Aprovechando que publicamos las candidaturas a los Oscars 2011, la encuesta de la semana pasada giró en torno a estos premios, los más famosos del séptimo arte. A continuación os dejo los resultados, como siempre, bastante llamativos:

• El mayor “olvido” en las nominaciones de este año ha sido no incluir a Christopher Nolan entre los mejores directores. Es lo que piensa el 50% de los lectores. Al igual que ocurrió hace dos años con ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’), la Academia no ha tenido en cuenta la dirección de Nolan, y ‘Origen’ (‘Inception’) tiene todas las papeletas para ser una de las perdedoras de la próxima edición de los Oscar (curiosamente, sí ha considerado que Nolan ha escrito uno de los cinco mejores guiones originales de 2010). Tampoco está nominado Leonardo DiCaprio, a pesar de protagonizar dos éxitos de dos de los cineastas más populares y aplaudidos del presente, la mencionada ‘Origen’ y ‘Shutter Island’ de Martin Scorsese; DiCaprio debería ser candidato al Oscar este año según el 13% de los lectores.

• La mayor injusticia de la historia de los Oscars es que Charles Chaplin no fuese premiado como director y/o actor (solo compartió un galardón por la música de ‘Candilejas’). Es la opción que ha votado casi un tercio de los lectores, quedando en segundo lugar Alfred Hitchcock (ningún Oscar), con un 26% de votos, y Stanley Kubrick (solo le dieron una estatuilla por los efectos especiales de ‘2001’), con un 20%.

• Johnny Depp debería tener ya una estatuilla (ha sido nominado en tres ocasiones). El actor fetiche de Tim Burton ha sido el vencedor en la pregunta más igualada del cuestionario con un 20% de los votos. El 13% de los lectores votó por Ed Harris y un 11% por Ridley Scott.

• Lo más escandaloso de la historia de estos premios es que ‘Shakespeare in Love’ fuese la gran triunfadora en 1999. La película de John Madden se llevó 7 Oscars aquel año, incluyendo mejor película, director, guion original y actriz principal, cuando competía con títulos como ‘Salvar al soldado Ryan’ y ‘La vida es bella’, entre otros. Esta opción ha sido la más votada con diferencia, por más de un tercio de los lectores; en segundo lugar ha quedado el Oscar a Sandra Bullock por ‘The Blind Side’ el año pasado (11% de votos), y después el triunfo de ‘Chicago’ en la edición del año 2003 (10% de votos).

Eso es todo. En breve comenzaré a preparar un nuevo cuestionario, si tenéis alguna sugerencia, no dudéis en comentarla.

PD: Uno de los muchos momentos geniales que nos dejó Chaplin:

Muertos en vida, arropados por la sociedad del bienestar (que emplea el cuento de la crisis como si esgrimiera el mito del hombre del saco, para que nos sujetemos con más fuerza a las sábanas confortables pero traicioneras del capitalismo), anquilosados en nuestro interior y amenazados de parálisis en el exterior, el viejo rito de la aventura como catalizador de la indomable voluntad del hombre para alcanzar la libertad como condición vital indispensable parece más necesario que nunca, pero nunca se han producido historias de aventuras (las que así se llaman) más pobres y falsas que las de este tiempo, y nunca los espectadores han sido tan poco proclives a dejarse caer en sus vivificadoras, transgresoras, libérrimas redes.

Si rastreamos, no sin escepticismo, los valores máximos en los que muchos espectadores se sostienen para considerar una película como importante, uno de ellos es el absolutamente falsario de la originalidad, que ignora que nada es original salvo la mirada de un artista, el cual maneja cuestiones, conceptos o ideas que, necesariamente, ya han sido tratados con anterioridad. Y muchos otros se basan en cuestiones tan resbaladizas como las del contenido de su historia, lo que a mi modo de ver es una degradación extrema de las posibilidades del cine como vehículo de la verdad. Lo más importante en arte nunca será el qué, sino el cómo y el por qué.

Decía el gran Robert Bresson, uno de los escasos directores que comprendieron las posibilidades reales del cine:

“Todo el mundo busca contenidos en una película, cuando lo único que importan son las formas y el misterio que esas formas encierran”

Pero el espectador, que usa el cine como una botella de Coca-Cola aún en los casos en los que intenta buscar en él cuestiones con las que nada tiene que ver, como el conocimiento o el mejorar a la raza humana (como si una historia pudiera hacernos mejores de lo que somos…), parece cada vez menos predispuesto a entrar en el misterio de las imágenes, muchas veces a cargo de los más grandes cineastas que, no por casualidad, son los más sencillos y precisamente por eso los más atacados, tanto por los que confunden complejidad con complicación como por aquellos incapaces de emocionarse en una película. Porque de emoción hablamos, de la emoción como la más noble de las sensaciones que puede experimentar el artista y el espectador.

Decía Andrei Tarkovski, al que dedicaremos un especial en un futuro, después de terminar otras obligaciones:

“Cualquier creación tiende a la sencillez, a una expresión sencilla en grado extremo. El tender hacia la sencillez supone un tender a la profundidad de la vida reproducida. Pero encontrar el camino más breve entre lo que se quiere decir o expresar y lo realmente reproducido en la imagen finita es un de las tareas más costosas en el proceso de creación. La tendencia hacia la sencillez supone una atormentada búsqueda de la forma de expresión adecuada para esa verdad que ha conocido el artista.”

Tanto Tarkovski como Bresson representan dos iconos del cine de autor (el único que verdaderamente soportará el zarpazo del tiempo), los cuales, sin embargo, filmaron el cine de aventuras más exquisito que un paladar exigente pueda degustar. Y seguramente sin pretenderlo. No en vano Tarkovski renegaba de la aventura como género y del cine de evasión como opio para el pueblo, pero ‘Stalker’ (una de cuyas perturbadoras imágenes vemos sobre estas líneas), que cuenta el viaje de un perdedor (el guía), un escritor y un científico hacia la inquietante Zona, es una road movie, casi un western, y ‘Un condenado a muerte se ha escapado’, la obra de arte de Bresson, es la aventura carcelaria y la búsqueda de libertad más emocionante que se ha narrado en una aventura cinematográfica.

Porque, hablémoslo claro ya de una vez, el más importante, el más hondo y profundo cine de ficción que existe es aquel que narra una aventura hasta sus últimas consecuencias, y que nos electriza con la honda verdad de los personajes de carne y hueso (aunque están prisioneros en las falsas dos dimensiones de una pantalla) que la viven. ¿Acaso no ordena el director al comenzar a rodar, y esto no es casualidad, la palabra ‘acción’? ¿Acaso la palabra drama (ese calificativo tan prestigioso en el que se escudan ciertos analistas para desdeñar la acción) no proviene del griego dram, que significa acción? Acción, que en su primera acepción significa “ejercicio de la posibilidad de hacer”. Es decir, potencia para existir, elegir y cambiar las cosas. Es decir, libertad. Es decir, aventura.

El estúpido descrédito en que ha caído la acción

Pero, una y otra vez, se comentan películas como buenos ejemplos de cine de aventuras, que sin embargo, por ser cine de aventuras, es relegado a un escalafón menor, echando al leproso de la fiesta y anteponiendo películas “con contenido”, o “con mensaje”, o con mayor “profundidad”. ¿Qué puede ser más importante decirle a un moribundo en su lecho de muerte, qué le dará mayor esperanza? Y en cuanto a contenido, ¿qué mayor verdad o conmoción existe que la de la aventura de escapar de la muerte?

Por supuesto, no hablamos de ese cine de acción elaborado para saciar la vaguería del espectador adolescente, pero quizá sí de aquella acción que hermana al niño con el anciano. No, por cierto, la de los tiroteos de los superhéroes voladores, o la de los caracteres de cartón-piedra, sino la del hombre corriente enfrentado a situaciones que le superan y ponen patas arriba su existencia, el hombre enfrentado a la cólera de Dios, y poniendo en juego su mortalidad y su juicio en una prueba cuyo desenlace importa menos que el camino que se elige para llevarla a cabo.

¿Puede haber aventura mayor que la que vive, por ejemplo, el personaje de Mel Gibson en la película de Shyamalan ‘Signs’? En esta obra maestra del cine contemporáneo el hombre, como el artista cada vez que crea, se enfrenta a Dios, y conversa con él de tú a tú. Es una formidable película de aventuras, pero en tono de tragedia íntima, que no enmascara la trepidación violenta (moral, psicológica) que experimenta un personaje que ha perdido la fe y va a recuperarla. Porque todas las grandes películas de la historia del cine son cine de aventuras en grado superlativo.

¿O no son supremas historias de aventuras ‘Lawrence de Arabia’, ‘Doctor Zhivago’, ‘El puente sobre el río Kwai’, de David Lean; ‘Nosferatu’, ‘Amanecer’, ‘Fausto’, de Murnau; ‘Centauros del desierto’, ‘Las uvas de la ira’, ‘El joven Lincoln’, ‘Fort Apache’, ‘La diligencia’, ‘El hombre tranquilo’, ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, de Ford; ‘El manantial de la doncella’, ‘Fresas salvajes’, ‘El séptimo sello’, de Bergman; ‘Alphaville’, ‘Pierrot le fou’, de Godard; ‘Madame de…’, ‘Carta de una desconocida’, de Ophüls; ‘Río Bravo’, ‘El Dorado’, de Hawks; ‘Con la muerte en los talones’, ‘Encadenados’, ‘Vertigo’, ‘Psicosis’, de Hithcock; ‘La infancia de Iván’, ‘Andrei Rublev’, ‘Stalker’, ‘Sacrificio’, de Tarkovski; ‘Un condenado a muerte se ha escapado’, ‘Diario de un cura de campaña’, ‘Pickpocket’, ‘Mouchette’, de Bresson; ‘El chico’, ‘Luces de ciudad’, ‘Candilejas’, de Charles Chaplin?

Por supuesto que no pertenecen al género, violado y humillado tantas veces, de la aventura. Ford, Chaplin, Ophüls y compañía son su propio género en sí mismos. Pero estos títulos son aventura, muchas veces sin proponérselo, pero son la aventura del hombre contra la muerte, que es lo más hermoso que puede contar una película. Pero, hoy en día la acción, el cine, la aventura, no son más que coartadas para que muchos pueblen páginas con su incomprensión.

El mismo fin de semana, y esto es sintomático, se estrenaron ‘Avatar’ y ‘Donde viven los monstruos’, y muchos vieron la primera y muy pocos la segunda, pero muchos alabaron la segunda y muy pocos la primera. Yo ya he visto dos veces la noble película de James Cameron (al que muchos saben que admiro a pesar de filmar estupideces de tan escaso buen gusto como ‘True Lies’) y nunca más veré la de Spike Jonze, pero muchos preferirán la del segundo porque está llena de contenido, de mensajes, y de intenciones de autor, a pesar de que fracasa en casi todo, mientras que jamás tendrá el dominio del ritmo, la vida, la verdad y la aventura primordial (que muchos, queriendo atacarla, llaman infantil, cuando eso en realidad puede ser una virtud) del primero.

En la biografía novelada ‘Yo, Fatty‘, el propio ‘Fatty’ Arbuckle al referirse a Charles Chaplin lo hace siempre como ese pequeño cómico inglés de gran talento, que le impresionaba por la cantidad de veces que ensayaba hasta tener perfecta sus secuencias. Y es que era un perfeccionista. Cuando Chaplin se metió de lleno en la realización de películas, el tiempo de preproducción, rodaje y montaje del mismo le llevaba bastante tiempo, algo fácil de entender cuando era creador absoluto de todo lo que tuviese que ver con su película. Y como también era productor, sabía jugar con ese tiempo de espera de una manera tan beneficiosa, como para despertar ansiedad entre sus seguidores de cara a un nuevo estreno.

‘Tiempos Modernos‘ es de 1936, y cuantos la han calificado de crítica social sobre el sueño americano, no es más que un canto al optimismo frente a los duros momentos de la época. En realidad, con el auge del sonoro, lo que quería Chaplin era rendirle un homenaje sentido a su gran creación, a ese Charlot que nunca dijo una palabra en pantalla, y que pese a las penurias siempre trataba de salir adelante con alegría. Representaba, y eso lo llevaba el propio Chaplin sobre sus espaldas, la ilusión del hombre bueno y con un corazón noble que siempre se reponía de las desgracias. Así que no es de extrañar, que con todo el tiempo que dedicaba a preparar sus películas, unido a su inmenso talento, ‘Tiempos modernos’ tengan tantas secuencias a destacar, empezando por la de la fábrica, la crisis del Charlot obrero, y ese viaje por las tripas del capitalismo que suponen su tránsito por los engranajes de la máquina…

Sin embargo, si por algo destaca ‘Tiempos modernos’ es porque incluye la única escena en la que Charlot personaje habló en el cine, y hasta ahí Chaplin estuvo sobrado de talento. Siendo icono del cine mudo, cantó en vez de hablar, y no en inglés sino con palabras inventadas, incomprensibles, como si realmente diera igual que hablase o no, insinuando que el talento no dependía de la llegada del sonoro. Afirmación que encerraba muchísimas verdades.

En el filme se incluyeron algunos efectos sonoros como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces, así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Pese a eso, Chaplin se mantuvo fiel a la idea de que sus personajes y Charlot (recordemos que en realidad el personaje y más en concreto en esta película es The Tramp o El Vagabundo) no hablasen. La combinación puede resultar extraña, aunque por el contrario lo que consiguió fue gran expresividad de todos sus actores, todos sus movimientos están medidos al detalle.

De todas formas uno entiende que en realidad, tal como está estructurada la película, con esa introducción tan particular del sonoro y el hecho de que sus personajes estén mudos, que el objetivo real de Chaplin es ir preparando el camino, y para que los espectadores vayamos haciéndonos a la idea: en algún momento de ‘Tiempos modernos’ Charlot va a hablar. Que por fin, los millones de admiradores del personaje van a oír su voz. El acontecimiento, por único, sucede al final del film y con sorpresa.

Charlot trabaja de camarero en un restaurante, y es un desastre, aunque tiene la suficiente habilidad como para ser capaz de entretener a los clientes del establecimiento. Tiene que hacer un número de música, cantando una canción cuya letra no logra aprender. Para salir adelante, el personaje de Paulette Goddard le escribe en un nota la letra de la canción, que Charlot mete en la manga de su camisa, y cuando va empezar a cantar comprueba que la ha perdido, que su única solución consiste en improvisar la letra.

Y ahí Chaplin de nuevo arremete con su enorme talento, permitiendo poder escuchar brevemente su voz, cantando una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como “Charabia“, e inventada, cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés. El público en el restaurante no entiende nada pero se divierten, y los espectadores al verlo se preguntan, ¿qué estará diciendo?, y también sonríen. La broma y crítica de Chaplin es fuerte, me imponen unas reglas, pero en realidad soy yo quien va a imponer sus reglas. ¿Queréis oír mi voz? Pues será a mi manera. Charlot le pertenece a él, y no habla, o para la única vez que lo hace, no se le entiende, lo que viene a ser lo mismo. Paga lo que de verdad se deseaba por la época de su estreno, ahí tenéis mi voz para que la escuchéis.

Durante la exposición que le dedicaron a Charles Chaplin el pasado año en el Forum de la Caixa, la secuencia anterior tenía una sala dedicada, con la letra de la canción superpuesta para entender lo que decía, las palabras sueltas unidas sin sentido, pero también existía otros momentos dedicados a esta película.

Es parte de su final, también universal, porque Chaplin lo que estaba haciendo era mostrarnos el adiós de Charlot, acompañado en el camino hacia el futuro que representa esa carretera hacia ninguna parte y que desconocemos lo que la misma les va a deparar. Lo hace con alegría, Charlot no podía acabar triste, no en vano a esta escena se la conoce como Smile, con Charlot tirando de ternura para conseguir que el personaje de Paulette Goddard saque a relucir una sonrisa en sus labios ante tanta mala suerte.

El plano final, con el punto de vista de la cámara desde detrás, viendo alejarse a los dos, es la marca de la casa de todos los trabajos de Chaplin con Charlot. La diferencia estriba en que esta vez Charlot no hace el viaje solo, que ahora tiene una compañera y piensa vivir una aventura con ella, pero que nosotros nunca sabremos cual será. Así quiso apartar Chaplin a su creación.

En 1936, con ‘Tiempos modernos’, Chaplin abandonó a su personaje en la cima, antes de que terceros avariciosos le dijesen que hacer con él, y pese a que quisieron que lo recuperase más tarde con ‘El gran dictador’, ya no era un vagabundo, sino un barbero. The Tramp no podía hablar, su mundo era el cine mudo, el cine sonoro debía pertenecer a nuevos personajes. Esa carretera, y el final que no se ve, es lo que piensa Chaplin de la nueva situación. No sabe que le va a deparar el futuro, pero se adentra en él, como crítica velada a una sociedad que no sabía como levantarse ante el duro despertar del sueño americano.

Otras secuencias mágicas, más cine especial e inolvidable.

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Charles Chaplin y Buester Keaton surgieron en un momento en que la idea del sin sentido burlesco se impuso en la pantalla. Tomando esa gran certeza, ocurrió que algunos acusaron a Chaplin de sentimental y consideraron a Keaton más cercano al espíritu de su tiempo, refiriéndose a la época del cine mudo que ambos vivieron. Sin embargo, con el pasar del tiempo, y la llegada del sonoro, el prestigio de uno creció y el del otro se apagó, lo cual no quita para que se reconozca la grandeza de ambos cineastas (leáse con mayúsculas).

Una de las claves del éxito de Charlot fue la pantomima, sus movimientos automatizados… la certeza de que el cuerpo habla, como también pensaba el propio Keaton, pero no al nivel de Chaplin, con menos pantomina, pero ambos con altas dosis de planificación para los gags visuales. Y pese a su predisposición, el problema fue que nunca llegaron a coincidir en pantalla cuando ambos estaban arriba, en el auge del cine mudo.

Esta falla iba a quedar para siempre, salvo que en una ocasión, y a mayor capricho de Charles Chaplin, éste quiso rendir homenaje a la figura del cineasta que nunca sonrió en pantalla en una de sus películas. El instante privilegiado ocurrió en ‘Candilejas’, en la escena final en la que Chaplin y Keaton comparten el mismo escenario. Con una idea en la cabeza de Chaplin, recordar al público que hubo un tiempo en que la subversión por lo cómico fue la esencia del mundo del espectáculo.

A su manera, ambos reflejan sus virtudes y su estilo de actuación y comicidad. Chaplin quería mostrar que el talento pese a la edad nunca abandona a la persona, y que con una simple idea se podía improvisar una escena sin mediar palabra, canto al teatro de vodevil del que ambas figuras surgieron.

Todo lo comentado con anterioridad de la secuencia en cuestión de ‘Candilejas’ (Limelight), tiene su explicación y su sentido en la secuencia del camerino, previa a la demostración de dos genios del cine.

En ella, en como se preparan, y en la tensión que refleja la cara de Chaplin ante la idea de recuperar lo que una vez fue suyo: el escenario. Expone el irremediable paso del tiempo para unos actores que no pueden hacer frente al progreso, pero que se regalan una última actuación para el recuerdo. De ahí la genialidad de Chaplin de juntarse en escena con Keaton, dejar algo para la historia, independientemente del resultado final de la película.

Y a pesar de esto que comento, para la historia del cine y del momento en que se estreno la película, quedó su inmortal banda sonora, compuesta por el propio cineasta, la demostración que hasta en eso Charles Chaplin fue un genio.

Contraste entre el ayer y lo que ambas figuras representaban, junto al presente presa de los productores y del dinero, alejado del arte y la figura del artista, y una crítica frente al olvido en la que caían aquellos con talento y un éxito ya lejano en el tiempo.

Ver a ambos maestros en acción, reconforta. Una más entre tantas secuencias mágicas del necesario séptimo arte, a mayor gloria de Charles Chaplin y Buster Keaton.

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Para los pocos que aún no lo sepan, la muestra ‘Chaplin en imágenes’ estará en la sede de CaixaForum de Madrid hasta el 19 de octubre de este año. La exposición hace un repaso a su obra. En concreto, reúne alrededor de 250 documentos entre álbumes, recortes y fotografías, e incluso se pueden visionar algunos divertidos extractos de películas, junto a series de fotos y material inédito de uno de los mayores genios del 7º arte.

Esta introducción sirve para refrescar la memoria sobre la figura de
Charles Chaplin y sobre el personaje que inmortalizó, Charlot, que es un nombre que sólo se utiliza en español, en francés y en italiano (por ejemplo, en Brasil le llaman Carlitos). En realidad, el personaje de Charlot no tenía nombre, era simplemente un vagabundo, o “The tramp”, como así aparece reconocido en todos los créditos de sus obras. Quizás esa sea su grandeza, la de un desconocido sin nombre. Chaplin se inventó un personaje tanto en sus ideales, como en sus gestos, sus pensamientos, y su manera de vestir. Quería algo diferente a lo que veía en la realidad en el día a día, buscar la forma de poner los pies en el suelo en el denominado sueño americano. Su particular crítica social. Así, definió un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, emotivo, sentimental, melancólico frente a la injusticia de la sociedad moderna. Además, le quiso hacer caminar de una manera inconfundible y reconocible.

También fue determinante su indumentaria de vagabundo. Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, estrecha, los pantalones de Fatty Arbuckle y las botas de Ford Sterling, más grandes que su talla, el bigote de Mark Twain, que era pintado, un sombrero bombín que le venía pequeño y un bastón arqueado, lo único propio de Chaplin que incorporó a la indumentaria.

Todo lo anterior, tanto en cómo elaboró el perfil del vagabundo, como los elementos visuales que le caracterizarían, quedaron determinados en el final de ‘The Tramp’, un mediometraje de la Essanay, en el que sobresale su lírico y triste final, con Charlot de espaldas, alejándose por el camino, hasta que empieza a moverse alegremente (quien puede olvidar el salto en aire con golpe de talones), mientras la cámara ha ido cerrando paulatinamente el iris a negro. Imagen que es uno de los iconos de la historia del cine.

La primera ocasión en la que apareció el personaje de Charlot fue en ‘The Kid Auto Race In Venice’, que interpretó para Mack Sennett dentro de Keystone. No era el actor principal, pero en ese trabajo dio sus primeras pinceladas el personaje. Su debut como protagonista sucedió en ‘Making a Living’, también para Keystone, al que muchos consideran de verdad el primer papel de Charlot, y que le dio fama y éxito instántaneo.

Sin embargo, sus mejores trabajos en el mundo del cortometraje, y en estos primeros años, fueron primero para la productora Essanay, y después para Mutual (en esta última con control absoluto sobre toda la obra), todo esto antes de fundar el mismo United Artists con otros actores. En esos años 1915 a 1917, principalmente, y ya cuando dirigía sus propias películas, estableció su método de trabajo. Se reunió de un grupo estable de actores y colaboradores habituales y de confianza, entre los que destacaba la actriz Edna Purviance (de la que se puede decir que fue su gran pareja artística). Allí, estableció un estilo dirigiendo: obsesivo en su trabajo, repetía cuantas veces fuese necesario las tomas hasta que la coreografía de los personajes encajaba perfectamente (recordar que estamos en la época del cine mudo).

Por ese motivo, os traemos varios de los trabajos de esta época de su filmografía, auténticas joyas, que en los años 20 y siguiente verían su continuación en obras como ‘El chico’, ‘La quimera del oro’, ‘El circo’, ‘Luces de la ciudad’, ‘Tiempos modernos’ y ‘El gran dictador’. En ‘Tiempos modernos’ se dice que Chaplin enterró el personaje de Charlot, con un final en el que caminaba sin rumbo hacia lo que el futuro le deparase. Sin embargo, recuperó el personaje en estilo, no como un vagabundo sino como un barbero, en El gran dictador, donde se puede decir que el personaje de Charlot en sí hizo su última aparición.

¿Os preguntaráis por qué ‘Wall-E’ aparece en el título de la entrada? La razón es simple. Wall-E es un homenaje al cine mudo que representaron Charles Chaplin y Buster Keaton. Los gags son visuales, y la sinceridad, expresividad, inocencia y ganas de luchar corresponden a Charlot, que en la mayoría de sus aventuras se movía siempre por amor. Cualquiera que vea la película de Pixar y lo compare con todos estos cortometrajes de Charles Chaplin y su vagabundo, entenderá lo que digo. Pixar demuestra que se los vio, y los acopló a la caracterización de su robot. Porque el personaje de Wall-E es tan grande, que cumple, y con creces en su homenaje al maestro en que se basó. Ese Charlot, Charles Chaplin, que uno tiene como momento álgido del cine de toda la vida. Esa es una razón, entre otras, para ver ‘Wall-E’.

The Kid Auto Race In Venice, 1914

Making a living (Charlot periodista), 1914

Chaplin interpreta a un falso aristócrata inglés, que adquiere trabajo como reportero, donde, entre otras ocurrencias, roba las notas y la cámara de un compañero para darse la autoría de una noticia. El afectado lo persigue en una secuencia cómica muy caótica, en la que terminan ambos en el quita piedras de un tranvía.

The Tramp (Charlot vagabundo), 1915, Parte 1

El vagabundo Charlot salva a una damisela en apuros, que pasea por el bosque con su dinero demasiado a la vista. Agradecido, su padre le ficha para que trabaje en su granja, donde arma más de un lío mientras se enciende su amor por la chica.

The Tramp (Charlot vagabundo), 1915, Parte 2

The Champion (Charlot boxeador), 1915

Charlot, en una memorable interpretación, es un vagabundo sin futuro que para comer se mete de sparring de boxeo. Sin querer tumba a un boxeador y le entrenan para combatir por el campeonato del mundo. Entre medias quieren amañarle el combate y se enamora de la hija de su entrenador.

De esta película es complicadísimo encontrar una versión completa con los 30 minutos que la forman. Hay distintas versiones con cortes, saltos en el tiempo, retirada de carteles con información. A los genios también los maltrataban en los albores del cine. La que hemos encontrado es una versión de 20 minutos, que deja ver la genialidad de Chaplin pese a los recortes.

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 1

Charlot es un músico ambulante que hace amistad con una joven que ha sido raptada por unos gitanos. Aquí es donde demuestra el patetismo y a la vez la más genial ternura de sus primeras actuaciones.

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 2

The vagabond (Charlot músico ambulante), 1916, Parte 3

One AM (Charlot a la una de la madrugada), 1916, Parte 1

Charlot vuelve a la casa de un amigo después de una noche de juerga. No tiene la llave y sufre diversos tropiezos con una pecera, animales embalsamados, un suelo encerado y una cama empotrada en la pared.

One AM (Charlot a la una de la madrugada), 1916, Parte 2

The pawnshop (Charlot prestamista), 1916

Charlot trabaja en una tienda de empeños. Todo le sale mal hasta que un día afortunado salva a la tienda y a su jefe de un robo en la misma.

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 1

Charlot se presenta para guardia municipal y consigue el trabajo. Ahora tendrá que buscar el valor para desempeñar su arriesgada misión ante los delincuentes.

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 2

Easy street (Charlot en la calle de la paz), 1917, Parte 3

The adventurer (Charlot presidario), 1917, Parte 1

La alarma suena y un presidiario desesperado se escapa de manos de la ley. Charlot, es el preso por “error” que origina los problemas más increíbles a la policía.

The adventurer (Charlot presidario), 1917, Parte 2

Más información | El País

En blogdecine películas gratis a puñados

• ‘Amanecer’ de Murnau
• Charlot y ‘La quimera de oro’
• Charlot y ‘Luces de la ciudad’
• Descubriendo a Buster Keaton
• Tiempos Modernos
• El acorazado Potemkin

Dicen que las películas de Charlot se veían en USA como una forma de escapar a los malos momentos, de olvidarse los problemas de la depresión. Y que no comentar de esta película a lo que ya aportó Alberto en su lista de sus favoritas del cine mudo, que tiene algunas de las secuencias más inmortales de la historia del cine: el baile de los panes, las botas comestibles, la casa pendular sobre del desfiladero, el salón del oeste imaginario…, la película al completo. Sin embargo, voy a comentar lo que supuso para mí ver esta película. De nuevo un cine club de La2, cuando sólo había dos canales en televisión. Fue la primera película que vi de Charles Chaplin, la segunda muda, poco después de ‘Nosferatu’, y para mí fue la confirmación de lo grande que era el cine de los pioneros. A partir de ahí, Charlot me ganó el corazón.

Como comenta un lector en la entrada de las películas favoritas del cine mudo, existen dos versiones de ‘La quimera del oro’, la original y una revisión del propio director realizada en 1942, donde ponía una voz en off para narrar algunas de las secuencias, poniendole sonido y cambiando de 18 a 24 fotogramas por segundo, todo por la sensación que tenía el director de hacer más cortos los intervalos entre las secuencias de humor. También cambió el final, lo que motiva que algunos, yo entre ellos, prefiramos el original a la revisión que realizó. No obstante, para que valoréis ambas, en la continuación de la entrada las tenéis disponibles. Y pensado para aquellos que quieren seguir soñando con el cine mudo.

La quimera del oro, versión 1942

La quimera del oro 1/9

La quimera del oro 2/9

La quimera del oro 3/9

La quimera del oro 4/9

La quimera del oro 5/9

La quimera del oro 6/9

La quimera del oro 7/9

La quimera del oro 8/9

La quimera del oro 9/9

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• Descubriendo a Buster Keaton
• Luces de la ciudad

Recuerdo como si fuese ayer mismo, un domingo de hace seguramente 20 años, el ciclo que La2 le dedicó durante bastantes tardes de domingo consecutivas al cine de Charles Chaplin. Si algún pero me pongo, fue que me enganche tarde al mismo, todo porque a mi joven edad, el cine mudo poco menos que era algo que sabía que existía, sin acercarme a él por pura pereza, ¿quién querría ver una película donde los personajes no hablaban y en blanco y negro?, pensaba erróneamente. Un buen amigo me comentó con acierto, “no sabes lo que haces, si algo bueno tienen las películas mudas, es lo difícil que resulta encontrar una que sea mala, y además ninguna aburre”, acto seguido me entregó el vídeo de ‘Nosferatu’, y me obligó a verla. El resto es una amor declarado al cine mudo, desde esas tardes de domingo.

Si me piden que escojan un largo de Charles Chaplin, no podría. Si me dicen que diga cuál es mi favorita, responderé sin dudar que ‘City Lights’ (Luces de la ciudad), y no sólo por la grandiosa secuencia del combate de boxeo, sino por la banda sonora que no paro de tararear en mi cabeza, por como Chaplin narra una historia de amor tan bonita, porque Charlot es el entrañable vagabundo de enorme corazón que forma parte del séptimo arte… y porque, como dijo Alberto en su serie de sus películas favoritas de los años 30, “pocas películas producen el mismo efecto que ésta”, y más con el auge del sonoro que se vivía. Una vez entras en su juego, ‘Luces de la ciudad’ te atrapa.

Una de las obras maestras de este director, una de las más grandes historias de amor de la historia del cine. Para áquellos que no la hayan visto, la encontráreis entera en la continuación de la entrada, son algunas de las joyas del cine que se pueden encontrar disponibles en Internet gratis.

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Escena nunca añadida a City Lights

En blogdecine, la serie sobre las películas gratis a puñados:

• El acorazado Potemkin
• Tiempos modernos
• Descubriendo a Buster Keaton

Hace unos años que Peter Bogdanovich dirigió ‘El Maullido del Gato’, un título muy llamativo para una película que pasó sin pena ni gloria pero que cuenta una historia muy curiosa. Una de esas leyendas negras de Hollywood que tanto morbo tienen y tanto nos gustan. En concreto, el film gira en torno a la muerte del productor Thomas Harper Ince. Muchas versiones de un suceso que aquí, en ‘El Maullido del Gato’, se dice que fue un asesinato involuntario cometido por William Randolph Hearst, que creía estar disparando sobre Charles Chaplin.

Bogdanovich rueda con elegancia pero no va más allá de los términos convencionales; no hay fuerza en la narración, ni imaginación en la puesta en escena. Por otro lado, algunos personajes son un poco inverosímiles y los diálogos (aunque hay frases chispeantes) son demasiado explicativos y abundantes. Aún así, como he dicho, la cuestión principal es muy jugosa y la película no deja de tener interés al tener como protagonistas a personajes históricos como Ince, Hearts o Chaplin.

El argumento de ‘El Maullido del Gato’ (‘The Cat´s Meow’, 2001) es el siguiente: En noviembre de 1924, una misteriosa muerte sacudió Hollywood. A bordo de su yate Oneida, el magnate de los medio de comunicación William Randolph Hearst compartió una violenta velada con su amante, la corista Marion Davies, el director y actor Charlie Chaplin, el productor Thomas Ince y la columnista de cotilleos Louella Parsons. Según parece, durante esa fiesta, el poderoso Hearst asesinó por error a Ince, cuyo cumpleaños era el motivo de la reunión, confundiéndolo con Chaplin, ya que estaba convencido de que su protegida Marion Davies lo engañaba con él. Nada de esto fue jamás confirmado por ninguno de los presentes, por supuesto, dándose otras versiones menos espectaculares del suceso.

Empezando por el poco inspirado guión de Steven Peros (basado en su propia obra de teatro), pasando por la ausencia de una verdadera estrella al frente del reparto, y acabando, especialmente, por la correcta pero insípida dirección de Peter Bogdanovich, ‘El Maullido del Gato’ tenía todas las papeletas para pasar sin pena ni gloria. Para rellenar espacio en televisión. Y eso me hace preguntarme muchas veces en qué pensaban para gastar tanto dinero. Pero bueno, ya sé, hay proyectos que resultan muy ilusionantes en un principio.

La película, salvando el asunto del crimen, por sus famosos protagonistas, no tiene ningún punto de interés que mantenga al espectador con la mirada pegada a la pantalla. La trama avanza lentamente, se repiten situaciones, los diálogos resultan cansinos y son pocos los personajes que resultan creíbles y/o atractivos. De vergüenza ajena, por ejemplo, la escena del alocado baile, con demasiado ruidosa alegría por parte de todos para tan poco alcohol consumido. Para colmo, el momento cumbre de la historia está muy mal planteado. El montaje paralelo estropea la secuencia, restándole tensión. Por otra parte, sí que está muy bien utilizado el color; Bogdanovich nos recuerda ‘Buenos Días Tristeza’ (Otto Preminger) con el uso del color para el relato del pasado y el blanco y negro para reflejar el triste presente.

El reparto de incluye nombres como los de Kirsten Dunst, Eddie Izzard, Cary Elwes, Jennifer Tilly y Edward Herrman. Dunst encarna muy adecuadamente a Marion, la delicada y juguetona “propiedad” del celoso Hearts, interpretado por Herrman. Éste es precisamente uno de los puntos débiles de la película. El actor no resulta creíble en su composición y sus reacciones son muy exageradas, poco convincentes, a pesar de que ya sabemos que una cosa es la cara pública y otra la privada. Izzard tiene, probablemente, el papel más jugoso de la historia al encarnar a Chaplin, pero no lo aprovecha. Sobre él pivotan las mejores frases del guión, pero el actor no desprende carisma y hasta llega a resultar antipático. Elwes no es que sea un prodigio de expresividad y hace lo de siempre, posar y recitar. Y lo mismo puede decirse de Tilly que, curiosamente, siempre suele interpretar a mujeres estúpidas.

‘El Maullido del Gato’ tiene como destino convertirse en un título anecdótico que servirá a quienes quieran conocer una versión de una famosa leyenda hollywoodiense. Poquísimo más. Es un film demasiado obvio, facilón, carente de inspiración. Pero entonces, ¿cómo murió realmente Thomas Harper Ince? ¡Y a ti qué más te da!

Cuando aparecen unas noticias sobre un tema, parece que comienzan a salir muchas más relacionadas. No sé si es que las cosas van por rachas o si es que nuestra atención las detecta antes ya que estamos más pendientes. El caso es que hace nada publiqué unos trailers falsos muy divertidos sobre Carlos Saura titulados ‘Carlosaurio’ y muy poco después, el propio director inauguró una exposición de fotografías pintadas por él titulada ‘Fotosaurios’. Pues justo al mismo tiempo, la ex-esposa de Carlos Saura, Geraldine Chaplin, recibía la medalla de oro de la la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en reconocimiento a su destacada carrera profesional.

En el acto de entrega, la dobladora, actriz y directora de la Academia, Mercedes Sampietro, destacó su “inteligencia” y “elegancia” y aseguró que su sólo nombre evoca las “mil y una luces” provocadas tanto por la “sombra de su padre” como por su trabajo de actriz. La hija de Charles Chaplin y Oona ÒNeill reconoció ante la prensa que el cine español le ha abierto las puertas para entrar en otros mercados. “Yo le debo todo al cine español”. Chaplin recordó sus inicios en el cine español con apenas 20 años cuando le presentaron a Carlos Saura, un director, le dijeron “marginal pero inteligente” con el que acabó formando pareja y que tuvo como fruto un hijo y diez películas con ella como protagonista. Sampietro rueda en estos momentos, junto a Hugo Silva, ‘El hombre de arena’.

Cuando le preguntaron por su momento de “bajón profesional” en el mundo del celuloide, Geraldine, que actualmente sigue trabajando en España, explicó que probablemente dejaron de llamarla, tras su ruptura con Carlos Saura, porque estaba “demasiado identificada con sus películas”. Durante esta sequía, la actriz llegó a aceptar papeles del director alemán especializado en videojuegos Uwe Boll.

Pero el bajón acabó y Chaplin resurgió del olvido de los directores gracias al trabajo que realizó junto a los cineastas Antonio Hernández en ‘En la ciudad sin límites’, uno de los mejores films españoles recientes, del autor de ‘Los Borgia’. También tuvo una importante aparición en ‘Hable con ella’, de Pedro Almodóvar.

La actriz señaló que tiene cinco películas apunto de estrenarse y alegó que su mayor sueño es “seguir trabajando día a día”. ‘Teresa, el cuerpo de Cristo’, de Ray Loriga, ‘Los Totenwackers’, de Ibon Cormenzana, y ‘Miguel William’, de Inés París, son dos de las últimas películas que ha rodado este año. De ‘Miguel William’, explicó que describe el hipotético encuentro entre Cervantes y William Shakespeare y en la que interpreta a una gobernanta muy cómica. “Me han regalado este papel”, reconoció la actriz quien considera que aunque siempre ha habido películas más comerciales, preocupadas por hacer caja en el primer fin de semana, a ella le ha interesado más el cine “comprometido” e “independiente” “que hacen los artistas”.

Vía: La Vanguardia