“Walter, eres maravilloso. De un modo repugnante”.

Hildy

Ahora que tanto se habla de la secuela de ‘Crepúsculo’, ‘Luna nueva’, estando ya muy próximo el estreno, me ha parecido una idea divertida, incluso sana, recuperar la que podríamos catalogar como la verdadera ‘Luna nueva’, que por supuesto no tiene nada que ver con ese producto de vampirillos para adolescentes (y en realidad se titula ‘His Girl Friday’, en absoluto ‘New Moon’). Como sin duda sabéis todos, se trata de una deliciosa comedia dirigida por Howard Hawks en 1940, con Cary Grant y Rosalind Russell al frente del reparto. Una gozada de principio a fin.

La película es una adaptación de la famosa obra teatral de Ben Hetch y Charles MacArthur, ‘The Front Page’, llevada al cine en varias ocasiones (en ‘Un gran reportaje’ de Lewis Milestone o ‘Primera plana’, de Billy Wilder). La historia se centra en un editor que está a punto de perder a su mejor periodista, justo cuando surge la posibilidad de un gran reportaje que requiere de su talento. Hawks y el guionista Charles Lederer introdujeron algunos cambios importantes en la trama, que a la postre se revelaron como grandes aciertos; el mayor de todos, que uno de los dos protagonistas fuera una mujer, dando pie a una impagable guerra de sexos.

Hildy Johnson (Rosalind Russell) piensa casarse por segunda vez, pero no lo tendrá fácil. Para empezar su nuevo proyecto de vida, debe romper con el periódico al que ha estado atada durante los últimos años, dirigido por el canalla Walter Burns (Cary Grant), su ex-marido. Hildy acude a la redacción para comunicar la noticia: deja su trabajo para casarse con el “bueno” de Bruce Baldwin (descrito por Walter como alguien clavado al actor Ralph Bellamy, en una de las mejores bromas de la película). Para Walter es algo imposible, inconcebible. No sólo va a perder a su mejor empleada, sino también a la mujer de su vida, aunque a ambos les resulte más fácil odiarse que llevarse bien, claro.

El editor intentará entonces todo tipo de trucos para quitarle a Hildy la estúpida idea de casarse con un tipo como Bruce, y que recupere su pasión por la profesión; si por el camino ella vuelve a caer rendida a sus brazos, pues mejor que mejor. El clavo ardiendo al que se va a agarrar Walter, para mantener a Hildy a su lado, será la ejecución del preso Earl Williams (John Qualen). Walter convence a Hildy para que cubra la noticia, como favor desesperado. El plan le saldrá mejor de lo previsto cuando pronto todo empiece a complicarse de forma alocada, y la mujer recupere su imparable ritmo de trabajo…

Da gusto ver una película como ésta porque todo funciona a la perfección, como un reloj. Y en cuanto al ritmo, va como un rayo. Es frenética. La demoledora batalla dialéctica entre Walter y Hildy es impresionante, no hay respiro, no hay tregua. No hay ni hueco para música. Van tan rápido que no esperan a que el otro termine, se pisan, hablan a la vez, en un intento por zanjar el asunto soltando la mejor réplica. Howard Hawks quería con esto dar sensación de realismo, y lo logra, a diferencia de la gran mayoría de los guionistas y cineastas actuales que se dedican a la comedia, que creen que para que sus personajes parezcan verosímiles deben decir chorradas con aire improvisado, o contar chistes o anécdotas graciosas delante de la cámara, con todos los tacos que sea posible. Es fundamental el ritmo, y esto lo saben los mejores cómicos.

‘Luna nueva’ no podía funcionar, aun con un guión espléndido y la experta y elegante dirección de Hawks, sin una pareja de actores que estuvieran a la altura de las exigencias. Pocos, muy pocos, mejores que Cary Grant para interpretar a Walter, el cínico y seductor editor jefe del periódico en el que trabaja Hildy, una estupenda Rosalind Russell que se compenetra de forma maravillosa con Grant (y eso que no fue la primera opción de Hawk, que quiso antes a Jean Arthur, Carole Lombard o Claudette Colbert, entre otras). El enfrentamiento y el progresivo (re)enamoramiento de los dos personajes encaja perfectamente con la trama en torno al proceso judicial y la sátira periodística, dando como resultado una película ejemplar, que juega con todo, que se ríe de todo, y que te no suelta en ningún momento. Verdadero cine.

Una de las cumbres de la “screwball comedy”, ‘Luna nueva’ funciona igual de bien cuando se centra en la hilarante relación entre los dos protagonistas, que cuando se lanza a pisotear la labor de los periodistas o de los políticos, presentados de forma crítica (y realista también). No pierde el tiempo, tiene una hora y media y la va a aprovechar; hoy en día se hacen películas de dos horas en las que no pasa gran cosa, como si no importara tener al espectador sentado en la butaca más tiempo del necesario. Me quedo antes con ‘La fiera de mi niña’ (1938) y sobre todo con ‘Historias de Filadelfia’ (1940), que me parecen más redondas, pero sin duda, éste es uno de los títulos imprescindibles de la gran comedia norteamericana. La que nunca pasará de moda, la que siempre estará ahí para alegrarnos el día.

Una de mis costumbres semanales es la de reunirme con algún amigo (o varios), irnos a mi casa y ver una película cuando la noche ya está cerrada, los ruidos son imperceptibles y la ciudad parece dormir. Normalmente me piden que yo elija el film, que les recomiende una gran película, metiéndome en un brete impresionante pues ya sabemos que sobre gustos no hay nada escrito (que gran falacia), y que para aquellos sin la suficiente cultura cinematográfica, el elegir ciertos films puede hacer que te odien de por vida. Siempre tengo mucho cuidado cuando se trata de cine clásico, pero cuando mi colega David me pidió una película con la que quería reírse mucho, no me lo pensé dos veces: ‘Arsénico por compasión’ (‘Arsenic and Old Lace’, Frank Capra, 1944) era la respuesta.

En estos tiempos de comedias por doquier, cuanto más alocadas mejor, se ha estrenado la estimable ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2009), un soplo de aire fresco a un género cuya mayor cualidad era tomar al espectador por un imbécil integral. En una de esas charlas cinéfilas que de vez en cuando se dan por donde habito, llegamos a la conclusión que dicho film recuerda sobremanera a films alocados de los años 30 y 40, salvando las distancias. Y ‘Arsénico por compasión’ es una de las películas más alocadas de toda la historia. Pero hacer una comedia alocada no es fácil, muchos tratan de reunir un montón de gags presumiblemente graciosos, uno tras otro, sin darse cuenta de que todo tiene que tener coherencia interna.

Como muchos sabréis (y si no, tampoco pasa nada, dos padrenuestros y vía) la historia de ‘Arsénico por compasión’ es una adaptación de la obra teatral de idéntico título, escrita por Joseph Kesserling. El film se rodó a finales de 1941, tres años antes de su estreno, y la Warner se vio obligada por ley a esperar ese tiempo hasta que la obra dejase de representarse en Broadway. Para cuando eso ocurrió, la actriz principal, Priscilla Lane, había terminado su contrato con la Warner (aquellos eran tiempos en los que los actores más conocidos estaban por lo normal ligados a una determinada productora, hoy en día suele ser más habitual entre los directores).

Su historia es tan sencilla como complicada. Samuel Brewster es un conocido crítico teatral que se ha comprometido, lo cual es toda una sorpresa ya que siempre ha estado en contra del matrimonio. Antes de salir de viaje de novios hará una parada en la casa donde creció, propiedad de sus encantadoras tías solteras. La cantidad de acontecimientos que suceden entre esas cuatro paredes supone uno de los viajes más delirantes, inteligentes y agudos a través de la risa. Una risa que proviene de transformar en un bestial humor negro, situaciones nada graciosas, que encadenadas una tras otra, se disfrutan cual montaña rusa de la carcajada, teniendo como baza principal “el más difícil todavía”. Cuando parece que no se va a poder reír más, ‘Arsénico por compasión’ sube un peldaño más en su humor hasta una parte final antológica.

Frank Capra, famoso en aquel momento por películas como ‘Sucedió una noche’ (‘It Happened One Night’, 1934), ‘Horizontes perdidos’ (‘Lost Horizon’, 1937) o ‘Vive como quieras’ (‘You Can´t Take It with You’, 1938), después de tanto drama y en mitad de sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial, cambió totalmente de registro, haciendo una película que es humor puro y duro desde su primer fotograma hasta el último. Tal vez, y a lo Preston Sturges, decidió, volviendo a sus orígenes, que era preferible hacer reír a la gente, aunque su siguiente film de ficción sería ese terrorífico cuento de hadas que se da la mano con el melodrama más desesperanzador, titulado ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It´s a Wonderful Life’, 1946). En ‘Arsénico por compasión’ se acerca, con el filtro de la comedia, a la muerte y la locura. Nunca ambas resultaron tan divertidas como en esta película.

Josephine Hull y Jean Adair dan vida a las maravillosas tías de Mortimer, cuyas manías con el arsénico y su pasión por los hombres solitarios, son mostradas como actos de compasión hacia la gente que no tiene a nadie en el mundo. Choca de frente con la misma manía de Jonatahan Brewster, la oveja negra de la familia, que también mata a gente, pero sus instintos son más bien asesinos. Y mientras unas no se han movido de su casa, el otro ha tenido que viajar por medio país teniendo el mismo número de muertes sobre su conciencia. Este papel está interpretado por un genial Raymond Massey, de sospechoso parecido con Boris Karloff, que era quien le daba vida en la obra teatral, de ahí las bromas continuas sobre su parecido con Karloff, el cual es debido a una operación quirúrgica, en la que el doctor se dejó influenciar por una película de terror que acababa de ver (algo de lo que nos enteramos por los propios personajes). El doctor es interpretado con su habitual nervio por Peter Lorre. La muerte en manos de las tías, es algo maravilloso, casi deseable; en manos de Jonathan nadie querría estar.

La locura navega por toda la historia, desde la propia manía de las tías (que pueden ser vistas como locas, aunque no lo sean) hasta el personaje loco por antonomasia: “Teddy Roosevelt” Brewster (inspirado John Alexander), tercer hermano, que creyéndose el Presidente de los Estados Unidos, está ajeno a todo, y a pesar de sus extravagancias, alguna de las cuales provocan los momentos más hilarantes de la película (esa carga subiendo las escaleras), llega a parecer el más cuerdo de todos. El siempre magnífico Edward Everett Horton da vida al director de un manicomio, más preocupado por que no haya más Roosevelts en su centro, que por la locura en sí de un paciente.

Cary Grant es el eje central del film, la estrella absoluta cuya perfecta compenetración con todos los demás actores, le convierten en el motor de la película. Resulta curioso que el actor siempre consideró que su interpretación en ‘Arsénico por compasión’ era horrible, y la tenía por la peor de todas las películas de su carrera. Nada más lejos de la realidad, pues la vitalidad de Grant, su continuo movimiento en escena, sus impagables expresiones, todo lo que le lleva de camino a una inevitable locura, son de lo mejor de una cinta que en ningún momento da respiro al espectador. Y siempre con la mano firme de Capra, que con una arriesgada puesta en escena (algunos planos en el interior de la casa son de lo más osados), sabe mantener el tono justo y controlarlo hasta el final. Una screwball comedy que Capra aceptó por dinero, y convirtió en una obra maestra.

• ‘Pelham, uno, dos, tres’

Aprovechando el estreno de la nueva versión, Fox va a lanzar una edición especial de ‘Pelham, uno, dos, tres’, dirigida por Joseph Sargent en 1974, un estupendo thriller que deja en ridículo a lo nuevo de Tony Scott, titulada aquí como ‘Asalto al tren Pelham 123’.

La película se pone a la venta el próximo día 19, y por el momento apenas hay información sobre los extras que incorporará, sólo se sabe que trae dos discos, así que por lo menos ya podemos dar por hecho que no se limitará a las típicas fichas y tráileres de películas que no nos interesan, justo antes del menú (y a veces sin la posibilidad de pasarlos, como el estúpido anuncio del pirateo de ideas). Una compra obligada, aunque sólo sea por recordar el fantástico duelo entre Walter Matthau y Robert Shaw.

• ‘30 Segundos sobre Tokio’

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de pilotos norteamericanos ataca por vez primera Japón, después de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor. Es el punto de partida de una película escrita por Dalton Trumbo, dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por Van Johnson, Robert Mitchum, Don DeFore, Tim Murdock y Robert Walker.

• ‘Destino Tokio’

No salimos de la segunda gran guerra ni de la capital japonesa. En esta ocasión la historia se centra en un submarino, el Copperfin, que recibe órdenes de zarpar con destino a Tokio para conseguir información de vital importancia (hombre, no va a ser para comprar tallarines) y preparar el ataque de Estados Unidos. El submarino cumple con su misión, pero cuando llega la flota norteamericana a la bahía de Tokio, el capitán Cassidy, al frente del Copperfin, queda atrapado al ser descubierto por un portaaviones japonés. Dirige Delmer Daves y Cary Grant encabeza el reparto.

• ‘Fuego en la nieve’

Y seguimos en el mismo periodo histórico. Diciembre de 1944: Los miembros de una compañía de la 101ª división aerotransportada se disponen a disfrutar de sus permisos navideños en la ciudad de París, sin embargo, sus expectativas se ven frustradas cuando la división es enviada urgentemente hacia Bastogne, con la misión de taponar una brecha abierta por una fuerte contraofensiva alemana. De nuevo encontramos a Van Johnson encabezando el reparto de una película que fue dirigida por William A. Wellman.

• ‘Invasión en Birmania’

Más cine bélico y de la misma etapa. En la II Guerra Mundial, el general Frank D. Merrill, al mando de la brigada de infantería 5307 compuesta por tres mil soldados voluntarios, tiene la misión de impedir el avance de las tropas japonesas en Birmania, que con un millón de soldados están a la espera de enlazar en Oriente con las tropas alemanas. La 5307 es la primera en infiltrarse tras las líneas japonesas en plena jungla, que se convertirá en otro enemigo más para los soldados. Tras las cámaras, Samuel Fuller, delante de ellas, Jeff Chandler, Ty Hardin y Andrew Duggan, entre otros.

• ‘La colina’

¿Más II Guerra Mundial? Pues sí, otra más, a estas alturas ya es complicado encontrar un capítulo de este conflicto bélico que no haya sido retratado por el cine. Cualquier día nos anuncian que Disney está preparando una película basada en hechos reales centrada en Tailandia en 1942, cuando se produjo una revuelta de decenas monos por culpa de una caja de plátanos de Canarias, lo que pudo provocar un verdadero lío diplomático. En fin… ‘La colina’ tiene el gran atractivo de estar dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Sean Connery. La trama se centra en un grupo de prisioneros ingleses que se encuentran encarcelados en un campo militar del norte de África, donde se ven obligados a sufrir las vejaciones a las que les somete un cruel y sádico sargento, hasta que deciden rebelarse.

• ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’

Debido a sus diferencias políticas, dos familias emparentadas, los Desnoyers y los Von Hartrott, se enfrentan. Tras la muerte del patriarca, Julio Madariaga, los Hartrott se marchan a Alemania, y los Desnoyers a Francia. Ambas familias terminan combatiendo en bandos opuestos. Famosa película dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Glenn Ford, Charles Boyer y Lee J. Cobb. Como sabéis, es un remake del film homónimo protagonizado por Rodolfo Valentino en 1921.

• ‘Siete días de mayo’

Los Estados Unidos, bajo el mandato presidencial de Lyman, acaban de firmar con la Unión Soviética un tratado de reducción de armamentos. Esta medida pacifista no es acogida con absoluta unanimidad; el pueblo se rebela, y algunos sectores políticos y dirigentes son partidarios de anular el tratado y aumentar el armamento hasta conseguir imponer la voluntad americana a todo el orbe. A los mandos, John Frankenheimer, que contó con un reparto estelar encabezado por Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner y Fredric March.

Vía | ZonaDVD

Esta década me ha resultado mucho más fácil que las anteriores, y he elegido las diez películas de tirón, las primeras que me han venido a la cabeza, sin necesidad de pararme a pensar en las otras que no he puesto, y que vosotros os encargaréis de citar.

• ‘La Muerte Tenía un Precio’. La culpable de que me guste el cine. De la “trilogía del dólar” del gran Sergio Leone es mi preferida. Inolvidable banda sonora de Morricone, al igual que todos los personajes. Ese duelo final entre Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté, con Eastwood marcando el ritmo con música de reloj es simple y llanamente antológico.

• ‘2001, una Odisea del Espacio’. Logra dividir a las audiencias, entre los que la admiran y los que la odian profundamente. Evidentemente yo soy de los primeros. Aún a día de hoy sigue fascinando como el primer día. Kubrick logró una obra maestra conjuntado lo clásico y lo futurista de forma genial. ¿Quién ha sido capaz de hacer que una nave espacial bailase al son de un vals de Strauss?

• ‘El Apartamento’. Otra joya de Billy Wilder, una tragicomedia llena de vida con unos personajes fantásticos e imperecederos. Para reir, para llorar, para ver una y otra vez. Ya no se hacen películas así.

• ‘Charada’. Stanley Donen no sólo hizo musicales, y esta película es una buena prueba de ello. Con un sentido del humor típico de su director, y un manejo del suspense cercano a Hitchcock, Donen realizó una de sus mejores películas con una pareja absolutamente perfecta: Cary Grant y Audrey Hepburn.

• ‘El Verdugo’. Lo cierto es que en aquella época todas las películas que hizo Luis García Berlanga eran maravillosas. Ésta sin duda es una de ellas, pero no sólo destaca en la filmografía de su director, sino en toda la historia del cine español. Inolvidable Pepe Isbert, como siempre.

• ‘Suspense’. Basada en ‘Otra Vuelta de Tuerca’ de Henry James, es un espeluznante relato de fantasmas que logra algo que la mayoría de las películas de terror no logran: dar verdadero miedo. Si no lo creéis, probad a verla de noche, completamente a oscuras y en soledad (toda película se merece como mínimo el respeto de verla así). No se os pasará la inquietud en semanas.

• ‘Matar a un Ruiseñor’. Gregory Peck ganó un merecido Oscar por dar vida a uno de los personajes más queridos que hayan existido en el celuloide, Atticus Finch. Absolutamente perfecta de principio a fin, la película habla de muchas cosas, como el amor fraternal, la inocencia, el racismo y la justicia. No sólo es una película, es una lección de humanidad enormemente educativa.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’. La película que demuestra que la leyenda siempre es más bonita y preferible que la realidad. De lo mejor de la filmografía de John Ford, un western que habla sobre el paso del tiempo, sobre la amistad y el amor.

• ‘La Leyenda de la Ciudad sin Nombre’. Probablemente mi musical favorito. Un estruendoso éxito de finales de los 60, logrando meter en las listas de éxitos canciones tan maravillosas como “Wonderin´ Star”, interpretada por un Lee Marvin en estado de gracia. Él y un dinámico Eastwood se repartían el amor de una excelente Jean Seberg.

• ‘El Guateque’. Blake Edwards y Peter Sellers se hicieron famosos entre otras cosas por dar vida al Inspector Clouseau, pero personalmente pienso que la mejor película en la que ambos colaboraron es ésta. Absolutamente desternillante, con un personaje central lleno de carisma, es para llorar de risa siempre que se ve. Enumerar los magníficos gags que hay en el film, y que muchos de ellos homenajean al cine mudo, me llevaría un post entero.

Ahora os toca a vosotros compartir conmigo vuestras películas favoritas de la década de los 60. Apuesto a que volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los 70.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40
• Mis películas favoritas (4): años 50

Y sigo golpeándome duramente contra la pared, ya que la década de los 50 está llena de grandes películas y elegir sólo diez títulos de todos mis favoritos me ha resultado muy, pero que muy difícil. Allá vamos:

• ‘Con la Muerte En los Talones’. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock. Mezcla absolutamente genial de calidad y comercialidad en un film enormemente influyente en el cine posterior. Sensacional Cary Grant, sobre todo en sus momentos humorísticos.

• ‘La Noche del Cazador’. Única película que dirigió el excelente Charles Laughton, y las malas críticas del momento le hicieron no volverse a poner nunca más detrás de la cámara. Un perverso cuento de hadas, con un inmenso y terrorífico Robert Mitchum.

• ‘Los Siete Samurais’. Obra inmortal del genial Akira Kurosawa, donde rendía tributo a su amado western. La pelota le fue devuelta años después con un magnífico remake, del cual Kurosawa se sintió tan orgulloso que le regaló una espada de samurai a John Sturges. Impecable retrato de personajes.

• ‘Senderos de Gloria’. Mi favorita de Kubrick, y uno de los films antibélicos más impresionantes que se hayan hecho. Aquí en España no se estrenó hasta 1985, cosas de la estúpida censura que tanto jodió la marrana durante años en nuestro país. Impresionante Kirk Douglas y emotivo e inolvidable final.

• ‘Rio Bravo’. Uno de los géneros que mejor dominaban Howard Hawks era el western. Éste fue uno de los mejores, y uno de los más influyentes. Sensacional de principio a fin, con una impecable galería de secundarios, como Walter Brennan o Dean Martin, en la que probablemente sea su mejor interpretación.

• ‘Tú y Yo’. Remake de un film anterior del propio Leo McCarey, en el que el director mejoraba lo que ya era maravilloso. Inolvidables Cary Grant y la recientemente fallecida Deborah Kerr. En los 90 tuvo dos revisitaciones, una como inspiración en ‘Algo Para Recordar’ y otra, como remake, en la blandengue ‘Un Asunto de Amor’, y en la vida real doy fe de que alguna pareja puso en práctica algunas cosas de esta maravillosa película.

• ‘Traidor en el Infierno’. En los 50 Billy Wilder realizó inolvidables películas, pero a ésta le tengo un especial cariño por ser de las primera que vi. William Holden ganó un Oscar por su carismática interpretación. De lo mejorcito en películas de campos de concentración.

• ‘Al Este del Edén’. Mi preferida de las tres películas con James Dean como intérprete principal, y también de las que dirigió Elia Kazan. Impresionantes todos los momentos con el gran Raymond Massey, perfecto en el papel de padre de Dean. Una de esas películas con las que aprendí a amar el cine desde muy pequeñito.

• ‘El Árbol del Ahorcado’. Uno de los memorables westerns del gran Delmer Daves, con un inolvidable Gary Cooper. A recordar la mítica canción interpretada por Marty Robbins, y que da título a la película.

• ‘El Hombre Tranquilo’. Uno de los films más memorables del gran John Ford, en el que absolutamente todo es perfecto. Pocas parejas han tenido la química de John Wayne y Maureen O´Hara en esta película. La edición de dvd que hay en nuestro país es simple y llanamente una falta de respeto a esta inmortal obra y al espectador en general. ¿Hay alguien que aún no la ha visto?

Y ahora podéis, si queréis, aportar vuestra favoritas de una década como la de los 50. Seguramente volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los años 60.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40

Sin embargo, creo que las mejores películas de Donen eran aquellas en las que no había canciones de por medio interpretadas por los propios actores, porque tengamos en cuenta que en el cine de Donen la música siempre ha tenido un protagonismo esencial, siempre usada maravillosamente. ‘Página en Blanco’, en el original ‘The Grass is Greener’ (sin comentarios), es un film de 1960 que no ha perdido ni un sólo ápice de su frescura, elegancia y sarcasmo. Y sin embargo, es una película que hoy día no podría hacerse, por lo de siempre, no sería creíble. Atentos a su argumento: en una casa inglesa, una de esas viejas mansiones que son expuestas para los turistas, vive un acomodado y feliz matrimonio. En un visita turística, un americano se cuela en las habitaciones de la familia, y en menos que canta un gallo, concretamente 20 minutos de película, seduce a la mujer del matrimonio, y ésta se enamora locamente de él. A partir de ahí se desarrollará una situación a cuatro bandas de lo más original, divertido y emotivo. Sí, a cuatro bandas, porque aparece un antiguo amor del marido, para darle más sabor al asunto.

Sutileza y elegancia. Esas son las dos palabras que definen perfectamente este film de Donen, en el que unos ingeniosos diálogos son lo mejor de la función. Prácticamente toda la película transcurre en interiores, en un par de habitaciones de la lujosa mansión del matrimonio inglés. En ese aspecto, la puesta en escena del director es ejemplar, dándole al film un ritmo increíble, apoyado sobre todo en el poder de la palabra, y cómo no, en las metáforas visuales, por así llamarlas, que a Donen le gustaba tanto utilizar. Al respecto cabe citar, el primer encuentro en Londres de la mujer adúltera con su nuevo amor, contado en cuestión de minutos, con unas elipsis preciosas, donde una puerta cerrándose mostraba más que toda una escena de sexo.

Puede parecer que todo lo que ocurre en el film ocurre demasiado deprisa, ya que transcurre en el plazo de unos cuatro días, más o menos, y sin embargo, todo es totalmente creíble, gracias a inteligentes frases, y sobre todo unas interpretaciones de altura. En este aspecto, Donen realiza lo que podría definirse como una pequeña broma, incluso perversa. Para el trío portagonista cuenta con dos actores y una actriz que con anterioridad ya trabajaron juntos, curiosamente en el mismo año, 1957, y en dos historias de amor bien distintas. Por un lado, Deborah Kerr y Robert Mitchum, ya habían coincidido en ‘Sólo Dios los Sabe’, estupenda película de John Huston, con un poco de mala leche por parte de su director, al colocar a un apuesto soldado amaricano a solas con una monja en una isla asediada por japoneses. Y por otro lado, la misma Kerr formó pareja con Cary Grant en una de las más grandes historias de amor jamás contadas, ‘Tú y Yo’ de Leo McCarey.

Así pues, el ver de nuevo a estos tres actores metidos en líos amorosos, pero juntos y revueltos, se convierte en una de las mejores bazas del film. El buen gusto de Donen hace que nunca llegemos a juzgar a los personajes, a ninguno, ni a una esposa, madre de dos hijos, conociendo la pasión casi por primera vez, ni a un amerciano, juguetón y ligón, ni a un inglés, con sus modales, tremendamente celoso sin mostrarlo, pero decidido a recuperar al amor de su vida. Todas las múltiples situaciones del film, a pesar de sus escasos 100 minutos, son tratados por Donen con un vital sentido por lo emotivo, ya sea el affaire de la Kerr con Mitchum, al que el espectador no le pone ninguna pega, como lo que la Kerr siente por Grant. Y es que una vez más, Donen diserta el sentimiento amoroso haciéndolo pasar por todas sus fases, sin restarle importancia ni a unas ni a otras, pero dándole importancia a que cuando dos seres humanos se aman, pase lo que pase, se aman de verdad y por siempre. Quizá porque Donen nunca pudo conseguir eso en su vida personal, supo retratarlo tan bien en el Cine.

Hablaba antes de un cuarto en discordia, y es el punto flojo de la cinta, aunque tampoco como para echarse las manos en la cabeza. Jean Simmons, más acertada en otras ocasiones, da vida a una antigua amante del personaje de Grant, que hace acto de presencia porque toda la situación le hace gracia, y se convierte, por partida doble, en la confesora del matrimonio. El personaje no tiene tanta vida como los otros tres, y sirve para resolver demasiado fácilmente el destino de uno de los personajes masculinos, en lo que podría ser otra vuelta de tuerca en esa disertación amorosa.

Una magnífica película, para disfrutar una y otra vez las veces que sean. Hace poco ha salido editada en dvd por Suevia, y ya que la cartelera está bastante pobre, por así decirlo, es una buena ocasión para encontrarse con cine de altura, y redescubrir a un director que sin duda está entre los grandes. Por cierto, Donen nunca recibió un Oscar por ninguna de sus películas, una de tantas y tantas injusticias típicas de la Academia, pero cuando le dieron el honorífico, realizó uno de los mejores discursos jamás dados en la ceremonia de los Oscar. No he podido encontrar la grabación de dicho momento, asi que para compensarlo, dejo aquí, los maravillosos títulos de crédito iniciales de ‘Página en Blanco’, realizados por Maurice Binder, uno de los grandes en este tema. Disfrutadlos.

‘La Búsqueda’

Inédita en nuestras salas comerciales, y sin que nadie sepa el motivo, se trata de la película que Zhang Yimou rodó entre la estupenda ‘La Casa de las Dagas Voladoras’ y ‘La Maldición de la Flor Dorada’. Una edición en la que además del film encontraremos el típico “cómo se hizo”. El film también forma parte de un pack dedicado a Yimou, en el que se incluyen cinco títulos del prestigioso cineasta.

‘Noches Blancas’

El film de Luchino Visconti, con el grandísimo Marcello Mastrioanni, es la segunda de una colección llamada “cine de culto”, y que únicamente podréis encontrar en la Fnac, editada cojuntamente con ‘Arroz Amargo’, donde los amantes del cine italiano podrán encontrarse con Silvana Mangano y Vittorio Gassman. ¿Por qué la Fnac es tan chula? y cuando digo chula no lo digo como piropo.

‘Crank’

Desgraciadamente uno de los mayores insultos hacia el séptimo arte también se edita esta semana, deleznablemente dirigida, está interpretada por un adrenalítico Jason Stathman. Muy recomendable para flipados sin nada en lo que pensar. En Blogdecine dividió al personal.

‘Kagemusha’

El clásico del gran Kurosawa, apadrinado por Lucas y Coppola, se edita en una colección titulada Cinema Reserva, en la que además podréis encontrar películas tan míticas como ‘French Connection’ o ‘Los Siete Magníficos’. Todas en ediciones especiales con dos discos.

‘El Viento que Agita la Cebada’

El siempre polémico Ken Loach nos ofrece una buena película en la que nos habla del inicio del IRA, y como siempre metiendo el dedo en la llaga. Una edición especial con un par de entrevistas a Loach y a Paul Laverty, y un documental. En Blogdecine unió al personal.

Pack Cary Grant 2

Manga Films edita el segundo pack dedicado a este grandioso actor, con cinco títulos de su extensa filmografía. Las poco conocidas ‘En Busca de Marido’ y ‘Mi Mujer Favorita’, la maja ‘Serenata Nostálgica’, y las estupendas ‘Luna Nueva’ y ‘Un Corazón en Peligro’. Este pack sale junto con otros tres dedicados a Andy Warhol, Katharine Hepburn y Fred Astaire.

‘H6: Diario de un Asesino’

Una película española a la que se le dio mucho bombo, porque decían que era el no va más, y luego nadie se acordó de ella. En su publicidad la lanzan como la respuesta española a ‘Hostel’. Pues qué bien.

‘Última Salida Brooklyn’

Esta película se hizo famosa por la recordada escena en la que Jennifer Jason Leigh es violada por multitud de hombres uno tras otro. Al final, ni la secuencia ni la película son para tanto, y lo único destacable es la música de Mark Knopfler.

‘The Holiday’

Lo que podría haber sido un feliz retorno a las comedias románticas de los años 40, se queda en un pobre intento, aunque con una inmensa Kate Winslet (el Oscar empieza a tardarle), y algunos guiños al cine clásico verdaderamente deliciosos. En Blogdecine dejó indiferente al personal.

‘Una Casa en el fin del Mundo’

Una de esas películas menores protagonizadas por Colin Farrell y Robin Wright Penn. Pasó sin pena ni gloria por nuestras carteleras, y las de medio mundo. Tal vez en dvd tenga mejor suerte, aunque no lo creo. Un día de estos os hablo de ella.

‘Brick’

Un ejercicio de estilo, intentando rendir homenaje al cine negro clásico, y que a pesar de las buenas intenciones, no puede evitar desprender cierto tufillo pedante que no le sienta nada bien. La película tiene dos ediciones, una sencilla, y otra especial para coleccionistas que es un auténtico lujazo: fotogramas de la película, novelización del guión y un montón de extras.

Vía | Zonadvd.com

Alec Walker es un rico heredero infelizmente casado que un día conoce a Julie Eden, una joven viuda con la que comenzará una especial amistad, de esas que terminan en amor. La mujer de Walker, sólo interesada en el dinero no estará dispuesta a permitir que le quiten su mayor fuente de ingresos, y hará todo lo posible para impedirlo.

La típica historia de triángulo amoroso que tanto se repetiría luego en teleseries deleznables o telenovelas sudamericanas, también deleznables. Sin embargo, en 1939, era algo prácticamente nuevo, por lo que hay cierta ingenuidad en su argumento. No obstante, cabe decir que hoy día es un tema que sigue muy, muy vigente, de esos que suelen estar en boca de todos. Aquí no tenemos a un hombre que duda entre el amor de dos mujeres, aquí tenemos a un hombre atrapado en su matrimonio, que no quiere a su mujer por un detalle que no desvelaré, y que encuentra el amor en otra, la cual duda muchísimo de entregarse, ya que eso supondría el destrozar un hogar.

Este simple argumento está servido de forma prodigiosa por John Cromwell, quien maneja todos los elementos del mismo para hacer creíble la historia. Tanto, que casi 60 años después apenas ha perdido un ápice de su frescura. Y digo apenas, porque hay cosas que chirrían un poco, como la utilización de algún que otro personaje muy secundario, y que está muy exagerado, o la rapidez con la que concluyen el relato. De hacerse en la actualidad, cosa harto imposible, para el final habrían empleado tres cuartos de hora como mínimo. Es algo a los que nos han acostumbrado mal, por lo que cuando se visionan uno de estos clásicos títulos, tan en las antípodas, nos da la sensación de que todo sucede muy deprisa, cuando en muchas ocasiones, esa supuesta rapidez suele ser un ejemplo de narración eficaz, en la que no se dejan nada en el tintero. Cosa que ocurre en este film, por el que prácticamente no han pasado los años, a pesar de un par de defectos bien visibles.

Pero lo que es una enorme gozada, a parte del buen hacer del señor Cromwell, son las interpretaciones de su pareja protagonista, o habría que decir trío. Cary Grant, quien ya empezaba a convertirse en un auténtico galán, y que ya había participado en alguna de las mejores películas de Howard Hawks, y por lo tanto de toda la Historia del Cine. Aquí interpreta de forma magnífica a ese hombre decidido a darlo todo por la mujer que ama, pero atado a las terribles maquinaciones de una mujer realmente despreciable. Grant está soberbio en el papel. Un papel dramático que le permite lucir su lado serio, y que aquí no mezcla con su vena para la comedia, para la que estaba enormemente dotado. Pero cuando se ponía serio era mucho más impresionante.

A su lado Carole Lombard, una de las grandes, y también de las más bellas. Esa mujer enamorada, pero con terribles dudas, es una de sus grandes composiciones, una de tantas a las que nos tenía acostumbrados esta gran actriz que dejó al cine sin una gran mujer de forma muy prematura. En este film mide sus fuerzas con Kay Francis, menos conocida pero que está impresionante en su personaje de pérfida mujer del protagonista. Francis da un verdadero recital de maldad disfrazada de bondad en uno de los papeles femeninos más malvados de toda la historia del melodrama. Sencillamente inolvidable.

También podemos disfrutar de la interpretación de Charles Coburn, uno de esos actores secundarios que con su sola presencia eran capaces de llenar una película. Aquí da vida al padre del protagonista que se deja engañar por las artimañas de su nuera.

Una película muy buena, característica de toda una época en la que abundaban este tipo de films, y que hoy en día ya no se hacen. No sabrían. La teneis editada en dvd por la casa Manga Films. La edición no es ninguna maravilla, pero es la única que hay.

‘Noche y Día’ narra cómo un joven (Porter) quiere triunfar como compositor, y cómo lo logra, pero también cómo la obsesióny la dedicación exclusiva a su trabajo le van apartando de lo que más quiere, el amor de su mujer. Hay que decir al respecto que a pesar de sus inclinaciones sexuales, la mujer de Porter fué una de las personas más importantes en su vida, apoyándolo continuamente y ayudándole en todo, tanto profesional como personalmente. El respeto y la comprensión marcaron su relación.

La película es la típica producción hollywoodiense llena de colorido y con glamour, mucho glamour, como era normal en aquellos años (el film es de 1946). Está dirigida por uno de los grandes, Michael Curtiz, que aquí curiosamente no está en buena forma, no logrando una de sus grandes obras.

Pero Curtiz logra que el film no caiga en el desastre gracias al ritmo que le imprime, dos horas nunca aburridas, y que de vez en cuando dota al conjunto de su peculiar uso de la técnica, movimientos sutiles y descriptivos con la cámara (Curtiz manejó como pocos este instrumento IMPRESCINDIBLE para hacer buen cine). Sin embargo, su estilo no está presente durante toda la película; por momentos se le nota desganado, como si la historia no le interesase demasiado.

A mí en ese aspecto me decepciona bastante, pero no me preocupa, Curtiz nos ha dejado un montón de obras maestras, y dejando a un lado ‘Casablanca’, que es de visión obligada para todo amante del cine, yo recomiendo los visionados de ‘Capitán Blood’ o ‘Robín de los Bosques’, ambas con Errol Flynn, dos joyas imprescindibles.

El papel de Porter está interpretado por uno de los mejores actores que ha dado el séptimo arte, Cary Grant, que aunque no llega a estar genial, proporciona al personaje un aire casi misterioso, cómo sólo Grant era capaz de realizar. Las expresiones de silencio que este actor solía hacer deberían enseñarse en todas las escuelas de Arte Dramático, esas que muchos de los grandes no han pisado.

Grant está secundado por Alexis Smith, en el papel de su mujer, una actriz con una belleza particular, y que aquí está simplemente correcta. Jane Wyman, como una de las mejores amigas de Porter, irradiando simpatía y alegría en cada momento que sale a escena. Y Monty Woolley, uno de los eternos secundarios de Hollywood demostrando una vez más el enorme peso que puede tener un personaje menor en una película; este actor interpretaba con una envidiable naturalidad y tenía un enorme carisma, y aquí ¡se interpretaba a sí mismo!

Y todos ellos arropados por las extraordinarias canciones de Cole Porter. Ni una, repito, ni una sola tiene desperdicio, y la película se centra, evidentemente, en los números musicales, algunos de ellos inolvidables, como aquél en el que una chica baila claqué de forma espectacular, o aquél en el que se juega con unos bastones que parecen flotar en el aire.

A pesar de sus defectos, la película proporciona un rato de entretenimiento y es un claro exponente de un tipo de cine que ya no se hace porque, no me cansaré de decirlo, no saben.