El pasado mes de marzo, mi compañera Beatriz nos informaba de la confirmación de que Chloe Moretz iba a encarnar a la protagonista en la nueva adaptación de ‘Carrie’, la novela de Stephen King que ya fuese llevada al cine en 1976 por Brian De Palma. Hollywood ya intentó hace unos años ir por la vía de la secuela tardía con la horrorosa ‘Carrie 2’, un buen ejemplo de que jamás deberían hacerse segundas entregas de según qué producciones. Sin embargo, son infinidad los libros que han contado con diversas adaptaciones cinematográficas, y además la cinta de De Palma era una aproximación bastante libre a la novela de King, por lo que una versión más fiel y de corte realista (o así es como la están vendiendo) no parece una mala opción.

Sin embargo, la noticia estos días es que Julianne Moore, una de las mejores actrices de los últimos tiempos, ha aceptado dar vida a la madre de Carrie, papel que le valió una nominación al Oscar a Piper Laurie en la versión de Brian De Palma. Moore era la opción favorita de los productores junto a Jodie Foster, pero la protagonista de ‘Crazy, Stupid, Love’, una de mis películas favoritas del año pasado, se ha llevado finalmente el gato al agua en lo que, al menos a priori, es un gran acierto de casting. Esta nueva ‘Carrie’ va a ser dirigida por Kimberly Peirce, artífice de ‘Boys don´t cry’, a partir de un guión de Roberto Aguirre-Sacasa, mayormente conocida por haber escrito los libretos de varios episodios de series como ‘Glee’ o ‘Big Love’ y que también se encargará de la nueva versión de ‘La pequeña tienda de los horrores’. Además, también se sabe ya que Gabriella Wilde dará vida a Sue Snell, personaje interpretado por Amy Irving en la cinta homónima de 1976. Habrá que estar atentos a si finalmente merece la pena lo que salga de aquí, pero por ahora podemos decir que van por el buen camino, ¿verdad?

Vía | Deadline

En enero se anunció que el clásico del terror de instituto de Brian De Palma ‘Carrie’ (1976) podría sufrir… digo, contar con un remake. Se hablaba entonces de Kimberly Peirce como posible directora de la nueva versión, que, a partir de un guion de Roberto Aguirre-Sacasa, se acercaría más al libro de Stephen King para dar una visión más realista, alejándose de los elementos sobrenaturales. Ahora ya es definitiva la noticia, pues la cineasta, responsable de ‘Boys Don’t Cry’ y ‘Stop-Loss’(‘Ausente’), ha firmado el contrato.

Hace un par de días se comunicó que Peirce estaba buscando a una protagonista que pudiera retomar el papel que interpretó Sissy Spacek. Les hizo pruebas a actrices como Dakota Fanning, Bella Heathcote, Selena Gomez o Lily Collins y descartó a todas hasta preseleccionar a dos: Chloe Moretz, una quinceañera que no necesita presentación, y Haley Bennett, de veinticuatro años, quien participó en ‘The Hole’ o en ‘Kaboom’ y que está rodando, junto con Ryan Gosling el próximo proyecto de Terrence Malick, ‘Lawless’. Hoy ya ha llegado la noticia de que el papel le ha sido ofrecido oficialmente a Moretz, quien ha comunicado en su Twitter que estaba muy contenta por ello.

Para el personaje de la desquiciada madre que en la primera versión encarnaba Piper Laurie, Peirce se ha puesto en contacto, por ejemplo, con Julianne Moore y Jodie Foster, lo cual nos indica el alto nivel al que aspira el remake.

Por si alguien no ha visto o no recuerda la cinta de De Palma, refresquemos que trata de una estudiante de instituto a quien sus compañeros atormentan y su madre, extremista religiosa, acosa y sobreprotege. Ante una broma pesada de sumo mal gusto, la furia desatada de la joven, junto con sus recién descubiertos poderes de telequinesia, desencadena una terrible venganza sobre todos ellos.

Vía | Vulture.

En su última película, Martin Scorsese filma con una belleza insólita. Insólita por dos razones: la primera es porque lo hace en 3D, siempre presto a efectismos y debido a unas decisiones industriales un tanto discutibles, la segunda es porque su película no es tanto una obra maestra, otra más en su vasta carrera, sino un testamento cinematográfico sobre sus orígenes (como espectador), un manifiesto teórico disfrazado de cine para niños.

Martin Scorsese acaba de desmantelar, y esto es complicado, todo el cine para niños, especialmente ‘Super 8’ (id, 2011), pero también toda esa cinefilia deshecha con ‘The Artist’ (id, 2011) o ocupada en amar los ejercicios adolescentes de Quentin Tarantino con el mismo énfasis. Su película para niños ya no persigue esa quimera un poco infame (contentar a niños y adultos), sino que realmente es un relato que los niños disfrutarán con llaneza y vigor, pero que es capaz de desarrollar todas sus capas profundas en un espectador adulto que se encontrará con una película extraña: no se le pide que recuerde con nostalgia los amores preadolescentes o que reduzca toda su vida al insufrible esquematismo del cuento de hadas, sino que use esos esquemas para subvertirlos en toda curiosidad que rodea a la infancia, pero sin que esquive el dolor. En la primera mitad de la película, vemos las lágrimas de Hugo recordando a su padre, vemos a la Muerte como una interrupción siempre inútil e indeseada, vemos todo lo contrario a lo que entendemos (o entendimos) como un final feliz.

En pocas palabras, La invención de Hugo es tan sofisticada que uno se siente golpeado por su fotograma final. Las simetrías visuales son desternillantes. Tenemos vibrantes reescrituras de Buster Keaton, algunas mediante el personaje de Sacha Baron Cohen, y otras más sofisticadas para el espectador despistado. Tenemos también el placer del montaje, de las imágenes de archivo, se llegan a solapar los fotogramas de Mélies con la reconstrucción de los mismos y todo esto sin renunciar a unos exuberantes planos secuencia, punteados por un score de un inspirado Howard Shore, perfectos para el 3D que emplea con astucia Scorsese.

El guión de John Logan no es un gran guión. Sí, los personajes van de un lugar para otro, incluso llegan a tiempo para cerrar los agujeros y que no los pensemos. Pero no importa. Esta película es un poema de Scorsese y Logan cumple con las excusas narrativas (cerrar todas las historias siguiendo el libro original) mientras que Scorsese, ya liberado, se dedica a perder convenciones a lo largo de todo el metraje. El argumento es sencillo e incluye al tierno y dickensiano Hugo Cabret (Assa Butterfield) y su viaje por descubrir qué diantres oculta el autómata dejado por su fallecido padre (Jude Law) y por qué irrita a George (Ben Kingsley), un huraño restaurador de juguetes rotos que trabaja en la estación en la que vive Cabret, programando el reloj. Su amistad con Isabel (Chloe Moretz), la ahijada de George, le embarcará en una aventura definitiva en la que tendrá que esquivar al jefe de estación (Sacha Baron Cohen), ocupado en cazar hurtos y enviar niños huérfanos al orfanato.

Una de las obras maestras indudables de Scorsese es ‘Mi viaje a Italia’ (Il mio viaggio a Italia, 1999). En esas cuatro horas, lo que hace Scorsese es sintetizar su teoría, cosa bastante difícil y explica su viaje a través de su infancia y a través de su comprensión de cineastas como Rossellini, Visconti, De Sica, Fellini o Antonioni. Ha detectado ya la inteligencia de Jordi Costa como esta película anómala une estas dos vertientes.

No es el único documental cinéfilo de Scorsese, pero si el más rotundo. Scorsese ha sido siempre un cineasta extraño. Cosmopolita, ocupado en la preservación de películas, espectador curioso siempre y ocupado en reivindicar figuras incómodas para una cinefilia oficialista y perezosa (desde todo Rossellini hasta los descubrimientos de cineastas como Edward Yang, todavía ignorados) o en reconocer el tino de algunos de los cineastas a los que influyó (Wes Anderson, cuya carrera parece llevar la ruta opuesta a la de Scorsese, ocupado como está en el solipsismo).

Y el viaje de la película empieza con el desvelo en la sala de cine, viendo una película maravillosa de Harold Lloyd. ¡Y no ven los niños la película entera y qué brillante decisión es! Porque la vida es con frecuencia así de incompleta y el primer desvelo es una primera tentativa y mientras que Hugo Cabret no deja de mirar, su amiga Isabel no ha dejado de leer. Ambos descubrirán una biblioteca de Cine donde aprenderán cosas mejores: que el cine es también historia, que la historia debe escribirse y pensarse para ser comprendida, pero también corregirse y que el cine es memoria y olvido y también un lenguaje que se ha levantado sobre el montaje. El viaje de los niños es el viaje de Scorsese, pero también es un viaje contemporáneo: de como llegamos a la literatura, de como aprendemos a ver cine, y de como, finalmente, miramos en retrospectiva.

En definitiva, esta película es sobre vida, literatura, cine, temas indudablemente anacrónicos y bellos. Sobre la manera en la que miramos y nos enfrentamos a la Historia. Alejado de esa pretensión inocente (que el cine es una mera fábrica de sueños, porque el cine es siempre la proyección de unos cuantos sueños que luego se descubren colectivos o que el arte tiene mucho de colectivo y a la vez de individual y todas esas tensiones no las esquiva Scorsese), el director da algo más: un conjunto de historias personales con las que forjar un lenguaje, una serie de imágenes capaces de desvelar cosas y un retrato de unos personajes heridos sobre los que tejer un vibrante relato sobre el peso de la muerte en nuestras vidas. La Primera Guerra Mundial pesa en todos y cada uno de los personajes, la Primera Guerra Mundial es también el miedo (expresado en un plano general vibrante en el que Scorsese deja que el slapstick se convierta en drama) y es también fracaso y es también cambio. El cine no es una fábrica de sueños, el cine es también una toma de conciencia y en esto Scorsese está absolutamente solo en Hollywood.

La mirada es importante. Lo supimos ya con el huracán afrancesado y godardiano que abría ‘Malas Calles’ (Mean Streets, 1972) o aprendiendo a mirar de nuevo con los protagonistas de ‘El rey de la comedia’ (The King of Comedy, 1981) o ‘Jo qué noche’ (After Hours, 1985). La mirada de Scorsese forja a Henry Hill desde su ventana en ‘Uno de los nuestros’ (Goodfellas, 1990) pero aquí, envejecido, generoso, decide algo más: que esa mirada cargue de sentido toda su memoria, sobretodo cinéfila pero no despegada de la vida, y que la encuentre con sorpresa, de nuevo. Y bajo la mirada de Scorsese hay espacio para mucho más, claro, desde un París marcado por el rasgueo inconfundible de la guitarra de Django Reinhardt, la atenta mirada de Chaplin, siempre en el reojo de todos los carteles, o esa historia de amor, homenaje tiernísimo y nada obvio al cine mudo, entre dos señores de mediana edad en la estación, en la que Scorsese concede que no solamente basta con Keaton sino que también merece la pena no olvidar a Tati, justamente citado en la primera parte de la película.

Como ‘El Moderno Sherlock Holmes’ (Sherlock Jr, 1924), como ‘El Desprecio’ (Le Mépris, 1963) o ‘Pierrot El Feo’ (Pierrot le fou, 1965), esta es una película que reconoce en el cine una forma incompleta de ensayar la vida, como ‘El Maquinista de la General’ (The General, 1926) o ‘Mi tío’ (Mon Oncle, 1959) esta es una película que reconoce la aceleración industrial como una fuente de torpeza que también puede derivar en una extraña y hermosa forma de resistencia, como aquél ‘Viaje a la Luna’ (Le Voyage dans le lune, 1902) o ‘Ciudadano Kane’ (Citizen Kane, 1941) una imagen puede generar un espectáculo imposible.

Es decir, una obra honda, insobornable, maestra.

Uno de los directores más legendarios de nuestro tiempo te embarca en una extraordinaria aventura…

Ya ha aparecido un nuevo tráiler de ‘La invención de Hugo’, la primera película que ha dirigido Martin Scorsese en 3D, y esta vez la cosa pinta mucho mejor. A diferencia del primer avance, este segundo está enfocado a un público más amplio que no se va a interesar con la enésima comedia infantil en la que los adultos se golpean contra todo tipo de cosas, pero sí con un relato lleno de misterios y aventuras. Llevando la firma del director de ‘Taxi Driver’ o ‘Infiltrados’ (‘The Departed’), para mí esto era imprescindible de cualquier modo, aunque pareciera ‘Solo en casa 7’, pero lo cierto es que ahora después de ver este nuevo tráiler, estoy mucho más tranquilo. La mala noticia es que en España no podremos ver la película hasta finales de enero, cuando en Estados Unidos se estrena el próximo 23 de noviembre. Dos injustificables meses de retraso.

John Logan (‘Gladiator’, ‘Rango’) firma el guion de ‘La invención de Hugo’ (en EE.UU. se titula simplemente ‘Hugo’), adaptación de la obra infantil de Brian Selznick cuya historia tiene lugar en el París de los años 30, donde un niño huérfano que vive entre las paredes de la estación de tren debe resolver un enigma relacionado con su padre, una llave y un robot. Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Jude Law, Ray Winstone, Christopher Lee, Helen McCrory, Richard Griffiths, Frances de la Tour, Emily Mortimer y Michael Stuhlbarg encabezan el estupendo reparto de la película, a la que pone música Howard Shore. Os dejo también los dos últimos carteles que han aparecido en la red, uno bastante más sugerente y llamativo que el otro.

PD: El primer cartel parece un homenaje a ‘Safety Last!’ (conocida aquí como, ejem, ‘El hombre mosca’) y el segundo me ha recordado a uno de los que vimos ayer de ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’. Regla 1: si tu película está ambientada en París, busca un hueco para la torre Eiffel. Regla 2: pon un rayo de luz en alguna parte, siempre.

Vía | Impawards

Aquí os dejo el cartel y el tráiler de ‘Texas Killing Fields’, un interesante thriller del que os hablé el año pasado, antes de que comenzara el rodaje. Se trata de la nueva película dirigida por Ami Canaan Mann (hija de Michael Mann) y está protagonizada por Sam Worthington, Jeffrey Dean Morgan, Jessica Chastain, Chloë Moretz, Stephen Graham, Sheryl Lee y Jason Clarke, entre otros. Me gusta el póster (sobran los rostros de arriba, pero supongo que son necesarios para llamar la atención de toda esa gente que no se sabe los nombres de los actores) y el avance dura demasiado pero no está mal, parece que el reparto se cree la historia y hace un buen trabajo. ¿Qué os parece a vosotros?

‘Texas Killing Fields’ se basa en una investigación real en la que trabajó Donald F. Ferrarone, autor del guion, durante su etapa como agente de la DEA; la trama se centra en un policía local (Worthington) que recibe la ayuda de un detective de Nueva York (Morgan) para intentar resolver el asesinato de unas setenta personas a lo largo de dos décadas en los pantanos de Texas, antes de que tengan que apuntar otra más. No creo que vaya a dejarnos asombrados (ojalá) pero puede que los actores, y una historia basada hechos verdaderos, aporten algo especial a la película. Se presentará en el próxima edición del festival de Venecia y se estrenará el 7 de octubre en salas de EE.UU. A ver si llega pronto a España.

Personalmente, prefiero esta otra versión del tráiler, destinada al público ruso. No sé, tiene un toque especial:

PD: Gracias a los lectores que nos han avisado.

Vía | Impawards

Lo nuevo de Martin Scorsese parece otra entrega de ‘Harry Potter’, justo ahora que se acaba la saga. Paramount Pictures ha lanzado ya el primer cartel y el tráiler de ‘Hugo’, primer trabajo de Scorsese en 3D. Es una adaptación de un relato infantil escrito y dibujado por Brian Selznick, ‘The Invention of Hugo Cabret’, y llegará a los cines el próximo 23 de noviembre.

El avance me ha dejado una sensación agridulce. Por un lado, como entretenimiento familiar, parece que estará bien, es decir, se intuye una producción muy cuidada y con todos los ingredientes para tener entretenidos a todos los públicos; por otro lado, la firma Martin Scorsese, uno de los mejores cineastas de la historia, es imposible no sentirse algo decepcionado viendo el tráiler de una película que podría haber dirigido Chris Columbus o Chris Weitz (con todos los respetos para estos realizadores). Aun así, no conviene olvidar que es un vídeo de dos minutos montado especialmente para entusiasmar a los críos. Es de Scorsese, hay que verla.

Escrita para la gran pantalla por John Logan, ‘Hugo’ está protagonizada por Asa Butterfield (¿no os recuerda mucho al chico de ‘The Road’?), Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Jude Law, Ray Winstone, Helen McCrory, Frances de la Tour, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Richard Griffiths y Christopher Lee, entre otros. La historia tiene lugar en el París de los años 30, se centra en un niño que vive entre las paredes de la estación de tren y en un misterio relacionado con su padre, una llave y un robot, que lo llevará a vivir una gran aventura.

PD: Gracias a los lectores que nos han avisado.

Vía | Impawards

A lo largo de este año se han estrenado en cines dos películas que guardan entre sí ciertas semejanzas, las mismas que las acercan a ‘Manolito gafotas’, la adaptación de Miguel Albaladejo de los libritos de Elvira Lindo. ‘Diario de Greg’ (‘Diary of a Wimpy Kid’, 2010), de Thor Freudenthal, parte de las historias ilustradas de Jeff Kinney, mientras que ‘El pequeño Nicolás’ (‘Le petit Nicolas’, 2009), de Laurent Tirard —que ayer apareció a la venta en DVD—, surge, como todo el mundo sabe, de los relatos de René Goscinny ilustrados por Sempé.

Diferencias

‘Diario de Greg’ contiene una marca de actualidad que probablemente le regale una mayor aceptación entre la chavalería de hoy. Se trata del friquismo, de la sensación de no pertenencia, de la dificultad de adecuación. Cuando el protagonista y su relleno mejor amigo dan el salto a la escuela de enseñanza media, a pesar de no haber dado aún el estirón, encajar se convierte en un mundo. En series de televisión y películas, este tipo de personajes desubicados había sido siempre el secundario gracioso y, desde hace ya años, ha cobrado un protagonismo inmenso.

En la época en la que Goscinny escribió ‘El pequeño Nicolás’, nadie se habría planteado poner como protagonista al bicho raro marginado, sin embargo, hoy en día, parece la única opción para ganarse la empatía de la joven audiencia hacia el personaje principal.

Esta diferencia, marcada más que por intenciones de sus autores, por la época en la que las obras están escritas, es la que más despega entre sí ambas propuestas. El francés no quería denunciar los abusos de niños con mayor poder o mostrar la dificultad para encontrar un lugar en el mundo, sino señalar las diferencias entre pequeños y adultos, dibujando una barrera abismal de percepción entre los dos universos, gracias a la cual se arrancan muchas de las risas.

Si mencionamos de nuevo nuestra versión patria, ‘Manolito gafotas’, veremos que ella no persigue ninguno de estos dos propósitos, sino que termina siendo, aun con todo el humor que tiene, uno de los mejores retratos sociales que se han hecho en nuestro cine.

Por otro lado, ‘Diario de Greg’ y ‘El pequeño Nicolás’ se separan también en que Greg es un niño demasiado consciente de lo que se cuece, su mirada hacia los acontecimientos, expresada en la voz en off, suena adulta, ya que parece que conoce demasiado bien los mecanismos sociales y psicológicos que dominan la existencia de los niños de su edad.

Goscinny, por el contrario, logró una mirada atónita y limpia, totalmente creíble para una mente infantil. El interés de las historietas del francés, además de divertir a pequeños, radica en la posibilidad de devolver a los adultos a esa perspectiva confusa y al mismo tiempo, muy lúcida sobre los hechos de la vida. Kinney observa desde arriba los errores que se pueden cometer con tan pocos años, Goscinny adopta la estatura del niño y lo percibe todo con equidistancia.

Similitudes

En ambas se puede vislumbrar la estructura episódica heredada de los capítulos de los libros y la ausencia de una cohesiva trama global. Sin embargo, a la de Nicolás, esta forma narrativa se le acomoda mejor, ya que parece fruto de una intencionalidad costumbrista acorde con la tradición cinematográfica francesa, además de que las anécdotas se han intercalado con mayor habilidad y disimulo. En la norteamericana, los saltos de una situación a otra son demasiado evidentes.

Por este motivo, las dos películas adolecen de falta de intensidad en el clímax. La de Tirard queda abierta, quién sabe si para favorecer la posible existencia de una secuela o si obedeciendo a ese tono cotidiano que no persigue la contundencia de un relato cerrado, sino la muestra de un momento aislado del tiempo con las pocas consecuencias que éste conlleva. La de Freudenthal sí trata de funcionar como historia rematada, con una férrea conclusión, basada principalmente en la enseñanza vital que recibe el protagonista, pero no por ello se libra de la sensación de que los hilos se podrían haber atado mejor —especialmente el que atañe a Chloe Moretz, la protagonista de ‘Kick-ass’ y ‘Déjame entrar’— y de que las secuencias finales podrían haber estado más arriba.

El ya mencionado contenido social de la película de Albaladejo hacía que los episodios se uniesen mejor y daba una sensación general de historia completa que no la tiene ninguna de estas dos. El final en ‘Manolito’ se convertía en un momento emotivo, duro y cargado de significado que aquí no se ha igualado en ninguno de los dos casos.

Diferencias y similitudes estéticas

‘El pequeño Nicolás’ se sitúa en los años sesenta. La recreación de la época —decoración, vestuario— y las localizaciones que imitan la década, ya por sí solas valen casi el visionado. El relato se acompaña de una fotografía estilizada y unos cuidados encuadres. La sensación de caos en el aula y de confusión en el hogar se transmite de forma espléndida. ‘Diario de Greg’, situada hoy en día, tiene un look corriente, quizá televisivo, y la forma en la que está realizada no se destaca por original. Consigue, eso sí, una fuerte credibilidad y una gran cercanía, pues en las intenciones de su autor seguro que no estaba el lucimiento formal.

Si en las dos películas se introducen las ilustraciones de los libros con mecanismos muy similares —el plano de inicio es prácticamente el mismo: la portada roja de los respectivos libros—, la disimilitud de estilo entre Kinney y el genial Jean-Jacques Sempé hace que una de las películas se enriquezca mientras que para la otra la aportación sea casi indiferente.

Conclusión

Probablemente recomendaría ‘Diario de Greg’ a los niños y adolescentes, pues se sentirán más cercanos con la ambientación actual y encontrarán personajes con los que pueden sentir una empatía. Se divertirán con las anécdotas y pasarán un buen rato pendientes de ver si el protagonista logra por fin su objetivo de convertirse en un chico popular. Para adultos está claro que la opción es ‘El pequeño Nicolás’, una película de calidad, con algunas decisiones valientes de adaptación, pero con una fidelidad asombrosa al espíritu de la obra literaria.

Como cualquier asesino en serie sabe, llega un momento en que la fantasía no basta

-Dave Lizewski

El planteamiento de Kick-Ass es muy pero que muy prometedor: ¿qué pasaría si realmente alguien decidiera vestirse unas mallas de superhéroe y lanzarse a combatir el crimen? ¿Tropezaría con molinos de viento, como Don Quijote, o saldría airoso de la experiencia? ¿Hay espacio para los héroes en el mundo real? ¿Es aún posible la épica? ¿Son los superhéroes gente desequilibrada?

La traslación a la gran pantalla del rompedor cómic de Mark Millar y John Romita Jr. empieza bien. Muy bien. Pero -‘KickAss’ es una película esquizofrénica. Y me explico: la segunda parte de la misma, sin ser un mal film en absoluto, traiciona completamente lo que se venía contando hasta ese momento, lo que crea una sensación de malestar, tanto a los fans del cómic original como a los espectadores que pensaban estar viendo otro tipo de película. Esto no tendría mayor importancia si una y otra parte no fueran irreconciliables, pero lo son, por lo que el resultado final descoloca.

Pero volvamos al principio: sobre una voz en off que desgrana frases que todos los aficionados —y los no tan aficionados— al cómic identificamos, vemos a un superhéroe dispuesto a volar desde lo alto de un edificio. Sólo que no es un superhéroe, sino un joven de carne y hueso, y el resultado de su vuelo es el que se podía esperar —muere estampado contra un taxi aparcado en la calle— . No hay más que recordar las inquietantes noticias que surgieron con motivo del estreno de ‘Superman’ sobre niños que querían emular al superhéroe. Será esa la tónica durante la primera —y más interesante— hora del film: el choque entre realidad y ficción, fabulosamente ejemplarizado en la muerte de la madre del protagonista, carente de cualquier tipo de glamour y malditismo.

Dave Lizewski es un adolescente decididamente gris. Ni muy listo ni muy popular, su vida es como la de miles de personas. Pero hay una diferencia: decide convertir su fantasía en realidad, lo que le convertirá en alguien único. ¿Y cuál es su fantasía? Nada más y nada menos que convertirse en un superhéroe de carne y hueso, previa compra de un traje en Ebay. Cuando llega el momento de llevar a cabo su plan, el golpe es brutal: a las primeras de cambio es acuchillado por unos maleantes de poca monta y atropellado por un conductor despistado que se da a la fuga. La escena noquea al espectador por su crueldad, pero nuestro héroe saldrá de ésta. Es más, en un ingenioso giro de guión, las heridas sufridas le brindarán una suerte de superpoder: ha perdido sensibilidad en el cuerpo, por lo que al igual que un personaje de cómic, no siente casi dolor al ser golpeado. Gracias a esta licencia argumental, llegamos a la escena cumbre del film, que, desgraciadamente, ocurre cuando aún nos queda la mitad de metraje por ver. El momento en cuestión sucede cuando nuestro sufrido héroe se topa con la brutal paliza que unos macarras están propinando a un chico. Kick-Ass intercede y vuelve a recibir golpes y más golpes, pero esta vez no se rinde, y se levanta una y otra vez. El público que contempla asombrado la escena, la graba con sus móviles y es subida instantáneamente a Youtube, y su popularidad crece como la espuma. La secuencia es fantástica, una lección de planificación, ritmo y densidad dramática. Uno realmente cree que Kick-Ass puede ser un superhéroe…y morir por ello. Pero a partir de ahí, otra película se instala en la pantalla y Hit-girl se adueña del film.

¿Y quién diablos es Hit-girl? Pues una candorosa niña de 10 años —una superlativa Chloë Moretz, la niña vampira de ‘Déjame entrar’ — que a su vez es una implacable máquina de matar. La culpa es de su progenitor —un Nicolas Cage recordándonos que a veces sabe actuar—, al que le mueve su sed de venganza y quiere acabar con el imperio del crimen del gángster que mueve los hilos de la ciudad. Desde ese momento, la pantalla se vuelve rojo sangre y comienza un paroxístico film de acción, un kill ‘em all disfrutable, sí, pero que echa por tierra todo lo narrado hasta el momento. Porque a pesar de que el ritmo no decae y las escenas de acción están contadas con brío, es infinitamente menos interesante que lo visto hasta el momento. Así, ‘Kick-Ass’ ingresa en un mundo poblado de superhéroes, supervillanos y demás tópicos de los cómics. La ficción ha ganado la batalla a la realidad, y la película se asemeja ya a tantas otras. No hay más que comparar las primeras acciones del superhéroe de mallas verdes con su abracadabrante aparición final a lo Rocketeer acabando con medio edificio de mafiosos.

Con respecto a la tan cacareada ultraviolencia ejercida por una niña de 10 años, un apunte: desde que la película se instala en la comedia de acción, uno ya no se puede tomar nada en serio, por lo que toda la sangre del film queda rebajada al nivel de un cartoon algo bestia y paródico. Además, hay una desvirtuación con respecto al cómic original: al trufar las apariciones de Hit-girl con canciones “cañeras”, el director nos dice de alguna forma que lo que estamos viendo “mola”. El cómic aprovechaba al máximo el shock de ver a una inocente niña rebanando cabezas y presentaba al padre como un pobre perturbado al que volvieron loco los libros de caball…los cómics. La lectura era mucho más oscura: bajo la capa del superhéroe puede que no haya más que un asesino en potencia. Pero el film de Matthew Vaughn justifica a la pareja de killers gracias al pasado trágico de Nicolas Cage —su mujer fue asesinada—. Al final, lo que queda es un convincente espectáculo de acción pirotécnica y una enorme película en potencia, atisbada en su primera mitad. Una pena.

Otras críticas en Blogdecine:

‘Kick-Ass’: Listo para bostezar
‘Kick-ass’, una liberadora cinta de acción y humor
‘Kick-Ass’: cómica, trepidante, violenta y divertida

Se acabó Sitges 2010, pero yo os seguiré comentando todas las películas que pude ver durante los nueve días que pasé allí, ahora con más tranquilidad y más tiempo. Os venía diciendo que el nivel general de las películas estaba siendo flojo, decepcionante, pero siempre conservé la esperanza de que todo mejoraría al final, con algunos de los títulos que se habían reservado para las últimas jornadas del certamen. El pasado viernes pudimos ver la esperada ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves y ‘El perfecto anfitrión’ de Nick Tomnay, incluido en la sección oficial competitiva. Inesperadamente, quedé más satisfecho con el segundo film.

‘Déjame entrar (Let Me In)’, una versión más cálida y comercial

Sin duda, uno de los platos fuertes de la 43ª edición de Sitges era el preestreno de ‘Déjame entrar (Let Me In)’, una semana antes de su llegada a los cines de toda España (se estrena el próximo día 22). La esperada nueva película de Matt Reeves, que en Estados Unidos se ha saldado con estupendas críticas y un llamativo fracaso en taquilla, es como ya sabéis un remake de habla inglesa, producido por la renovada Hammer y ambientado en los Estados Unidos de la era Reagan, del film sueco ‘Déjame entrar’ (‘Låt den rätte komma in’, 2008), que sorprendió a todos con una historia de vampiros fuera de lo corriente. Reeves (‘Monstruoso’) firma el guión y aunque insiste que se trata de una nueva adaptación del libro de John Ajvide Lindqvist, no es cierto, hay cambios pero básicamente ha repetido la película que ya hizo Tomas Alfredson.

El personaje principal es Owen, un chico solitario cuyos padres se acaban de separar y que es maltratado en el colegio por unos agresivos compañeros. Una noche, mientras espía desde la tranquilidad de su dormitorio, asiste a la llegada de sus nuevos vecinos, la adolescente Abby y un hombre mayor que parece ser su padre. Pronto conoce a la chica, que resulta ser más extraña que él; se caen bien, se ven a menudo y salen de paseo como si fueran una joven pareja, mientras comienzan a sucederse misteriosos crímenes en la localidad, donde nunca pasaba nada.

Sin margen para la sorpresa (lo novedad más destacable es la inclusión del detective al que da vida el siempre grande Elias Koteas, pero no aporta gran cosa argumentalmente), queda más expuesta la puesta en escena de Reeves, su capacidad para atrapar al espectador, para mantener la atención en todo momento y seguir narrando con interés y pasión una historia que ya nos sabemos (no esperéis un final diferente). Y el balance no es positivo. Acierta montando un film al estilo de la original, más europeo que norteamericano, sin montaje acelerado ni rutinario plano-contraplano, pero no puede evitar cargarse la oscuridad y la sequedad del relato de Alfredson. Su ‘Déjame entrar’ es más cálida, humana y cercana.

Por otro lado, los pocos cambios que se hacen (con la intención de animar la trama), la inclusión de efectos visuales para dar vida a Abby en un par de escenas (un rotundo error, le quita realismo) y el radical cambio de imagen de la chica (Chloë Moretz es rubia, guapa y siempre va perfectamente peinada y maquillada, nada que ver la chica del film sueco) buscan darle un barniz más comercial a la película, pero el tiro les ha salido por la culata. No me extraña que se hable bien de ella, los actores están estupendos (aparte de los mencionados destacan Kodi Smit-McPhee, que está fantástico, y Richard Jenkins, quizá algo desaprovechado), la música de Michael Giacchino entusiasma a cualquiera, pero no conviene perder la perspectiva ni olvidar que hace dos años se estrenó una versión superior de la misma historia. Os puede entretener, pero se olvidará.

‘El perfecto anfitrión’, un encantador perturbado

Ya os comenté que la labor de Patrick Fabian en ‘El último exorcismo’ era impecable, así que no discuto que le hayan dado el premio al mejor actor del certamen, pero mi favorito era David Hyde Pierce por ‘El perfecto anfitrión’ (‘The Perfect Host’). El actor, famoso por su papel de Niles Crane en la serie ‘Frasier’, está fantástico interpretando al sofisticado Warwick Wilson, la peor pesadilla de un ladrón muy confiado. La película se basa en un corto titulado ‘The Host’, escrito y dirigido por Nick Tomnay en 2001; él mismo se ha encargado de convertirlo a largometraje, siendo su primer trabajo en el cine.

‘El perfecto anfitrión’ nos presenta a John, un joven que acaba de asaltar un banco. El atraco no ha salido como esperaba, está herido y la policía le pisa los talones. Desesperado, y desarmado, decide intentar engañar al propietario de alguna de las lujosas casas de un barrio residencial, ocultarse, descansar y buscar alguna solución al día siguiente. Así es como conoce a Warwick, un encantador, amanerado y solitario individuo que prepara una cena para sus mejores amigos. Warwick se traga las mentiras de John y parece la presa ideal, pero a veces las apariencias engañan…

Sin ser gran cine, es de esas películas que se ven agradablemente de principio a fin, y de la que guardas buen recuerdo. Está filmada con elegancia (con los cortes justos y dejando a los actores moverse con libertad por el escenario), el guión está lleno de sorpresas (con lo cual te mantiene pendiente a la espera del siguiente giro) y está centrado en un duelo interpretativo muy tenso y divertido. Gana la partida (hablo de interpretación, no estoy reventando la trama) Pierce, pero Clayne Crawford se defiende con soltura, tampoco es lo que parece al principio y siempre resulta verosímil. Por supuesto, ‘El perfecto anfitrión’ no es ‘La huella’ de Mankiewicz, pero tiene momentos gloriosos. No sé qué hacía en Sitges, no es terror ni hay elementos fantásticos, pero me alegró verla.

Con permiso de Elle Fanning (la hermana pequeña de Dakota), Chloe Moretz se está convirtiendo en la adolescente más solicitada en Hollywood. Aunque no era su primer trabajo en el cine, Moretz ha empezado a ser conocida por su llamativo papel en ‘Kick-Ass’, protagoniza una de las películas más esperadas del año, ‘Let Me In’ (remake de ‘Déjame entrar’), y actualmente trabaja para Martin Scorsese en la adaptación de ‘Hugo Cabret’. Ahora se ha sabido que la chica dará vida a Emily The Strange en una película de la Universal.

Emily The Strange fue creada por Rob Reger y su compañía Cosmic Debris Etc. Inc. en 1991, convirtiéndose en la protagonista de una serie de cómics bajo el sello de Dark Horse a partir de 2001. Emily es una adolescente solitaria (sus únicos amigos son cuatro gatos negros) caracterizada por su estética gótica y su personalidad inconformista. Aparte del fichaje de Moretz, no hay más información sobre el reparto o la dirección; seguiremos atentos al proyecto, a ver qué sale.

PD: Moretz también protagoniza, junto a Sam Worthington y Jeffrey Dean Morgan, ‘The Fields’, dirigida por Ami Canaan Mann.

Vía | Deadline