‘Super 8’

Esta producción de Steven Spielberg, dirigida por J.J. Abrams, convertido en mítico gracias a la serie ‘Perdidos’; nos habla de unos adolescentes que ruedan sus pequeñas películas caseras de terror y se encuentran con una auténtica amenaza alienígena. La mayor baza de la película es apelar a la nostalgia de unos espectadores que ya no cumplen los treinta años y que vivieron con entusiasmo los films fantásticos dirigidos al público juvenil que el propio Spielberg y sus colegas rodaron en la época en la que transcurre ‘Super 8’. Muy efectiva en todo lo que se propone y contada con la grandiosidad que los niños otorgan a las aventuras que viven, funciona más como cinta emotiva que apela a los sentimientos que como entretenimiento trepidante de incesantes sucesos. Cualquiera de las dos ediciones, en DVD o Blu-ray, como la caja que aparece a la venta, podría constituir un presente navideño perfecto para uno de esos adultos que no ha dejado ni dejará nunca de sentirse niño.

Críticas en Blogdecine |

‘Super 8’, mirar los cielos, por Pablo Muñoz.

‘Super 8’, prefabricado espectáculo nostálgico, por Juan Luis Caviaro.

‘Super 8’, magistral máquina del tiempo, por Alberto Abuín.

‘Super 8’, una aventura con corazón, por Beatriz Maldivia.

Características de la edición: Características del Blu-ray (también a la venta en DVD) : Contenido: 1 Blu-ray + 1 DVD + Copia digital. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby TrueHD 7.1 Inglés, Castellano. Dolby Digital 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 24,95 €. Contenido Extra: Deconstruyendo el Accidente del Tren – Descubre los Secretos de la Filmación de la Impactante Escena 8 Reportajes – Explora los Orígenes de la Historia, el Reparto, la Creación de la Criatura y MÁS! 14 Escenas Eliminadas Comentario del Director J.J. Abrams y de los Cineasta. ‘Super 8’ (Steelbook) Características del Blu-ray: Contenido: 1 Blu-ray + 1 DVD + Copia digital. Presentación: Estuche metálico. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby TrueHD 7.1 Inglés, Castellano. Dolby Digital 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 24,95 €. Contenido Extra: Deconstruyendo el Accidente del Tren – Descubre los Secretos de la Filmación de la Impactante Escena 8 Reportajes – Explora los Orígenes de la Historia, el Reparto, la Creación de la Criatura y MÁS! 14 Escenas Eliminadas Comentario del Director J.J. Abrams y de los Cineasta.

‘El origen del planeta de los simios’

‘El origen del planeta de los simios’ (‘Rise of the Planet of the Apes’) toma, una vez más, la base de la mítica película con Charlton Heston, ‘El Planeta de los simios’ (1968), que ninguna persona que se declare fan de la ciencia ficción o de las distopías puede dejar pasar. Empleando la tecnología existente para crear a unos monos en 3D, esta película, de Rupert Wyatt, funciona como eso que llaman “precuela”, es decir, contando lo que sucedió antes de que comenzase la serie. James Franco, Freida Pinto, Brian Cox, Tom Felton y Andy Serkis son algunos de sus intérpretes. Mis compañeros Alberto Abuín y Juan Luis Caviaro nos aseguran que es mucho más que entretenimiento o algo parecido, pero no igual: entretenimiento de calidad. Aprovecharé este lanzamiento para lanzarme yo también a verla, ya que la dejé escapar en el momento de su estreno y aún siento curiosidad hacia ella.

A la venta salen también las películas originales. ‘El Planeta de los simios’ (‘The Planet of the Apes’, 1968) es como digo, una cita obligatoria para aficionados a la ci-fi y contiene uno de los giros más inquietantes y descorazonadores que se han dado en el guion de una película. Si todavía hay alguien que lo desconozca, que no desperdicie la oportunidad de ver “virgen” el film que, a pesar de lo trasnochado de su estética, le causará sensación. Las múltiples secuelas que fue teniendo este film iban paulatinamente bajando en calidad de una forma muy constante. James Franciscus, elegido por su parecido físico con Heston, sustituyó al protagonista en la segunda entrega. La franquicia se explota hasta el punto de producirse films que pueden verse casi como propuestas de humor. Sin embargo, la que realizó Tim Burton en 2001 y que también se incluye en el pack, podría estar incluso por debajo de todas estas, al menos, en algunos de sus aspectos, pues está claro que otros, gracias a la tecnología y el presupuesto, quedan mejor resueltos.

Características de la edición: Características del Blu-ray (también a la venta en DVD) : Contenido: 1 Blu-ray + DVD + Copia digital. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés. Dolby Digital 5.1 Portugués, Chino. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Portugués. PVP Recomendado: 21,95 €. Contenido Extra: Mitología de los Simios. El ingenio de Andy Serkis. Una nueva generación de Simios. Escenas Inéditas. Selección de escenas. Galería conceptual de los personajes. Más allá de las fronteras cinematográficas. Los grandes Simios. Componiendo la banda sonora con Patrick Doyle. BD-Live. El Planeta de los Simios – Pack Evolución: Características del Blu-ray: Contenido: 7 Discos. Presentación: Caja para coleccionistas. PVP Recomendado: 69,95 €. Incluye: ‘El Planeta de los simios’ (1968) ‘Regreso al planeta de los simios’, ‘Huida del planeta de los simios’, ‘La rebelión de los simios’, ‘La conquista del planeta de los simios’, ‘El planeta de los simios’ (2001)’ y ‘El origen del planeta de los simios’.

‘La boda de mi mejor amiga’

‘La boda de mi mejor amiga’ (‘Bridesmaids’) es una película dirigida por Paul Feig en la que la protagonista, Kristen Wiig, interpreta a una solterona desesperada y solitaria que no es capaz de afrontar la idea de que su mejor amiga vaya a casarse. El film es un completo lucimiento de esta actriz y de sus aptitudes cómicas, llegando a momentos de absoluta hilaridad, con los que no puede evitar llorar de la risa, como ya contaba en mi crítica. El que se incluya una boda y todos los preparativos entiendo que a muchos les eche para atrás –creedme, a mí también–, pero se hace tal mofa de las tradiciones de estos festejos que en lugar de resultar molesto puede ser hasta catártico. Una de las dos o tres mejores comedias del año y quizá incluso una de las mejores películas.

Características de la edición: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Inglés para sordos . PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Hecho de Honor: Tras las cámaras de la Boda de mi Mejor Amiga Escenas Eliminadas Escenas Extendidas y Alternativas Bobina de Gags Versión Completa de la Canción Hold On Line-O-Rama Drunk-O-Rama Comentario de la Película con el Reparto y el Equipo Técnico

‘Paul’

Greg Mottola dirige a Simon Pegg, Nick Frost, Jason Bateman, (otra vez) Kristen Wiig, Bill Hader, Blythe Danner, Joe Lo Truglio, John Carroll Lynch, David Koechner, Sigourney Weaver, Seth Rogen/Santi Millán en una película que aparenta e intent ser más divertida y rompedora de lo que es. Entre la nostalgia y la parodia, ‘Paul’ (2011) retoma a los extraterrestres que se han visto en el cine y la televisión para hablarnos de dos friquis que se topan con uno de estos visitantes durante su epopeya en forma de road-movie. No la incluiría entre lo mejor de Pegg y Frost, como ya expresé en mi decepcionada crítica. Esperaba tanto de este dúo y de su coalición con el director de ‘Supersalidos’ que me decepcionó ligeramente. No es que le falte humor, no es que carezca de buenos momentos, pero se queda corta en muchas cosas y no termina de tener la cohesión de una historia redonda.

Características de la edición: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: La evolución de Paul quién c… es. Adam Shadowchild? Las Caras más divertidas de Simon. Galería estática.

‘Linterna Verde’

Ha habido unas cuantas películas de este año que no es que no haya tenido oportunidad de verlas, sino que las he dejado voluntariamente pasar. ‘Green Lantern (Linterna Verde)’ me llamó la atención durante un instante, como el refulgor de la luz del título, pero rápidamente descarté cualquier posibilidad de encontrar en ella algo de interés, basándome en las críticas de mis compañeros, que coincidían en no pintarla nada bien. Para quienes aún sigan interesados, a pesar de todo, añado que Martin Campbell dirige a Ryan Reynolds, Blake Lively, Tim Robbins, Mark Strong y Peter Sarsgaard en la adaptación de los personajes de DC Comics, protectores de la paz y la justicia. Hal Jordan, un piloto de pruebas con talento y engreído, deberá combatir la amenaza de Parallax de romper el equilibrio de poder en el universo utilizando el poder amarillo del miedo.

Características de la edición: Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Inglés, Castellano. PVP Recomendado: 18,50 €. Contenido Extra: Avance de Green Lantern (Linterna Verde): series animadas. Adelanto de la nueva serie de cómics de Justice League #1. Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. Dolby Digital 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Avance de Green Lantern (Linterna Verde): series animadas. Adelanto de la nueva serie de cómics de Justice League #1. El Universo según Green Lantern. Ryan Reynolds es Green Lantern. Escenas eliminadas.

‘Templario’

‘Templario’ (‘Ironclad’, 2011), es una película dirigida por Jonathan English y protagonizada por Paul Giamatti, Kate Mara, Brian Cox, James Purefoy, Derek Jacobi. Corre el año 1215. El rey Juan I de Inglaterra se ha visto obligado a firmar la Carta Magna. Furioso, recluta un despiadado ejército de mercenarios que empieza a arrasar el país para restaurar la monarquía absoluta. Tan solo un grupo de caballeros reunidos por el barón Abany y atrincherados en el castillo de Rochester se interpone entre él y la victoria. Entre ellos se encuentra Marshall, un caballero templario atormentado por la culpa ante las atrocidades que cometió durante las cruzadas, y que deberá lidiar además con sus florecientes sentimientos hacia Isabel, la hermosa señora del castillo y esposa de Reginald de Cornhill. Se unen a ellos, asimismo, unos mercenarios entre los que se encuentran Beckett y el joven Guy.

Ya lo dije cuando se estrenó: no me atrae especialmente el episodio histórico en el que se encuadra, ya que lo hemos visto numerosas veces. Esta versión se enorgullece en aportar, como diferencia con respecto a las anteriores, el uso no comedido de la violencia en las batallas. Pero, como nos indica Alberto Abuin, esta sangre sustituye cualquier emoción o interés. El único aliciente indiscutible es, por supuesto, su tremendo reparto. Pero esto no es novedad con respecto a otros de los acercamientos que se han rodado sobre el acontecimiento histórico, pues ya contaban aquellos con grandes actores.

Características de la edición. Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Entrevistas. Reportaje detrás de las cámaras. Tráiler.

‘Muerte entre las flores’

‘Muerte entre las flores’ (‘Miller´s Crossing’, 1990) es un drama de gángsters, escrito y dirigido por los hermanos Coen, y protagonizada por Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden, John Turturro, Albert Finney y Jon Polito. En el año 1929 en una ciudad no especificada, se produce la rivalidad entre dos amigos; Leo, un gangster irlandés encargado de dirigir la zona, y Tom, su compañero y consejero. Estos se enamoran de la misma mujer, surge abiertamente un conflicto entre ambos, en los que se producen traiciones, manipulaciones y conflictos internos. Junto a esto, también se producen rivalidades con el otro bando liderado por el italiano Johnny Caspar y su secuaz . Johnny Caspar quiere eliminar a Bernie Bernbaum, pero Leo se opone, ya que Bernie es el hermano de Verna, la mujer que ama. Esto produce molestia en el bando contrario. Muy bella tanto por su fotografía –con algunas imágenes inolvidables– como por su contenido, para mí es una de las mejores películas de estos hermanos, con creces. Y es que siempre preferiré el cine serio de los Coen que el que trata de lograr un humor que nunca he sido capaz de compartir.

Características de la edición: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Ruso. Dolby Digital 5.1 Portugués. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. Contenido Extra: Barry Sonnenfeld: Detrás de las cámaras. Clips de entrevistas con Gabriel Byrne, Marcia Gay Harden y John Turturro. Tráiler original.

‘Aterriza como puedas’

Siempre que hago la crítica de una comedia tengo que reivindicar este género infravalorado y considerado menor en casi todas sus manifestaciones, a pesar de que sea más difícil escribir, rodar, interpretar y montar una comedia que casi cualquier otro tipo de film. Por suerte, existen unas pocas afortunadas que han conseguido ser reconocidas universalmente como grandes films y haber entrado con honores en la historia del cine y ‘Aterriza como puedas’ (‘Airplane!’, 1980) es o debería ser una de ellas. Y también, siempre que comento alguna de las parodias que se hacen ahora –todas estas cuyos títulos acaban en “movie“– y que han creado la imagen de que el spoof tiene que ser necesariamente malo, recuerdo esta desternillante película como ejemplo de que eso mismo se puede hacer con resultados geniales. Pocas veces me he reído tanto como todas las que he visto esta peli de Jim Abrahams, David y Jerry Zucker, pocas películas tienen una cantidad tan elevada de chistes por minuto. Utilizando un humor muy absurdo y desdeñando por completo las tramas o los retratos de personajes, este film solo busca hacer reír. Y vamos que si lo consigue.

Características de la edición: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco.
Imagen: 1.78:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. Dolby Digital Mono Castellano, Francés, Portugués. Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Portugués. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Comentario del director y los guonistas. Escenas eliminadas. Entrevistas. Trivia. Tráiler.

‘Desayuno con diamantes’

No es que me guste utilizar adjetivos como “deliciosa” para definir a las películas, ni mucho menos a las mujeres, pero en el caso de ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany’s’, 1961) y de Audrey Hepburn es lo que pide. Este film de Blake Edwards, que se ha convertido en todo un icono estético, contiene una historia mucho más profunda y dolorosa de lo que aparenta. Se trata de una adaptación de la novela del mismo título de Truman Capote, que al escritor disgustó por ser bastante libre. George Peppard, acompaña a Hepburn, además de Patricia Neal, Martin Balsam, Mickey Rooney y José Luis de Vilallonga en una pieza de aire muy teatral que contiene una escena de lo que mejor se le ha dado siempre rodar a Edwards: las fiestas. La historia de amor triste y nostálgico de personas que han renunciado desde muy jóvenes a ser felices, elimina cualquier atisbo de cursilería al incluir las crudezas y realidades de la vida de forma soterrada, para que trasluzcan malogrando los falsos destellos de optimismo. Su banda sonora, con Henry Mancini a la cabeza y la canción ‘Moon River’ completa el regalo perfecto para cualquier mente sensible.

Características de la edición: Características del Blu-ray: Contenido: 1 Blu-ray.
Imagen: 1.78:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. Dolby Digital 1.0 Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. PVP Recomendado: 19,95 €. Contenido Extra: Comentarios por el productor Richard Shepherd. La creación de un clásico. Es tan Audrey: un icono de la elegancia. Brillo en una caja azul. Tráiler original de Cine. Exclusivo Blu-ray: Una Reunión Golightly Henry Mancini: más que música Sr. Yunioshi: una perspectiva asiática Tras las Puertas: el tour Carta de Audrey a Tiffany Galerías

‘Terciopelo azul’

El título ‘Terciopelo azul’ (‘Blue Velvet’, 1986) alude a la canción de Bobby Vinton que forma parte de la banda sonora –motivo por el cual no se debería haber traducido y digo esto sin ser partidaria, como la mayoría de las personas, de dejar los títulos en v.o. por sistema, los soy cuando tiene sentido– y que acabo de seleccionar en el GrooveShark para escucharla mientras continúo escribiendo sobre la película. Esta melodía es utilizada por David Lynch para crear un contraste entre el optimismo y la frescura de sus notas con la oscuridad de lo que muestra el film, interpretado por Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange y Dean Stockwell. No soy muy ferviente del Lynch más críptico y enredado, ya que, como he expresado muchas veces, mi predilección es por el cine narrativo. Pero esta propuesta puede encajarse entre las que, digamos, “se entienden” y no por ello está carente de muchas de las particularidades del director que, cuando sabe dejarlas en su justa medida son admirables.

Características de la edición: Características del Blu-ray de ‘Blue Velvet’: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano. Dolby Digital 2.0 Portugués, Español latino. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Portugués, Holandés, Inglés para sordos. PVP Recomendado: 17,95 €. Contenido Extra: Documental: Los misterios del amor. Escenas eliminadas. Escenas eliminadas inéditas. Siskel y Ebert en el cine (1986). Imágenes.

Vía | Zona DVD.

‘Ben-Hur’

Una de las obras maestras de William Wyler —director de próximo estudio en estas páginas— que por fin ve la luz en Blu-ray con infinidad de extras, entre los que se encuentra la primera versión muda, dirigida por Fred Niblo en 1925. Además: Charlton Heston y Ben-Hur: un viaje personal, Ben-Hur, película de 1925, Documental Ben-Hur: La película épica que cambió el cine, Documental, Ben-Hur: La realización de una película épica, Ben-Hur: Un viaje a través de las imágenes, Pruebas de cámara, Noticiarios clásicos y Lo más destacado de la Ceremonia de los Premios de la Academia de 1960.

‘Déjame entrar (Let Me In)’

Director: Matt Reeves

Intérpretes: Kodi Smit-McPhee, Chloe Moretz, Richard Jenkins, Elias Koteas, Sasha Barrese

Digno remake de ‘Déjame entrar’ (‘Låt den rätte komma in’, Thomas Alfredson, 2008) que convierte un relato sobre el sexo en un relato sobre la sangre. Los extras del Blu-ray son: Audiocomentario con el director Matt Reeves. Making of. Diseccionando: Déjame entrar. Desarrollo efectos especiales. Escenas eliminadas con comentarios del director. La secuencia Car Crash paso a paso. Galería fotográfica. Trailer en castellano.

Críticas en Blogdecine:

• Sitges 2010 | ‘Déjame entrar (Let Me In)’ (Matt Reeves) y ‘El perfecto anfitrión’ (Nick Tomnay)

• Vampiros de verdad: ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves

‘Desayuno con diamantes’

Director: Blake Edwards

Intérpretes: Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Mickey Rooney

Mítica película que hizo que cierta joyería de Nueva York fuese uno de los lugares más visitados de tan maravillosa ciudad. El resto es cine puro y duro. Entre los extras del combo Blu-ray y DVD, operación que cada vez están haciendo más las distribuidoras, encontramos: Comentarios por el productor Richard Shepherd. La creación de un clásico. Es tan Audrey: Un icono de la elegancia. Brillo en una caja azul. Tráiler original de cine. Una reunión Golightly (HD) (exclusivo Blu-Ray). Henry Mancini: Más que música (HD) (exclusivo Blu-Ray). Sr. Yunioshi: Una perspectiva asiática (HD) (exclusivo Blu-Ray). Tras las puertas: El tour (exclusivo Blu-Ray). Carta de Audrey a Tiffany (exclusivo Blu-Ray). Galerías (exclusivo Blu-Ray).

‘El camino del guerrero’

Director: Sngmoo Lee

Intérpretes: Kate Bosworth, Geoffrey Rush, Jang Dong-jung, Danny Huston, Tony Cox, Lung Ti

Película que no llegó a estrenarse en nuestro país en salas comerciales, y que ahora nos llega en formato DVD y Blu-ray. Mezcla de aventuras, ciencia ficción y western —género injustamente vilipendiado por las nuevas generaciones de cinéfilos, que sin embargo no faltarán a la próximo cita de un tipo apellidado Tarantino—, las ediciones en ambos formatos no constan de extras interesantes.

‘El último exorcismo’

Director: Daniel Stamm

Intérpretes: Patrick Fabian, Ashley Bell, Iris Bahr, Louis Herthum, Tony Bentley

Uno de los recientes éxitos del cine de terror, cuyo Blu-ray trae los siguientes extras: Audiocomentario Con El Director Daniel Stamm Y Los Actores Ashley Bell, Patrick Fabian Y Louis Herthum. Historias Auténticas De Exorcismos. El Diablo Que Conoces: Cómo Se Hizo “El Último Exorcismo”. Las Pruebas De Ashely Bell, Patrick Fabian, Caleb. Landry Jones Y Louis Herthum. Tráiler En Castellano.

Críticas en Blogdecine:

• ‘El último exorcismo’, el demonio con botas

• ‘El último exorcismo’, el diablo probablemente

‘Hanna’

Director: Joe Wright

Intérpretes: Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, Tom Hollander, Olivia Williams

Para quien firma una de las peores películas estrenada este año, memez inaguantable en la que Wright demuestra, eso sí, lo que le encanta juguetear con la cámara. Los extras del Blu-ray contienen: Final alternativo. Escenas eliminadas. Comentarios de Joe Wright (director). Anatomía de una escena: Huyendo del campo G. Exclusivo Blu-ray: Adáptate o muere, Agencia Central de Alegorías, Reacción química: Componiendo música contemporánea.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Hanna’, la sensibilidad de una fría asesina

‘La cuarta fase’

Director: Olatunde Osunsanmi

Intérpretes: Milla Jovovich, Will Patton, Hakeem Kae-Kazim, Corey Johnson, Enzo Cilenti

Memez monumental de género terrorífico de corte documental que hizo que algunas mentes cortas se la tomasen en serio. La edición en Blu-ray no trae ningún extra interesante.

Críticas en Blogdecine:

• ‘La cuarta fase’, el peor cine de terror imaginable

• La terrorífica cámara de vídeo

‘Piraña 3D’

Director: Alexandre Aja

Intérpretes: Elisabeth Shue, Jerry O’Connell, Richard Dreyfuss, Ving Rhames, Christopher Lloyd, Eli Roth

Tras la sorpresa que supuso el remake de ‘Las colinas tiene ojos’, servidor esperaba que Aja se luciese con el remake de una de las cintas más simpáticas de Joe Dante, pero no. Excesos y más excesos es lo que posee este aburrimiento soberano. Cero extras.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Piraña 3D’, comida basura

‘The Company Men’

Director: John Wells

Intérpretes: Ben Affleck, Chris Cooper, Kevin Costner, Maria Bello, Tommy Lee Jones

Curiosa y agradable película sobre las consecuencias de la actual crisis financiera, ésa que algunos caraduras y funcionarios varios no saben que existe. Tal vez demasiado bienintencionada. Los extras se reducen a entrevistas con los actores y un making of.

Críticas en Blogdecine:

• ‘The Company Men’, la reducción de personal contada como historia personal

• ‘The Company Men’, la crisis a medias tintas

‘Thor’

Director: Kenneth Branagh

Intérpretes: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Tom Hiddleston, Stellan Skarsgård

Éramos unos cuantos los que esperábamos el regreso triunfal por la puerta grande de Kenneth Branagh, dirigiendo la adaptación de unos de los superhéroes de la Marvel. Era el proyecto perfecto para un director de esa índole, pero la Marvel es demasiado poderosa como para dar rienda suelta a los directores de sus proyectos. Los extras: Comentario con el Director Kenneth Branagh. Marvel de un vistazo: El Consultor. Reportajes. El Camino a los Vengadores. Escenas eliminadas con comentarios opcionales. Teaser trailer. Tráiler de cine. Tráiler Los Vengadores.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Thor’, la todopoderosa Marvel

Vía | ZONA DVD

Existen varias versiones de cómo esta película terminó haciéndose realidad. La más divertida de todas ellas posiblemente se la inventó el propio Orson Welles: es aquella en la que, mientras hablaba por teléfono desde un aeropuerto, y le preguntaban qué novela querría adaptar, se fijó en una ediciión barata de ‘Badge of Evil’; (error mío, notificado por el comentarista Malvado Aspersor, pues esta anécdota pertenece a ‘La dama de Shanghai’), escrita por Whit Masterson (seudónimo para dos autores que escribían al alimón, Robert Allison “Bob” Wade y H. Bill Miller). En realidad, Charlton Heston, que era una estrella emergente a mediados de los cincuenta, quería como compañero de reparto a Orson Welles, y se lo impuso a la Universal. Una vez convencidos, también les propuso que fuera él quien la dirigiera, propiciando su regreso a Estados Unidos, después de filmar tres películas en Europa. Welles cogió una mala novela de policías corruptos, escribió el guión en pocas semanas, y se propuso un regreso triunfal a Hollywood que nunca tuvo lugar, porque como dijera Jonathan Swift: “Cuando aparece un gran genio en el mundo se le puede reconocer por esta señal: todos los necios se conjuran contra él.”

De modo que Welles aceptó dirigir, escribir y co-protagonizar una película en la que Heston interpretaría a un improbable mexicano, y por la que sólo percibiría un salario como actor. Todo para regresar a la industria que él sabía era la única del mundo que le proporcionaría la posibilidad de hacer realidad su inconmensurable temperamento visual. Pero una vez terminada la película, la Universal la encontró indeciblemente desagradable y confusa, la mutiló de la forma más abyecta posible, y la estrenó como un producto de baja calidad, sin apenas promoción, y echando pestes de ella. Increíble, pero cierto. Y aún más increíble la reacción de los críticos americanos, pues lo más suave que dijeron de ella fue que era absurda, hasta llegar a basura pretenciosa. Así las cosas, no es de extrañar la decadencia salvaje del cine norteamericano. Pero, en cualquier caso, ningún crítico ha podido jamás hundir una gran película (del mismo modo que ningún crítico ha podido jamás “salvar” una mala película), y desde luego no pudieron con la que, en opinión de quien esto escribe, es el filme más grande que filmó Welles en Estados Unidos, a pesar de lo caro que le resultó ser profeta en su tierra.

Cuando uno revisa los filmes noir inmediatamente posteriores o anteriores a este, es algo así como situar a Bach entre grupos de música pop actuales. Al lado del genio de Welles, los logros de algunos directores de gran talento quedan completamente eclipsados. Los Wilder, Ray, Preminger, Garnett, Huston, Siodmak, LeRoy, Wellman, Walsh, Fuller, Kubrick y otros, quedan como meros artesanos, casi aprendices, al lado del coloso que dirige ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958), y sólo grandes nombres como Fritz Lang, Howard Hawks o Jacques Tourneur pueden comparársele en su genio. En su inclinación apasionada a los caracteres grandiosos, en su desmesurado mundo barroco, Welles cambia el cine para siempre, y los directores de “filme noir” contemporáneos quedan anticuados cuando se observan las imágenes de esta película, que convierte al cine en algo mucho más formidable de lo que los directores “clásicos” pudieron siquiera soñar, y quizá por eso Welles fue sistemáticamente despreciado en su país. Es el problema de poseer un sentido visual y una personalidad tan extraordinarios.

Falstaff Quinlan

Lo cierto es que no resulta fácil escribir un comentario acerca de esta supuesta “basura”, porque siendo en cierta forma la cima del cine negro, también se aleja de sus constantes en ciertos pasajes para erigirse en cine de vanguardia absoluto, en una aventura abstracta, en expresionismo dinámico. Un brutal acontecimiento catalizador, la voladura de un coche en plena frontera entre México y Estados Unidos, es el disparador de una investigación a cargo del capitán norteamericano Quinlan (Welles), y de sus hombres, observados por el policía mexicano Vargas (Heston). La trama posterior, el modo en que Vargas descubre lo podrido que está el capitán Quinlan, el destapar sus prácticas, el salvar a su mujer Susie (nunca estuvo tan sensual Janet Leigh), todo eso es lo de menos. No es más que una excusa para que Welles exponga su visión, una vez más, del abuso de poder, de la soledad del hombre, de la violencia y la sordidez como nunca antes, y posiblemente después, se había visto en el cine norteamericano.

Todo comienza, bien lo sabrán la mayoría de los lectores de esta página, con uno de los planos más famosos de la entera historia del cine. No es exactamente un plano secuencia, porque no toda la secuencia está resuelta con él, pero sí es una muy larga, de asombrosa dificultad técnica, con una grúa alucinante y docenas de extras alrededor de Heston y Leigh, orquestados como si de una sinfonía se tratase. Según Welles, esta clase de planos sólo son posibles en el cine norteamericano, gracias a los excelentes técnicos que trabajan allí. Esto es un poco cuestionable, pero lo que cabe duda es que el gran Rusell Metty (según John Baxter ninguneado por Kubrick en ‘Espartaco’, aunque ganara su único Oscar por esa película) está a la altura del Gregg Toland de ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, 1941) en pericia técnica y en ambición estética. Metty, secundado por Welles, lleva hasta las últimas consecuencias los claroscuros del expresionismo alemán. Sus sombras y profundidades de campo es lo más lejos que se puede llegar sin caer en la parodia.

Con los personajes envueltos en sombras excepto en las escasas escenas diurnas al aire libre (en los interiores, aunque sea de día, todo son enormes contrastes de luz), Welles dirige a los actores con mano maestra, en un amanerado juego visual, pues los actores asemejan bailarines coreografiados por una sensibilidad experta. Al mismo tiempo, el uso de la cámara es increíblemente expresivo. Lo admirable es que tanto movimiento de cámara y tanto movimiento de actores no produce una confusión visual y sí una tremenda inquietud, que va enervando al espectador progresivamente, desquiciado por unos diálogos magistrales que se suceden con la velocidad de un tiroteo. La rivalidad natural entre Quinlan y Vargas desvela el profundo racismo del primero, para convertirse en una de las críticas más feroces contra la policía de esa frontera de que hay noticia. La política, los tejemanejes de los poderosos, el cinismo de la justicia, pero también el tesón y la perserverancia de los hombres honestos, que jamás se rinden.

La presentación de Quinlan es absolutamente brutal, parecido a un Falstaff moderno (personaje shakesperiano favorito de Welles): pendenciero, vanidoso, compulsivo, hasta cruel, pero con el corazón roto. Llegaremos a odiar a Quinlan, mientras es imposible dejar de pasmarse con el fenomenal talento interpretativo del actor. Welles sólo contaba cuarenta y tres años cuando hizo esta película, pero quizá su escarpada carrera le envejeció más que la caracterización. A su lado Heston está muy bien, muy sólido y muy creíble, aunque jamás nos creemos que sea mexicano, y mucho menos cuando chapurrea español. El resto del reparto debería estudiarse en las escuelas de casting: Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Joanna Moore, Ray Collins, Valentin de Vargas, Mort Mills... todos ellos configuran un collage de rostros salvajes, casi demenciales. La pura imagen de la corrupción y la infamia. Y el remate final es la aparición fantasmagórica de una enigmática Marlene Dietrich en un papel antológico, en el que se limita a mirar con sus ojos insondables, y a soltar nada más que un par de frases misteriosas sobre Quinlan, cual adivinadora de otro mundo.

Ya la mera utilización de la cámara para los coches en movimiento, convierte en antiguallas de arqueología las retroproyecciones que aún se seguirían utilizando durante algunos años. Y posiblemente nunca se utilizaron las grúas de un modo tan dramático (ni los contrapicados, ni los planos inclinados), exprimiendo así las últimas gotas dramáticas de cada secuencia. Claro que la grúa habría sido menos espectacular sin los escenarios diseñados por Robert Clatworthy y Alexander Golitzen, que hacen de la frontera y de cada calle un personaje más, en un barroquismo grandioso, bañado por las sombradas de Metty, vestido de la cadenciosa y delirante música del legendario Mancini, con los bailarines-actores haciéndolo vibrar, en un todo del que no se puede extraer ningún elemento sin que sufran los demás, y que hay que gozar vinculando continuamente sus hallazgos hasta la extenuación, en un obra maestra imperecedera del arte del siglo XX.

‘Sed de mal’

Mi película favorita de Orson Welles, una de las piezas maestras del Film Noir, que posee uno de los arranques más celebrados de la historia del cine. Primer plano de un hombre con una bomba en sus manos, la cual acaba en el maletero de un coche que se convierte en el centro de atención del espectador. La cámara se eleva majestuosamente por encima de los edificios mientras seguimos al coche con nuestros ojos, al mismo tiempo que entran en escena dos de los personajes claves del film, en los rostros de Charlton Heston y Janet Leigh. Este travelling fue mil veces imitado y nunca superado. ¿Tiene Welles otro arranque tan espectacular?

‘Amanecer de los muertos’

Tras la presentación del personaje central, a cargo de una convincente Sarah Polley, la acción se traslada al hogar de la misma, donde en compañía de su marido experimentará el despertar más animadito de su existencia. El instante de la niña en el marco de la puerta es sobrecogedor, y la explosión posterior de violencia todo un deleite para los sentidos. Zack Snyder nunca ha estado tan inspirado como en esta película, que además logra superar al endeble film de George A. Romero. Y encima usa a Johnny Cash en los títulos de crédito.

‘Up’

Aún tengo que aguantar las lágrimas cada vez que veo este segmento de una de las obras maestras salidas de la Pixar. ‘Married Life’ es el título del tema musical con el que Michael Giacchino adorna esta secuencia prácticamente muda, un prodigio de escenas encadenadas que nadie se esperaba cuando fue el cine a verla. Si en ese instante encendiesen las luces de la sala de cine, muchos niños descubrirían a sus padres con el corazón encogido y los ojos rojos. La demostración palpable de que Pixar hace cine para todas las edades.

‘Salvar al soldado Ryan’

Probablemente el arranque más celebrado de Steven Spielberg, quien se llevó su segundo Oscar como director por esta obra maestra. La máxima de Cecil B. DeMille queda aquí má patente que nunca. Crueldad, sangre, realismo, la guerra en primer plano, mientras el espectador queda completamente abrumado por la pericia técnica de la escena y la dureza de la misma. Spielberg y Tom Hanks quisieron repetir la jugada del realismo en las escenas bélicas en televisión con la estupenda ‘Hermanos de sangre’ (‘Band of Brothers’) y la aburrida ‘The Pacific’.

‘El caballero oscuro’

Christopher Nolan se corona con la que sigue siendo su mejor película. El inicio es un atraco a un banco filmado con precisión y ritmo. Nolan además se permite un guiño a ‘Atraco perfecto’ (‘The Killing’, Stanley Kubrick, 1956): los atracadores llevan caretas de payaso, mientras se juguetea con el espectador con respecto a la identidad del Joker. Mención especial para la breve participación de William Fichtner, y cómo no, la música de Hans Zimmer y James Newton Howard, que deberían colaborar juntos más veces.

‘Vértigo’

Una persecución por las azoteas de los edificios en el que dos policías persiguen a un hombre. James Stewart, en uno de sus personajes más memorables y también de los demás complejos de su carrera, queda suspendido asido a una cañería, el agente deja de perseguir al sospechoso y se vuelve para ayudar a nuestro protagonista pero algo sale mal. Tensión y miedo a las alturas marcan una de las obras más importantes de Alfred Hitchcock. Bernard Herrmann, del que deberían aprender muchos, pone la impecable nota musical.

‘El guateque’

El inicio de esta gran película deja claro cómo comenzar una buena comedia marcando cómo será el personaje central en la misma. Un corneta que da la nota, nunca mejor dicho, y que en realidad es un actor de poco monta que sueña con un papel importante. La escena del vídeo aún continúa con un par de cafradas más por parte del personaje, que estropea el rodaje de una película. Su nombre es apuntado en una lista con la intención de que no consiga trabajo como actor en ningún lado, pero se apunta por error en una lista de invitados a una fiesta que será desternillantemente inolvidable. Como Peter Sellers.

‘Centauros del desierto’

Una puerta se abre y sale una mujer a la que sigue la cámara curiosa de John Ford en uno de sus mejores trabajos. La expectación que se crea es por el regreso al hogar de Ethan Edwards —un magnífico John Wayne, como casi siempre—. Martha Edwards, su cuñada, será la primera en verlo llegar, y no por casualidad. Unas pocas escenas más tarde, cuando Ethan deba partir de nuevo acompañado en una larga búsqueda que le obsesionará, seremos testigos de una de las historias de amor más calladas del celuloide. Y todo con miradas y gestos delicados. Como esa cámara que sale al porche al principio.

‘Indiana Jones y el templo maldito’

La escena del vídeo es la delos créditos, en la que Steven Spielberg homenajea al cine musical americano clásico con un número excelente, en el que además vemos a Kate Capshaw, actual esposa del director, mostrando sus aptitudes para el baile y el canto. Tras el “directed by” viene una de la secuencias más trepidantes que se han visto. Un diamante, un antídoto, cubitos de hielo, confusión, y ritmo, mucho ritmo. A partir de ahí el espectador queda atrapado en un torbellino de emoción y aventura que no desaparece.

‘Poder absoluto’

Aún no hemos llegado a ella en el especial de Clint Eastwood, pero lo haremos. El inicio es una ejemplar muestra de suspense por parte de su director. Un ladrón que ha entrado a robar en una casa debe ocultarse cuando recibe la visita inesperada del presidente de los Estados Unidos, que tiene ciertos vicios sexuales que le costarán caro. Oculto tras un espejo, el ladrón deberá ingeniárselas para salir de allí con vida pues ha sido testigo de un homicidio cometido por uno de los hombres más poderoso del plantea. Tensión en su pura esencia.

Su turno, damas y caballeros.

Con la arrolladora, vitalista, subyugante música de Jerome Moross, que es en sí misma un icono del género, y con la que uno puede imaginarse las más grandes aventuras y los más bellos e inmensos parajes americanos, comienza uno de los westerns más famosos de los años cincuenta, aunque ahora quizá haya quedado algo olvidado para las nuevas generaciones (entre las cuales sospecho que este género maravilloso no es de sus preferidos), dirigido por William Wyler un año después de ganar la Palma de Oro con su razonablemente interesante ‘La gran prueba’ y un año antes de arrasar en los Oscar con su ‘Ben-Hur’.

He de decir que antes de ‘Horizontes de grandeza’ (‘The Big Country’ en el original, el título español es bastante parecido) prefiero otros muchos westerns, más personales, más arriesgados, o simplemente superiores. Pero hay algo en este largo filme (166 minutos) de Wyler, el director “sin estilo”, que le hace especial, emocionante y sensorialmente cautivador, por lo cual se ve siempre (yo la he visto muchas veces) con gran placer. Y es que nunca se han percibido las enormes llanuras de Estados Unidos como en esta película, ni siquiera en ‘Duelo al sol’ (Vidor, 1946, también con Gregory Peck, y creo que inferior a ésta), como tampoco se han sentido así las grandes cabalgadas, el polvo y la épica del camino.

Tanto es así que apetece hablar y debatir sobre esta película con los calores del verano, porque uno se siente más próximo a su luz y al calor que se percibe en sus fotogramas. Más aún cuando es una historia cuyo “mcguffin” es el agua, bien supremo de una tierra sofocada por el sol, en la que los ganaderos deben luchar para que sus reses no se mueran de sed. Historia de rancheros mezquinos, de envidias malsanas, de estilos de vida, de hipocresías, de odios ancestrales, pero sobre todo historia de cómo vencer a la violencia sin violencia, y de cómo amar verdaderamente, comprendiendo al otro y dejándole ser tal cual es.

Un hombre tranquilo entre pistoleros salvajes

Lo más interesante de esta historia, a un nivel psicológico, es el choque de culturas que propicia la llegada al oeste americano de un hombre culto y hasta refinado, capitán de navío (es decir, hombre de mundo, qué pocos hay), llamado James McKay, con motivo de su boda con Patricia Terrill, hija de un ganadero rico y de pocos escrúpulos. Nada más llegar será objeto de una novatada por parte de los hermanos Hannassey, hijos a su vez de otro ganadero sin escrúpulos, que se mofarán de su aspecto, dispararán a su sombrero, le atraparán con el lazo y, en definitiva, le enseñarán a dónde ha ido a parar. La secuencia es formidable, y de un dinamismo y una velocidad que ponen la piel de gallina.

McKay no se alterará lo más mínimo (su novia, que odia a los Hannassey, aunque ni siquiera sabe por qué, se pone más furiosa que él), entendiendo la agresión como un juego infantil. De manera magistral se ha presentado el tema de la película, que no es otro que la sensatez y la tranquilidad frente a la agresividad y el odio. El guión de Robert Wilder, que adapta la novela homónima de Donald Hamilton, es de una progresión dramática incontestable, presentando a los personajes con habilidad, y dejando que los temas fluyan de manera natural, sin forzarlos. William Wyler, que dominaba como pocos el scope, narra con sencillez y mano maestra, sin el menor desfallecimiento de ritmo ni intensidad, una historia tan aparentemente simple y tan compleja en su interior.

Pero lo que más llama la atención es su formidable y antológico grupo de actores. Burl Ives (el padre Hannassey, Rufus), se llevó el Oscar al mejor actor de reparto por este papel, pero creo que cualquier otro actor o actriz de reparto podría haberse alzado con él sin el menor problema. Charle Bickford (que interpreta al mayor Henry Terrill), Charlton Heston (en un precioso papel que borda sin esfuerzo), Jean Simmons (nunca tan guapa como en ‘Espartaco’, porque es imposible, pero cerca le anda, y siempre brillante), Chuck Connors (impresionante como Buck Hannassey, un personaje odioso y patético al mismo tiempo), Carroll Baker y por supuesto Gregory Peck, conforman un mosaico de rostros, gestos y réplicas casi perfecto.

Muchas secuencias de esta película pertenecen por derecho propio a lo más antológico que ha dado el western. La que yo prefiero, entre todas ellas, está incluida en el clip que he puesto más arriba, para que el lector pueda verla. Alrededor del minuto tres de ese vídeo podemos ver a Henry Terrill perdiendo la confianza de su mano derecha, Steve Leech (Heston), y viéndose sólo en su loco ataque a los Hannassey. Con un inesperado coraje, acude en solitario a su propia llamada. Pero Leech, que está harto de él pero no quiere verle morir solo, se pone el sombrero y acude a su lado. Poco después, el resto de jinetes les alcanza. Un momento tramposo, quizá, pero al servicio de la épica y la emoción más verdaderas, como vehículo de una historia que haga sentir al espectador que la mezquindad y la compasión pueden cabalgar juntas.

Filme río, de pasiones desatadas, de cinematografía (buena culpa de ello la tiene el genial operador Franz Planer) de gran dinamismo, de exquisita música, cuyas dos horas y pico pasan literalmente en un suspiro. Ni este título, ni probablemente Wyler, sean de lo mejor de la historia del cine. Pero si hablamos de placer, de disfrute, de alegría de ver una película, hay pocos ejemplos tan soberbios como este.

‘La cuarta fase’

Dirección: Olatunde Osunsanmi

Intérpretes: Enzo Cilenti, Will Patton, Milla Jovovich, Corey Johnson, Hakeem Kae-Kazim

Sinopsis: A finales del año 2000, los pacientes de la terapeuta Abbey Tyler, bajo hipnosis, reflejaron comportamientos que sugerían encuentros con seres no-humanos. Antes de dormir, todos ellos aseguraban haber visto un búho que les observaba desde fuera de la ventana. Y despertaban completamente paralizados, escuchando ruidos terroríficos que provenían de fuera de la habitación justo antes de que un atacante desconocido les sacara gritando de la habitación. Los recuerdos posteriores se sumían en la oscuridad. La doctora descubrió que la desaparición de personas y sucesos extraños en la región se remontaban a los años 60. Cuanto más profundizó en su investigación, más creyó en que las historias de sus pacientes no eran falsos recuerdos, sino evidencias de abducciones alienígenas.

Críticas en Blogdecine:

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‘Alegrías de un viudo’

Dirección: Howard Zieff

Intérpretes: Glenda Jackson, Art Carney, Richard Benjamin, Walter Matthau, Candice Azzara

Sinopsis: Ann Atkinson sufre un accidente y se rompe la mandíbula, por lo que se ve obligada a ingresar en el Hospital General de Kensington. El director de la clínica, un viejo cirujano, se encarga personalmente de su cuidado. Este decrépito y descudado anciano no ejerce muy bien su labor, por lo que uno de sus colaboradores, Charley Nichols, decide arreglar los destrozos causados por su jefe. tras la curación de Ann, se produce un encuentro casual entre ésta y el doctor Nichols, de donde surge una estrecha pero conflictiva amistad.

Howard Zieff nunca fue un director dotado para la comedia e incluso le salían película innecesariamente crueles y absurdas —‘Mi chica’ (‘My Girl’, 1991), pero Walter Matthau siempre es una garantía para ver cualquier tipo de película por mala que sea, no así Glenda Jackson, que de insoportable tenía un rato. DVD sin extras.

‘Arise, My Love’

Dirección: Mitchell Leisen

Intérpretes: Dick Purcell, Walter Abel, Dennis O’Keefe, Claudette Colbert, Ray Milland

Sinopsis: Billy Wilder y Charles Brackett firman conjuntamente el brillante guión de esta película. Esta comedia dramatica ambientada en la Guerra Civil Española consigue, con un certero y afilado sentido del humor, desdramatizar algo tan serio como la guerra, así como mantener la sonrisa del espectador a lo largo de todo el metraje de la cinta. Claudette Colbert interpreta a una periodista que consigue salvar de la muerte al aviador americano al que da vida Ray Milland, que luchó del lado de los Republicanos, preso tras la victoria de los nacionales. Posteriormente la acción se sitúa en París, donde seremos testigos del avance del nazismo.

Deliciosa película de uno de esos maestros algo olvidados, el señor Mitchell Leisen, quien merecería un especial en estas páginas. Ambientada en España durante la Guerra Civil. DVD sin extras, pero desde luego es el DVD de la semana.

‘Himno de batalla’

Dirección: Douglas Sirk

Intérpretes: Martha Hyer, Dan Duryea, Anna Kashfi, Rock Hudson, Don DeFore

Sinopsis: Melodrama bélico sobre la vida del coronel Dean Hess (Rock Hudson), excombatiente de la II Guerra Mundial y ahora en la Guerra de Corea. Antiguo pastor metodista, vive atormentado por su participación en el conflicto bélico como piloto de un avión de bombardeo. En este filme que Sirk dirigió por encargo, intenta reflejar la dualidad del coronel, quien en el conflicto coreano alternará sus labores bélicas con la tarea de salvar niños huérfanos, quizá espoleado por limpiar sus conciencia. Acompaña al coronel Dean Hess en su vivencias en la Guerra de Corea, en la cual el director consigue además ciertos momentos cómicos que harán acercar al espectador.

No se trata de una de las grande de Douglas Sirk, probablemente el rey del melodrama, pero un film firmado por él siempre tiene algo de interés. DVD sin extras.

‘Horizontes del oeste’

Dirección: Budd Boetticher

Intérpretes: Judith Braun, Rock Hudson, Julie Adams, Robert Ryan, John McIntire

Sinopsis: Western ambientado en la Guerra de Secesión de Norteamérica, que narra la vuelta a la vida cotidiana del ranchero Neal Hammond (Rock Hudson), mientras que su ambicioso hermano Dan (Robert Ryan) se verá muy pronto metido en líos por su extrema ambición.

Lo mismo que en la anterior película citada. Budd Boetticher fue uno de esos maestros tardíamente reconocidos por el cinéfilo y la crítica. Especialista sobre todo en el western se caracterizaba por un excelente dibujo de personajes y atmósferas opresivas muy conseguidas. No se trata de uno de sus films más recordados pero aún así hay que verlo, además aquí tenemos la presencia de ese actor todo terreno llamado Robert Ryan.

‘La última pareja’

Dirección: Gilbert Cates

Intérpretes: Valerie Harper, George Segal, Natalie Wood, Richard Benjamin, Bob Dishy

Sinopsis: Jeff Thonsom (George Segal), y su esposa Mari (Natalie Wood), son un extraño ejemplo, ajeno a la moda de matrimonios separados, o que se acogen a la nueva corriente de intercambios de parejas: Todos los amigos, incluso sus más cercanos familiares, se extrañan de la monogamia de Jeff y Mari, y les van empujando hacia la infidelidad. Pero la nueva situación, los va separando cada vez más, llegando a la ruptura. Viendo peligrar su matrimonio, deciden volver a su vida anticuada: pero con la que pueden vivir en pareja.

Me falta por ver esta película así que me temo que no puedo daros una opinión sobre ella. De todos modos la comedia americana a finales de los 70 y principios de los 80, salvo contadas excepciones, no goza de muy buena salud.

‘Misión secreta’

Dirección: Philip Dunne

Intérpretes: Guy Stockwell, Rock Hudson, Brad Dexter, Jack Warden, Claudia Cardinale

Sinopsis: El doctor Bartolomew Snow, un afamado psiquiatra, es contratado para tratar a un científico neurótico. Tendrá que realizar viajes con los ojos vendados a un lugar desconocido donde se encuentra el científico. Una noche, el doctor Snow, acompañado por un agente del gobierno, sale a ver a su paciente y al llegar a su destino se encuentra en situaciones tan anómalas que le hacen pensar que, sin ningún tipo de escrúpulos, está siendo utilizado por una importantísima red de espionaje enemiga. ¿Cómo acabaran los viajes del doctor Bartolomew Snow? No os lo perdáis.

Triplete del señor Rock Hudson en las novedades de DVD, al que acompañan en el reparto la espectacular Claudia Cardinale y el siempre eficaz Jack Warden. Quizá por verlos a ellos merezca la pena.

‘Pánico en el estadio’

Dirección: Larry Peerce

Intérpretes: Charlton Heston, John Cassavetes, Marilyn Hassett, Beau Bridges, Martin Balsam

Sinopsis: La acción se sitúa en la ciudad de Los Ángeles. En la víspera de un importante partido de fútbol americano en el estadio Coliseum, un sujeto armado con un rifle se dirige furtivamente hacia una de las torres del estadio. Para evitar crear una situación descontrolada se recurre a los equipos SWAT dirigidos por el capitán Peter Holly.

Un film de acción de cierta fama en la década de los 70, pero que personalmente me parece muy flojo. La original situación del francotirador en un estadio de fútbol está totalmente desaprovechada y lo que tendría que haber sido un ejercicio de suspense puro y duro se queda en casi nada. La culpa: evidentemente del director. DVD sin extras.

‘Rifles de Bengala’

Dirección: Laslo Benedek

Intérpretes: Ursula Thiess, Rock Hudson, Arlene Dahl, Arnold Moss, Torin Thatcher

Sinopsis: Rock Hudson interpreta al capitán Jeffrey Claybourne, prometido con Vivian Morrow (Arlene Dahl), hija de su superior en el ejército. Avergonzado por una falta de disciplina, Claybourne abandona el ejército para limpiar su reputación, momento que llegará justo cuando el ejército indio ataque a los británicos.

Cuarta película con Rock Hudson en el reparto de una película de aventuras típica de las muchas que se hacían en la década de los 50 sin más pretensiones que las de entretener. Más o menos como ahora pero sin llamar idiota al espectador.

Vía | Zona DVD

‘Avatar’

Director: James Cameron

Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldana, Joel Moore, Giovanni Ribisi, Stephen Lang, Sigourney Weaver, Dileep Rao

Es sin duda el film del 2009 y buena parte del 2010, todo un fenómeno sociológico que ha devuelto en masa al público a los cines, y de paso ha contagiado el 3-D a películas que no se habían filmado en ese formato —por ejemplo, la última sosería de Tim Burton—. Como era de esperar, la crítica se dividió, el público se dividió, pero todo el mundo habló de ella. Su éxito ha sido tal que la segunda entrega ya está confirmada de nuevo con Cameron tras las cámaras.

El DVD sale absolutamente pelado de extras porque hasta Noviembre no se editará una edición de coleccionista con numerosos documentales sobre la película. Ya me huelo para más adelante alguna especie de “versión extendida”, y así todas las mentes débiles nos comparemos la película dos veces.

Críticas en Blogdecine:

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• ‘Avatar’, los rasgos de una obra maestra
• ‘Avatar’, la técnica por encima del arte

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‘Donde viven los monstruos’

Director: Spike Jonze

Intérpretes: Max Records, Catherine Keener, Mark Ruffalo, Steve Mouzakis, Steve Mouzakis

Contenido Extra:

• La absurda dificultad de filmar a un perro corriendo y ladrando al mismo tiempo.
• La gran broma
• Ataque vampiro

• Los niños se apoderan de la foto

La película que le quiso hacer competencia en nuestros cines al film de James Cameron repite la jugada en el mercado del DVD y BluRay. Ni que decir tiene que volverá a fracasar, entre otras cosas porque estamos ante una película muy diferente a ‘Avatar’, y con eso no estoy diciendo que sea peor o mejor. Desde luego es más simplona de lo que aparenta ser.

Críticas en Blogdecine:

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• ‘Donde viven los monstruos’, un videoclip alargado

• ‘Donde viven los monstruos’, el cine de los sentimientos

‘Si la cosa funciona’

Director: Woody Allen

Intérpretes: Ed Begley Jr., Patricia Clarkson, Larry David, Conleth Hill, Michael McKean, Evan Rachel Wood, Olek Krupa, Yolonda Ross

Hasta ahora la última película de Woody Allen estrenada —recordemos que tiene otras dos en cartera, una ya terminada y la otra en fase de preproducción— y una de sus obras magnas tratada como si se tratase de un film menor. DVD sin extras relevantes.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Si la cosa funciona’, Allen como pez en el agua
• ‘Si la cosa funciona’: de la amargura al optimismo

• Sí, la cosa funciona

‘Buscando a Susan desesperadamente’

Director: Susan Seidelman

Intérpretes: Rosanna Arquette, Madonna, Aidan Quinn, Mark Blum, Robert Joy

Sinopsis: Roberta es un ama de casa disgustada por su forma de vida. Casada con un hombre que no muestra ningún interés por ella, se refugia en lo único que le distrae: los anuncios personales del periódico. Por eso, cuando Roberta lee que alguien busca a Susan desesperadamente no duda ni un momento para salir en su busca. Cuando por fin encuentra a Susan, una persona impulsiva que vive siguiendo sus sueños, se verá envuelta en numerosos líos y divertidas situaciones que harán que sus días grises acaben para siempre.

Uno de los éxitos de los 80, intentando explotar cinematográficamente la imagen de ese animal escénico llamado Madonna. Es de 1985 y servidor aún no la ha visto. No me interesó con 15 años, y ahora menos. DVD sin extras.

‘El confidente’

Director: Peter Yates

Intérpretes: Robert Mitchum, Peter Boyle, Richard Jordan, Steven Keats, Alex Rocco

Sinopsis: Eddie “Fingers” Coyle (Robert Mitchum), un hombre que se dedica a suministrar armas de todo tipo a los delincuentes de los bajos fondos de Boston pretende, a su vez, buscarse la ayuda de la policía, delatando la preparación de los golpes que sus “clientes” piensan cometer.

Uno de los thrillers más originales de la década de los 70 y que posee una de las mejores interpretaciones de ese monstruo llamado Robert Mitchum. DVD sin extras.

‘Hoguera de odios’

Director: Charles Marquin Warren

Intérpretes: Charlton Heston, Jack Palance, Katy Jurado, Brian Keith, Mary Sinclair, Milburn Stone

Sinopsis: Ed Bannon es el jefe de los rastreadores del puesto de caballería de Fort Clark, Texas, al que se le ha encomendado la misión de llegar a firmar un tratado de paz con los indios Apaches y llevarlos a sus reservas de Florida. Sin embargo no están dispuestos a ceder. Cuando el hijo del jefe apache Torinada regresa de recibir una educación en el este, Bannon comienza a sospechar de sus motivaciones ocultas.

Un título menor dentro del género del western realizado por uno de esos artesanos desconocidos, pero ya les gustaría a muchas películas actuales ser tan menores como ésta.

‘San Valentín sangriento’

Director: Patrick Lussier

Intérpretes: Jensen Ackles, Kerr Smith, Edi Gathegi, Jaime King, Tom Atkins, Megan Boone, Marc Macaulay, Joy de la Paz

Contenido Extra:

• Audiocomentario del Director Patrick Lussier y Co-guionista Todd Farmer.
• Dentro de San Valentín Sangriento.
• Sexo, Sangre y Gritos.
• Escenas Eliminadas/Extendidas.
• Final Alternativo.

• Tomas Falsas.

El 3-D llega al mercado casero con esta peliculita de terror que ha pasado sin pena ni gloria por nuestras pantallas. Carne de videoclub, sin duda.

‘Triage’

Director: Danis Tanovic

Intérpretes: Sandra Ni Bhroin, Nick Dunning, Branko Djuric, Christopher Lee, Colin Farrell, Gail Fitzpatrick, Ian McElhinney, Kelly Reilly

Sinopsis: Mark (Colin Farrell) y David (Jamie Sives) son amigos y experimentados fotógrafos de guerra que se encuentran capturando imágenes de un Kurdistán desgarrado por el conflicto. Mark quiere seguir los combates unos días más, buscando la foto del año, pero David, harto ya de tanta desesperanza y violencia, decide regresar a casa con su mujer embarazada, Diane (Kelly Reilly). Cuando Mark por fin regresa, visiblemente demacrado, junto a su mujer Elena (Paz Vega) se encuentra con que su compañero y amigo David, que partió antes que él, aún no ha vuelto. Comienza aquí la lucha de un hombre exhausto y desorientado que, envuelto de secretos, se ve incapaz de reasumir su antigua vida en Dublín.

Colin Farrel, Christopher Lee y Paz Vega juntos en una película. No conoció estreno en salas en nuestro país, supongo que por lo de siempre, no sabían cómo venderla. Buena ocasión para rescatarla.

Vía | Zona DVD

‘Mayor Dundee’ se convirtió en la odisea más grande por la que pasó Sam Peckinpah, y probablemente todos los que intervinieron en ella. A lo largo de los años, actores como Charlton Heston, L.Q. Jones o James Coburn hablaron y hablaron de lo que supuso para ellos la experiencia y cómo veían a Peckinpah, quien se ganó en el rodaje de esta película la mala fama que le acompañó hasta su muerte. Exigente como pocos, montaba en cólera si alguien le llevaba la contraria y disfrutaba despidiendo a gente todos los días.

Tras ‘Duelo en la alta sierra’, cuyo prestigio estaba subiendo como la espuma, Peckinpah mostró especial interés por un guión escrito por Harry Julian Fink (futuro guionista de ‘Harry el sucio’), del que el director hizo su habitual reescritura, acompañado por Oscar Saul. El libreto original tenía demasiadas historias juntas sin centrarse en una concreta, demasiados tonos, demasiadas cosas. Peckinpah lo arregló poniendo como base principal el personaje del Mayor Dundee, adentrándose en sus personales obsesiones y aspiraciones.

El productor Jerry Bresler presionó duramente a Peckinpah, pues en la Columbia querían una película de aventuras que narrase la lucha entre soldados e indios, cuyo presupuesto estaba estimado en 3 millones de dólares. Al final ‘Mayor Dundee’ costó un millón y medio más, pasándose bastantes días en el tiempo de rodaje previsto. Pero antes de que Peckinpah y los productores empezasen a pelearse por el resultado final, el director recibió en México los máximos premios cinematográficos entregados allí por su labor en ‘Duelo en la alta sierra’, lo que provocó una juerga de órdago, una de las muchas que Peckinpah solía correrse. Un oasis en mitad del infierno que supuso el rodaje del western que hoy nos ocupa, cuya mutilación en la sala de montaje por parte de la Columbia, fue arreglado hace pocos años, y eso sin disponer de todo el material que Peckinpah rodó.

‘Mayor Dundee’ narra la historia de un veterano oficial de la Unión que forma un grupo con soldados de su ejército, rebeldes, antiguos esclavos y delincuentes, para perseguir a Apaches asesinos, encontrándose en el camino con más adversidades de las esperadas. Además de tener que soportar un viaje largo y angosto, los hombres tendrán que lidiar con sus propias diferencias si quieren tener éxito. Este elemento logra dotar al relato de una gran tensión, con especial intensidad en los momentos de discrepancia dentro del grupo.

Al igual que en su anterior film, Peckinpah enfrenta a dos personajes, antaño amigos, con distintos intereses pero encontrando un lugar común en el respeto por las viejas tradiciones sobre el respeto. Charlton Heston y Richard Harris dan vida a Amos Dundee y Benjamin Tyreen, en un duelo interpretativo antológico, de perfecta compenetración, aunque en cierto momento el film se centra completamente en el personaje del título, dando oportunidad a Heston de lucirse en todo un tour de force, parte que fue suprimida en su primer montaje, el que durante demasiado tiempo padeció el film. En la restauración se recuperó, y el film gana y pierde a la vez, para sorpresa del que suscribe. Por un lado el dibujo psicológico de Dundee logra que entendamos sus motivaciones hasta un punto en el que antes ni podríamos imaginar. Pero al mismo tiempo el ritmo del film se resiente. Y es que si de algo peca ‘Mayor Dundee’ es de cierta inestabilidad en su historia, queriendo abarcar demasiadas cosas.

Nunca sabremos qué película era la que al principio dejó diseñada Peckinpah, duraba dos horas y 35 minutos, pero con esta restauración, que alcanza los 140 minutos, nos acercamos bastante a sus intenciones (él siempre sostuvo que ‘Mayor Dundee’ podría haber sido su mejor trabajo). El film mejora en su dimensión trágica, y la descarnada violencia de sus secuencias golpea al espectador que asiste temeroso a una misión de búsqueda que va más allá de lo personal. La mirada crepuscular de Peckinpah, su tratamiento de los personajes femeninos (el central ideado exclusivamente para Senta Berger, pensado en las posibilidades internacionales del film, es presentada como una bella mujer pero que juega a sus anchas con Dundee y Tyreen, una puta más que añadir al listado de Peckinpah, experto putero en la vida real, y por ello en la ficticia), el uso de la violencia (recortada, cómo no, en su primer montaje) y el mimo de los personajes, son elementos más que suficientes para disfrutar de una obra no perfecta pero apasionante.

Los actores, excelentemente dirigidos por Peckinpah, brindan interpretaciones de primer orden. Charlton Heston compone aquí uno de sus personajes más memorables, muy en su línea (Heston gozaba dando vida a sujetos atormentados), pero con una diferencia bien visible, y es que el director logró que Heston se olvidase por completo de una de sus principales manías como actor: la de estar posando en cada plano. La relación entre el actor y Peckinpah fue cordial dentro de lo que cabe esperar del director. Éste le metía mucha caña a Heston, y en cierta ocasión en la que le obligó a repetir una escena mientras le insultaba, Heston en un ataque de rabia cargó con su caballo, sable en mano, contra Peckinpah, que se llevó el susto de su vida. No obstante, y a pesar del mal humor del director, todos admiraban su entrega al trabajo, y cuando los productores decidieron despedir a Peckinpah antes de finalizar el rodaje, Heston intervino ofreciendo su salario a condición de que lo readmitieran, cosa que aceptaron. Heston pasó un infierno de rodaje sin cobrar nada por ello.

Ésa fue una de las variadas anécdotas que ocurrieron durante la filmación de ‘Mayor Dundee’ (aceptó a Ben Johnson porque éste le dijo que le daría un puñetazo si le despedía, provocó infinidad de peleas en los bares de las localidades mexicanas donde rodaron, etc), en donde además de los citados, nos encontramos con Warren Oates (protagonizando un momento muy especial, en el que se confirma el carácter de Tyreen), Jim Hutton, James Coburn (que sustituyó a Lee Marvin, que era a quien Peckinpah quería), R.G. Armstrong (dando vida a otro predicador, al igual que en ‘Duelo en la alta sierra), Slim Pickens y L.Q. Jones. Suculento reparto como pocos se ven.

A Peckinpah no le dejaron tener el control en el montaje final, de hecho ni estaba presente, pero años después cuando éste consiguió gran fama por ‘Grupo salvaje’, recibió una oferta de la Columbia para remontarlo a su gusto. Se negó alegando que no tenía tiempo. Muchos piensan que fue su particular venganza hacia los estudios, y es que Peckinpah en un alarde inteligencia sabía muy bien que ‘Mayor Dundee’ tendría más valor como la gran película que estaba escondida, y no descubierta. Quizá podamos soñar con esa obra maestra que nunca se rescatará, lo que hay es un excelente western vibrante y espectacular lleno de detalles.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético

• ‘Duelo en la alta sierra’

Hace tiempo que se viene hablando sobre un nuevo proyecto de la saga iniciada por ‘El Planeta de los Simios’, aquella extraordinaria película dirigida por Franklin J. Schaffner en 1968.

Recientemente se han confirmado los rumores y ya se sabe tanto el nombre del director como el título del film. El encargado de recuperar a los simios para el cine será Scott Frank, quien debutó con la pasable ‘The Lookout’, y el título del proyecto es ‘Caesar’, en lugar de ‘Genesis: Apes’ que era el que se comentaba en un principio.

Desde la 20th Century Fox también se dice que ya tienen un guión para la película y que ésta será una precuela. Al parecer, la acción nos situará en el presente, la Tierra en el año 2009… Apenas se acaba de poner el proyecto en marcha y ya quieren estrenar el año que viene. Bueno, con tal de que lo hagan bien, como si la ruedan en un fin de semana.

Según cuentan, la idea de este nuevo proyecto es recuperar los temas sociales que se contaban en la primera película pero dar un enfoque totalmente nuevo. Suponemos que con esto se refieren a que el público se olvide de volver a ver algo parecido al remake que Tim Burton dirigió en 2001. Una película que en su momento me gustó, la verdad, pero cuando la volví a ver, un tiempo después, me pareció realmente floja, con algunos momentos lamentables, de lo peor de Burton. Quizá fue por verla en el cine y luego en mi casa; no es lo mismo ver una película en un sitio y en otro…

Despejando el camino y mirando más allá de intenciones mayores, de discursitos típicos de hombres de negocios, la realidad es que esta nueva película será básicamente un remake de ‘La Rebelión de los Simios’ (‘Conquest of the Planet of the Apes’), la cuarta entrega de la saga, realizada por J. Lee Thompson en 1972 (película que tengo que volver a ver, pero que recuerdo bastante entretenida).

‘Caesar’ nos contará los orígenes de todo lo que se descubre al final del film de 1968, es decir (no sigas leyendo si no la viste aún, pecador), cómo empieza la era de los simios, cómo se convirtieron en la raza dominante del planeta. Uno de ellos, de nombre Caesar y con una inteligencia más desarrollada de lo normal, promoverá una revolución que dará lugar a la caída de la raza humana.

Como he señalado, el proyecto aún está en una fase inicial, por lo que aún queda bastante para empezar a ver algo de la película, como posters o trailers. En fin, ¿qué os parece la idea de recuperar esta saga? ¿Os apetece ver a los simios de nuevo en el cine?

Pd: Nunca entenderé la broma de poner a Charlton Heston como simio… es como rodar un remake de ‘Blade Runner’ y hacer que Harrison Ford interprete a un replicante moribundo que, a la mitad de la película, revela a Deckard por qué sueña con un unicornio.

Recientemente, como sabéis, falleció una de las estrellas más brillantes y populares de Hollywood, el actor Charlon Heston. Como imagino que muchos de vosotros, quise hacerle un pequeño homenaje revisando una de sus películas. Un actor al que hay que admirar por muchos de sus trabajos (‘Ben-Hur’ o ‘Sed de Mal’, imprescindibles) pero al que yo recordaré siempre por haber protagonizado esa obra maestra de la ciencia ficción titulada ‘El Planeta de los Simios’, una de mis películas favoritas, que más me impactaron de niño, y que aún hoy consigue inquietar y hacer reflexionar, por atacar a la raza más evolucionada del planeta. ‘Cuando el Destino nos Alcance’ sigue por esta senda, criticando al ser humano, al que quizá habría que ir llamado “ser inhumano”.

La historia de ‘Cuando el Destino nos Alcance’ (‘Soylent Green’, 1973) nos sitúa en el año 2022, en una Nueva York superpoblada, miserable, y con un calor asfixiante, debido al efecto invernadero. Un policía recibe el encargo de resolver el crimen de uno de los directivos de la poderosa Soylent, la compañía que controla la distribución de alimento.

La película es una adaptación de la novela ‘Make Room! Make Room!’ (‘¡Hagan sitio! ¡Hagan sitio!’), de Harry Harrison, y está dirigida por el siempre reivindicable Richard Fleischer, en cuya carrera hay unos primeros títulos infumables, como ‘Acusado a Traición’, pero, sobre todo, obras magistrales como ‘Impulso Criminal’ o ‘El Estrangulador de Boston’; dentro de la ciencia ficción, el director fue responsable de ‘Viaje Alucinante’ y ’20.000 Leguas de Viaje Submarino’, otros dos títulos memorables de este, en general, poco valorado género.

Si algo caracteriza a las buenas historias de ciencia ficción es que, a pesar del (lejano) momento en que fueron publicadas o estrenadas, y de los medios que contaron los que filmaron la película, el paso del tiempo las cuida, revitaliza, e incluso actualiza. Por esto, entre otras razones, maravillas como ‘2001’ o ‘Blade Runner’ nunca pasarán de moda y siempre serán objeto de debates y reflexiones de todo tipo. Este tipo de historias hablan del ser humano y de los peligros que parece conllevar su evolución. Ya sea por el descontrol de su crecimiento, como en el film que nos ocupa, o por el uso que hace de la tecnología, el hombre parece que está ciego y destinado a acabar, de una forma u otra, rápida o lentamente, con su propia especie. El que la historia transcurra ahora o en el año 3025 es totalmente secundario.

‘Cuando el Destino nos Alcance’ comienza de forma gloriosa recordando, con un montaje de fotos fijas, el comienzo de la industrialización y su posterior desarrollo, hasta llegar al presente. El presente que es la base de un futuro de pesadilla. La película nos plantea una apasionante historia de ciencia ficción que resulta aterradora por lo cerca que parece estar de convertirse en real. Normalmente, este tipo de situaciones suelen situarse en fechas exageradamente tempranas, para resultar más atractivas, pero en esta ocasión parece que se equivocan por muy poco.

El versátil Fleischer nos sitúa en un mundo donde la superpoblación ha provocado un caos que intenta mantenerse bajo control. El control lo dirige la clase dominante, cuya diferencia (en riqueza) con el resto de la población es abismal. Por supuesto, hay escasez de alimento y agua; por cierto, el alimento parece todo menos comida, totalmente prefabricado, y en una de sus variantes, da título al film. El paro es la situación normal, y sólo los que tienen uno tienen privilegios tales como una sucia ratonera donde sudar y caer muerto. El sudor es otro elemento fundamental; el efecto invernadero provoca que un calor asfixiante domine este mundo del… ¿futuro?

La película está protagonizada por los dos actorazos que tenéis en la primera imagen de esta crítica, Charlton Heston y Edward G. Robinson (ésta fue su película número 101, como se refleja en un emotivo vídeo que incluye el DVD). Heston encarna a un hombre cuya personalidad encaja a la perfección con la imagen que tenemos del actor, casi la misma que nos muestra en la mencionada ‘El Planeta de los Simios’ (el final nos vuelve a recordar a este film). Por esto, es imposible imaginarse a otro actor que no sea Heston en este rol. Tenemos a un hombre que, ante todo, intenta sobrevivir en el mundo que le ha tocado, cínico, duro, práctico, hábil, inteligente y con su propio código de valores. Heston borda su actuación, siendo ésta, a mi entender, una de las películas por las que todos deberíamos recordarle.

Robinson, tan bajito físicamente como gigantesco actor (‘Perversidad’ o ‘Cayo Largo’, por ejemplo, me vienen ahora mismo a la mente), se encarga de uno de esos papeles por los que cualquier veterano (imagino) pagaría por interpretar. Un hombre sabio y tierno en cuyas manos estará, finalmente, la solución del terrible misterio que esconde el título de la película (en su versión original). Impresionante el momento que comparten, en salas separadas, Heston y Robinson, cerca ya del desenlace del film, en ese “centro sanitario” donde parece estar, por muy duro que sea, el verdadero sentido de la raza humana, en ese futuro. Señalar también la presencia de Joseph Cotten (‘Ciudadano Kane’), que apenas tiene una pequeña intervención al principio de la película, siendo la muerte de su personaje el detonante de la trama principal, la investigación que lleva a cabo el policía que interpreta Heston.

‘Cuando el Destino nos Alcance’ no sólo es una muy buena película, inteligentísima a la hora de aprovechar sus recursos a pesar de contar una historia que se desarrolla en el futuro, también es un toque de atención al ser humano en general. Le avisa, como hiciera el extraterrestre que protagoniza la mítica ‘Ultimátum a la Tierra’, de que, tal y como están las cosas, mejor vivir el presente, como sea, porque esto se acaba, nos cargamos el lugar donde vivimos; nos estamos cargando el futuro. En definitiva, ‘Cuando el Destino nos Alcance’ es uno de esos títulos de ciencia ficción que resultan absolutamente imprescindibles, un clásico del género.