a este gran artista. Obra maestra incontestable.

‘21 gramos’

Tras la grandísima, y sobresaliente, sorpresa con la que nos sacudió en plena cara Iñárritu, titulada ‘Amores perros’, este cineasta mexicano advirtió que no se trataba de un azar que su primera película fuera tan notable y erigió una obra maestra cuyo alcance todavía no se puede calcular. Guillermo Arriaga se da de la mano con Faulkner, y junto a Iñárritu elaboran un puzzle emocional devastador, descarnado, inolvidable, con un Sean Penn sensacional, un Benicio del Toro formidable y una Naomi Watts…sin palabras.

‘Paranoid Park’

Gus Van Sant es un cineasta extraño. Dotado de un impresionante talento para contarnos las miserias de los jóvenes estadounidenses (especialmente los marginales), durante los años noventa anduvo perdido en historias que no acababan de cuajar. Sin embargo, llega la primera década del siglo XXI y se revela como el gran director que es, uno de los más importantes de su país. Esta es, sin duda, su más bella, hipnótica e inclasificable película.

Mi crítica de ‘Paranoid Park’

‘Kill Bill, vol.2’

Tal vez esta sea la cumbre de la obra tarantiniana, de momento. El bueno de Quentin quería superar ‘Pulp Fiction’, o al menos su impacto generacional, y lo logró con esta intensa, sorprendente, libérrima historia, que homenajea el cine oriental en su variante de cine negro y de cine de artes marciales, así como al cine de Leone. La venganza de la Novia será de todo menos previsible, y un generoso y placentero relato filmado con maestría y mucha, mucha sangre.

‘Inland Empire’

A David Lynch todo le da igual. Le da igual la comercialidad, le da igual la narrativa y le da igual lo que piensen de él. Dejando todo esto claro, queda una cosa más por decir: Lynch es un artista insobornable, y su última película, con la que muchos se quedaron mudos o no supieron qué decir, es muchísimo más sencilla de lo que su apariencia laberíntica y absurda aparenta. Obsesiones de Lynch a cargo de una actriz metida en líos. Cine que no es cine, sino vídeo, pero cine puro por la personalidad visual salvaje y trasgresora de un visionario que siempre será él mismo.

‘4 meses, 3 semanas y 2 días’

El infierno urbano no es ninguna broma, y aunque muchos cineastas se empeñen en falsearlo, trivializarlo o idealizarlo, hay otros, pocos, que con un coraje ilimitado se atreven a mostrarlo tal cual, sin componendas, y al espectador que no le guste, que siga con los hermanos Scott. Obra maestra total y absoluta, escalofriante, bestial, humana.

‘El libro negro’

Que Verhoeven es un gran director, algunos todavía lo dudan, pero lo demostró con creces regresando a su país, Holanda, y realizando esta obra de aventuras magistral, con un guión impecable y trabajadísimo, un reparto perfecto y muchísima emoción, muchísima violencia, mucho sexo y romanticismo. Da gusto ver a Verhoeven haciendo lo mejor que sabe hacer, echar un vistazo a la historia de su país. Impecable.

‘La joven del agua’

El propio Shyamalan define esta película como “la experiencia estética más importante de mi vida”. Una vez más, se trata de un título con el que muchos no saben cómo reaccionar, en lugar de rendirse a la belleza y la chocante coherencia de sus imágenes. En realidad, como todo el cine de este realizador, es una historia que quiere provocar la esperanza en el corazón del espectador. ¿Existe reto mayor para un artista?

Mí crítica de ‘La joven del agua’

‘Avatar’

A muchos no les sorprenderá que incluya esta emocionante película entre las 25. A otros, simplemente les escandalizará. La película que ha convertido en experta sobre la escritura de guiones a media humanidad, es una solemne y brutal crítica a nuestra raza, además de una descripción elegíaca de la conexión de los seres vivos con la naturaleza. Grandiosa batalla final que deja en bragas a la gran mayoría del cine de acción actual. Una joya.

Mi crítica de ‘Avatar’

‘I’m not There’

Puede que nunca se estrene en los cines españoles, por razones indescifrables para mí (y las de la distribuidora también lo son), pero lo cierto es que esta hermosa película es una de las más importantes de cine norteamericano en muchos años. Todd Haynes nos habla de Bob Dylan, claro, y a través del rostro de seis actores distintos, pero también nos habla de música, de arte, de una época en la que todo era posible, y en la que una mítica tierra llamada América podía albergar dignidad. Casi nada.

Mi crítica de ‘I’m Not There’

‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’

Aniquiladas las raíces del western, aún puede regresarse a él con lirismo y sensibilidad, no exentas de malicia y violencia salvaje. El juego de espejos que propone esta formidable película se encuentra entre lo más extraño, pero también lo más primordial del género. Andrew Dominik, en su segunda película, nos deja pasmados con su dominio del tiempo narrativo, con su mirada ingenua y desarmante, y con su tenebrismo inquietante. Sensancional Pitt, un actor que ha terminado de controlar la máscara de su rostro para hacer de ella lo que le place. Inclasificable e imprescindible.

Mi crítica de ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’

‘El viaje de Chihiro’

Si ‘La princesa Mononoke’ es la más violenta y desesperanzada, esta es la más espiritual pero también la más inquietante película de Miyazaki. Dijeron que era su versión de ‘Alicia en el país de las maravillas’, lo que no es si no un reduccionismo recalcitrante de una historia mucho más rica, menos simbólica y más metafórica que aquella. La niña Chihiro se verá inmiscuida en un mundo al que no pertenece, con reglas propias que deberá ir aprendiendo si quiere sobrevivir y, sobre todo, si quiere regresar. Un mundo al que la palabra fascinante se le queda pequeño. Rebosante imaginación del maestro, sublime animación. Para qué seguir diciendo nada.

‘Wall-E’

La aportación de Pixar al cine en general, y a la animación en particular, durante esta década, ha sido capital. Y aunque ninguna de sus películas es perfecta, pues acaban sucumbiendo al conservador estilo Disney en sus finales (entre otras cosas), sí que pueden llegar a ser conmovedoras, generacionales, y siempre divertidísimas. Esta joya sobre un robot limpiador que un buen día se enamora de una despiadada robot indestructible empieza muy bien y acaba regular, pero es un trabajo formidable por la capacidad de arrastre emocional que atesora, y por unos diez primeros minutos sublimes.

‘Hijos de los hombres’

Alfonso Cuarón es el director mexicano más importante de la historia, para quien esto escribe. Y lo es porque tanto en su país como fuera de él ha firmado obras maestras, algo al alcance de muy pocos. Esta es una de ellas, sencillamente. Auténtico relato de ficción científico, muy alejado de los feísmos o los colorines que directores muy inferiores adjudican a este género, simplemente viva, trepidante. No hay esperanza ni redención posibles, no hay un héroe invencible con el que sentirnos más seguros, no hay seguridad de que el viaje tenga un sentido. No hay nada, y hay todo. El mundo, el hombre, tal cual. Obra maestra total y absoluta.

Mi crítica de ‘Hijos de los hombres’

‘Ser y tener’

Mientras la mayoría de las películas se dedican a ficciones más o menos interesantes, hay otras que se dedican a aspectos verdaderamente importantes de la vida, y lo hacen con una sensibilidad y un talento que directores en teoría geniales no pueden ni siquiera soñar. Otros pueden quedarse con películas sobre venganzas, o sobre teóricas y nunca posibles redenciones. Pero esta en particular nos muestra el proceso de la autoconciencia, del aprendizaje del mundo, ahí es nada. La cámara se introduce en una clase de parvulario y no se sabe cómo, pero los pequeños se olvidan de ella y nos dan un milagro. Obra de arte.

‘2046’

Hay muchos que vieron esta película y no supieron muy bien cómo reaccionar. Es el ejemplo más perfecto que conozco de cine-música. Es decir, cine anti-narrativo, anti-tramático si se quiere. Un poema sensorial de enigmática belleza y estilo muy complejo, con el que Wong Kar Wai cierra una etapa de su cine y abre otra. No cabe preguntarse por la razón de muchas de sus imágenes, si no simplemente dejarse arrastrar por su cadencia y su capacidad expresiva. Un escritor rodeado de atractivas y fugaces mujeres intenta comprender las razones del amor y del desamor. Monumental y arrasada.

‘Entre les murs’

Palma de Oro en Cannes en 2008, no se sabe bien, observando sus imágenes, si esta obra maestra es un documental en el que se ha introducido la fábula de la ficción, o una ficción a la que se ha inoculado la conciencia de lo documental. Pero poco importa. Demoledora y muy incisiva radiografía del estado de cosas en la educación secundaria pública. Pocas películas han dado a conocer al espectador una violencia y una tensión tan descarnadas, y al mismo tiempo tan contenidas. La sensación de ver algo real es tan fuerte, tan definitiva, que convierte en un juego de niños la gran mayoría del cine de ficción predigerido que nos llega. Insuperable.

Mi crítica de ‘Entre les murs’

‘Una serie de catastróficas desdichas’

Cuando una película consigue que no se te borre la sonrisa de la cara desde el principio hasta el final, aunque en muchos momentos la sonrisa se convierta en pura carcajada, y a menudo asome la lágrima, hablamos de algo más importante de lo que a muchos pueda parecer a priori. Además, su diseño de producción (obra de Rick Heinrichs) te descubre que el genio visual de las películas de Tim Burton no era Tim Burton, precisamente. También podríamos hablar de la incomparable fotografía de Lubezki, o del talento guiñolesco del gran Jim Carrey, pero sobre todo es un cuento para críos, o no tan críos, que conmueve sin apenas esfuerzo. Gamberra, trasgresora, lúdica, ligera, trágica. Obra maestra.

Y premio especial para una recién estrenada, con mucho retraso, y que acabo de ver (que hace la número 26):

‘La cinta blanca’

La más grande película de Haneke, y tiene algunas formidables, debería estar entre las 25, pero la añado a última hora, después de acabar de verla, por fin, en el cine.

Y esto es todo.

En Blogdecine:

Mis películas favoritas (y IX): década actual

Las diez mejores películas de la década (2000-2009)

El 22 de enero de 2008, hace prácticamente un año, nos dejó Heath Ledger, demasiado pronto, fallecido por una letal mezcla de medicamentos; una noticia que me afectó profundamente, no sólo por la admiración que sentía hacia su trabajo y por el impacto de las circunstancias de su muerte, sino también porque sucedió cuando ambos teníamos la misma edad. Como homenaje personal hacia este actor, que apenas empezaba a demostrar su gran talento, revisé anoche ‘Brokeback Mountain’, la película que le hizo ganar prestigio y que casi le proporciona un Oscar. Lástima que una vez más no premiasen al mejor, esperemos que gracias a su antológica interpretación en ‘El caballero oscuro’ se le haga justicia.

‘Brokeback Mountain’ era el título del relato de Annie Proulx que apareció publicado en The New Yorker en 1997. Aunque pronto se vio que era un material excepcional para una película, Hollywood no estaba preparado, y se pensó que el público tampoco. Pasaron los años y los directores interesados, hasta que llegó el ecléctico Ang Lee y decidió que ésta sería su próxima película (tras ‘Hulk’, que me encanta). La pasión y el talento visual del realizador taiwanés resultaron ideales para la adaptación del relato, que había pasado a ser una historia de dos horas tras el trabajo de Diana Ossana y Larry McMurtry. Ellos, Lee y Gustavo Santaolalla (imposible olvidar el tema central que compuso para esta película) resultarían premiados con el Oscar, en una noche en la que, sorprendentemente (por no decir otra cosa), ‘Crash’ quedó como mejor película del año.

‘Brokeback Mountain’ nos traslada a Wyoming en 1963, para contarnos cómo se conocieron los jóvenes Ennis del Mar y Jack Twist. Ambos necesitan dinero y acuden al mismo lugar, para acabar trabajando juntos, cuidando y vigilando ovejas, en la montañosa zona (ficticia) que da título a la película. Una zona fría y solitaria que les va acercando poco a poco, hasta que una noche comparten lecho, y no pueden detener por más tiempo la pasión que sienten el uno por el otro.

Ese crucial momento ocurre en torno a los primeros 25 minutos de la película (cumpliendo con la regla de los tres giros), que es mucho tiempo para lo que pasa realmente. Sin embargo, Ang Lee consigue que el tiempo apenas se note, gracias al aprovechamiento de un paisaje precioso, un montaje inteligente y un uso muy eficaz de las expectativas del público, que sabe lo que va a ocurrir pero no cuándo. Todo ese primer acto se emplea para presentarnos a los dos protagonistas, pero también para narrarnos dónde y cómo se produce el enamoramiento entre ambos.

Ennis y Jack descuidan su trabajo y pronto se les notifica que abandonen el lugar. La idea de su separación resulta demasiado dolorosa y, frustrados, se golpean violentamente, fruto de la impotencia. La despedida, sin embargo, se produce de forma tranquila y casi silenciosa. Ennis revela que ha perdido una camisa y Jack sonríe. Se dicen adiós y marchan a sus respectivos hogares, con la posibilidad de que jamás vuelvan a verse. Ennis no puede resistirlo y se aparta a llorar en un callejón (impresionante escena ésta). Acto seguido contemplamos cómo se ha casado con su prometida, Alma (Michelle Williams), con la que forma una familia. La tapadera es segura, pero los sentimientos del muchacho hacia su amado siguen ahí, afectando su vida, a punto de explotar.

Sin menospreciar el estupendo trabajo de Gyllenhaal, me parece innegable que Heath Ledger es la película. Su personaje es el motor de la historia y su interpretación la que consigue atraparnos y emocionarnos. Ledger se mete en la piel de Ennis y hace lo que sólo los actores de verdad pueden hacer: dar vida a un personaje ficticio. Ennis del Mar se convierte en una persona real, con sus miradas, sus gestos y sus expresiones particulares, con su propio carácter y personalidad. Durante toda la película hay grandes momentos (el del callejón que ya he mencionado, el de la imagen de arriba, el hallazgo de la camisa que creía perdida) y casi todos tienen que ver con el Ennis de Ledger, con cómo este actor se transformó en otra persona. Imprescindible la versión original para apreciar, por ejemplo, el tono de voz o la forma de hablar, parte esencial del personaje.

Jake Gyllenhaal encarna a Jack Twist, que es totalmente diferente a Ennis. Jack es alegre, alocado, valiente, optimista, mientras que Ennis es reservado, callado y pesimista, debido a un suceso que vivió cuando era niño (lo cual explica mucho de su comportamiento posterior). Jack ama a Ennis pero no entiende porqué deben vivir separados, encontrándose sólo en contadas ocasiones durante años. Al igual que su compañero, Jack se casa (con Lureen, Anne Hathaway) y mantiene una familia, pero no deja de proponer la ruptura de todas las apariencias y la apuesta por el amor. Hay dos momentos en los que Gyllenhaal, en mi opinión, se come la pantalla, y ambas ocurren cuando su personaje ya no soporta más su situación: el enfrentamiento con su suegro y la última discusión con Ennis.

Una historia de amor dramática no es nada sin los obstáculos que impiden el feliz desenlace. En las barreras vienen dadas por el obvio, absurdo y peligroso rechazo de una parte de la sociedad hacia la homosexualidad, tema de moda otra vez por el éxito de ‘Mi nombre es Harvey Milk’. En la película de Ang Lee, sin embargo, no sólo tenemos el riesgo de que Ennis y Jack sean atacados por su relación, también, y no menos importante, nos encontramos con el trauma del primero de ellos, que le condena a vivir con frustración, infeliz. La diferente forma de llevar su romance condiciona finalmente el final de cada uno, y resulta genial cómo se plasma en la película, pues ambos quedan reflejados con cierta ambigüedad. La versión de lo que le ocurre a Jack y la última frase de Ennis han provocado y seguirán provocando debate.

Quizá es poco el tiempo que ha transcurrido para valorar adecuadamente el sitio de ‘Brokeback Mountain’ en la Historia del cine, pero lo que me parece indudable es que la película sigue teniendo, por lo menos, la misma fuerza e intensidad que cuando se estrenó, despejada ya la novedad y la polémica de su propuesta. Una impresionante y bellísima película, en mi opinión, y en definitiva, una obra maestra.

Tengo la piel de gallina en estos momentos. Me resulta increíble. A los 28 años, el actor Heath Ledger nos ha dejado. Tan pronto. Como sabéis, hace días publiqué un artículo en torno a su espectacular voz como El Joker en ‘The Dark Knight’. Y ahora está muerto. Lo he tenido que leer varias veces.

Según la información que publica El Mundo, y que muchos nos habéis hecho llegar a través de la sección de contacto (gracias por el aviso a todos), Ledger ha sido encontrado muerto en su apartamento de Nueva York. Alguien del servicio doméstico descubrió el cuerpo cuando iba a anunciarle una visita. Al parecer, han encontrado pastillas junto al cadáver, lo que hace pensar en un suicidio.

Heath Ledger se hizo popular gracias a su participación en películas como ‘El Patriota’, ‘Destino de Caballero’, ‘Monster’s Ball’, ‘El Secreto de los Hermanos Grimm’ y, especialmente, ‘Brokeback Mountain’, por la que fue justamente nominado al Oscar como mejor actor. Seguro que en la próxima edición le dedican un pequeño y emotivo homenaje. Joder, qué noticia más triste.

Te echaremos de menos, Heath. Descansa en paz.

Después de mi lista de las películas más gays que no pretendían serlo, pensaréis que la he tomado con este tema. Pero todo es casualidad.

Os hemos ofrecido en muchas ocasiones falsos trailers (más abajo están todos enlazados) que hacen que una película parezca lo que no es. En esta ocasión, ya desde el tíutlo, lo han bordado: ‘Brokeback to the Future’, mezclando ‘Back to the Future’ y ‘Brokeback Mountain’, evidentemente.

Lo mejor es el momento en el que Marty dice: “Es que me enviaste una carta”. Y la frase: “Pero la variable que no tuvieron en cuenta fue… el amor”.

Hay que admitir que, de las tres partes de ‘Regreso al futuro’, si en una se ve lo que se quieren estos dos amigos es en la tercera.

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Fuente | La realidad estupefaciente (16/08/07)

Susana de Ambiente G nos informa (muchas gracias) que la 64º edición del Festival de Venecia estrena el premio León Queer a la mejor película de temática homosexual, o con un personaje homosexual.

La estatuilla que recibirán los vencedores será el mismo león alado que se lleva el ganador del León de Oro, pero con la particularidad de que tendrá la bandera del arco iris en las alas.

El organizador de las Jornadas de Cine homosexual de Venecia, Daniel Casagrande, comentó al respecto:

No estamos buscando la próxima Brokeback Mountain, sólo películas que representen de forma precisa a personajes o temas gays

Pensando precisamente en este film ¿Qué hubiera pasado en el 2005 si ya hubiera existido el León Queer? ¿Se habría quedado Ang Lee sin el León de Oro, máximo reconocimiento del Festival?

Quizá este nuevo galardón ayuda a tener mayor representación en La Mostra de películas de temática gay, pero pienso que por otro lado les resta la posibilidad de optar a los grandes premios.

Tendremos que esperar a ver cómo resulta a la práctica.

Magnífico. Así califico el trailer he dejado arriba. Se trata del avance de ‘Lust, Caution’, la nueva película del excelente Ang Lee, ganador de un merecidísimo Oscar al mejor director por la polémica ‘Brokeback Mountain’.

‘Lust Caution’ se basa en un relato corto de Eileen Chang; se trata de un drama de espionaje (y peligroso romance) cuya historia transcurre en Shangai durante la Segunda Guerra Mundial. El reparto está encabezado por uno de los mejores actores del planeta, Tony Leung, a quien acompañan Wei Tang, Joan Chen y Wang Lee Hom.

La película se estrenará en España el próximo el 14 de diciembre. Maldita sea, ¡aún queda mucho!

Vía | Ktarsis

Que no me gustara “Brokeback Mountain” no quiere decir (ni mucho menos) que no pueda gustarme Jake Gyllenhaal. Si algo salvaría de la película, seguramente a parte de los paisajes, serían las interpretaciones de sus dos protagonistas.

Si además Gyllenhaal tiene un físico impresionante, y es tan divertido y polifacético como para montar el sábado pasado este numerito Dreamgirls en el Saturday Night Live, no me extraña que en Gay.com lo hayan elegido como el chico que más les gustaría que fuera gay.

Yo si pudiera escoger, sinceramente me gustaría más que fuera mi vecino de enfrente…

Vía | Ambiente G

Después de publicar mi santa lista de lo peor de 2006 (que deberíais imprimir y colgar en la pared de vuestra casa para releerla a diario), toca ahora el turno a lo mejor que pudimos ver en los cines desde el 1 de enero al 31 de diciembre. Sin más, las mejores películas de 2006 son las siguientes, en orden de visionado:

• ‘Brokeback Mountain’. La primera gran película del año, aunque debió estrenarse antes y, sobre todo, ganar ese último Oscar que le arrebataron injustamente; una buena historia narrada e interpretada de forma extraordinaria. Crítica de JaviG: pinchando aquí.

• ‘El Nuevo Mundo’. Una auténtica maravilla para los sentidos, Terrence Malick nos conduce con sutileza por una historia cargada de reflexión y, sobre todo, emoción; posiblemente, la mejor película del año. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘Superman Returns’. Vibrante y espectacular regreso de Bryan Singer en la dirección y de Superman a una pantalla de cine; el resultado, dejando a un lado aspectos tan tontos como necesarios, es prácticamente inmejorable. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘Piratas del Caribe 2: El Cofre del Hombre Muerto’. Vuelve el ya mítico (Capitán) Jack Sparrow y vuelve el mejor Cine de aventuras; la película más entretenida de 2006, con unos efectos especiales alucinantes. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘La Joven del Agua’. Un divertido y emocionante cuento de hadas protagonizado por un extraordinario Paul Giamatti, a quien le deben ya un Oscar; siendo un film de M. Night Shyamalan, poco más habría que decir, es uno de los mejores cineastas actuales, sin discusión. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘World Trade Center’. Oliver Stone demuestra cómo había que narrar un desastre incomparable como el 11-S; un apabullante comienzo, un irregular desarrollo (lástima) y un emocionantísimo desenlace. Crítica de Red Stovall: pinchando aquí.

• ‘Scoop’. Tras las exageradas alabanzas hacia su último drama, por parte del público más serio y cenizo, al genial Woody Allen le dio por responder cambiando de género con esta desternillante comedia, una pequeña joya. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘Hijos de los Hombres’. Junto a la de Malick, la mejor película de 2006; Alfonso Cuarón destroza los convencionalismos con una obra maravillosa y unos planos secuencia impresionantes, sobre todo el último, directamente a lo imprescindible de la Historia del Cine. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘El Laberinto del Fauno’. La mejor película española del año (sí, vale, es una co-producción, ¿y qué?) la firma Guillermo del Toro, que se supera a sí mismo (sin duda, es su mejor film); atención a Sergi Lopez, que está inmenso. Crítica de Beatriz: pinchando aquí.

• ‘Pequeña Miss Sunshine’. La mayor sorpresa de la temporada, una excelente película fundamentada en un guión que, aún contando lo de siempre, huye de los convenionalismos y, sobre todo, unas interpretaciones sensacionales. Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘Infiltrados’. El mejor thriller de 2006, una lección de auténtico Cine de la mano de uno de los genios que aún nos quedan (¡Oscar para Martin Scorsese!); para romper prejuicios, una de las tres o cuatro mejores películas del año… ¡es un remake! Mi crítica: pinchando aquí.

• ‘Happy Feet’. Otra de las grandes sorpresas, imprescindible, un musical emocionante que goza de una factura extraordinaria; la mejor película de animación de 2006. Mi crítica: pinchando aquí.

Como hice en la anterior entrada, no quiero terminar sin “acordarme” de 3 películas que, sin merecer estar en la lista, sí que debo, al menos mínimamente, nombrarlas, puesto que, sin ser excelentes películas, se situaron muy por encima de la media. Me refiero a ‘16 Calles’ (uno de los mejores thrillers de acción de este año, trepidante), ‘Corrupción en Miami’ (Michael Mann en estado puro, un gran espectáculo) y ‘Clerks 2’ (sólo por la coña sobre la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’ ya merece la pena).

Y aquí se acabó mi particular repaso al Cine de 2006. Espero que el año que viene sea mejor, lo cual no es difícil pero tampoco probable, me temo.

Feliz 2007 a todos.

Desde que vi el trailer de ‘Transamerica’ ya no puedo ver igual ‘Mujeres desesperadas’. El maquillaje de Felicity Huffman en la película ayuda a que parezca alguien que anteriormente fue hombre, pero sus propias facciones son un tanto masculinas y, especialmente cuando hace algunos gestos, es difícil ver a Lynette como una mujer. Probablemente, su marido en la vida real, William H. Macy, protagonista de ‘Homicidio’, no opinará lo mismo. Para rematar la mezcla, el personaje de Huffman en ‘Transamerica’ se llama Bree, como otra de las ‘Mujeres desesperadas’, a la que da vida Marcia Cross.

A pesar del título del filme y de que se ha centrado su publicidad en ese aspecto, el argumento central de ‘Transamerica’ no es la transexualidad, sino el encuentro entre una persona y el hijo que no sabía que tenía. Encuentro difícil por los secretos que ambos se han guardado y por las revelaciones de verdades que resultan decepcionantes. Pero estos secretos y mentiras podrían ser otros y la película tendría exactamente el mismo esquema. Ocurre igual que en ‘Brokeback Mountain’, donde el argumento central no es la homosexualidad, aunque sí la trata —al menos más que aquí, la transexualidad— sino la historia de un amor imposible por cuestiones sociales.

La palabra ‘Transamerica’ no sólo nos indica el cambio de sexo, sino también el viaje de un lado al otro de un país que va cambiando según Bree y Toby avanzan en su travesía. Debido a este tratamiento de road movie, y al argumento sentimental de reencuentro p/madre-hijo, la película recuerda mucho a un telefilme. El final feliz, un poco edulcorado y demasiado reconciliador, también lo acerca a este formato, en el que no termina de caer gracias a la calidad de su realización y de las interpretaciones.

La doblemente transformada Felicity Huffman, además de lograr una actuación magistral, consigue algún gesto, algún perfil, con los que nos parece estar ante una transexual. Paradójicamente, cuando lleva menos maquillaje y no puede tomarse las hormonas, es cuando se nota más que es una mujer. Por este motivo, quizá se podría plantear si no habría sido más acertado que el papel lo encarnara una verdadera transexual, ya que es menos habitual que haya personajes para ellas y esta película podría haber supuesto una gran oportunidad para una actriz que se haya practicado un cambio de sexo. Al igual que en la película ‘Las horas’, se podría haber dado una oportunidad a una actriz poco agraciada, pues normalmente tienen menos posibilidades de ser estrellas de cine, en lugar de maquillar y afear a Nicole Kidman. Sin embargo, parece que el “más difícil todavía” es una de las preferencias de la industria americana y, especialmente, de los Oscar (véanse ‘Forrest Gump’, ‘Rain Man’, ‘Inocencia interrumpida’, etc..). Por lo tanto, es bastante probable que veamos a Huffman subir la escalinata y recoger un nuevo trofeo que unir a su Emmy por ‘Mujeres Desesperadas’.