No leer si no se ha visto la película.

En 1969 y durante 453 representaciones Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts y Jerry Lacy interpretaron la obra teatral ‘Play It Again, Sam’, escrita por el primero de ellos. En verano de 1971, en la ciudad de San Francisco en lugar de Nueva York (debido a una huelga), comienza la filmación de la adaptación cinematográfica, que contaría con el mismo cuarteto protagonista, llamando poderosamente la atención el hecho de que Allen no es el director del film, teniendo en cuenta que, primero, la obra no la conoce nadie mejor que él ya que es el autor, y segundo, hacía poco que se había estrenado como director, y venía de filmar ‘Bananas’, sin duda una de las películas más divertidas de Allen.

La película heredó evidentemente el título de la obra teatral, que como bien sabréis, es una referencia a ‘Casablanca’, una de las películas más míticas de toda la Historia, cuyo poder ha traspasado las fronteras del cine convirtiéndose en un auténtico fenómeno social. En nuestro país fue bautizada con el título de ‘Sueños de seductor’, y hoy es una de las películas más recordadas de Woody Allen actor.

La historia de ‘Sueños de seductor’ narra las peripecias de Allan Felix para relacionarse de nuevo con las mujeres, después de que su novia le ha abandonado. Para ello contará con la inestimable ayuda de un matrimonio amigo, formado por un hombre de negocios siempre muy ocupado en sus asuntos, y una mujer mucho más sensible, que ve con otros ojos los desesperados intentos de Allan por ligar.

El texto de Allen remite una y otra vez al mundo del cine, a través de clarísimos homenajes a films clásicos. Esto puede verse no sólo en los diálogos, o como no, en el tramo final de la película, que es una especie de parodia del final del famoso film de Michael Curtiz; sino también en detalles visuales, como el hecho de adornar el apartamento del personaje central con posters de películas antiguas como por ejemplo ‘Cayo Largo’ o ‘La condesa descalza’. Además, alguna de las ensoñaciones de Allan son acertadas recreaciones de films de antaño (sirva como ejemplo la referencia a ‘Ha nacido una estrella’, perfectamente incrustada en la narración). De esta forma, Allen deja impresa en el guión su pasión por el cine, dando vida además a un crítico de cine realmente peculiar en su vida privada. No es que ridiculice con su rol el papel de las personas que se pasan la vida opinando con fundamento sobre su trabajo, más bien bromea con todo respeto una profesión (nombrada de pasada en cierto momento), conectando de forma muy directa con el lado cinéfilo del espectador.

Parte de las intenciones de Allen quedan bien patentes durante los títulos de crédito iniciales, en los que Allan visiona ‘Casablanca’ en el cine, y la mayor parte de la secuencia consiste en enfocar el rostro del personaje mientras oye los fantásticos diálogos (cada vez que me acuerdo de ellos, me da vergüenza ajena mucho del cine que se hace en la actualidad) finales de la película. Allan Felix ama el cine sobre todas las cosas. Posteriormente vemos como ese amor está muy presente en su vida personal, sobre todo en lo que respecta a las relaciones de la pareja. De esta forma se mezclan dos amores, el que siente por el cine, y el que atañe a las personas, y que muy bien podría escribirse con mayúsculas para destacarlo sobre todos los demás. En ese punto, la empatía del público ya es total, y cualquier persona puede sentirse identificada con el personaje central, sobre todo si es un hombre.

Todas las neurosis que han caracterizado el cine posterior de Allen como director, están presentes en el guión de esta película. El AMOR, ese sentimiento caprichoso de vida propia que anda a sus anchas haciendo y deshaciendo por el mundo, está tratado en todas sus fases. El enamoramiento, los celos, la seducción, la infidelidad, los remordimientos y demás elementos cobran más intensidad al ser tratados por el filtro de la comedia, sin caer jamás en la burla desenfrenada. Esto no quiere decir que ‘Sueños de seductor’ no contenga momentos humorísticos que rayan el absurdo (muy en la onda del Woody Allen de aquellos años); momentos que quedan muy bien en los pasajes oníricos del relato, y un poco exagerados en los que no lo son (el personaje central intentando ser un buen bebedor o poniendo poses ridículas).

‘Sueños de seductor’ supuso el primer encuentro cinematográfico de Woody Allen y Diane Keaton, una relación que nos proporcionaría algunos títulos imprescindibles, siendo ‘Annie Hall’ el punto álgido de la misma. Allen se encuentra muy cómodo dando vida al personaje de su obra, resultando muy chistoso, dotándolo también de cierta ternura para subrayar su carácter inocente ante la vida real, en la que se encuentra más incómodo que en la ficticia, en la que evidentemente él no toma las decisiones. Se produce en este punto uno de los aspectos más inteligentes de la película: Allan Felix es aconsejado por un Humphrey Bogart imaginario, salido de su mente cinéfila, que le dice como tratar a las mujeres (la imitación que hace al respecto Jerry Lacy es prodigiosa).

La película fue dirigida por Herbert Ross, director más bien mediocre cuyo mayor éxito fue dirigir ‘Adiós, Mr. Chips’, remake musical del mítico film de Sam Wood, quien se limita a poner en imágenes con total corrección el impagable texto de Allen, que parece filmarse solo. ‘Sueños de seductor’ es uno de los casos más escandalosos en cuanto a trabajo de dirección se refiere, ya que ésta apenas se nota. Nunca entenderé por qué el film está firmado por Ross y no por Allen, que es quien debió dirigirla. Aún con esto, se trata de una magnífica película que nada ha perdido con el paso del tiempo, manteniéndose fresca y original como el primer día. Y es que además de hablar sobre el tema más universal que existe, posee una gran carga melancólica reflejada en un enorme cariño hacia el cine clásico, prácticamente desconocido por las nuevas generaciones de cinéfilos.

Muchos habréis escuchado eso de que ‘Casablanca’ se rodó sin guión o que mientras se rodaba no se conocía cómo iba a acabar. No fue así, como muchos otros sabréis. Esto es sólo un rumor que se extendió accidentalmente. La historia de cómo se gestó el guión del film de Curtiz tiene mucha miga y es una demostración de cómo las reescrituras y revisiones del guión hacen que todo funcione mejor. A continuación podréis conocer muchos de los detalles, entre ellos, por qué corrió el rumor de que no había guión. Además, en este otro artículo podréis saber lo que se perdió en la traducción de ‘Casablanca’.

En un principio, ‘Casablanca’ fue concebida como una obra teatral que escribieron Murray Bennett y Joan Allison, con el título ‘Everyone Comes to Rick´s’ (todo el mundo viene al bar de Rick) basándose en experiencias propias de Bennett.

Las diferencias principales entre la obra y la película son que Renault se llamaba Rinaldo, es decir, era italiano y no francés. Ilsa se llamaba Lois Marshall y era norteamericana y con una moral más distendida que la del personaje de Bergman: estaba dispuesta a acostarse con Rick por los visados y viajaba con Laszlo sólo por conveniencia, no porque admirase su entrega. Ugarte se llamaba Ugatti. El nazi, Captain Strasser, no se presentaba como un completo antagonista, ya que cuando se escribió la obra, en 1938, EE. UU. aún no estaba en guerra con Alemania. Rick era un abogado que no había tenido un pasado heroico luchando en España ni en Etiopía.

En cuanto a los parecidos, la pareja búlgara a la que Rick ayuda estaban ya en el libreto de la obra. Y también la emocionante escena en la que Laszlo anima a los parroquianos a cantar la Marsellesa desafiando a los nazis. El final también es igual. No creo que haya nadie que no haya visto ‘Casablanca’, pero, por si acaso: SPOILERS: Rick anima a Laszlo y Lois para que se vayan juntos. Pero cambia porque Rinaldo arresta a Rick. Y la mayor diferencia es que tenía lugar en una discoteca en lugar de en un aeropuerto. FIN DEL SPOILER

Uno de los analistas de guiones de la Warner Brothers´ encontró que la obra tenía potencial, pero que había que cambiar muchas cosas. No tenía suficientes escenas visuales y su personaje principal, Rick, resultaba pobre. Además, encontraban el final demasiado desolador para Hollywood. Aeneas McKenzie hizo una primera reescritura y le dio forma de guión de cine.

Posteriormente Jack Warner encargó otra revisión a los hermanos Julius y Philip Epstein. A los gemelos les pareció que la obra no era buena, pero sí la canción ‘As Time Goes By’ que, aunque en la versión que conocemos diga ‘El tiempo pasará’, significa “mientras pasa el tiempo”, matiz sutil en apariencia, pero que hace que cobre más sentido toda la letra. Esta letra (que podéis leer en los subtítulos del clip que abre el artículo) fue lo que más inspiró a los Epstein y decidieron que convertirían esa obra en una película que narrase, con sutileza y a través del subtexto, lo que dice la canción. Lo curioso es que la canción sólo se había incluido en la obra porque los autores querían dar publicidad al autor, Herman Hupfeld, que era amigo suyo.

A Max Steiner, el músico de ‘Casablanca’, no le gustó nada ‘As Time Goes By’. Su intención era volver a rodar la escena en la que Sam la toca para introducir una composición suya, pero Bergman ya se había cortado el pelo para rodar ‘Por quien doblan las campanas’ así que era imposible. Además, el contenido de ‘As Time Goes By’ estaba tan relacionado con la película que al final se le convenció de que escribiese la banda sonora basándose en la canción. Como habréis podido apreciar, también se basa en los himnos nacionales de los países en liza.

Los gemelos Epstein transformaron el guión con ayuda de Howard Koch, que se ocupó principalmente del personaje de Rick, por petición personal de Humphrey Bogart (en la fotografía superior), pues al actor le parecía que su protagonista era un llorica sin suficiente motivación a quien le daba igual que su amada se marchase con otro. Koch se inventó el pasado político de Rick e intensificó el conflicto con Strasser, a quien le dio un cargo superior que el que tenía en la obra.

Otros guionistas independientes ayudaron con más cuestiones del guión: el personaje de la dura protagonista femenina, Lois Marshall, se convirtió en la dulce e idealista, pero valiente, Ilsa Lund. Y se le dio la oportunidad a una actriz europea. Ingrid Bergman fue su primera elección, aunque también habían pensado en la bailarina Tamara Toumanova.

Se quería encontrar un final que no fuese tan trágico como el de la obra: además de no quedarse con su amada, Rick es detenido, lo que, encima de todo, convertiría a Renault (en la fotografía izquierda) en un personaje demasiado malo y no era ésa la intención de los autores. Por otro lado, si ella dejaba a su marido, la comisión de censura Hayes no lo aprobaría. Se dice –y aquí es donde resulta difícil separar mito de realidad— que a los guionistas les estaba costando tanto encontrar un buen final, que no lo tuvieron claro mientras se empezó a rodar. Pero se dice también con mayor autoridad que esto no fue así, sino que se sabía desde el principio cómo acabaría. Una idea que se dice que se barajó –y no sé si será verdad— era que el nazi mataba a Laszlo, pero se descartó porque sería muy desolador. Tampoco creo que sea real que fueron los actores quienes sugirieron que Rick no matase a Strasser a sangre fría, sino en defensa propia. Me imagino que esto estaba en el guión.

Jack Warner quería rodar un final alternativo por si el que tenían resultaba muy triste, pero David O. Selznick, quien había permitido que Ingrid Bergman, que estaba contratada por él, rodase para Warner, le recomendó que no lo hiciese porque le encantaba el final que tenían. Además de que volvía a tener el problema del pelo de Bergman.

El caso es que ya llegó el momento del rodaje y Michael Curtiz se encontró con lo que supone un regalo para cualquier director: una película que podía rodar en el orden cronológico del guión. Lo normal es que las escenas de las películas se agrupen por intérpretes, por localización, por momento del día o por otras cuestiones y que se rueden en desorden. Esto lo pone difícil para que los actores construyan a sus personajes, pero facilita y abarata los rodajes, además de hacer que resulten más rápidos.

Ya que Curtiz tenía esta oportunidad única, quiso sacarle un mayor partido y decidió no contarles a los actores el guión de la película hasta el momento en el que tocaba rodar cada escena. Sólo Bogart estaba al corriente de todo porque colaboró en la escritura de los diálogos de Rick. Por ejemplo, la frase “Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine”, que significa “de todos los garitos donde se bebe ginebra de todas las ciudades de todo el mundo, tiene que entrar en el mío”; en realidad como estaba escrita era con la palabra “cafés” y fue Bogart quien sugirió decir “gin joints” (“garitos ginebreros”). Y esto da otra idea completamente diferente del personaje de Rick.

Pero Bergman no sabía con qué hombre se quedaría finalmente su personaje, lo que hacía que su trabajo diese un mejor resultado porque para un intérprete es muy difícil no expresar con su actuación (miradas, suspiros, lenguaje corporal…) lo que está oculto para los espectadores, pero que él o ella ya sabe. Esto tuvo el efecto sutil de que su interpretación fuese más convincente emocionalmente. Por eso, la actriz comentó que no sabía de qué hombre tenía que enamorarse y esto se malinterpretó y se corrió el rumor de que estaban rodando una película que no sabían cómo iba a acabar. Esta creencia de que ‘Casablanca’ no tenían un final claro mientras se filmaba es una falacia basada en este rumor.

El productor Hal Wallis había pensado en un principio en William Wyler para dirigir ‘Casablanca’, pero éste no estaba disponible y se la ofreció a Michael Curtiz, un emigrante húngaro judío. En cuanto a los actores, también hay algunas curiosidades, como que Conrad Veidt (en la fotografía izquierda, sentado), quien interpreta al Major Strasser, es decir, a un nazi, en realidad también era un judío y había huido de Alemania como enemigo del Reich, pues además era homosexual. Y os digo una cosa: si te fijas en su personaje sabiendo esto, lo ves de forma muy diferente que si no lo sabes. Por mucho que en el guión lo convirtiesen en un auténtico antagonista, está interpretado con mayor dulzura y flexibilidad que la mayoría de los nazis que hemos visto en el cine. Claude Rains (en la fotografía izquierda, apoyado), actor inglés, hace de Louis Renault sin poner acento francés –otros personajes sí tienen fuertes acentos— y, sin embargo, nos parece que es francés por sus gestos de la cara, especialmente por el arqueo de las cejas.

Para el papel de Sam se había pensado en una importante cantante, como, por ejemplo, Ella Fitzgerald o Hazel Scott. Pero los Epstein querían hacer algo muy rompedor para la época que era poner por primera vez en una película la amistad entre un negro y un blanco. Y el añadir la connotación de que fuese una mujer les pareció demasiado. Finalmente se eligió a Dooley Wilson (en la fotografía inferior), un baterista que no sabía tocar el piano, que en la época era celebérrimo.

Quizá habría que dejar para otro artículo, en forma de crítica, el análisis del guión en profundidad, pero adelantaré que su mayores méritos están en el subtexto que tienen todos sus diálogos y en el dinamismo con el que éstos funcionan –es una película muy divertida, aunque no sea ésa la imagen que tenemos de ella—; y en el personaje de Rick, un anti-héroe que, no sólo nunca demuestra sus sentimientos, sino que se muestra todo lo borde que puede, pero en quien adivinamos una enorme generosidad gracias a sus acciones. En realidad, con todos los personajes se llegó al gran acierto de no convertirlos en maniqueos, como acabo de mencionar refiriéndome a Strasser. Centrarse en detalles de análisis de la realización o el guión de ‘Casablanca’ sería, como digo, extenso y encajaría mejor en otro artículo. Pero cabe mencionar que la escena de partida, rodada como un NO-DO, se hizo así ni más ni menos que para disimular una enorme mentira que es en la que se sostiene todo el film: los refugiados no esperaban en Casablanca, no hacían ese recorrido desde Marsella…

La influencia que ha tenido ‘Casablanca’ en el cine posterior es inmensa. Algunas películas, como ‘Havana’, han tratado de emularla en vano. La impresionante ‘Tener y no tener’ remeda el tipo de relación de Bogart con la protagonista femenina, en este caso, Lauren Bacall… Y se han hecho parodias como la de los hermanos Marx ‘Una noche en Casablanca’. Muchas más son las influencias, pero no quiero detenerme en este aspecto. Quizá es más curioso señalar la influencia que han tenido algunas de las frases de la película. Por ejemplo, el “play it, Sam”, se convirtió en ‘Play it Again, Sam’ para el título de la película de Woody Allen que aquí nos llegó como ‘Sueños de seductor’ y que se hizo tan célebre que ha llevado a muchas personas a la confusión de pensar que en ‘Casablanca’ se dice “tócala otra vez, Sam”, palabras que nunca se pronuncian. ‘Sospechosos habituales’, que no sólo es el título del excelente thriller de Bryan Singer, sino también una frase de uso común en inglés, “the usual suspects”, también viene del diálogo final de ‘Casablanca’.

Más información en Blogdecine sobre ‘Casablanca’, Humphrey Bogart.

Fuentes (entre otras) | Robert McKee´s, ‘Story’, Peers, Wikipedia.

Este viernes se estrena entre nosotros una de las películas más esperadas del año, ‘Deseo, Peligro’, del todoterreno Ang Lee, por eso mismo he decidido hacer otro de estos posts personales centrándome esta vez en historias de amor (de vez en cuando hay que ponerse romántico…). Ya sabéis, diez títulos que resuman en cierta medida aquellas películas que más me han llenado en ese aspecto.

• ‘Los Puentes de Madison’. “Los viejos sueños fueron buenos sueños, no se realizaron, pero me alegro de haberlos tenido” es una de las inmortales frases pronunciadas en uno de los films más atemporales que se hayan realizado jamás, en el que Eastwood se coronó tanto como director como actor, logrando además arrancar de Meryl Streep su mejor interpretación. La media hora final pone temblando al corazón más duro.

• ‘Breve Encuentro’. “Si tu murieras, me olvidarías, y yo quiero que me recuerdes”. Antecesora del film antes comentado, probablemente lo mejor que ha filmado nunca el gran David Lean. Desde entonces las despedidas en una estación de tren ya no son lo mismo.

• ‘Carta de una Desconocida’. Si me pongo a nombrar todas las memorables frases de esta inmortal película, no acabaría nunca. Es uno de los estudios más profundos sobre lo patético que puede resultar la pasión amorosa, planteada como una gran carta que una mujer escribe al amor de su vida, quien no la recuerda. Joan Fontaine realizó la interpretación de su vida.

• ‘Té y Simpatía’. “Cuando en el futuro hables de esto, y lo harás, sé amable”. Basada en una obra teatral, un film algo atrevido para la época, y para un servidor de lo mejor que filmó nunca Vincente Minelli. Una de esas historia de amor contenido entre dos personas pertenecientes a mundos muy distintos, en este caso, una profesora y un alumno algo peculiar.

• ‘Tú y Yo’. - “¿Qué hace tan difícil la vida?” -”La gente”. Remake de un film magistral de idéntico título, en el que se añadió algún número musical y toques cómicos. El resultado es todavía más perfecto que en el film anterior, en el que se apostaba más por el lirismo. Cary Grant y Deborah Kerr desprenden una química pocas veces vista en una pantalla. ¿Quedamos en lo alto del Empire State?

• ‘Cumbres Borrascosas’. “Si él te ama con todo el poder de su alma durante toda una vida, entonces no te ama tanto como lo hago yo en un día corriente”. Trágica historia de amor, celos y poder de la mano de uno de los grandes, William Wyler, al que muchos llamaron el director de estilo sin estilo. Basada en la novela de Emily Brontë, las posteriores versiones no le llegan a la suela de los zapatos.

• ‘Besos Robados’. “Yo soy definitivo”. Tal vez la visión que tenía Truffaut del amor era la más pesimista, pero también la más certera y realista, retratando como nadie el fascinante universo femenino. Es probable que la tercera aparición en cine de su personaje más querido, Antoine Doinel, sea la más esperanzadora de sus historias amorosas. Inolvidable.

• ‘Annie Hall’. “Después de aquello, se hizo bastante tarde, y ambos nos teníamos que marchar, pero fue genial ver a Annie de nuevo. Me di cuenta de la maravillosa persona que era y… y de cuanta diversión me había aportado conocerla. Y entonces pensé en aquel viejo chiste, ¿sabes? Este tipo que va al psiquiatra y le dice “doctor, mi hermano está loco; ¡cree que es una gallina!” Y el doctor le dice “¿y por qué no le interna?” y el tipo le dice “Lo haría, ¡pero necesito los huevos!”. Bueno, creo que eso expresa justo como me siento con respecto a las relaciones: ¿sabes? son totalmente irracionales, excéntricas y absurdas y… pero bueno, supongo que seguimos en ellas porque la mayoría de nosotros necesitamos los huevos”. Y es que a veces lo mejor es tratar las cosas con sentido del humor. Gracias, Allen.

• ‘Dos en la Carretera’. - “Puta” – “Bastardo”. A un servidor lo han comparado más de una vez con el personaje de Albert Finney en esta inolvidable película, una de las mejores de Stanley Donen. Retrato en clave de comedia amarga de las relaciones amorosas desde el noviazgo hasta el matrimonio. Impecable narración a base de saltos en el tiempo que representan cada una de las fases de una relación. Audrey Hepburn maravillosa.

• ‘Casablanca’. “Siempre nos quedará París”. Una de la películas más perfectas jamás hechas, cuya importancia trasciende los límites del propio cine. Contiene una de las mejores historias de amor de todos los tiempos. Siempre que la veo, espero que Ilsa no se vaya con el tonto de su marido, y se quede con Rick.

Evidentemente faltan muchas, y como siempre ahí estáis vosotros para recordarlas. La próxima semana os ofreceré mi top ten de lo peor de este año 2007 en cuanto a materia cinematográfica se refiere. Recordad que vosotros también podéis hacerlo en el post de mi compi Juan Luis hasta el miércoles.

Difícil, muy difícil me ha resultado en esta tercera entrega escoger simplemente diez títulos de la década de los 40 para incluirlos en mi lista personal de películas favoritas. Mientras me doy de cabezazos contra la pared por haberme dejado injustamente un montón de títulos fuera, ahí os dejo los que bajo ningún concepto faltarían en mi lista. Y que conste que me seguiría golpeando si la lista aumentara a 20 títulos.

• ‘Casablanca’. A estas alturas ya es algo más que una de las mejores películas de la historia del cine. Ya forma parte de la cultura general del siglo XX. Si su modélico guión fuese enseñado en las escuelas de cine, sobre todo en las de nuestro país, los alumnos aprenderían más en 102 minutos que en todo el curso. Cada vez que la veo, y ya he perdido la cuenta, aún sigo pensando que Ilsa no cogerá el avión para irse con el inútil de su marido. Esa sensación sólo la producen las películas perfectas.

• ‘Duelo al Sol’. Para un servidor uno de los mejores westerns de la historia, servido con total maestría por Vidor (y un montón más de directores no acreditados), a pesar de contar, evidentemente por obligación dado quien es el productor del film, con la insoportable Jennifer Jones, que por una vez está perfecta en su papel. La conversación final entre Lionel Barrymore y Lillian Gish o el impresionante duelo que cierra la película son absolutamente inolvidables. Nunca un beso se hizo tanto de rogar.

• ‘Breve Encuentro’. Desde esta película del gran David Lean, las estaciones de tren ya no son lo mismo, ni el concierto para piano nº 2 de Rachmaninoff, ni las historias de amor, ni nada de nada. Si alguien aguanta las lágrimas es que simplemente no es humano. Mil veces imitada o plagiada, y lo seguirán haciendo hasta que el hombre desaparezca de la faz de la Tierra.

• ‘El Diablo Dijo No’. Para un servidor la mejor película que dirigió nunca Ernst Lubitsch, donde un sensacional Don Ameche hacía un repaso de su vida delante del mismísimo Diablo, encarnado por el inolvidable Laird Cregar. Mezcla absolutamente genial de humor y drama, y Gene Tierney, absolutamente maravillosa y genial, como siempre. Todavía no sé a qué esperan para editarla en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’. Si tuviera que elegir unos pocos títulos, digamos unos cinco, de la extensa y modélica filmografía de John Ford, esta película sería una de las elegidas. De una exquisitez y sensibilidad impresionantes, una alegato de la familia como pocas veces se ha visto. Narrada en flashback provoca tal nostalgia en el espectador que parece que conociéramos a sus personajes de toda la vida.

• ‘Laura’. Obra cumbre del cine negro, y probablemente la mejor película del genial Otto Preminger, quien trabajó con Gene Tierney más veces. Por cierto que la actriz nunca estuvo tan fascinante e impresionante como en esta película. Clifton Webb sensacional.

• ‘Retorno al Pasado’. Otra obra cumbre del thriller, esta vez a manos del genial Jacques Tourneur, que contó con los geniales Kirk Douglas y Robert Mitchum para formar un mortal trío con la inolvidable Jane Greer, quien compone una de las más famosas femmes fatales que haya dado el séptimo arte.

• ‘Carta de una Desconocida’. El elegante por excelencia Max Ophüls, realizó en su etapa americana esta inmortal película basada en el relato del atormentado Stefan Zweig, convirtiéndola en el estudio más patético jamás realizado sobre la obsesión y pasión amorosa. Joan Fontaine probablemente nunca estuvo mejor.

• ‘Jennie’. Dalí decía que era la única película que merecía la pena de todas cuantas se hubieran realizado. No estoy de acuerdo, pero sí es cierto que este film del olvidado William Dieterle es único, una de las más extrañas historias de amor, literalmente atemporal, que se hayan filmado. Con Jennifer Jones y Joseph Cotten repitiendo después de la comentada ‘Duelo al Sol’ (trabajarían juntos cinco veces).

• ‘Esta Tierra es Mía’. Para mí Jean Renoir firmó su mejor obra en suelo americano. Con los inolvidables Charles Laughton y Maureen O´Hara el film es un alegato antinazi, y por consecuencia antidictadura de cualquier tipo, de una fuerza sobrecogedora, al mismo tiempo que habla sobre el miedo a morir. Inolvidable final.

Y ahora mientras me sigo golpeando la cabeza contra la pared por tener que dejar fuera esos títulos que muy seguramente vosotros escribiréis, voy preparando mis favoritas de los 50.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30

Cada tanto, el American Film Institute publica su lista de las 100 Mejores Películas de la Historia del Cine. Y hace poco, acaba de salir a la luz pública su última actualización, la edición especial del décimo aniversario del programa.

El Ciudadano Kane de Orson Welles se sigue manteniendo en primer lugar, absoluto, indiscutible e indiscutido. Pero entre los 10 primeros puestos hay algunas sorpresas. El Padrino subió al segundo lugar, desplazando Casablanca a un tercer puesto. Toro Salvaje de Martin Scorsese trepó 20 posiciones con respecto a su ubicación en la lista de 1997, para alcanzar nada más y nada menos que el 4to. lugar, por encima de Singin’ in the Rain (5), Lo que el viento se llevó (6) y Lawrence de Arabia (7).

Spielberg tiene su puesto asegurado entre los 10 primeros lugares con Schindler’s List (8). Vértigo de Alfred Hitchcock escaló 52 casillas para obtener un merecido noveno lugar y El Mago de Oz se ubica en el décimo puesto, después de descender 4 lugares.

La única novedad entre los 20 primeros lugares, es The General, de Buster Keaton. Curiosamente, La Guerra de las Galaxias (en el puesto 13) aventaja a 2001, Una Odisea del Espacio (15 lugar).

Ahora que llega la fiesta del Orgullo Gay y que no hacen más que estrenarse películas sobre el tema de la homosexualidad, aprovecho para publicar esta lista de películas que, en teoría, no tienen la intención de presentar a personajes gays, pero que muestran amistades tan fuertes que, en mi opinión, se acercan bastante a las relaciones entre personas del mismo sexo.

1.‘El señor de los anillos: El retorno del rey’. Vean el vídeo que hay más arriba. Es un montaje con la canción ‘Againts All Odds’, de Phil Collins, en el que todos los planos coinciden con lo que dice la letra en cada momento.

2.Cualquier buddy movie (película de colegas). Por ejemplo, ‘Arma letal’. Cuando se estreno ‘Thelma & Louise’ todo el mundo dijo que probablemente eran lesbianas, pero en películas similares con protagonistas masculinos nadie dice que sean gays.

3.‘Casablanca’.

4.‘Batman Forever’.

5.‘X-Men II’ y III.

6.‘Top Gun’.

7.‘Ocean’s Thirteen’.

8.‘Primera plana’ (es la adaptación de una obra en la que los personajes eran hombre y mujer y acababan juntos).

9.‘300’ (vean este vídeo).

10.‘Raza’ (una escena que Franco mandó cortar).

Nos queda la duda de si sería intencionada o no la homosexualidad en ‘Gilda’, en ‘A mí la legión’ y en muchos otros films que se hicieron en épocas de menor apertura.

En programas o series de TV, libros, etc…

‘Jeeves y Wooster’ — con Hugh Laurie, hoy famosísimo por ‘House’—, ‘Xena’, el Coyote y el Correcaminos, Sherlock Holmes y Watson, La serie antigua de ‘Batman’, Epi y Blas (¿o eran hermanos?), el de las alitas del primer capítulo de ‘Héroes’…

Antonio Lobato y sus comentarios sobre Fernando Alonso en las retransmisiones de Fórmula 1.

En una película, pero en personajes secundarios: R2 D2 y C3 PO en ‘La guerra de las galaxias’.

Stallone tiene varias en otras listas: ‘La fiebre continúa’, ‘Rocky III’, de la cual se puede ver un vídeo más abajo. Y esta vez es el montaje de la película, tal cual.

Tratando de encontrar ejemplos de homosexualidad femenina, me topo con películas, como la ya mencionada ‘Thelma & Louise’ de las que ya se habló al respecto, por ejemplo, ‘Tomates verdes fritos’. No soy capaz de pensar en ninguna donde las protagonistas sean gays sin que nadie lo comente. Además, este fenómeno se produce menos a menudo porque el que ocurre entre los hombres se suele dar por causa de la poca importancia de los personajes femeninos. De tanto relegar a la categoría de objetos o de deseos a las mujeres, la única relación de igual a igual posible es la de hombre con hombre.

Estoy segura de que se os ocurrirán muchas más. Por supuesto, esta entrada está hecha con la intención de divertirse. Es una broma con tono ligero. Que nadie se ofenda, os lo ruego.

Desde que tuve la oportunidad de ver Le Ballon Rouge de Albert Lamorisse, siento una inexplicable debilidad por los globos en el cine.

Teniendo en cuenta que no se puede decir que abunden precisamente, ha sido una muy agradable sorpresa encontrar el proyecto de Famous Balloon Movies en (como no podía ser de otra manera) La Ventana Indiscreta.

Se trata de una recopilación de algunos de los momentos más populares de la historia del cine, a los que se les ha añadido la presencia de un globo, con tanta precisión y buen gusto, que en algunos casos parece que siempre ha estado allí.

Casablanca, Dos hombres y un destino, Con la muerte en los talones... En el enlace de YouTube de Famous Balloon Movies podéis disfrutar la colección completa de vídeos.

Arriba os dejo con uno de mis favoritos, Flotando bajo la lluvia.

Si sois unos desmemoriados como yo, de esos que nunca se acuerdan si Chicago ganó también el Oscar a mejor película o si Forrest Gump lo hizo en el 92 o el 94 (por no hablar de la nebulosa mental que forman las ediciones anteriores), sabréis apreciar la importancia de esta lista que he encontrado en Cinengaños vía Claqueta.net.

Todas las ganadoras del Oscar a la mejor película, con su título original para evitar confusiones, y su enlace correspondiente (cortesía de la casa) para los que me superan en despiste, que digo yo que alguno habrá...

2000s

2006: The Departed
2005: Crash
2004: Million Dollar Baby
2003: The Lord of the Rings: The Return of the King
2002: Chicago
2001: A Beautiful Mind
2000: Gladiator

1990s

1999: American Beauty
1998: Shakespeare in Love
1997: Titanic
1996: The English Patient
1995: Braveheart
1994: Forrest Gump
1993: Schindler’s List
1992: Unforgiven
1991: The Silence of the Lambs
1990: Dances with Wolves

1980s

1989: Driving Miss Daisy
1988: Rain Man
1987: The Last Emperor
1986: Platoon
1985: Out of Africa
1984: Amadeus
1983: Terms of Endearment
1982: Gandhi
1981: Chariots of Fire
1980: Ordinary People

1970s

1979: Kramer vs. Kramer
1978: The Deer Hunter
1977: Annie Hall
1976: Rocky
1975: One Flew Over the Cuckoos Nest
1974: The Godfather Part II
1973: The Sting
1972: The Godfather
1971: The French Connection
1970: Patton

1960s

1969: Midnight Cowboy
1968: Oliver!
1967: In the Heat of the Night
1966: A Man for All Seasons
1965: The Sound of Music
1964: My Fair Lady
1963: Tom Jones
1962: Lawrence of Arabia
1961: West Side Story
1960: The Apartment

1950s

1959: Ben-Hur
1958: Gigi
1957: The Bridge on the River Kwai
1956: Around the World in 80 Days
1955: Marty
1954: On the Waterfront
1953: From Here to Eternity
1952: The Greatest Show on Earth
1951: An American in Paris
1950: All About Eve

1940s

1949: All the King’s Men
1948: Hamlet
1947: Gentleman’s Agreement
1946: The Best Years of Our Lives
1945: The Lost Weekend
1944: Going My Way
1943: Casablanca
1942: Mrs. Miniver
1941: How Green Was My Valley
1940: Rebecca

1930s

1939: Gone with the Wind
1938: You Can’t Take It with You
1937: The Life of Emile Zola
1936: The Great Ziegfeld
1935: Mutiny on the Bounty
1934: It Happened One Night
1932/33: Cavalcade
1931/32: Grand Hotel
1930/31: Cimarron

1920s

1929/30: All Quiet on the Western Front
1928/29: Broadway Melody
1927/28: Wings

Tratamos siempre de informaros sobre cuando salen a la luz la gran mayoría de trailers, y si no intentamos comentaros donde podéis verlos. La cuestión es que los grandes clásicos de la historia del cine, como es de suponer, tuvieron también sus trailers, con diferentes estilos a como se hacen ahora. ¿Por qué no revisitarlos y compararlos con los títulos actuales? La red permite hacer esto con facilidad. ¿Para empezar? Casablanca.

Descubrir vosotros como se promocionaban antes las películas. ¿Levantaba este trailer las suficientes expectativas para lo que luego terminó siendo una de las joyas de la historia del cine? Para descubrir, sin duda. ¿Qué os parece?

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La Writers Guide of America ha presentado los que a su entender son los 101 mejores guiones de la historia del cine, tras una votación entre sus miembros. La selección viene encabezada por ‘Casablanca’, escrito por Julius Epstein, Philip Epstein y Howard Koch. A continuación y por orden, ‘El Padrino’, de Francis Ford Coppola y Mario Puzo; ‘Chinatown’, de Robert Towne; ‘Ciudadano Kane’, de Herman Mankiewicz y Orson Wells; y ‘Eva al desnudo’, de Joseph Mankiewicz.

Curiosamente todas grandes obras maestras de la historia del cine, que demuestra la importancia del guión. Por poner peros a la lista, indicar que sólo se incluyen 6 guiones que no sean de películas americanas. ¿Por qué esa tendencia de los guionistas americanos por no considerar el cine que se hace fuera de sus fronteras? Woody Allen tiene tres películas incluidas en la selección y Billy Wilder cuatro.

Se podría sacar mas punta a las películas que finalmente han seleccionado, pero llegaría un momento que nunca nos pondríamos de acuerdo. No obstante, considero que el guión de El Padrino II es infinitamente superior que el de El Padrino, pero como indico es cuestión de gustos, y seguramente faltarán muchos. ¿Por ejemplo? ‘El verdugo’ de Rafael Azcona, Luis García Berlanga y Ennio Flaiano. Española, por cierto.

Lista con los 101 mejores guiones.

Gracias Luis.

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