Thomas Newman es un compositor de bandas sonoras sobradamente conocido. Por una parte le viene de familia. Es hijo del gran Alfred Newman y también hay en la familia otros compositores como su hermano David o su primo Randy Newman, un habitual de las películas de Pixar. Por otra parte, Thomas Newman se ha hecho un hueco como compositor de prestigio en Hollywood gracias a excelentes trabajos en un puñado de películas muy populares, de esas que tienen el sello de grandes producciones vestidas de Oscar.

No en vano, Newman ha logrado varias nominaciones al premio de Hollywood con sus composiciones, pero también ha cosechado otros premios (Globos de Oro, Grammys,...) por sus trabajos más alabados. A pesar de su conocida trayectoria, resulta difícil hacer una selección de sus diez mejores bandas sonoras, quizás por la popularidad de algunos films, con unas músicas más conocidas que otras, pero tiene resultados notables a lo largo de más de tres décadas de composiciones para el cine.

Su principal característica y una de las razones por la que aparece por aquí es por su versatilidad. Tiene una gran capacidad para transformarse de una película a otra, de un género a otro y en todas consigue imponer un nivel elevado. Desde el minimalismo con escasos instrumentos al uso de una gran orquesta, Thomas Newman posee soberbias bandas sonoras y es uno de los grandes. Me quedo con los diez que a continuación escuchamos.

‘Tomates verdes fritos’ (‘Fried Green Tomatoes’, 1992)

Supuso un punto de inflexión en su carrera allá por 1992. Aunque con cierto bagaje, con este título consigue convencer de su enorme potencial y de que por sus venas corre sangre de excelente compositor. La película, un drama de cierto éxito y con buenas interpretaciones contaba con una partitura muy completa de Newman, que sabe subrayar los estados de ánimo de las protagonistas y otorgarle el tono apropiado a la historia. Es de las que merece escuchar detenidamente.

‘Mujercitas’ (‘Little Woman’, 1994)

Este remake algo soso de resultado contenía una composición de Newman muy por encima del resultado del film. Obtuvo nominación al Oscar y muy merecida porque sabe imponer un tono alegre, optimista y con un tono ligero a la historia. Que es lo que realmente pedía. Ahora se apoya en la Sinfónica de Londres y por supuesto el resultado es sobresaliente.

‘Cadena perpetua’ (‘The Shawshank Redemption’, 1994)

Justo el mismo año que ‘Mujercitas’, Thomas Newman se marca una banda sonora antológica. Una prueba de su maestría y sobre todo de su enorme capacidad de versatilidad. En este drama carcelario sabe introducir una música llena de oscuridad, plena de emoción (sobrecogedores los violonchelos) y con la que consigue uno de sus trabajos más aplaudidos. Una de sus mejores y más completas composiciones, sin duda.

‘Oscar y Lucinda’ (‘Oscar and Lucinda’, 1997)

Repite con el director Gilliam Armstrong tras ‘Mujercitas’ con este drama de época un tanto arquetípico (y aburrido), donde el trabajo de Newman subraya el tono romántico y acompaña a las bellas imágenes. Usa coros y una gran orquesta que otorga una atmósfera muy adecuada, pero sin caer en la exageración o repetición. Es muy completa, sutil y de gran belleza musical. Muy por encima del film al que acompaña.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ (‘The Horse Whisperer’, 1998)

Este drama de Robert Redford, algo academicista y pecado de cierta cursilería, posee una banda sonora de Newman tras rechazar la compuesta en un primer momento por el veterano John Barry. Se ganó en una mayor diversificación instrumental (guitarra acústica, mandolina,…), nueva muestra de la variedad de recursos de Newman. Un gran trabajo, perfectamente integrado en el tono y ambienta de la historia y con un resultado sobresaliente.

‘American Beauty’ (id, 1999)

¿Qué podemos decir? La más absoluta genialidad firmada por Newman, una partitura breve pero contundente y una de las mejores bandas sonoras de la década de los noventa. Reafirmación de su enorme talento, combinando instrumentos poco habituales como principales (xilófono o marimba). Por cierto, las partes a piano y marimba están interpretadas por el propio Thomas.

‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, 2002)

Repitiendo para Sam Mendes, Newman ahora giraba de nuevo para crear y apoyar la atmósfera opresiva y misteriosa del film. Es una banda sonora notable, al mismo nivel que la película y funciona muy bien, con algunas piezas especialmente destacadas, sobre todo las que se inspiran en música irlandesa.

‘Buscando a Nemo’ (‘Finding Nemo’, 2003)

Este trabajo para el film de Disney/Pixar está considerado por muchos como su obra cumbre. Es una composición que le otorgó un nuevo rango más elevado, demostrando su genio también para un film de animación. Una banda sonora dinámica, repleta de matices, emocionante y con la que consiguió reforzar el acierto al elegirle a él en vez de a su primo Randy, más habituado a la animación y de plena confianza para la productora. Imprescindible.

‘Jarhead’ (id, 2005)

Este mismo año fue aclamado por su trabajo en ‘Cinderella Man’ pero me quedo con ‘Jarhead’ por tratarse de un trabajo totalmente atípico, extraordinario y extravagante. El resultado es sorprendente por su mezcla de sonidos, el uso de guitarra eléctrica con aires pop. Encaja con enorme fuerza en la historia y no deja de ser una partitura arriesgada y casi experimental.

‘Wall-E’ (id, 2008)

Para una película de estas características la música juega un papel aún más fundamental. Su presencia marca el tono y puede otorgarle profundidad y detalles a la historia. Es el caso de este soberbio film de Disney/Pixar en el que Newman firma una partitura de gran riqueza, valiosa, tan grande como el film. Nada de grandilocuencia propia de la Ciencia Ficción, sino muy sutil y comedida, pero excepcional.

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Las diez mejores bandas sonoras de:

• James Horner
• Danny Elfman
• Hans Zimmer
• Elmer Bernstein
• Bernard Herrmann
• Ennio Morricone
• Jerry Goldsmith

• John Williams

Hay películas que le devuelven a uno las ganas de vivir. Así de sencillo. O, más exactamente, el deseo de seguir a ver qué ocurre, con un poco más de esperanza. He visto ‘Cadena perpetua’ (el que pone los títulos en España es un lince, pues era mucho más interesante el original ‘The Shawshank Redemption’, aunque también llamaron ‘Pena de muerte’, originales ellos, a ‘Dead Man Walking’, precisamente dirigida por Tim Robbins) muchas veces a lo largo de sus dieciséis años de existencia, y en todas ellas me ha producido idéntica sensación: la de asistir a un poema que existe por la mera razón de dar esperanza al corazón del hombre, curiosamente un objetivo que para Andrei Tarkovski era la meta suprema del arte. En su debut, Darabont lo logra con una maestría poco común en un primerizo, filmando uno de los más bellos y emocionantes filmes de las últimas décadas.

Pocas veces puede emplearse la manida, reduccionista en ocasiones y socorrida expresión de “obra maestra” como en el caso rotundo de esta película. Era el año 1994 cuando nació, y compitió en los Oscar con la genialidad de Allen ‘Balas sobre Broadway’ o con el ‘Pulp Fiction’ de Tarantino. Perdieron todas contra la mediocre ‘Forrest Gump’, pero creo que debió ganar la que ahora nos ocupa, que es la más hermosa de todas, quizá la más hermosa de todas las películas carcelarias de la entera historia del cine, pues en su seno se haya una de las elegías más intensas que se recuerdan en torno a la búsqueda de la libertad personal y espiritual, algo ansiado por la mayoría de los hombres, aunque quizá muchos ni lo sepan. Pero ‘Cadena perpetua’ es mucho más que eso, incluso. Vamos a por ella.

Adaptación del relato de Stephen King ‘Rita Hayworth y la redención de Shawshank’, relato aparecido en 1982, llevada a cabo por el propio Darabont (quien con la sola excepción de ‘The Majestic’, sobre un guión de Michael Sloane, ha trabajado en sus largos sobre textos previos del famoso escritor de Maine, una especie de verdadero gurú para él), durante mucho tiempo Darabont se estuvo planteando la posibilidad de debutar con ‘La niebla’, cuya adaptación vería la luz en 2007, pero finalmente se decidió por este relato acerca de un convicto acusado de un delito que no ha cometido, y que pasará dos décadas en la cárcel, durante las cuales conocerá a una serie de personajes. Con uno de ellos, Red (Morgan Freeman), iniciará una amistad duradera y profunda, enriquecedora y estimulante para ambos, una amistad en torno a una serie de temas mayores, como lo son la esperanza, la redención, la fraternidad, empeñarse en vivir o empeñarse en morir. Casi nada.

Un árbol con una carta

Como soy un ignorante de tal calibre que no he leído el relato de King, sólo puedo hablar de la perfección del guión de Darabont, que durante ciento cuarenta y dos minutos de metraje no pierde el hilo de sus numerosas criaturas en ningún momento, y que es capaz de narrar, sin el menor desmayo de ritmo o intensidad, dos décadas en las que sus personajes van envejeciendo y cayendo embrujados por los muros de piedra de la enorme prisión, según las propias palabras de Red. Y ya en labores propias de dirección (puesta en escena y dirección de actores) Darabont se revela como un consumado artista, un grandísimo cineasta para el que las difíciles tareas del timo, el tono, la atmósfera, son mera cuestión de elegancia y humildad. Creo, sinceramente, que este filme no ha sido realmente valorado como se merece, a pesar de ostentar el primer lugar del ranking del archifamoso imdb, una lista tan arbitraria como cualquier otra (incluidas, claro, las mías, pero para eso se hacen las listas, para ser arbitrario). Si ‘Cadena perpetua’ fuera un filme de los años cincuenta (y bien podría serlo) se codearía hoy, en renombre, con ‘El crepúsculo de los dioses’ (‘Sunset Blvd.’, Wilder, 1950) o ‘Rio Bravo’ (Hawks, 1959).

‘Cadena perpetua’ viaja en latitudes similares a aquellas películas. La pegada emocional, el mazazo de sus imágenes, compite con ellas. Que Red consiga la condicional después de treinta años en la cárcel, viva durante un tiempo en el cuchitril en el que se suicidó su compañero Brooks Hatlen (interpretado por el legendario y ya fallecido James Whitmore), decida violar la condicional, y se encamine al enorme árbol en el que su amigo Andy le dejó una carta, es mucho más que lo que simplemente se ve. Bajo la (plácida y serena) apariencia de la imagen de Red acercándose al árbol subyace la conmoción principal de la película: el hombre caminando hacia una esperanza por fin recobrada, nunca desaparecida pero quizás sí ignorada. Se revela así el verdadero poder del cine: que la imagen contiene su anverso y su reverso, y que el primero se explica con el segundo y viceversa. Culmina ahí el viaje por el infierno de la cárcel de dos hombres tan vivos y tan reales que da miedo verlos.

Pero no obtenemos esa esperanza sin antes asistir al breve episodio (un cortometraje magistral en sí mismo) en el que a Brooks le sueltan tras cincuenta años convicto. Un episodio al que accedemos arrasados de emoción, testigos de la infinita capacidad de soledad y desesperanza del ser humano, más aún cuando es anciano y olvidado. Ni el menor rastro de manipulación melodramática, ni de lugares comunes. Sólo la cruda y atroz realidad, verificada por una vida malgastada. Pocas veces en el cine se ha asistido al milagro de la dignidad del hombre así representada, en sus últimos días de existencia, esperando que el pájaro que convivió tantos años con él en la cárcel le visite y le diga hola en el exterior. Pero esta clase de milagros sólo pueden suceder cuando se tiene el privilegio de contar con este grupo de actores, muchos de los cuales formarán algo así como la compañía de actores habitual en Darabont, entre los que destacan dos colosos, dos monstruos como Tim Robbins y Morgan Freeman, los cuales recibirían, cosa curiosa, el Oscar al mejor actor de reparto en sendos papeles para Clint Eastwood.

Pero también contó con el genial montador Richard Francis-Bruce, que hace maravillas temporales y rítmicas en este largo relato, y con la fotografía del habitual operador de los Coen Roger Deakins, que aquí firma quizá su mejor trabajo, y con la música de un enorme Thomas Newman, sin la cual es imposible comprender esta obra magistral. Dice Darabont que dentro de un tiempo se considerará a Stephen King como el Dickens de nuestra época. Pero no es necesario que pase mucho tiempo más para considerar a este grupo de fenomenales artistas como lo que son, fenomenales, y a esta película irrepetible como lo que es. Independientemente de todo lo demás, porque habla del hombre, a la altura de la mirada humana, sin perderse jamás en las veleidades de un medio tan propenso a no respetarse a sí mismo.

En ‘Crimen en las calles’ de Don Siegel, John Cassavettes daba vida a uno de esos chicos con futuro prometedor que echan su vida a perder yendo por el sendero de la delincuencia, mientras un adulto preocupado por él intenta encauzarle por el buen camino. James Whitmore daba vida a ese personaje en una de las películas que más me han impresionado. Eterno secundario, comenzó su andadura en la magistral ‘Relato criminal’ de Joseph H. Lewis, cinta de cine negro, género en el que Whitmore hizo muchas interpretaciones, siempre en roles secundarios (‘La jungla de asfalto’ de Huston es un ejemplo). También protagonizó el clásico de Sci-Fi de Gordon Douglas, ‘La humanidad en peligro’, inolvidable cinta en la que unas hormigas gigantes amenazan la existencia del ser humano.

A mediados de los 50 compaginó sus trabajos cinematográficos con sus incursiones (cada vez más asiduas) en el mundo televisivo. En 1994 tuvo un papel en un film muy admirado, ‘Cadena perpetua’ (¿quién no se acuerda de Brooks Hatlen en libertad dando de comer a unas palomas mientras echa de menos a su pájaro?). Su peculiar rostro, lleno de arrugas incluso en su juventud, es de los que no se olvidan, emanando humanidad y sencillez en todo momento.

Whitmore murió el pasado 6 de Febrero en Malibú (California) debido a un cáncer de pulmón. Tenía 78 87 años.

Hasta siempre James.

Vía | Imdb, gracias a VODOO por el aviso

Las películas de cárceles suelen ser destacables. Porque son un dramón que necesita de ritmo para ofrecer todo el tiempo lo mismo sin aburrir, porque hablan del espíritu de lucha por sobrevivir de un héroe (a su pesar) en una situación muy adversa, y porque son la excusa perfecta para abordar la soledad del ser humano desde una perspectiva extrema.

Es curioso que ‘Cadena Perpetua’, película de Frank Darabont basada en un relato de Stephen King, sea una de las películas mejor valoradas de la historia (en el momento en el que se escribe este artículo, ocupa la primera posición del ránking Top 250 de IMDB). Y es que, con un buen reparto, y un guión que de verdad exprese la desesperación de la vida en la cárcel, la emotividad está asegurada. Paso a nombrar las 5 películas de este subgenéro dramático que, por una razón u otra, más me han impresionado.

• ‘Expreso de Medianoche‘ (‘Midnight Express’)

Polémica, provocadora, desgarradora… Este film dio que hablar y mantiene su espíritu actual. Mostrando una Turquía pseudofascista y hasta apocalíptica, la película narra las desventuras de Billy Hayes, un joven norteamericano al que descubren en el aeropuerto, en su viaje de vuelta, con droga atada a su abdomen, que sólo llevaba para “flipar” con su amigos de vuelta a casa, y no por contrabando. Excelente interpretación del fallecido Brad Davis, e imponente música de Giorgio Moroder, con dos temas increíbles (‘Main Theme’ y ‘Chase’). La ambientación es prodigiosa, con esa mezcla de oscuridad, suciedad y colores pálidos que llaman a la desesperación. El guión corrió a cargo del por entonces desconocido Oliver Stone, que exageraba el libro autobiográfico del propio Hayes (sí, está basado en hechos reales). Tanto Hayes como Stone llegaron a pedir perdón por lo dañada que queda la imagen de Turquía en la película. A propósito, que se ven claras las influencias sobre la serie ‘Prison Break’, sobretodo en su descripción de la cárcel panameña de Sona. En definitiva, impresionante drama que carece de altibajos y que posee la crudeza que se espera de la película. La obra maestra de Alan Parker.

• ‘Papillon‘

Franklin J. Schaffner supo lo que hacía cuando adaptó sin complejos la gran novela autobiográfica de Henri Charriere. Steve McQueen es Papillon (un apodo que significa mariposa), un hombre que ha de soportar duras adversidades en Francia y la Guayana Francesa como recluso, en unas condiciones higiénicas y sanitarias lamentables. Su alianza con el personaje interpretado por Dustin Hoffman realza la hermandad que dos presos pueden tener por hallarse en las mismas penosas circunstancias. No hay lugar para la esperanza. El sueño de Papillon es fugarse, y para ello se obsesiona hasta tal punto que llega a perder la consciencia de que sigue ahí, bajo una autoridad represiva que le trata como un culpable de algo que no ha hecho. Tiene momentos duros y otros muy livianos, pero su ritmo le aporta un aspecto épico que la hace inolvidable.

• ‘La leyenda del indomable‘ (’Cool Hand Luke‘)

Paul Newman es Luke, un tipo al que meten en la cárcel por un crimen mucho más flojo que el de sus nuevos compañeros de celda. Lo gracioso de esta película, dirigida por Stuart Rosenberg con un pulso cómico por momentos y bastante habilidad, es la extraña personalidad de Luke, que aun con las continuas represiones a las que le somete la autoridad, él sigue fiel a su espíritu rebelde, y por tanto quedarse mucho más tiempo allí es algo que ni se le pasa por la cabeza. Se pelea con Dragline (George Kennedy), y se hacen amigos porque, a pesar de que Dragline le está propinando una paliza, Luke nunca se da por vencido. A destacar: la figura del jefe, imperturbable, y la apuesta que hace Luke sobre comer 50 huevos en una hora. Porque la cárcel, con un Paul Newman en estado de gracia, también puede ser divertida.

• ‘La gran evasión‘ (’The Great Escape‘)

Nuevamente Steve McQueen protagoniza una de las más grandes películas sobre la fuga de una cárcel. Este título, que data de 1962, está dirigido de una forma trepidante por John Sturges, y relata la huida de más de doscientos presos de un campo de concentración nazi durante la II Guerra Mundial. Es entretenida a más no poder, tiene algunas escenas cómicas, y es un ejemplo de ritmo y claridad de ideas. Lo mejor es su falta de pretensiones mayores; es un espectáculo memorable y sorprendentemente fresco para la época, libremente basado en hechos reales. A destacar: la secuencia de la moto y que sus casi tres horas de duración se hagan casi cortas. Se lo pasa uno pipa con ‘La gran evasión’.

• ‘Cadena Perpetua‘ (’The Shawshank Redemption‘)

¿Qué podría decir sobre esta película que no se haya dicho ya? ‘Cadena Perpetua’ es un auténtico clásico. Un prodigio de guión, ritmo, interpretaciones, fotografía y música. El reparto, liderado por Tim Robbins y Morgan Freeman y secundado por William Sadler, Gil Bellows, Clancy Brown o Bob Gunton, presume de un aire épico que se respira de principio a fin. Relata con explicitud los problemas de vivir en la cárcel, y propone las tramas paralelas de Andy Dufresne (Robbins), joven banquero que es detenido sin ser culpable, y Red (Morgan Freeman), un maduro convicto que ha de vivir con un error que cometió hace décadas. El ambiente claustrofóbico de la prisión, unido a escenas de gran emotividad, desarrollan una historia que no tiene parangón. Conceptos como el de institucionalización, o secuencias como la de la petición de libros a la biblioteca municipal, o cuando Andy se cuela en el despacho del alcaide y pone música clásica en el megáfono… justifican sobradamente los defectillos del film, que además posee grandes diálogos sobre la esperanza y el sentido de la vida. Su éxito de crítica no es de extrañar, y ciertamente su director, Frank Darabont, ha intentado repetir la misma fórmula con bastante peor fortuna, en la menos inspirada ‘La milla verde’. Y por supuesto, recuérdenlo: el paraíso está en Zihuatanejo.