Os había hablado ya del rodaje de ‘La noche que dejó de llover’, una película gallega, opera prima de Alfonso Zarauza, que dio su claquetazo de salida en Santiago de Compostela el pasado lunes 6 de agosto y se extenderá durante 8 semanas. Con el rodaje recién empezado, tenemos ya disponibles algunas imágenes.

‘A noite que deixou de chover’ es una road movie de una noche por el interior de una mágica ciudad de piedra, Santiago de Compostela, que se torna uno de los protagonistas. Los caminos de Spleen (Luis Tosar) y La Rusa (Nora Tschirner) se cruzan para unir sus destinos en un viaje inesperado, tierno y surrealista… Un viaje por el interior de la ciudad, de la noche y de ellos mismos, que cambiará sus vidas para siempre.

El film estará protagonizado por Luis Tosar (‘Corrupción en Miami’, ‘Los lunes al Sol’), Nora Tschirner (‘Kebab Connection’), Chete Lera (‘Abre los ojos’, ‘Familia’, ‘El niño de barro’) y Mercedes Sampietro (‘El hombre de arena’).

La película es una coproducción entre Iroko Films y Perro Verde Films, producida por Harold Sánchez y Manuel Cristóbal y con el apoyo del ICAA, la Xunta de Galicia, la TVG, la Film Comission de Santiago de Compostela y la Axencia Gallega do Audiovisual.

Alfonso Zarauza, guionista, director del filme y experimentado cortometrajista se convierte en el quinto director que realiza su Opera Prima con Iroko Films, que mantiene su premisa de apostar por nuevos talentos jóvenes del cine español.

Actualización de 2009: El film se estrena el 21 de noviembre de 2009.

Fuente | Iroko Films

‘La noche que dejó de llover’

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El titular de este post puede resultar tan engañoso como la frase publicitaria de la película: “la maldad tiene 10 años”, a mi juicio un error tremendo en la promoción del film, ya que despista bastante sobre lo que es realmente la película, y sinceramente después de verla se llega a la conclusión de que no les hacía falta engañar al público de esa manera, ¿y por qué? sencillo, la película es buena. Si fuera todo lo contrario, sería perfectamente lógico. Y que conste que un servidor acudió al preestreno del film con el mayor de los miedos, porque ya estoy bastante harto de ver el nombre de Julio Fernández por todos lados (si os fijáis en el póster sale dos veces “producido por” y su maravilloso nombre a continuación), película que toca este tío, película que es un completo desastre, y si no, hagan cuentas: ‘La Monja’, ‘Los Abandonados’, ‘Arachnid’, ‘La Caja Kovak’, ‘Frágiles’, ‘Trece Campanadas’, ‘Darkness’...y así podría seguir hasta el día del juicio final, eso sí, única y exclusivamente cuando le da por parecerse a Roger Corman produciendo films de terror (aunque lo de ‘El Lobo’ sea también un insulto impresionante), porque cuando no es así, lo cierto es que ha metido mano en producciones bien majas, basten citar ‘El Maquinista’ o ‘El Perfume’.

‘El Niño de Barro’ narra los terribles hechos verídicos acaecidos en el Buenos Aires de 1912, cuando un asesino en serie se dedicaba a matar a niñas y niños pequeños, poniendo en jaque a la policía. Por otro lado, Mateo, el hijo de una emigrante española, tiene horribles visiones en las que ve cómo esos niños son asesinados. Pronto el caos se adueñará de la situación, y muchos son los que pensarán que el asesino es Mateo, mientras los asesinatos no terminan de sucederse.

Las referencias a ‘M, el Vampiro de Düsseldorf’, una de las múltiples obras maestras de Fritz Lang, son claras, sobre todo ese silbido que hace el asesino cuando conduce a una de sus víctimas a un fatídico destino. No voy ahora a comparar la obra de Lang con la de Jorge Algora, porque sería enormemente injusto. Pero sí lo cito, porque podría verse algún parecido más, y siempre es agradable para cualquier cinéfilo el ver en una ópera prima referencias a un cine que te ha marcado, y que ocupa por derecho propio un lugar de honor en la historia del cine. Además, es una de esas referencias/homenaje que están realizadas con cariño, sin cargar demasiado las tintas, no vaya a aparecer el gracioso de turno diciendo que la película es un plagio de la de Lang. Afortunadamente las comparaciones no pasan del homenaje citado, y además tenemos esa parte de la trama, con tintes fantásticos, en las que el niño protagonista tiene visiones, lo cual hace incluir al film dentro del género de thriller fantástico si se quiere, y que por cierto, es una parte muy, pero que muy bien llevada en la película, sin irse por las ramas dando rodeos absurdos.

Porque si hay algo que agradecerle enormemente a la película de Algora, es que después de unos excelentes títulos de crédito (y me refiero a las letras, no a las escenas) obra de Juan Carlos Ríos, va directa al grano, cosa muy de agradecer en los tiempos que corren, en los que una película tiene que durar inecesariamente unas tres horas (y con esto no estoy diciendo que todas las películas que tengan una larga duración sean malas, y pronto os hablaré de una que es una absoluta obra maestra). Su justa hora y media, más o menos, llega para enganchar lo suficiente al espectador con una historia que ata muy bien todos sus cabos, y tampoco estamos hablando de una historia complicada con recovecos, no. Un guión sencillo, obra de tres manos, aunque algunos se echen más flores que otros, que cuenta lo que tiene que contar, entremezclando muy bien todos sus elementos. El film gana mucho en su parte final cuando ya conocemos la identidad del asesino, algo que no está planteado como una sorpresa, cosa de lo que también rehuye, y es cuando el film consigue impactar en alguna que otra escena muy bien narrada, como todo lo referente a las horribles motivaciones del homicida, o cierto plano en una mesa en la que hay un cadáver. Momento éste en el que para un servidor tenía que haber terminado el film, el cuál sigue durante unos segundos más sin que ocurra mucho más. Y aunque tampoco molesta demasiado la forma en la que la película es rematada, el haberla acabado con ese plano hubiera sido un acto de valentía increíble, merecedor de todos los aplausos posibles.

Otro dato a destacar de la película es su efectivo montaje, obra y gracia de Rita Romero, y aunque me faltan algunas cosas en lo referente a cierto aspecto que tiene que ver con los padres de todos los niños asesinados, algo que tiene que ver más con el guión que con el montaje, la edición del film es efectiva, ganando enteros en su tramo final, al igual que el resto de elementos. De esta forma, el montaje va en clara consonancia con las intenciones de una película digna en la que sus puntos positivos están todos a la misma altura, sin que nada destaque por encima de todos los demás. O sea, un buen trabajo en equipo.

El trabajo actoral es más que correcto en sus personajes centrales, aunque el personaje de Maribel Verdú lo podría haber realizado cualquier otra actriz. De todos modos es muy bueno para la película que la propia actriz estuviera interesada en interpretar la película, porque con su sólo nombre ya se aseguran algunas entradas. Aún así, hay que decir que todos los personaje son más bien tópicos, y esto no quiere decir que sean malos personajes. La Verdú hace gala de lo que vale como actriz en un par de escenas, otra vez cerca del final, que a estas alturas de la crítica, ya os habréis dado cuenta de que me parece la mejor parte de la película. A su lado, no desmerece absolutamente nada, el niño Juan Ciancio, que consigue apartarse de lo que los niños por norma general suelen ofrecernos en una película, y nos regala una muy buena interpretación del personaje central, ese niño asustado por las visiones que tiene. Al lado de este chaval, que por cierto, en persona es un cielo de chaval, está la labor de Abel Ayala, en un personaje fun-da-men-tal, que alcanza su máxima expresión, efectivamente, al final de la película. El actor está inmenso en su rol, y una escena que protagoniza con un niño “que no le hace caso” es increíble no sólo por la sencillez con la que está resuelta, sino también por la interpretación de Ayala. El resto del reparto está más o menos a la misma altura. Daniel Freire bien, y Chete Lera haciendo de Chete Lera.

La película tiene su mayor problema en su puesta en escena, y aunque la ambientación es excelente, Algora no se arriesga en su utilización con la cámara, quedándose en el terreno que conoce muy bien, el de las telemovies, planos cortos y descriptivos, poco personales, lastran un poco la película. Un mayor arrojo formal, incluso haberse arriesgado en la utilización del scope, hubiera elevado el film a una altura mayor. Afortunadamente, el film se sustenta sobre el interés de la historia, muy bien condensada y mostrada. Más que suficiente, teniendo en cuenta que un servidor fue convencido de que iba a ver un bodrio.

Una buena película, que desde luego está por encima de la media del cine español, y que al igual que otros títulos destacales dentro de nuestro reciente cine, es una ópera prima. Un nuevo grupo de realizadores van a enseñarles a algunos que ya llevan tiempo en esto del cine cómo se hacen las cosas para contentar a un público que con razón no confía en lo que sale de su propio país. A ver si con películas como ‘El Niño de Barro’ lo vamos logrando.

Al igual que en la película, voy a permitirme empezar mi reflexión sobre Concursante de Rodrigo Cortés desde el final, por comodidad más que otra cosa, ya que al intentar ordenar las ideas lo primero que me viene a la mente es la sensación agridulce que me quedó a la salida del cine tras contemplar un film de formas libres, inusuales y cautivadoras, utilizadas para contar una historia inverosímil y con muy poca sustancia.

Ante todo aclarar que Concursante es una película que se disfruta de principio a fin, con unos efectos muy bien utilizados y una dirección sorprendente para tratarse de una ópera prima, que sabe darle a cada situación la intensidad que requiere.

Tiene momentos realmente bellos, como cuando Chete Lera le explica a Sbaraglia como funcionan los créditos bancarios sobre un tablero de ajedrez, o cuando este último corre bajo la lluvia. Otros más gamberros, como el enfrentamiento con los “matones” del banco para que no se lleven las cosas del piso, e incluso algunos algo surrealistas relacionados con Elvis Presley.

Por no hablar de la soberbia actuación de Leonardo Sbaraglia, que es un lujazo para disfrutar en todos los sentidos. Los literarios y los que os podáis figurar.

Pero todo esto envuelve un guión que narra como un profesor de historia de economía se ve sobrepasado al ganar un premio millonario en lujosas pertenencias que muy pronto descubre que no podrá mantener.

Resulta inverosímil, teniendo la profesión que tiene, la candidez inicial con la que el protagonista va cayendo en una trampa tras otra, al igual que el comportamiento de la mayoría de personajes secundarios, que suelen estar fuera de tono, o simplemente no aportan nada al relato.

Destaca entre ellos (para bien) el de Chete Lera que tiene unos guiños muy simpáticos, y consigue crear unas altas expectativas sobre lo que va a contar que luego desgraciadamente no se cumplen.

Porque todo el tema de las monedas, los huevos y los tomates, e incluso la preciosa escena del caballo blanco, no sirven para revelarnos nada nuevo sobre nuestra economía. Una desilusión cuando todo en la película parece conducirnos precipitadamente a descubrir una gran verdad o hacernos salir del cine con una forma diferente de ver las cosas.

Es cierto que no deja a los bancos en muy buen lugar, pero ¿Es que hay alguien a estas alturas que los tenga en un lugar más elevado?

Unas imágenes tan fascinantes, tan bien utilizadas, tan creativas, puestas al servicio de tan poca chicha, hacen que el resultado general sea algo decepcionante. Mientras veía el film, por ejemplo volviendo a la escena del ajedrez, pensaba, ¡pero si esto es el marco ideal para exponer algunas de las ideas de Jodorowsky! En lugar de eso (o cualquier otra cosa más profunda), se utiliza para explicar teorías simplonas sobre préstamos, bancos y ciudadanos ilusos, que muy poco tienen que aportar.

En ese sentido, Cabeza de perro, otra película igual de original (o más) en las formas pero que no se ha tenido tan en cuenta, me parece muchísimo mejor, ya que sabe encontrar un equilibrio arriesgando también en lo qué está contando, no sólo en el cómo.

Si a la misma pasión, fuerza y capacidad de transmitir que tiene Cortés al dirigir, le añadiéramos una historia realmente auténtica, de las de tirarse a la piscina (con agua o sin ella), entonces seguramente si que estaríamos ante algo grande. Pero de momento nos tenemos que conformar con un film bien hecho, que contra todo pronóstico no habla de nada.

Quién sabe, quizá la próxima…

En Blogdecine | ‘Concursante’, con mucho valor | ‘Concursante’, experimento desastroso

‘Concursante’ es el primer largometraje de Rodrigo Cortés (Ourense, 1972), en el que se ha encargado tanto de la dirección, como del guión y del montaje. Su carrera como cortometrajista está plagada de éxitos y de premios. Su opera prima se estrena este viernes, 16 de marzo, y es una de las películas presentadas en el Festival de Cine Español de Málaga.

El film nos cuenta la historia de Martín Circo Martín, un profesor asociado de Historia de la Economía, que acaba de convertirse en el ganador del mayor premio jamás concedido en la Historia de la Televisión: más de tres millones de euros. Sin embargo, pronto descubre que ser millonario es caro, y Hacienda, por su parte, reclama la mitad de las ganancias. Casi sin darse cuenta, Martín se ve atrapado en una trampa sin salida, una pesadilla insólita, tratando de deshacerse de todo aquello que la suerte le trajo. Edmundo Figueroa, un viejo economista extravagante y disidente, puede ser su última oportunidad de escapar. El concurso acaba de empezar…

Página web oficial y trailer de ‘Concursante’.

Los protagonistas son el guapísimo Leonardo Sbaraglia, en el papel de Martín Circo Martín; Chete Lera, como Edmundo Figueroa; Myriam Gallego en la piel de Laura, la mujer de Marín. Además, aparecen Luis Zahera (Pizarro), Myriam de Maeztu (Santillana) y Fernando Cayo (Eloy).

Leonardo Sbaraglia (en la imagen) Considerado como uno de los nuevos talentos del cine argentino, —galardonado con el Goya al Mejor Actor Revelación por sus papel en Intacto, de Juan Carlos Fresnadillo— trabaja desde los 16 años, y su excelente trayectoria cinematográfica, compaginada con el teatro independiente, está muy ligada al director Marcelo Piñeyro.

Entre su filmografía más destacada encontramos los largometrajes ‘Tango feroz: la leyenda de Tanguito’, ‘Caballos Salvajes’ y ‘Cenizas del Paraíso’, todas ellas dirigidas por Piñeyro, realizador también de ‘Plata Quemada’, donde Sbaraglia compartió cartel protagonista con Eduardo Noriega. Ha trabajado también con los realizadores Antonio Hernández, en ‘En la Ciudad sin Límites’, Héctor Olivera, en ‘La Noche de los Lápices’, Tristán Bauer, en ‘Borges, los Libros y las Noches’, Vicente Aranda, en ‘Carmen’, y Manuel Huerga, en ‘Salvador (Puig Antich)’. Por su papel en esta última película ha sido nominado al Goya al mejor actor de reparto.

Chete Lera (junto a Sbaraglia en la foto) es un actor gallego de larguísima trayectoria en teatro y en cine. Ha trabajado con cineastas del calibre de Julio Medem en ‘La Ardilla Roja’, de Fernando León de Aranoa en ‘Familia’, de Alejandro Amenábar en ‘Abre los Ojos’, o de Chus Gutiérrez. A raíz de estas interpretaciones recibió el reconocimiento que merecía. Otros largometrajes en los que ha participado son: ‘El Misterio Galíndez’, de Gerardo Herrero; ‘La Vida Perra de Juanita Narboni’, de Farida Ben Lyziad y ‘El Niño de Barro’, de Jorge Algora. En estos momentos rueda en Madrid, ‘Tocar el cielo’, de Marcos Carnevale.

Fuente: Filmax

Ya nos había informado Teresa de que ‘Tocar el Cielo’ comenzó a rodarse el pasado 19 de febrero. La filmación empezó en Argentina y continúa su curso en Madrid durante 5 semanas más. Las imágenes del rodaje en Argentina ya nos han llegado, como la que se muestra junto a estas líneas de los actores Facundo Arana y Montse Germán.

Dirigida por Marcos Carnevale, director de ‘Elsa&Fred’, y protagonizada por Chete Lera (‘Smoking Room’, ‘Familia’), Montse Germán (‘Ficció’), Raúl Arévalo (‘AzulOscuroCasiNegro’), Veronica Echegui (‘Yo soy la Juani’), junto al famosísimo en su país Facundo Arana, Betiana Blum (‘Reinas’) y China Zorrilla (‘Elsa & Fred’, ‘Conversaciones con mamá’).

‘Tocar el Cielo’, es una comedia dramática de relaciones poco convencionales. Es un relato coral de historias entrelazadas de padres e hijos, de ex novias y amigos. De esos amigos que muchas veces se convierten en nuestra familia más cercana. De la amistad en su sentido más profundo. Pedro (Chete Lera), Amparo (Montse Germán), Fidel (Raúl Arévalo), Elena (Verónica Echegui), Gloria (Betiana Blum), Santiago (Facundo Arana) e Imperio (China Zorrilla), pese a sus contradicciones, son personajes que apuestan por seguir persiguiendo sus sueños.

El rodaje cuenta con un presupuesto de realización de 2.150.000 euros. Será la 1ª película española rodada con las nuevas cámaras “Génesis” de Panavisión. Con estas cámaras digitales de última generación se han rodado películas cómo ‘Apocalypto’ de Mel Gibson, ‘Superman Retuns’ o ‘Scary Movie 4’.

‘Tocar el cielo’ se describe como una historia de historias, una crónica de vidas, de relaciones no convencionales, en la que se escrutan las capacidades emocionales e intelectuales, frente a lo cotidiano: el amor, la culpa, la frustración, la amistad. Carnevale firma el guión de este film junto a Lily Ann Martin, José Antonio Félez y Andrés Gelós, contando con producción de Shazam Cine de Argentina y Tesela PC España, y un equipo artístico que incluye a Echegui, Zorrilla, Chete Lera, Facundo Arana, Betiana Blum (“Reinas”), Montse Germán, Raúl Arévalo, Lidia Catalano y Sabrina Garciarena.

La historia, esencialmente un análisis de la amistad, comienza en una Nochevieja cualquiera con la bienvenida al año que va a comenzar. Un grupo de amigos comparte una tradición que año a año se lleva a cabo simultáneamente en Argentina y en España: A las doce en punto de Buenos Aires y a las cinco de la mañana de Madrid, cada uno de ellos suelta un globo con un deseo escrito en un papelito que va pegado en el hilo del mismo. En cada globo viaja una historia. Como la de Pedro, un intelectual cincuentón hijo de un potentado español y una cantante lírica argentina, ser idealista que vive de las utopías, generoso, apasionado, desilusionado, herido, angustiado, un poco loco, que ha vivido rebelándose contra el destino que le deparó su nacimiento, contra las convenciones sociales, y contra el desamor de una madre triunfadora que dedicó su vida a sí misma, a su carrera: la ópera. Pedro vive en un barrio señorial de Madrid, con su hijo Fidel con quien mantiene una pésima relación.

Fidel es un joven de 25 años que desearía tener con su padre una relación “normal”, coherente, como la de todos los demás, pero Pedro no puede darle nada de eso. Fidel guarda un secreto que condiciona su forma de ser.

Paralelamente, vemos a Gloria, una argentina residente en Madrid desde hace varios años. Es íntima amiga de Pedro. Gloria lleva toda la vida esperando poder crear una familia junto al hombre de sus sueños. Pocas cosas sucedieron como Gloria había previsto. Tuvo algún novio y un hijo que no era suyo, pero a quien crió como tal: Santiago, su ahijado. Gloria es una mujer feliz que siempre soñó con vivir cien años.

Al otro lado del océano, en Argentina, se vive otra historia. La de Amparo y Santiago. Amparo es una española residente en Buenos Aires que quiere adoptar un hijo, pero no está casada y conviene estarlo para favorecer los trámites de adopción. Es por esa razón, que Santiago, su amigo y soltero vocacional, un auténtico “bon vivant”, le ofrece ser su marido a efectos puramente legales. Santiago vive marcado por un hecho que definió su infancia. Sufre un miedo insuperable a los compromisos. Un miedo que al final logrará superar de forma insospechada.

Fuente: Tesela P. C.