Como si fuese la única capaz de predecir la hecatombe, Justine, el día de su boda, se comporta de forma errática y falsa. Sonríe sin sentirse feliz, pensando que los rituales sociales le devolverán la cordura, y se ausenta en cuanto le es posible para afrontar las imágenes que la asolan. Hemos visto esas imágenes, sueños o premoniciones suyas, en el arranque del film, a modo de ralentís casi detenidos, que forman cuadros de aparente estatismo, como los vídeos de Bill Viola, que cuelgan de las paredes de las galerías de arte, cuales obras pictóricas. La luz irreal de un eclipse ilumina la Tierra cuando el planeta Melancolía se acerca irremediablemente para devorar el que habitamos. Tras la ceremonia matrimonial, el segundo capítulo, dedicado a Claire, la hermana mayor y teóricamente responsable, nos muestra el mundo cuando ya los terrícolas son conscientes de la posible colisión y unos tratan de negarla, mientras otros no son capaces de abstraerse a su influjo.

‘Melancolía’ (‘Melancholia’, 2011), el último film del danés Lars Von Trier, que se estrenó la semana pasada, cuenta con Kirsten Dunst en el papel de Justine y con Charlotte Gainsbourg en el de Claire. Charlotte Rampling y John Hurt interpretan a unos padres que, con su comportamiento, pueden explicar con creces las extravagancias de sus hijas. Alexander Skarsgård y Kiefer Sutherland se reparten los papeles de los maridos, uno de ellos humillado y ninguneado por su recién nombrada esposa; el otro, representante, durante la mayor parte del tiempo, del único ápice de cordura y de sensatez que existe en la familia. Stellan Skarsgård como jefe de Justine, y Udo Kier, como planificador de la boda, completan el reparto de una película que no supera las limitaciones geográficas del hotel de lujo donde habita la familia de Claire y donde se celebra el casamiento para mostrar, durante dos horas y cuarto, las reacciones de estas dos hermanas ante el ocaso de nuestra existencia.

Propósito

Me mostré muy a favor de ‘Anticristo’, a pesar de que el final me resultó excesivo incluso para lo que se había planteado hasta ese punto. Sin embargo, en ‘Melancolía’ no encuentro ni la misma capacidad para hacer daño ni la habilidad para fascinar y sorprender de otros de los instantes de este film previo. La atracción que ejerce la película que nos ocupa, similar a la que sufren las órbitas de los planetas, es innegable. Pero gran parte de su halo se genera antes de que se vea la película, que ya se afronta con enorme curiosidad, no necesariamente en positivo, pero sí con la idea de que se hallará algo diferente, hiriente y, por todo ello, grande, aunque fuese como propuesta ominosa y sofocante. Así, esa seducción del film es externa al producto que, una vez visto, no supone una experiencia tan intensa como prometía. Sí, la cinta produce una gran angustia, pero esta llega contagiada por el frenético movimiento de la cámara antes que por la capacidad de trasladar el sufrimiento de las protagonistas.

El interés del segundo episodio, que está sumamente dilatado y comprende numerosas repeticiones de conceptos ya marcados, se podría hallar en el intercambio de las tornas, es decir, de los papeles: los que parecían locos ahora son los cuerdos y quienes creían que lo comprendían todo, se equivocaban. Lo que iba a constituir un espectáculo de hermosura incomparable, supondrá nuestro final, como si se tratase de una metonimia de la propia película que, tratando de ser devastadora, no puede evitar resultar muy bella en ocasiones.

Más allá de eso, me cuesta encontrar en él un análisis del comportamiento humano ante el inminente fin del mundo tal como lo conocemos y no sé si es una de las intenciones de Von Trier el ofrecérmelo. Si lo fuese, se me antoja que ha elegido a seres demasiado alejados de la normalidad –no solo por sus desquiciadas conductas, sino sobre todo por su existencia aislada y plena de lujos, que los separa de casi cualquier ser humano–, de los que puede interesar ver sus reacciones, pero que nunca servirían como ejemplo o representación del resto de la humanidad. Si, por el contrario, la propuesta pasa por observar la locura de estas dos mujeres y el drama en el que viven o que provocan, entonces, me sobraría la colisión interplanetaria, pues preferiría quedarme con sus costumbres y las del resto de los personajes para analizarlos aún más en profundidad. La cotidianeidad en sí misma les proporcionaría suficientes razones para dar salida a estas paranoias sin necesidad de un final de ciencia ficción. Comprendo que no es tal el componente de ficción científica, sino una mera metáfora –de ahí el nombre del planeta, padecimiento que sufre el propio director–, pero sigo considerándolo innecesario, al menos, su choque, ya que la amenaza podría estar presente sin conducir al inexorable final que se conoce al inicio de la cinta –no destripo nada que Von Trier no desease que el público supiese al comienzo–.

Puntos de vista

Von Trier da protagonismo a cada una de las hermanas durante dos largos fragmentos de los tres que componen ‘Melancolía’. Sin embargo, aunque las sitúa en el epicentro de su narración, no adquiere sus puntos de vista, sino que permanece en el suyo, en el de ese observador omnisciente. Por ese motivo, estos dos capítulos están rodados con la misma cámara nerviosa, fotografía abstraída y banda sonora arrebatada. Aunque se coloque en una tercera persona muy cercana, el autor no llega a situarse en la primera.

Ambas actrices resultan irreprochables en sus respectivos papeles y, a pesar de ello y de lo universal de la situación planteada, no logro en ningún momento sentir hacia ellas ni identificación, ni empatía, ni el más mínimo atisbo de realidad. Dunst, de quien el director ha declarado que representa su Alter Ego, cambia de humor sin cesar y se comporta como una auténtica arpía. De saber algo más de su conexión con la estrella que se acerca, podríamos sentir sus reacciones como catárticas, pero ya que nada de esto está brindado en la película –sí fuera de ella, en el material promocional–, lo que produce es desconcierto. Gainsbourg es tan frágil, tan víctima, tan poco independiente, que su personaje es incapaz de despertar ni lástima ni comprensión. Al menos, a mí, y entiendo lo subjetivas que son estas afirmaciones.

Conclusión

En definitiva, diría que, sin negar que contiene algunos momentos o hallazgos, hay más de ‘Melancolía’ en lo que se ha hablado y difundido de ella que en el interior real de la película. El visionado se tiene que completar necesariamente con lecturas y escuchas –no porque sea críptica o exigente para ser comprendida, sino más bien por incompleta– y esta literatura la enriquece de tal manera que la eleva casi hasta el nivel de un film diferente. Por algún motivo cuando pienso ahora en ella, mi opinión es mucho más favorable de la que tenía mientras la veía, pero es a esta a la que obedezco a la hora de puntuarla. Larga en exceso, no cumple para mí con ninguno de los propósitos que creo poder adivinarle, a pesar de que entiendo los motivos por los que a otros espectadores sí les ha funcionado. Hipnótica por instantes y quizá necesaria para cualquiera que no desee sentirse fuera de conversaciones o debates, ‘Melancolía’ puede ser una película que convenga ver. No obstante, en mi opinión, queda lejos de la fuerza que tenían trabajos anteriores de Von Trier y se puede apreciar más como aglomerado de imágenes impactantes que como conjunto vivo. El director quería hacer algo extraño y que no fuese bonito y es posible que solo haya logrado la mitad de estos dos objetivos.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Melancolía’, el apocalipsis interior, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

La Tierra es malvada.

(Justine / Kirsten Dunst)

Lars von Trier logró su propósito, fue el centro de la octava jornada del festival de Cannes 2011. Presentó su nuevo trabajo, ‘Melancolía’ (‘Melancholia’), que fue muy bien recibida por la prensa (si hubo abucheos fueron totalmente neutralizados por los aplausos), y soltó una bomba en la rueda de prensa (“Entiendo a Hitler”), logrando la total atención de los medios, así como una reacción pública por parte del certamen, pidiendo disculpas por las declaraciones. Lo cierto es que no le hacía falta al danés crear ninguna polémica (quizá no puede evitarlo), con una película tan potente como la que ha presentado aquí en Cannes; de hecho, es probable que lo ocurrido le impida lograr su segunda Palma de Oro (ya la ganó hace diez años por ‘Bailar en la oscuridad’), cuando a partía como uno de los grandes favoritos.

De manera similar a ‘Antichrist’, ‘Melancolía’ arranca con un prólogo a cámara lenta; se trata de una serie de escenas poéticas, oníricas, acompañadas por la música de ‘Tristán e Isolda’ de Richard Wagner. En esta impresionante secuencia vemos que un gigantesco planeta se dirige al nuestro, destruyéndolo. Tras el título, comienza la primera de las dos partes en las que está dividida la historia, titulada “Justine”. Interpretada por una colosal Kirsten Dunst (nunca ha estado tan bella ni tan convincente como en este film), Justine se dirige al castillo donde va a celebrarse una fiesta con motivo de su boda con Michael (Alexander Skarsgard). Los novios parecen felices al principio, pero su retraso causa el primer reproche de su hermana, Claire (Charlotte Gainsbourg), y su cuñado, John (Kiefer Sutherland), quien no dejará de recordar que la costosa celebración se ha pagado con su dinero. Poco a poco, mientras los invitados se turnan para mostrar lo poco que les importa realmente la novia, ella se ve incapaz de mantener la máscara de la sonrisa, sintiéndose cada vez más incómoda, miserable y depresiva. Necesita ayuda, pero no encuentra más que egoísmo, incomprensión y rechazo. Está sola, abandonada en un mundo cuya destrucción llegará a desear.

La segunda parte se titula “Claire” y está centrada en la relación entre las dos hermanas y la extraordinaria aparición del planeta Melancolía. Justine ha vuelto a casa de Claire y John completamente hundida, pero conforme Melancolía se va acercando cada vez más a la Tierra, ella recupera gradualmente la serenidad y la lucidez, traspasando su crisis a Claire, que no puede evitar la desesperanza pese a los intentos de su marido por tranquilizarla con la versión oficial de los científicos más fiables, que aseguran que la colisión planetaria es prácticamente imposible. Intensa, imaginativa, cautivadora, ‘Melancolía’ es un amargo drama existencial mezclado con un oscuro cuento de hadas, una joya, cuya fuerza y belleza consiguen cubrir arritmias y flaquezas, que las tiene. Creo que el relato está algo descompensado, quizá por querer dividirlo en dos capítulos, en lugar de integrar de manera más fluida la trama del amenazante planeta en la de la tensa fiesta. Se hace difícil seguir con todo el interés el cambio de capítulo, pero pronto recupera el tono Von Trier y nos sumerge en una formidable intriga psicológica sobre la posibilidad del fin del mundo que ya quisieran filmar en Hollywood.

Es curioso que hayamos visto en Cannes unas sensacionales imágenes del espacio exterior firmadas por autores tan poco vinculados con los espectáculos de efectos visuales, la fantasía y la ciencia-ficción, como Terrence Malick y Lars von Trier. Se nota que el primero ha dispuesto de más presupuesto y más tiempo para pulir sus escenas, pero el segundo no se queda atrás a la hora de transmitir sensaciones con su imparable Melancolía. Pero al igual que ‘The Tree of Life’ recurría a la formación del cosmos o a dinosaurios para tratar cuestiones existenciales, el planeta creado por el cineasta danés que surge en los cielos de la Tierra es una excusa para desarrollar emociones y situaciones personales, íntimas, con la muerte en el horizonte. Mientras la solitaria Justine se enfrenta en el primer tramo del film a lo que podríamos llamar un apocalipsis interior, llegando a sentir fascinación por el azulado Melancolía (hay una escena en la que parece que trata de seducirlo, atraerlo hacia la Tierra), su hermana, integrada socialmente y madre de un hijo pequeño, se muestra débil y hundida ante el temor del fin del mundo. Con un reparto impecable en el que sobresale Dunst (en un papel que el danés escribió para Penélope Cruz, que presentó aquí ‘Piratas del Caribe 4’...), ‘Melancolía’ es una obra apasionante que emociona, inquieta, altera y provoca.

Había expectación por ver la rueda de prensa de ‘Melancholia’, y Von Trier no defraudó. Es absurdo lo que se ha montado, calificado de escándalo, cuando todos estaban deseando que llegara el danés para hacer algo inesperado, para animar el certamen. Pero es la pose de muchos, hacerse los escandalizados mientras se ríen por dentro, divertidos con lo ocurrido o saboreando la posibilidad de contar una “noticia”. ¿Qué pasó? Pues que Von Trier dijo esto: “Durante mucho tiempo pensé que era judío y me hacía muy feliz, hasta que apareció Susanne Bier, y de repente dejó de gustarme ser judío… Era broma… Perdón. Bueno, descubrí que no era judío, en vez de eso descubrí que en realidad era nazi, porque mi familia era alemana. Y eso también me gustó, así que, ¿qué puedo decir? Que entiendo a Hitler. Entiendo que hizo algunas cosas mal… Quiero decir que entiendo a la persona. No diría que Hitler es lo que llamamos una buena persona, pero sí, le entiendo y simpatizo con él… No digo que esté de acuerdo con la Guerra Mundial, ni contra los judíos. Ni siquiera estoy contra Susanne Bier. Estoy con ellos. Y digo esto igual que digo que los israelís son como un grano en el culo… ¿Cómo salgo de esto? De acuerdo, soy un nazi”.

Os aclaro que vi las imágenes en directo y me pareció bastante evidente que el director estaba tomándole el pelo a la prensa, pero al darse cuenta que quizá estaba metiendo la pata (a su lado, Kirsten Dunst parecía a punto de romper a llorar y/o desear darle un puñetazo), se empezó a liar y no supo cómo zanjarlo todo de manera que le entendieran, al mismo tiempo de resultar gracioso y polémico, que es justo lo que todos esperaban. Vi a un hombre nervioso y emocionado que intentaba explicar su trabajo y al mismo tiempo satisfacer las expectativas del festival, no a un completo gilipollas que va de genio, como se dice por ahí. Pero es mi punto de vista. Aparte del rollo antisemita, Von Trier dejó otras perlas, como que su próxima película será pornográfica, por el interés y la insistencia de Dunst, y que tras ver por primera vez ‘Melancholia’ pensó que “quizá era una basura”; también comentó que la película no trata del fin del mundo sino de un estado de ánimo, y que no recomienda verla porque se puede sufrir la misma tristeza que lo invadió a él. A la presentación de la película también asistieron John Hurt, Charlotte Gainsbourg, Udo Kier y Stellan Skarsgard, pero pasaron desapercibidos para la prensa, ocupados en el cineasta danés y la protagonista de la película.

Caviaro en Cannes (I)

Aprovecho esta entrada para iniciar una serie de cortos paréntesis, sustituyendo a mis habituales posdatas, en los que quiero acercar aún más al lector la experiencia de estar aquí en Cannes como acreditado por Blogdecine. Espero que os resulte ameno y curioso.

La primera foto que hice al llegar al Palais des Festivals, en la Croisette, el centro del certamen, donde pasa todo.

Faye Dunaway nos mira desde lo alto.

Desde ahí os estoy escribiendo ahora. Se accede a través de una de las dos salas para la prensa; una terraza estupenda, salvo por la cantidad de acreditados que no paran de fumar. Además tengo la gran suerte de que el viento siempre me permite aspirar el humo y saborear las cenizas.

Una de las colas en las que he estado, para entrar a la sala Debussy. Mucha gente, entre acreditados e invitados, hay que estar muy pronto (al menos media hora antes de la sesión) o te quedas sin sitio.

Estos días, Cannes es cine, pero también fiestas y lujo. Anoche estuve invitado en la Terrazza Martini y pasé un buen rato escuchando música en directo.

Preparados o no, aquí vuelve el danés. Zentropa Entertainments nos deja ya el tráiler de ‘Melancholia’, lo nuevo del polémico Lars Von Trier. Si no estabais al tanto de su nuevo proyecto, el avance os va a sorprender. Se trata de un drama con toque de ciencia-ficción, centrado en la relación entre dos hermanas, mientras la órbita de un misterioso planeta lo dirige inevitablemente a chocar con el nuestro, provocando todo tipo de reacciones y cambios en las personas. No me gustó ‘Anticristo’, aun reconociendo que tenía grandes momentos, pero no me pienso perder ‘Melancholia’. Ninguna película que lleve la firma de Von Trier, en realidad, mientras siga haciendo cine con agallas, nervio, pasión y libertad, le salga como le salga.

Kirsten Dunst (en sustitución de Penélope Cruz, que prefirió irse al Caribe) y Charlotte Gainsbourg encarnan a las dos hermanas protagonistas, y a tenor del tráiler parece que hacen un trabajo fantástico, muy entregado. Desde luego el reparto es de lo más llamativo, cabe destacar también la presencia de Charlotte Rampling, Stellan Skarsgard, John Hurt, Kiefer Sutherland, Jesper Christensen, Brady Corbet, Cameron Spurr, Udo Kier y Alexander Skarsgard, entre otros. Lamentablemente, por el momento no hay fecha para el estreno de ‘Melancholia’ en España; en Dinamarca la verán el próximo 26 de mayo, poco después de una posible presentación por todo lo alto en el festival de Cannes, todavía por confirmar.

PD: Gracias a Javi_90 por el link.

Todos “completamos”. Quizá ninguno de nosotros entienda realmente qué ha vivido, o sienta que tuvimos suficiente tiempo.

(Kathy H. / Carey Mulligan)

Sabe a poco la adaptación de la prestigiosa novela de Kazuo Ishiguro ‘Nunca me abandones’ (‘Never Let Me Go’, 2010), estrenada en nuestras salas el pasado viernes (por cierto, en pocas salas y con bastante retraso, un triunfo de Hispano Foxfilm). El realizador Mark Romanek se queda con los elementos más superficiales de la obra original y firma un trabajo desprovisto de precisamente algo que es fundamental en esa historia: alma. Su película es un cuidado videoclip romántico con interesantes ideas y bonitas imágenes que sin embargo no llegan a traspasar la pantalla, porque Romanek no parece interesado en explorar el material que tiene entre manos, en zambullirse en él, perderse y rescatar las emociones y los sentimientos que allí se esconden, muy al fondo. En lugar de eso se queda con lo que se capta a simple vista, y lo adorna, lo envuelve con mimo, subrayando el mensaje más evidente: hay que aprovechar el tiempo que tenemos, porque se acaba sin darnos cuenta y no hay vuelta atrás.

No voy a redactar una defensa de la novela, ni voy a ponerme a compararla con esta adaptación, porque aquí lo que nos importa es la película, pero sí diré que cualquiera que haya leído la obra de Ishiguro, que haya compartido todas las experiencias que narra su protagonista, se sentirá defraudado con la visión de Romanek. Quizá fuera inevitable, a fin de cuentas no abundan las obras cinematográficas que alcanzan (menos aún las que superan) a los libros en los que se basan, que capten y transmitan su espíritu, sus características esenciales, las mismas sensaciones que despierta el texto escrito. Y está pasando también con los cómics. Dejando a un lado la posible incompetencia, mucha culpa de que esto ocurra es que quienes están detrás de estas películas no se sienten verdaderamente cautivados por los relatos originales, sino que los ven como oportunidades de negocio o lucimiento personal. Por tanto, sí, los actores encajan, el vestuario es impecable, la fotografía es preciosa, pero falta lo esencial; falta la emoción, la humanidad, el dolor, el sufrimiento, la pasión. Lo que nos hace ver una película y quedarnos atrapados en ella, transportados a otro mundo, a una fantasía que se siente totalmente real.

‘Nunca me abandones’ abre con unos rótulos que nos aclaran el contexto en el que se sitúa esta historia. Estamos en una especie de realidad alternativa en la que los avances médicos han progresado de tal manera que ya no hay enfermedades incurables. La clave de este adelanto científico debería ser un misterio tanto para los espectadores como para los protagonistas, al menos durante un tiempo; pero pocos secretos resisten la promoción de un film, y si ya has leído de qué se trata, no te preocupes, no te han arruinado nada, de hecho se aclara en las primeras escenas. Mark Romanek y el guionista Alex Garland optan por presentarnos a Kathy (Carey Mulligan) asistiendo a una donación de un deteriorado Tommy (Andrew Garfield), que sonríe poco antes de recibir la anestesia. La voz en off de la chica nos habla de cuidadores y donantes, de logros, orgullo, desgaste, sentimientos, de buenos tiempos pasados. No hay que ser el más perspicaz del mundo para saber qué ocurre antes de que te lo expliquen. Porque lo explican, más de una vez, recalcando la injusticia y la crueldad, con caras apenadas, lágrimas, y violines sonando de fondo, que así da más lástima.

La narración de Kathy nos traslada primero a su infancia en el internado de Hailsham, una etapa que recuerda con gran nostalgia, pues los alumnos vivían en una especie de burbuja, protegidos y organizados con enigmáticas reglas. Allí conocemos a sus dos mejores amigos, la extrovertida (y aficionada a la mentira) Ruth y el impulsivo (y algo torpe) Tommy. Su inocencia respecto al mundo exterior se fractura con la llegada de una nueva profesora (Sally Hawkins), que no comparte las ideas de la directora (Charlotte Rampling), revelando un día a los chicos la cruda verdad sobre lo que les espera una vez abandonen el recinto de Hailsham. Desde entonces, ya revelado el misterio, la película se centra en explotar las posibilidades melodramáticas de una historia de amor a tres bandas, con Kathy enamorada de Tommy, que sin embargo se empareja con Ruth. Es realmente torpe la manera en la que se nos narra este romance, haciendo evidentes las reacciones y los sentimientos, algo que además anula el impacto de la importante confesión que hace Ruth en el tramo final; por otro lado, este enfoque tan superficial desdibuja el personaje de Tommy, que se muestra contradictorio y falto de voluntad, un simple pelele.

Falla también ‘Nunca me abandones’ al acercarnos el modo en el que los tres amigos se enfrentan al mundo exterior, ya fuera del internado. Apenas se nos muestran detalles de su nueva vida, y nunca se aprecia la dura transición entre las dos etapas, no experimentamos cómo ha cambiado la existencia de los protagonistas, más allá de las evidentes secuelas físicas y lo que nos cuentan, cosas que han sufrido o que han oído por ahí. Precisamente, si adaptas un libro al cine es para mostrar, para narrar visualmente, y Romanek es incapaz de hacerlo. Con todo, el mayor error es haber querido trasladar lo máximo posible del libro, resumiendo los acontecimientos en pequeñas piezas que se van encadenando, lo que perjudica el ritmo y la vivencia de un relato que debería conmovernos y hacernos reflexionar sobre temas importantes (el paso del tiempo, el amor, la amistad, la ingenuidad, el arte, la humanidad, las clases sociales, el progreso, el bien común…), pero se queda en hermosas (y algunas contundentes) imágenes y apenadas conversaciones.

Además del impecable diseño de producción, la fotografía (Adam Kimmel) o la música (Rachel Portman), cabe destacar la estupenda interpretación de Carey Mulligan, muy natural, y algunas escenas inspiradas de Andrew Garfield, de mucha fuerza, ya por el final. Por el contrario, a Keira Knightley se le nota la actuación, la pose, los gestos forzados, no está en la misma sintonía que sus compañeros. En cuanto al respeto del reparto, nada que objetar al trabajo de Hawkins o Rampling, que cumplen, pero no veo muy acertada la dirección de los niños que interpretan a los protagonistas, se les nota muy conscientes de la cámara y lo que tienen que hacer (como la escena en la que Katty escucha la cinta de música), les falta espontaneidad. En definitiva, ‘Nunca me abandones’ me parece una oportunidad perdida, un tibio drama romántico que no alcanza sus pretensiones, aunque se deja ver y está lo suficientemente cuidada como para tener entretenido al espectador durante los cien minutos, pendiente de averiguar el final.

Mientras mi compañero Juan Luis Caviaro pasa muchas horas sin dormir en el Festival de Sitges —sus últimas noticias al respecto nos dicen que el gran John Carpenter ha perdido fuelle, cosa que me niego a creer— un servidor sigue haciéndose sus programas caseros de cine fantástico o de terror por eso de ir en sintonía. Hoy le toca el turno a un film que recientemente ha estado en boca de algunos comentaristas de Blogdecine, ‘Refugio macabro’ (‘Asylum’, Roy Ward Baker, 1972), debido al reciente fallecimiento de su director y a la relación que éste tenía con la mítica productora británica Hammer Film, de la que hemos repasado algunos títulos vampíricos imprescindibles.

Me decía alguno de esos lectores que me iba a llevar una triste sorpresa al revisar una película como ésta, que había envejecido lo suyo y que hoy día daba risa. Reconozco que cuando la vi por primera vez hace ya muchos años me había encantado, pero ahí está el tiempo y su inexpugnable sentido del juicio —en realidad cambiamos nosotros— para hacer que pongamos las cosas en su sitio. Reconozco que cuando la vi hace muchos años me había encantado, ahora recién fresca la impresión no es la misma, pero ni muchísimo menos considero que sea una película de la que haya que reírse, y eso que tiene todos los números para ello.

‘Refugio macabro’ es una de esas películas de terror conformadas por sketchs que tanto se llevaban en aquellos años, aunque tendríamos que remontarnos hasta la época de la Ealing y nombrar un film como ‘Al morir la noche’ (‘Dead of Night’, Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden y Robert Hammer, 1945) como claro ejemplo de gran película en esta especie de subgénero, por así llamarlo, en el que lo normal es la mediocridad aún contando con el interesante planteamiento de alguna de sus historias. La Amicus, competidora directa de la Hammer en los 70, se especializó en este tipo de films y contó con escritores del prestigio de Robert Bloch.

Precisamente es el autor de ‘Psicosis’ el que firma el guión de las cuatro historias que conforman ‘Refugio macabro’, en las cuales se relaciona se inciden en el mundo de la locura con la única sana intención de hacer un cuento de terror hábilmente dirigido por Roy Ward Baker, que en todo momento se encuentra supeditado a las historias en sí. Afortunadamente el director de ‘Las amantes del vampiro’ (‘The Vampire Lovers’, 1970) logra crear una buena atmósfera en la que lo malsano está presente todo el rato. Con una acertada planificación se logra transmitir cierta sensación de inquietud, algo estimable si tenemos en cuenta que este tipo de películas no suelen dejar mucho espacio para riesgos visuales por aquello de no crear demasiadas diferencias formales entre las respectivas historias.

El primer episodio cuenta una historia de infidelidad que termina en asesinato y venganza desde el más allá. Alusiones al vudú sirven como convincente explicación al asunto de la revancha de una mujer muerta despedazada y despechada. Los instantes de las partes del cuerpo tomando el sótano de la vivienda y cobrándose el engaño que sufrió en vida resultan de los más atractivo del relato. No hay duda de que podría haberse hecho mucho más sangriento, pero ese insignificante detalle hace que resulte más aterrador de la forma en la que está expuesto. Como punto negativo citaría a sus actores e incluso añadiría que los pedazos de cuerpo envueltos con tanta precisión resultan mejores intérpretes que aquéllos.

El segundo relato es el que más hermana a ‘Refugio macabro’ con los films de la Hammer. En él encontramos a Peter Cushing —sin duda el mejor actor de todo el reparto— dando vida a un millonario que se ha gastado todo su dinero en investigar sobre la muerte. Gracias a las instrucciones encontradas en un valioso libro encarga a un sastre al borde de la ruina la confección de un traje muy peculiar, con el que el millonario devolverá la vida a su fallecido hijo. Atmósfera gótica, muchas sombras enfrentadas a la claridad amenazante del traje, fatalidad, y obsesión —derivada de la necesidad— por el dinero, son los elementos de un relato más siniestro de lo que aparenta.

El tercer relato es sin duda el menos interesante de toda la película. Un de esas historias que hablan sobre doble personalidad, tema muy recurrente en la obra de Bloch. Charlotte Rampling es una mujer que está como una regadera, y sus alter ego es la preciosa Britt Ekland, aquella que cometerá los absurdos crímenes de la cinta, caminando hacia un final de lo más previsible y anodino. En ningún momento se intentan explicar las razones de la locura —durante buena parte se repite una y otra vez que los locos no tienen cura—, y resulta cuanto menos irónico que alguien como la Rampling se crea Ekland. ¿Hay alguna intención oculta en ello? En todo caso hablamos del episodio más aburrido de todos.

El cuarto y último es el que funciona de nexo de unión entre los otros tres y que cierra la historia planteada al inicio del film: un famoso doctor en psiquiatría acude por una oferta de trabajo a una institución mental en la que se le presenta el juego de descubrir quién es, entre los pacientes que entrevistará, el director del centro que ha acabado como paciente. Herbert Lom da vida a un hombre que está convencido de ejercer un poder mental sobre muñecos que construye a semejanza de varias personas. La incuestionable locura de la premisa, y lo poco creíble que resulta por momentos —cuando cierto muñeco entra en acción— se enfrenta con la sorpresa final del film, más original y coherente con la propuesta.

‘Refugio macabro’ contiene suficientes elementos para disfrutar de un buen rato. De acuerdo en que el paso del tiempo ha hecho un poco de mella en la película, pero ya les gustaría a muchos films de terror de hoy poseer la frescura que le queda a éste.

Fox Searchlight ha lanzado hoy tres nuevos carteles de ‘Never Let Me Go’, una de las películas más esperadas de este año. Como podéis ver, también he incluido otro póster, fue el primero que salió y el que seguramente (a menos que saquen otro con las clásicas cabezas flotantes) llegue a las carteleras de todo el mundo.

Ya debéis saber que ‘Never Let Me Go’ es la adaptación cinematográfica de la obra de Kazuo Ishiguro, editada en España con el título ‘Nunca me abandones’ y considerada por algunos críticos como “la mejor novela de la década”. La historia gira en torno Kathy, Ruth y Tommy, tres chicos que pasan su infancia en una idílica escuela inglesa; conforme se convierten en adultos, descubren que deben aferrarse al amor mientras se preparan para la terrible realidad que les espera.

El libro ha sido adaptado por Alex Garland y la película ha sido dirigida por Mark Romanek (‘One Hour Photo’, llamada aquí ‘Retratos de una obsesión’, 2002). Andrew Garfield, Carey Mulligan, Keira Knightley, Sally Hawkins y Charlotte Rampling protagonizan el film, que estará en los cines de Estados Unidos el próximo 15 de septiembre.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: El tráiler lo podéis ver aquí.

Vía | Impawards

Hace ya casi un mes que anuncié el estreno de ‘La vida en tiempos de guerra’ (‘Life During War Time’, 2009), de Todd Solondz, y mis planes de no perdérmela. Pero no ha sido hasta hace unos días que por fin me he acercado al cine a verla.

Como indicaba, esta película retoma a los personajes de ‘Happiness’ (id., 1998) diez años después. El papel de Joy, que estaba interpretado entonces por Jane Adams, ahora lo tiene Shirley Henderson. De Trish hace Allison Janney, en lugar de Cynthia Stevenson. Y en el puesto de Lara Flynn Boyle, como Helen, está Ally Sheedy. El personaje de Dylan Baker, Bill, lo encarna aquí Ciarán Hinds. Charlotte Rampling o Paul Reubens —más conocido como Pee-Wee Herman— también forman parte del elenco.

Las tres hermanas ya son cuarentonas o cincuentonas y afrontan nuevos problemas en sus vidas, que tanto pueden ser fruto de sus propias neurosis y conflictos, como provocados por las deficiencias sociales de aquellos que las rodean. La película se articula a base de largas conversaciones donde se sacan a la luz todos estos comportamientos disfuncionales y sus consecuencias. En paralelo vemos las cuestiones de cada una de las hermanas, que más adelante confluyen para apoyarse o para ahondar en sus heridas.

Solondz reflexiona sobre su cine

‘La vida en tiempos de guerra’ denota mucho de la reflexión que Solondz hace acerca de su cine anterior o, más exactamente, acerca de las reacciones del público hacia su cine anterior. El autor ha observado que no todos los espectadores ven sus películas como él había calculado: que se ríen cuando no deberían —pues de otros momentos sí busca la comicidad— y se toman en broma a personajes que él había creado para encarnar problemas graves. Tanto es así, que ha llegado a la paradójica conclusión de que su cine no es para aquellas personas a las que les gusta.

Tras estas consideraciones del autor, se adivina en su último film una intención de dejar más claro qué partes de lo que muestra merecen ser tomadas a risa y cuáles, no. ‘La vida en tiempos de guerra’ es una película mucho menos humorística que otras. Pero a la vez se intuye a Solondz incómodo con lo que está haciendo, temeroso… como si el terreno que dominaba tan bien ya no le perteneciese. Es demasiado consciente de lo que hace y de la reacción que puede provocar y todo ello redunda, si acaso sutilmente, en detrimento de la fuerza del film.

Por sencillo que parezca, lo que intenta Solondz es sumamente difícil: los actores deben interpretar con la cara seria y sin inmutarse diálogos que se podrían entender como absurdos, risibles, locos, exagerados… según el momento y la persona que los reciba. En todas sus anteriores películas conseguía el tono para hacer algo tan complicado. En ‘La vida en tiempos de guerra’ no siempre le sale. Así, hallamos escenas en el film que no están plenamente conseguidas, que aguantan el tono con dificultad, situaciones que se podrían ver forzadas o actores que no parecen del todo convencidos de sus diálogos.

Aunque Solondz haya regresado a los planteamientos de ‘Happiness’, eso no significa que haya alcanzado la altura de aquel film genial. La presente película es más digerible que sus dos últimas —‘Storytelling’ y ‘Palíndromos’—, pero no las supera en interés. No recomendaría comenzar por esta cinta para conocer la obra de Solondz, pues parece hecha para quienes ya están familiarizados con su trabajo. Sería preferible iniciarse con ‘Happiness’ o ‘Bienvenidos a la casa de muñecas’.

No obstante, Todd Solondz conserva su mayor habilidad, para bien o para mal: la de no dejar indiferente al espectador. Los últimos momentos de ‘La vida en tiempos de guerra’ recuperan la fuerza dramática, así como la capacidad de impacto —la escena de Bill con su hijo mayor es muy poderosa— y el conjunto es devastador. La intención del autor de hacer pensar a sus espectadores sobre los problemas mentales de sus personajes está cumplida. El propósito de no gustar a las personas a las que les gusta, por imposible que parezca, también lo conquista el cineasta, pues provoca un malestar inapelable que al mismo tiempo te hace concluir que lo que has visto es bueno. Paradójico, pero así es Solondz.

Mi puntuación:

Teníamos pendiente hablar de este tráiler en Blogdecine. Hay mucha expectación en torno a ‘Never Let Me Go’, el nuevo trabajo del director Mark Romanek (‘Retratos de una obsesión’), que cuenta con Keira Knightley, Carey Mulligan, Andrew Garfield, Charlotte Rampling, Nathalie Richard y Sally Hawkins al frente del reparto. La película es una adaptación de la novela homónima escrita por el japonés Kazuo Ishiguro, que al parecer ha recibido excelentes críticas; en España la podéis encontrar con el título ‘Nunca me abandones’.

Adaptada al cine por Alex Garland, ‘Never Let Me Go’ narra la fantástica historia de Kathy (Mulligan), Tommy (Garfield) y Ruth (Knightley), tres amigos que pasan su infancia en una escuela aparentemente idílica; cuando crecen y abandonan las protectoras paredes del internado, descubrirán la terrible verdad de sus destinos, y se enfrentarán a sus sentimientos, al amor, los celos y la traición, que los acabarán separando. La verdad es que el avance de la película es de esos que dejan con ganas de más, tiene muy buena pinta, lo malo es que hay que esperar bastante todavía, el estreno está fijada para el próximo 1 de octubre, y eso en EE.UU., para nuestro país aún no hay fecha (¿la dejarán para Sitges?). Quizá me lea la novela mientras tanto, y deje el final para verlo en el cine.

PD: Romanek iba a dirigir ‘El hombre lobo’ con Benicio del Toro, pero se acabó marchando por “diferencias creativas”, dejando el sitio a Joe Johnston. Y ya sabéis lo que ocurrió.

Ese cartel tan raro que tenéis ahí arriba tiene algo más de sentido cuando se descubre que pertenece a la nueva película del estadounidense Todd Solondz, realizador extraño y particular donde los haya. Por eso sorprende (o quizá no debería) que su nuevo trabajo sea una secuela. Así es, ‘Life During Wartime’ es el título de la continuación de ‘Happiness’, la película más famosa de Solondz. Claro que no puede ser una segunda parte corriente, aunque es un regreso a las historias del film de 1998, el director se ha tomado muchas libertades y por ejemplo ha reemplazado a todo el reparto, esto es, todos los personajes tienen ahora un nuevo rostro.

De este modo, ‘Life During Wartime’ está protagonizada por un recuperado Paul Reubens, de cuya interpretación hablan maravillas, junto a Charlotte Rampling, Allison Janney, Shirley Henderson, Ciarán Hinds, Ally Sheedy, Michael K. Williams y Michael Lerner, entre otros, sustituyendo a gente como Philip Seymour Hoffman, Dylan Baker o Lara Flynn Boyle. La sinopsis es sencilla: amigos, familias y parejas luchan por encontrar el amor, el perdón y el sentido de la vida en un mundo alterado por la guerra. Como podéis ver en el tráiler, que os he dejado más abajo, la secuela conserva la misma mala uva, el mismo humor incómodo y las mismas historias retorcidas de la película original, así que los que encontramos en ésta una joya, no nos podemos perder la continuación. Dicho esto… La película se ha paseado por varios festivales (Venecia, Toronto, Rotterdam…), y lo último de Solondz, ‘Palíndromos’, llegó a los cines de nuestro país, así que hay que tener esperanza, pero por el momento no hay fecha de estreno.

PD: Solondz: “Hay risas buenas y malas. Mientras no haya risas a costa de alguno de mis personajes, está bien. Mis películas son comedias, pero son comedias tristes, y eso es lo más triste de todo”.

Vía | Impawards

Lars Von Trier ya ha encontrado a la protagonista de ‘Melancholia’, su próxima película. En un principio, el danés iba a contar con la española Penélope Cruz (incluso dijo que escribió el guión pensando en ella), pero tuvo que cambiar de planes cuando ésta se comprometió con la saga ‘Piratas del Caribe’. Dos meses después, se anuncia el nombre de la sustituta: Kirsten Dunst.

A punto de cumplir 28 añicos, Dunst, libre ya de su vinculación con las películas de Spider-Man, puede ahora buscar nuevas oportunidades, y qué duda cabe que trabajar a las órdenes del cineasta que ha parido ‘Dogville’ o ‘Antichrist’ es una gran oportunidad. Especialmente para una actriz, y más todavía para una como ella, que hasta ahora ha demostrado ser bastante blandita. Veremos qué tal se le da.

Recordemos que ‘Melancholia‘ será un drama con toque de ciencia ficción que se centra en una serie de personajes que deben prepararse para el fin del mundo, cuando la órbita de un planeta (el que da título al film) lo dirija inevitablemente hacia la Tierra. formará parte de un estupendo reparto en el que también destacan los nombres de Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgard, Stellan Skarsgard y Udo Kier. El rodaje comienza el mes de julio en Suecia, y se espera que la película esté terminada para mayo de 2011, con la idea de asistir a Cannes.

PD: Tras la cancelación de ‘Spider-Man 4’, en varios medios amarillistas se afirmó que Dunst estaba deprimida otra vez. Si esto es cierto, puede que ahí esté la razón de por qué la ha elegido Von Trier.

Vía | Deadline