No sé si recordaréis que a mediados de diciembre del año pasado os traje las primeras imágenes de ‘The Great Gatsby’. Por si hay quien no lo tenga fresco en la memoria, esta nueva versión (ya existe otra muy afamada de 1974 y protagonizada por Robert Redford y Mia Farrow) del libro de F. Scott Fitzgerald tiene como director a Baz Luhrmann, el cual conoció la gloria hace más de una década con ‘Moulin Rouge’ para luego estrellarse con estrépito años después con ‘Australia’. Ahora al fin podemos ver el primer cartel (algo feo) y el tráiler, el cual nos retrotrae bastante a su éxito protagonizado por Ewan McGregor y Nicole Kidman.

La historia de la película es la siguiente: Persiguiendo el sueño americano, Nick es un escritor que llega a Nueva York en la primavera de 1922, donde conoce al millonario Jay Gatsby, su prima Daisy y a Tom, el marido de ella. Nick pronto descubrirá el engañoso mundo de los ricos de la ciudad, como que Gatsby, un millonario que lo ha conseguido por méritos propios, está enamorado de Daisy, la cual decidió no esperarle en su momento y se casó con Tom. En el reparto de ‘The Great Gatsby’ encontraremos a Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Tobey Maguire, Joel Edgerton, Isla Fisher, Jason Clarke, Elizabeth Debicki y Amitabh Bachchan. Vamos, un reparto de lujo.

La película llegará a los cines de USA el próximo 25 de diciembre, mismo día en el que llegará a los cines españoles. Os recuerdo que también podrá verse en 3D, imagino que siendo éste uno de los motivos de que su presupuesto se haya disparado hasta los 127 millones de dólares.

Vía | Collider

La película del director Steve McQueen, ‘Shame’ (íd., 2011) se habrá anunciado como el retrato de un adicto al sexo o como la crónica de una serie de encuentros carnales, mostrados sin tapujos ni elipsis. Pero no se trata, ni mucho menos, de eso. Tras esta frenética actividad amatoria, se esconden los auténticos pilares de sustento de la cinta, que no son otros que la vergüenza, la culpa y la confusión: sentimientos provocan ese comportamiento en los personajes principales quienes, lejos de disfrutar de su libertino modo de vida, continúan adelante atormentados, pero sin poder sustraerse a esa vorágine.

McQueen realiza la película con elegancia, sacando provecho a espacios urbanos de actualidad que se ven favorecidos por la fotografía en tonos fríos de Sean Bobbitt. La música del televisivo Harry Escott provoca las sensaciones que algunas de las escenas se resistirían a transmitir por sí solas. Este componente cobra un gran protagonismo, lo cual se hace especialmente patente en el primer plano sostenido que nos deja penetrar en la particular versión de “New York-New York’, ejecutada por Carey Mulligan.

‘Shame’ apenas progresa, ya que no se dirige a un final concreto, aleccionador o esperanzado, al menos en lo que se refiere al protagonista o a la historia que los implica a él y a su hermana. En lo que atañe al personaje de Mulligan, se puede considerar que se produce una progresión, aunque sea solo si consideramos así a su descenso continuado a los infiernos: digamos que él ya ha llegado a un punto en el que está estancado y que ella sigue cayendo. La intención es mostrar una situación, no contar un curso de acontecimientos. Suponemos que ese avance se produjo con anterioridad y ahora solo presenciamos un tiempo, casi detenido, en el que todo aquello tiene sus consecuencias.

En lugar de indicarnos cuáles fueron estos sucesos previos –aplaudimos la valentía de no recurrir a los fáciles flashbacks– o de reservarse esta información para una efectista revelación final, se nos deja adivinarlos por las actitudes presentes de los dos personajes protagonistas. Para ello, ‘Shame’ se orquesta a lo largo de unas cuantas secuencias, muy extensas, pero bien llevadas, que mantienen el interés gracias a presentar altibajos, cambios de humor, ritmo y giros con información, como si cada una se tratase de una mini-pieza. Incluso las escenas sexuales, que en general me resultan muy aburridas en cine, están justificadas como parte de ese retrato, pues la manera en la que el protagonista lleva a cabo o malogra cada uno de los actos dice mucho de cómo se siente y de lo que le preocupa en ese momento.

Michael Fassbender, el actor que está presente por doquier en los últimos tiempos, el más reciente gran descubrimiento interpretativo de la industria del cine, aquí confirma lo que podíamos haber comenzado a sospechar en otras de sus películas: que puede con todo, que es capaz de aportar a cualquier propuesta mucho más que casi cualquier otro intérprete de su generación. Además, su aspecto, atractivo, pero no exento de cierta rareza –fomentada quizá por su delgadez–, se adapta a este personaje doliente y complejo. Gracias a que no hay conversaciones catárticas en las que se explique el pasado, ni retrocesos demostrativos, el personaje nos transmite cuanto padece a través de sus expresiones. Las pocas veces en las que Brandon sonríe son aquellas en las que sentimos los escalofríos más acusados.

De Carey Mulligan lo interesante está en su rostro, que todo lo esconde. Tras una expresión casi infantil y bastante inocente, pueden ocultarse todos los fantasmas del pasado que la destrozan por dentro, aunque en su exterior siga manteniéndose ese aspecto juvenil y plácido. El reparto es reducido, ya que la película se limita a unos momentos y espacios no demasiado amplios. James Badge Dale llama la atención por su gran cambio de registro con respecto al recto y casi monacal personaje de ‘Rubicon’. Lucy Walters, Nicole Beharie y algunas otras intérpretes cuentan con papeles de poca presencia, incluidos con la única misión de demostrar por lo que el protagonista está pasando.

En conclusión, se puede observar en ‘Shame’ cierta lentitud, que deriva de una ausencia de progresión dramática. Un corto número de escenas muy largas sirven para presentarnos una situación y retratarnos a un par de personajes enfermos y atormentados. El sexo explícito no es gratuito, ya que obedece a la demostración de los estados de ánimo de los protagonistas. Pese a ese avance pausado, la película tiene un fuerte poder de atracción, que sumerge de forma casi hipnótica en el devenir. El mayor mérito puede estar en dejárselo todo al espectador, quien contempla estos retazos sumido en las incógnitas y que será quien rellene todos los huecos de información que deja el guion para no caer en lo de siempre. Nos encontramos ante una película atrevida, pero no por el detalle que cualquiera señalaría en este sentido: la presencia aplastante de las escenas de sexo, sino por la propia naturaleza de la propuesta, más dada a la introspección psicológica que a la narración.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Shame’, sexo liberador.

Esta tarde El 28 de diciembre se estrena ‘Drive’, de Nicolas Winding Refn, una película sobre la que se ha corrido tanto la voz laudatoria, que en los dos meses largos que ha tardado en estrenarse en nuestro país, muchas han sido las personas que han preferido adelantarse a la premier oficial y tirar de métodos alternativos para verla y, por lo que se ha leído en comentarios y votaciones, con una recepción muy favorable en todos los casos. Basada en la novela homónima de James Sallis, la película no sitúa ante un mecánico que también se gana la vida como especialista de coches y hace algunos trabajitos al otro lado de la ley para obtener un dinero extra. Cuando su jefe consigue introducirlo como piloto de carreras, él decide abandonar el mundo delictivo.

‘Drive’ tiene un arranque ejemplar, ya que nos permite descubrir una persecución diferente a las que estamos acostumbrados a ver en cine: emocionante y cargada de tensión, pero basada más en los parones y en la ocultación que en la velocidad y el destrozo. Es decir, la forma de huir de alguien que piensa y no aplica únicamente una habilidad mecánica ante la que, de todas maneras, no tiene rival. Los títulos de crédito, rotulados en rosa y con una tipografía de las películas de los años ochenta, se acompañan de ‘Nightcall’, de Kavinsky, que imita las canciones populares de esa época, que abusaban de los teclados y de los efectos especiales tecnológicos.

La estética de la película es impecable, en ese afán de emular el cine de género de los años 60 y 70, pero al mismo tiempo con una fotografía sumamente actual que firma Newton Thomas Sigel. Cada uno de los planos está iluminado con tanta exquisitez que podemos pasarnos el rato contemplándolos sin necesitar más. Gran parte de la banda sonora se basa en las composiciones ambientales de Cliff Martínez, que crean un acompañamiento muy potente ya que, al tener poco diálogo, la película confía mucho en la música.

Ryan Gosling se utiliza y se moldea para hacer de él otro elemento que es casi estético. Tomando de cierta forma la dureza de un Steve McQueen o de un Michael Caine y gracias a su aparente inexpresividad y su parquedad en palabras, compone una representación de la imperturbabilidad, una figura que encierra lo que, abusando de los extranjerismos, podríamos llamar “cool”.

Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Albert Brooks y Oscar Isaac están en el bando criminal o, como mínimo, mezclados en negocios cuestionables. Cada uno de ellos sorprende gracias a su caracterización y ofrece papeles tirando a lo extremo, pero dentro de la verosimilitud, que también se disfrutan en todas sus intervenciones. Carey Mulligan me parece una buena elección para su personaje, ya que, para trasladar un enamoramiento respetuoso y basado más en el afecto que en la atracción sexual, no se podría haber elegido a un pibón exuberante, sino a una chica, guapa como es ella, aunque de rostro aniñado e inocente.

No obstante, es en este punto donde encuentro mi mayor dificultad para comulgar por completo con la película. Si bien estéticamente me parece que no se podría haber facturado mejor, en lo que se refiere a lo narrativo, pasados los sorprendentes primeros minutos y antes de llegar al explosivo final, encuentro un área un tanto gris y plomiza. Me creo que él sienta algo por esta mujer y por su niño, ya que se establece así. Sin embargo, emocionalmente no se me contagia ninguno de esos sentimientos. No porque él sea callado, sino porque, en lugar de química entre ellos, percibo una especie de asunción de que así es como tiene que ser. La película le dedica mucho tiempo a consolidar esta relación y, a pesar de ello, personalmente, no termino de verla. De todas maneras, estos tramos carentes de acción también existían en las películas de los sesenta a las que ‘Drive’ hace homenaje, por lo que todo podría considerarse como parte de esa recreación.

En definitiva, aplaudo la labor del director de la película y del director de fotografía, así como la logradísima atmósfera y la ambientación general, a caballo entre varias décadas, que, además de gracias a los trabajos de estas dos personas mencionadas, se logra por obra de un buen diseño de producción y gracias a la elección de la música y los sonidos. En la parte no tan positiva señalaría que se haya optado por un tempo tan pausado para acercarnos a todo lo que en la película es personal y que, a pesar de ello, no se haya, al menos para mí, conseguido transmitir una profundización en esos personajes o en sus sentimientos. Me gustaría haber sido capaz de entrar más en ese aspecto, ya que el inicio del film me suponía un deleite incuestionable y todo lo que parece difícil de hacer, en ‘Drive’ me parecía que estaba logrado de manera magistral. Una película de estética depurada y que hace de su protagonista la encarnación de lo “cool” y que, por lo tanto, supondrá una gozada para todos aquellos espectadores que busquen un disfrute artístico.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Drive’, la conciencia del escorpión, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Baz Luhrmann lo tenía todo para ser el próximo gran director que combinase éxito comercial y crítico tras el éxito de ‘Moulin Rouge’ allá por el 2001. Sin embargo, decidió estar un buen tiempo sin volver a dirigir película alguna y centrarse en su carrera teatral y publicitaria. Creo que la mayoría recordaréis este famoso (y excesivo) anuncio que rodó para una marca de perfumes. No fue hasta el 2008 que estrenó ‘Australia’, su último trabajo hasta la fecha que no logró convencer ni a crítica ni a público. Luhrmann había perdido así una gran oportunidad que en Hollywood pocos directores llegan a tener, pero su carrera ha seguido adelante y próximamente va a estrenar su adaptación de la novela ‘El gran Gatsby’, que es lo que ahora nos ocupa.

Warner ha lanzado las primeras imágenes de esta adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald, la cual cuenta la historia de Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), un hombre que se ha hecho rico por méritos propios y cuyo gran objetivo actual es recuperar a Daisy (Carey Mulligan), el amor de su juventud. El problema es que ella ya forma parte de una sociedad hipócrita que le hace tener dos caras: Encantadora por un lado, pero peligrosamente dañina para nuestro protagonista. La novela ya ha tenido varias adaptaciones cinematográficas, pero tengo muy claro que la de Luhrmann será distinta, aunque ya sea únicamente por estar rodada en 3D cuando tengo mis dudas de que sea algo que la película realmente necesite.

Junto a DiCaprio y Mulligan tenemos en el reparto a, entre otros, Tobey Maguire, Joel Edgerton (uno de los protagonistas de la reivindicable ‘Warrior’, que a ver cuándo se estrena en España de una vez), Isla Fisher (una actriz que debería salir en más películas), Jason Clarke, Gemma Ward y Jacek Koman, uno de los actores fetiches del director, ya que ésta es la tercera película de Luhrman en la que aparece. El estreno de la película está previsto para el 25 de diciembre de 2012 en USA, en lo que parece un claro aviso de que intentará competir por los Oscar. En España aún se desconoce la fecha de estreno. A mí es una película que me despierta sensaciones encontradas, en especial por el uso del 3D, una tecnología que suele ser una forma de sacar unos euros extra a los espectadores más que algo que realmente aporte algo a la película. ¿Qué opináis vosotros?

PD: Os dejo varias imágenes tomadas durante el rodaje de la película para que os hagáis una mejor idea del look de los personajes, ya que oficiales sólo han aparecido las que incluyo en este post.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | The Film Stage

Los hermanos Coen tienen ya a los dos primeros protagonistas de su próxima película, titulada ‘Inside Llewyn Davis’. Los elegidos son Carey Mulligan y Oscar Isaac, dos actores muy solicitados últimamente que volverán a verse las caras después de compartir escenas en una de las mejores películas de este año, ‘Drive’ (por cierto, estreno retrasado al 28 de diciembre).

Como ya comentamos a finales de agosto, ‘Inside Llewyn Davis’ está escrita por Joel y Ethan Coen y la historia tiene lugar en el Nueva York de los años 60. El personaje principal, a quien encarnará Isaac, es un cantautor de música folk basado en Dave van Ronk; no hay información sobre el papel que va a interpretar Mulligan, solo se sabe que es relevante en la historia. Y nada más por ahora, se espera que el rodaje pueda comenzar en febrero del año que viene, así que aún hay tiempo para más incorporaciones y el anuncio de una adecuada sinopsis. A ver si hay suerte y podemos verla antes de 2013.

PD: A la actriz la veremos también en ‘Shame’ (junto a Fassbender) y en la nueva versión de ‘El gran Gatsby’ (con DiCaprio).

Vía | ComingSoon

Aquí os traigo el estupendo cartel y el emocionante tráiler de una de las películas más comentadas del año, ‘Shame’, por la que Michael Fassbender ganó la Copa Volpi al mejor actor en el reciente festival de Venecia. Se trata del segundo trabajo del inglés Steve McQueen y llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 2 diciembre, un mes antes que a los de Reino Unido; de momento no hay fecha de estreno para España, pero espero que no se repita el caso de la ópera prima del realizador, ‘Hunger’, todavía inédita aquí (¿a qué esperan?).

Abi Morgan y McQueen firma el guion de ‘Shame’ (“vergüenza”), cuya historia gira en torno a Brandon, un hombre adicto al sexo de cualquier clase, siempre y cuando no involucre amor o intimidad; cuando su joven hermana se queda en su apartamento, Brandon recupera los recuerdos de un doloroso pasado y comienza a perder el control de su vida. Carey Mulligan acompaña a Fassbender al frente de un reparto que completan James Badge Dale, Amy Hargreaves, Elizabeth Masucci, Nicole Beharie y Alex Manette, entre otros. Vais a verla, ¿no?

PD: McQueen ya prepara su tercer largometraje, ‘Twelve Years a Slave’, de nuevo con Fassbender.

Vía | Impawards

Mark Romanek es el realizador de ‘Nunca me abandones’ (‘Never Let Me Go’, 2010). Romanek tiene una amplia carrera como realizador de vídeos musicales, para multitud de cantantes o grupos, entre los que se hallan David Bowie, Madonna, Nine Inch Nails o Johnny Cash, para quien filmó su inolvidable versión de ‘Hurt’. Su debut cinematográfico fue la interesante aunque fallida ‘Retratos de una obsesión’ (‘One Hour Photo’, 2002). Para su segundo trabajo elige la adaptación de la novela de Kazuo Ishiguro, a quien el aburrido James Ivory ya adaptó anteriormente en la muy conocida ‘Lo que queda del día’ (‘The Remains of the Day’, 1993), y en la más reciente ‘La condesa rusa’ (‘The White Countess’, 2005) en la que el escritor japonés escribió el guión. Al igual que su ópera prima, nos ofrece un film arriesgado, distinto, atípico, características que por sí solas no convierten en buena una película; sin embargo, Romanek ha sabido dotar de personalidad propia un trabajo casi minimalista, uno de esos films en los que la estética parece —subrayo: parece— ahogarlo todo.

Pero creo que eso sería quedarse en la superficie. Tan acostumbrados como estamos en estos tiempos a que el cine deslumbre, en la mayoría de los casos, con imágenes impactantes que nos dejen con la boca abierta, ‘Nunca me abandones’ supone todo un descubrimiento. Dejando a un lado la base literaria en la que se apoya, y que obviamente dispone de unas herramientas narrativas totalmente diferentes, Romanek se desvela como uno de esos artistas que parecen comprender como nadie el uso de la imagen. La puesta en escena del film lo es absolutamente todo, y con ella el director saca un enorme provecho de lo que, en apariencia, parece una simple premisa argumental. Con una capacidad terrorífica para la síntesis, Romanek demuestra que menos es más.

‘Nunca me abandones’ —título que, dicho sea de paso, no ayuda nada a invitar a ver el film, porque aquel que no sepa nada sobre la trama, y vea el reparto de jóvenes actores, pensará que estamos ante una comedia romántica o algo por el estilo— está ambientada en una realidad paralela a la nuestra. Sin saber si es el futuro o el pasado, la humanidad ha avanzado hasta tal punto que se fabrican clones, gracias a lo cual la esperanza de vida es de 100 años. Ese carácter atemporal, o indefinido, es uno de los aciertos del film, y no sólo porque proviene de la obra literaria, sino por la capacidad visual de Romanek de vestir la película con una aureola casi onírica, sin llegar a serlo. La cámara sirve como ventana a otra realidad, en la que dentro de un contexto de ciencia ficción, se habla del ser humano, o mejor dicho, del alma del ser humano. De su capacidad para amar, crear, soñar o aceptar el cruel destino que nos espera a todos.

Romanek marca una calculada distancia hacia los personajes centrales del film, un triángulo amoroso de drásticas y desesperanzadoras consecuencias. La frialdad con la que parece tratar la trágica historia de Kathy, Tommy y Ruth no es más que nuestro punto de vista, el de nosotros que, como espectadores y lógicamente seres humanos, somos retratados en el film como algo completamente deshumanizado —la terrible secuencia de Ruth en la mesa de operaciones haciendo su último trasplante es una buena prueba de ello—, y es precisamente la narración en primera persona de Kathy la que apoya aún más esa intencionalidad. Desde los muros del internado Hailsham, en el que vemos los primeros años de los tres personajes, lejanos al mundo y sin embargo con un destino que significa prolongarlo a costa de sus vidas cuando llegue el momento, hasta la granja en la que luego vive Kathy, el conocimiento que éstos tienen del mundo exterior, el real, es mínimo. Su educación y cuidado ha girado siempre en torno a lo que son, recipientes de órganos humanos destinados a salvar las vidas de otros.

Kathy, Tommy y Ruth no entienden ni ven la vida como lo hace el ser humano. Su conocimiento se reduce al poco trato que tienen con personas normales —el episodio de Sally Hawkins—, numerosos objetos traídos del mundo exterior —tratados con mimo por la cámara de Romanek, como representaciones del paso del tiempo—, o canciones antiguas. Su limitado aprendizaje y crecimiento, marcado por sus cuidadores, se ve perturbado por la necesidad imperiosa, innata, de amar y ser amado, y es ahí donde la película alcanza sus más altas cotas de expresión. Si los androides sueñan con ovejas eléctricas, los clones de Hailsham sueñan con cumplir su destino lo más lejano en el tiempo posible. Su única baza para sobrevivir es el amor, la única baza que posee el ser humano, y al igual que nosotros, la imposibilidad de conseguir dicho sentimiento —del que hay una clara prueba a través de los siglos en el Arte— se empareja con la imposibilidad de la eternidad. El recuerdo de sus vidas será el mismo que el nuestro, el olvido.

Carey Mulligan enamora literalmente a la cámara. El gran logro de su interpretación es comprender a la perfección esa calculada distancia emocional. Como clon criado y educado en ciertas condiciones de aislamiento, Kathy y sus amigos no saben relacionarse con el mundo exterior, el lugar donde irónicamente deberían vivir. No comprenden lo que ven y tan siquiera saben interpretar un simple menú en una hamburguesería. La actriz logra un crescendo dramático en su personaje y la interiorización de sus supuestos sentimientos está perfectamente plasmada. La contención de Mulligan —a Keira Knightley, lo peor de la cinta, la dejo a un lado, aunque su elección bien podría darse por sus no aptitudes dramáticas— sumada a esa cámara fría y lejana, da lugar a una atroz desolación, aquella que marca la existencia de los personajes incluso en sus momentos más tiernos. A la maravillosa declaración de amor en el bosque me remito, con un Andrew Garfield sorprendente, ese Tommy que siempre va un paso por detrás de sus dos compañeras femeninas. Sus gritos de rebeldía, señales de su incorformismo y no entendimiento, parecen los detalles más humanos de su personalidad. La rabia como posible tabla de náufrago, al igual que las silenciosas lágrimas finales de Kathy.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Nunca me abandones’, una vida insignificante y fugaz

Curiosamente, los dos cineastas daneses que más están dando que hablar en este momento van tratar un mismo tema en sus próximas películas: el sexo. Esta semana se ha sabido que tanto Lars von Trier como Nicolas Winding Refn ya han encontrado a los actores que encabezarán los repartos de sus nuevos y esperados proyectos.

Refn acudió al festival de Deauville para presentar ‘Drive’, y aprovechó para hablar brevemente de un thriller en el que lleva trabajando varios años. Se titula ‘I Walk With The Dead’ y el cineasta ya ha conseguido el compromiso de la inglesa Carey Mulligan (una de las actrices del momento, con la que ya trabajó en su último film) para uno de los papeles principales; en cuanto a la historia, lo único que reveló es que “tiene lugar en Miami y habrá mucho sexo“. Nos vale. En estos momentos, Refn tiene por delante el rodaje de ‘Only God Forgives’, en Tailandia, así que aún quedan al menos unos meses hasta que comience la producción de su thriller sexual.

Por su parte, Von Trier volverá a contar con uno de los rostros habituales de su cine, Stellan Skarsgard, en la película que tiene entre manos, centrada en el erotismo de una mujer, desde su nacimiento hasta los 50 años. El actor sueco, ocupado actualmente en el rodaje de ‘Los Vengadores’, confirmó que recientemente recibió una llamada del polémico autor danés en la que le dijo: “Stellan, mi próximo film será porno, y quiero que seas el protagonista“. Al parecer, Von Trier está todavía trabajando en el guion, titulado ‘Nymphomania’ (ufffff…), realizando extensas entrevistas a mujeres de su entorno. En Cannes ya dijo que quería filmar algo pornográfico y sugirió que quería volver a contar con Kirsten Dunst, pero ella no pareció interesada en absoluto, y después de lo que se montó tras la rueda de prensa de ‘Melancolía’ (‘Melancholia’), creo que podemos descartarla. En cualquier caso, solo con la firma del danés, la película generará expectación.

PD: ‘Drive’ y ‘Melancolía’ se estrenan en España el próximo mes de noviembre. Quien se las pierda tendrá prohibido hablar de la calidad del cine actual.

Vía | PressAssociation y Screendaily

Seguimos con los actores de ‘Harry Potter’ para informar sobre otro proyecto en el que se ha implicado uno de ellos. Claro, con el estreno de la entrega final, ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte II’, todos están aprovechando el último aliento de la saga para dar a conocer y promocionar sus futuras intenciones. En este caso, hablamos de Lord Voldemort, o sea, de Ralph Fiennes, quien se ha interesado por los derechos de la novela de Claire Tomalin, ‘The Invisible Woman’, que narra una historia amorosa secreta vivida durante trece años por Charles Dickens con Ellen Ternan.

Las actrices que podrían encarnar a la joven protagonista, a quien Dickens llamaba Nelly, son Imogen Poots, Abbie Cornish, Felicity Jones o Carey Mulligan, con quienes se ha reunido el director para hablar del personaje. En cuanto a la participación de Fiennes para el papel de Dickens, parece que está descartada, pues el actor prefiere limitarse a sus labores detrás de la cámara, pero aún es temprano para asegurar que no decida prestar su piel al personaje principal.

El rodaje de esta adaptación, de cuyo guion se ha encargado Abi Morgan, comenzará en primavera o verano del año próximo. Entretanto, Fiennes tiene tiempo de sobra para familiarizarse con Dickens, mientras interpreta a Magwich en la nueva versión de ‘Great Expectations’, que esta vez llegará de la mano de Mike Newell.

Hace tres años se anunció otro proyecto con el mismo título, ‘The Invisible Woman’, pero buscando ahora en la ficha de Matt Reeves en la IMDb, se comprueba que no ha seguido adelante con el thriller.

Vía | Daily Mail.

Aquí os traigo el teaser póster y un primer avance de ‘Drive’, lo nuevo de Nicolas Winding Refn (‘Pusher’, ‘Bronson’, ‘Valhalla Rising’), una de las películas seleccionadas para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2011 (arranca mañana). Ya me interesaba este título, pero después del ver el clip todavía más, me ha encantado este inicio de lo que promete ser una intensa secuencia de persecución. Se echaba en falta una propuesta de este tipo, sobre todo después de la fallida ‘Furia ciega 3D’ (‘Drive Angry 3D’, 2011). ¿Qué os parece? ¿Y no son preferibles estos avances, con los que puedes intuir el tono del film sin que te destripen nada?

Escrita por Hossein Amini a partir de la novela de James Sallis, ‘Drive’ es un thriller protagonizado por Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Albert Brooks y Oscar Isaac. Tremendo reparto, ¿no? En cuanto a la trama, que es lo de menos, se centra en un especialista de escenas de riesgo en Hollywood que por la noche se ofrece como experto conductor para fugas y atracos; todo le va sobre ruedas (ejem, ejem) hasta que conoce y se enamora de una chica, con la mala suerte de que está casada con un peligroso criminal muy celoso… El estreno en Estados Unidos está fijado para el próximo 16 de septiembre.

PD: Refn es ahora mismo el encargado del remake de ‘La fuga de Logan’. Veremos si arranca.

Vía | TotalFilm