IM Global acaba de distribuir la primera imagen oficial de ‘Bullet to the Head’, el esperado nuevo trabajo del director Walter Hill. Once años han pasado ya desde el estreno de su última película, ‘Invicto’ (‘Undisputed’), demasiado tiempo para un cineasta que nos ha dejado títulos tan memorables como ‘Driver’ o ‘The Warriors’. Sylvester Stallone es el protagonista de este nuevo thriller, antes conocido como ‘Headshot’, que debería estar en los cines el próximo 13 de abril. ¿Tenéis interés en verla?

Escrita por Hill y Alessandro Camon, ‘Bullet to the Head’ es la adaptación a la gran pantalla de un cómic de Alexis Nolent que gira en torno a la inusual colaboración entre un asesino profesional de Nueva Orleans y un detective de policía de Nueva York que buscan vengarse de la misma persona, alguien que eliminó a sus respectivos compañeros. La investigación les llevará desde los lúgubres callejones de Nueva Orleans hasta los despachos de los hombres más poderosos e influyentes de Washington. El reparto se completa con Jason Momoa (‘Conan el bárbaro’), Christian Slater, Sung Kang, Sarah Shahi, Adewale Akinnuoye-Agbaje y Jon Seda. Parece ser que Thomas Jane iba a ser el coprotagonista, pero el productor Joel Silver lo despidió porque pensó que quedaría mejor poner a un actor asiático. Y esa clase de gente es la que maneja el cine en Hollywood.

PD: En un principio el proyecto estaba en manos de Wayne Kramer, pero lo abandonó por las clásicas “diferencias creativas”.

Vía | ComingSoon

Cuando en esta capciosa sección de crítica a la carta, salió elegida ‘Amor a quemarropa’ (‘True Romance’, Tony Scott, 1993), servidor se alegró, dentro de lo poco sorpresivo de la petición, porque durante años consideró el film como el mejor de toda la irregular filmografía de su director. Pero una vez más me ha tocado revisar un film que hacía tiempo no veía y del que siempre he guardado excelente recuerdos, para comprobar que el inexorable paso del tiempo no perdona absolutamente nada. Pero que no cunda el pánico entre los sufridos lectores, que mi percepción del trabajo de Scott no lo pone ahora como uno de esos bodrios que me encanta despreciar. Simplemente no me parece la maravilla que creí ver con 23 años. El guión del tan admirado —no por un servidor— Quentin Tarantino fue cambiado de forma radical por Tony Scott, tanto que el director de ‘Pulp Fiction’ (id, 1994) reniega en cierto modo de este film, del mismo modo que reniega de ‘Asesinos natos’ (‘Natural Born Killers’, Olvier Stone, 1994).

La razón de este rechazo se encuentra en el hecho de que las historias de ambos films formaban en principio un guión único firmado por el propio Tarantino y su amigo Roger Avary —extraño y desconcertante guionista que también tiene una olvidable filmografía como director—. El mismo estaba construido a base de saltos en el tiempo, al estilo de su obra más conocida, influenciado, cómo no, por la poderosa película de Sergio Leone ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’, 1984). Tony Scott optó por realizar una historia siguiendo el orden cronológico de los acontecimientos. Curiosamente no puede evitar el carácter segmentario del mismo, tal vez su mayor defecto.

‘Amor a quemarropa’ narra la drástica historia de amor entre Clarence Worley (Christian Slater) y Alabama Whitman (Patricia Arquette), el dependiente de una tienda de cómics, enganchado a las películas de artes marciales y ferviente admirador de Elvis Presley, y una prostituta que es contratada para alegrar el día de cumpleaños de Clarence. Lo que empieza como un encuentro pactado termina siendo una ardiente relación amorosa, que deja a su paso un montón de muertos. Así pues en la más pura tradición de su guionista, Tony Scott nos ofrece todo un festival de excesos, a veces muy controlados por sus actores, y otras no tanto. A pesar de que Scott rueda con un mínimo de eficacia —otro tema es el poco control que tiene sobre el montaje en determinados instantes, en los que se deja llevar por la euforia, confundiendo dinamismo con efectismo—, son sus actores, aunque no todos, los que sostienen un film cuya historia está poblada de momentos intensos, pero cuyo entramado dramático es prácticamente inexistente.

Así pues la película parece una oportunidad para que unos cuantos actores de mayor y menor valía se luzcan delante de la cámara, apoyados en la típica verborrea vacía de Quentin Tarantino, solventada en ocasiones por la experiencia de los intérpretes. De esta forma ‘Amor a quemarropa’ es un conjunto de set pieces con el numerito estrella del actor correspondiente. Christian Slater ser queda pequeño ante una de las sorpresas de la película, y que a día de hoy sigue conservando toda su frescura: Patricia Arquette. La hermana de Rosana Arquette compone una Alabama frágil, juguetona, inocente, sensible y con un carisma arrollador. Es imposible no sentir deseo, simpatía y cariño por ella, todo lo contrario que Clarence que parece un gilipollas con suerte. Aunque Slater era un actor muy de moda aquellos años, su interpretación es de las peores de la película y la química con Arquette es extrañamente intermitente.

De su extenso y espectacular reparto, el primero en hacerse notar es Gary Oldman, un año después de convertirse en el vampiro más famoso de todos los tiempos a las órdenes de Francis Ford Coppola. Oldman da vida a Drexl, el chulo de Alabama y al que Clarence visita para dejar claro que su chica le pertenece sólo a él y a nadie más. Antes de que este tramo termine violentamente, como todos, Oldman hará gala de su camaleonismo, dando vida a un blanco con acento de negro, algo que se pierde en el lamentable doblaje. Val Kilmer es Elvis, aunque jamás se le enfoca con claridad, uno de los grandes aciertos del film, y un primerizo Brad Pitt hace de fumao bocazas. Bronson Pinchot, famoso en nuestro país por ‘Primos lejanos’ (‘Perfect Strangers’) exagera su patético personaje hasta límites insospechados, al igual que Chris Penn y Tom Sizemore.

Pero si ‘Amor a quemarropa’ posee un momento verdaderamente intenso y que demuestra la importancia de los actores, ése es sin duda el diálogo entre Christopher Walken y Dennis Hopper. Una secuencia en la que el Scott más inspirado se revela como un perfecto controlador del tempo narrativo y la planificación. En ella somos testigos además de lo alto que pueden llegar dos actores de la talla de Walken y Hopper, en un duelo interpretativo único de una precisión y entendimiento mutuo envidiables. Scott acierta en la elección del tema musical ‘Sous le dôme épais où le blanc jasmin’ de Léo Delibes, ya utilizado por Scott en ‘El ansia’ (‘The Hunger’, 1983), perfecto marco para la fascinante historia de los sicilianos y los negros que Worley (Hopper) narra con satisfacción con la única esperanza de una muerte rápida.

A ratos entretenida, a ratos insufrible —sobre todo esa parte final, una ensalada de tiros mareante y confusa—, ‘Amor a quemarropa’ es una de esas películas que no resisten bien el paso del tiempo —en realidad los que cambiamos somos nosotros—. Con todo, supone uno de los mejores trabajos del mediocre Tony Scott, y evidencia el penoso guionista que es el sobrevalorado Tarantino, que con cuatro frases chulas ya se cree que tiene una historia.

Por favor, sean ustedes más certeros a la hora de pedir películas en esta sección. Sorpréndanme, que aún no se han acercado ni un poquito.

“Sí, es culpable. Culpable de haber malinterpretado, en su juventud, el mensaje de los evangelios. Y es culpable de haber confundido el amor a la pobreza con la ciega destrucción de la riqueza y la propiedad. Pero, mi señor abad, él es inocente de los crímenes que han bañado en sangre esta abadía, porque el hermano Remigio no sabe leer griego, y todo este misterio gira en torno al robo y posesión de un libro escrito en griego y escondido en alguna parte de la biblioteca”

-Fray Guillermo de Baskerville

Si uno vive en perpetuo enganche a las pantallas, como yo mismo, tiende a colocar películas en lo más alto de su escalafón personal, por detalles o rasgos de esas películas. Puede haber otras que no haya visto, que sean mejores, pero hasta que no las vea no moveré el escalafón. Me explico: siempre coloco a ‘Aliens’ en lo más alto en cuanto a relatos de horror+Sci-fi. Cuando vea una mejor, la sucederá en el escalafón. De momento no ha sucedido. Tampoco ha sucedido que ninguna película que yo haya visto, hasta ahora, supere a ‘El nombre de la rosa’ en cuanto a recreación histórica de la oscura época medieval.

Pero no sólo eso. Pocas películas hay más clásicas que esta. Y digo clásico en el sentido estricto: una obra que no cesa de producir nuevos significados. Es decir, una obra que estará viva durante mucho tiempo. Y por la desgraciada razón de que, por lo visto, la Iglesia Católica, esa secta infame, seguirá viva mucho tiempo, cometiendo crímenes impunes, o crímenes ocultados durante décadas, que para el caso viene a ser lo mismo. ‘El nombre de la rosa’ posee, entre otras muchas virtudes, la sana disposición de no mostrar piedad con los poderes fácticos de la Iglesia Católica y Apostólica, mientras nos narra una apasionante aventura de investigación criminal.

En el ‘making of’ de la edición especial en DVD, Annaud contaba cómo Umberto Eco, autor de la novela homónima, esperaba que aquel año fuera el año de la película, igual que hacía pocos meses había sido el año triunfal de una novela extraordinaria, éxito de ventas en todo el mundo, sobre la que los críticos literarios no habían cesado de vertir lógicos y ferovorosos parabienes. Y lo fue, entre otras porque Annaud, que cinco años antes había filmado la inolvidable ‘En busca del fuego’, se dejó literalmente la piel en éste su cuarto largometraje, y es que por aquel entonces Annaud sólo filmaba hazañas que pudieran demostrar su suicida instinto artístico.

Una ambientación magistral

Con los mínimos elementos, pero sin dejar nada al azar, cuidando al máximo los detalles, Annaud se rodea de espléndidos profesionales que aportan una creación individual de indudable peso en el conjunto. Tanto la soberbia y humilde fotografía del gran operador, ya fallecido, Tonino Delli Colli (habitual de Sergio Leone), como el espectacular, pero comedido, diseño de producción del ahora famoso Dante Ferreti (que lleva dos décadas trabajando para Scorsese), y el inteligentísimo diseño de vestuario de la genial Gabriella Pescucci, sin olvidarnos de la extraña y emocionante música de James Horner.

Este grupo de eminentes artistas, orquestado con mano de hierro por el director, no tiene el menor reparo en mostrar la más oscura época de la edad media en todo su “esplendor”: sentimos en nuestra piel la mugre y la peste de la extrema pobreza (muchas veces provocada por los diezmos salvajes que la Iglesia pedía (robaba) a sus seguidores (esclavos); y también, sobre todo, la jerarquía de clases entre los monjes más poderosos y los más humildes. Pocas veces, o nunca, hemos presenciado una crítica más feroz, pero sutil, y más culta a los estamentos más básicos de la Iglesia, a su hipocresía, su crueldad, su ceguera.

Y Annaud se mueve por este ambiente como pez en el agua, conociendo cada objeto, cada gesto, cada detalle de la escenografía y de la vida de los monjes. Otorgando importancia a cada escenario por separado (la biblioteca, el scriptorium, el patio, las celdas…), filmando con total humildad, sin buscar lo bonito o lo espectacular, indagando en una vida que se nos antoja completamente real, un verdadero viaje en el tiempo. Y no se escatima tampoco en un reparto genial de rostros feos o directamente simiescos, no sólo el de Ron Perlman (que a fin de cuentas, interpreta con genio a un personaje deforme), sino el de casi todos los monjes, excepto algunos particularmente bellos, de belleza casi efébica.

Y frente a todos ellos un superlativo Sean Connery, de belleza más rotundamente viril, serena incluso, que conoció un renacer con esta película, a la que aporta su inmensa humanidad. Guillermo de Baskerville, monje franciscano (quizá la única orden religiosa que merece la pena que haya existido en la cristiandad), ya era una gran creación sobre el papel, pero Connery alcanza otra gran creación en la imagen. Criminalista e investigador, observador de la naturaleza, hombre de mente analítica y creativa a la vez (el prototipo de detective de Edgar Allan Poe), Baskerville sobre todo nos conmueve por su profunda compasión, por su verdad interior.

La luz de la razón frente a las tinieblas del fanatismo

Como no podía ser de otra manera, encuentro perfectamente actual esta historia, más ahora con la avalancha de escándalos acerca de la vergonzosa actuación de la iglesia, no sólo comentiendo crímenes que parece que nadie va a pagar, sino ocultándolos. No sé de qué se sorprende la gente, siempre ha sido igual con ellos. Y en esta abadía, cuyo nombre Adso guarda en prudente silencio, suceden hechos terribles, cuya investigación por parte de Guillermo apunta a la existencia de un libro secreto, y por parte de la Inquisición (o más bien, de Bernardo Gui, interpretado por F. Murray Abraham) apunta al Maligno.

Como instrumento de control del gobierno, como tentáculo represor del pueblo, la Iglesia y su apéndice más temible, la Inquisición, son mostrados en toda su inimaginable atrocidad, como nunca antes, y creo que nunca después, en la historia del cine. Ante ellos, Guillermo sólo puede aportar las pruebas. Impagable su frase: “apostaría algo más que mi fe a que esas torres contienen más que aire”. Sin embargo, Guillermo es un hombre profundamente espiritual. Como Thoreau, como Bacon, un hombre moderno y libérrimo. Su vanidad intelectual es la llama que desencadenará la dolorosa verdad, para que el pueblo llano, que son los que importan (porque son los que siempre sufren) se tome la justicia por su mano.

Poema acerca de la necesidad de confrontar fe y sensatez, arrepentimiento y orgullo, humildad y dignidad, relato terrible y consolador, que pinta un mundo desolador y gélido en el que, pese a todo, hay lugar, aunque ínfimo, para el amor fraternal, el placer sexual, la risa liberadora (legendario el combate dialéctico entre Guillermo y el Venerable Jorge en la biblioteca, acerca de la risa…), y, sobre todo, de la necesidad de hacer perdurar la cultura, los libros, el arte, la esperanza en un mundo gobernado por seres sensibles y sabios, y no por fanáticos o ambiciosos.

Obra maestra intemporal, que nos concede la oportunidad de redimirnos, pues nos dota de herramientas intelectuales frente a aquellos que manejan la espiritualidad como un negocio, como una artera institución capaz de todo por el poder.

“Tu cuerpo se muere. Pero no prestes atención. Nos pasa a todos”

-Lestat de Lioncourt

Inmersos como estamos, desgraciadamente, en una fiebre absurda, y convocada por el poder del marketing, en torno a la infame saga de películas vampíricas (por decir algo) de ‘Crepúsculo’, deberíamos echar un vistazo a algunas películas recientes en torno al mito que, sin tener como protagonista al famoso conde Dracula, mejor lo han tratado. Tal es el caso a mi parecer, de ‘Entrevista con el vampiro’, un filme que soy consciente de que no goza de excesiva fama y que, en el momento de su estreno fue despreciada como una película para chicas, al contar en su reparto con algunas caras guapas muy de agradecer, entre ellas actores en alza o estrellas consagradas. Pero si vemos el desastre de ‘Crepúsculo’ y revisamos esta, parece que exageraron un poco. Y sin ver aquel desastre, sigo pensando que es una película injustamente despreciada.

No por eso es una película sin algunos importantes defectos. Pero con sus luces y sus sombras, y adaptando la difícil novela original, se erige en un interesantísimo collage vampírico, casi un estudio de su mitología, tal como son las Crónicas Vampíricas de Anne Rice. Un filme que ha aguantado, además, muy bien el paso del tiempo, tanto temática, como narrativa, como técnicamente, y que posee una serie de ramificaciones morales tremendamente interesantes que a continuación pasaremos a analizar y bastantes valores estrictamente cinematográficos. Quince años después de su estreno, su visionado produce idéntico placer, o más, que entonces, y sus perdonables defectos se pueden perdonar tratándose de la gran producción que es y de las bazofias que se estrenan hoy día.

Un proyecto arriesgado

Siendo como es una película de un gran estudio, con un presupuesto elevado, algunas estrellas importantes y la necesidad de recaudar una buena suma de dinero para que la inversión tuviera sentido, este relato resulta de una sordidez y de un tono siniestro verdaderamente notables. Cuesta imaginar algo como esto hoy día, si bien está dirigida por un director tan interesante como Neil Jordan, que ya había demostrado su capacidad para el fantástico y el terror en la estupenda ‘En compañía de lobos’, con poco poder en Estados Unidos, pero que en complicidad con Anne Rice (que adapta su propia novela) pudo llevar todo lo lejos que pudo una historia tan resbalazida y arriesgada. El comienzo es muy bueno, con una suave panorámica aérea del puerto de San Francisco, a la que le suceden varios planos urbanos que da la sensación que se tomaron sin consentimiento de los viandantes y que producen una gran sensación de realidad. Porque en todo momento vamos a tener unos vampiros muy alejados de lo que a menudo se espera de ellos, aunque siguen bebiendo sangre y muriendo a la luz del Sol.

Louis de Ponte du Lac (Brad Pitt con treinta años) va a contarnos la historia, en la larga entrevista que tiene lugar en la novela y que aquí será también la columna vertebral de la trama. Desde el mismo principio, se advierte el conveniente saneamiento que Rice ha llevado a cabo con su novela. Es la muerte de su mujer y su bebé, y no la del hermano de Louis, lo que provoca su desesperación y su deseo de morir, y el encuentro con Lestat está revestido de un aura gótica irresistible. El rubio vampiro, que se regodea en su amoralidad, le va a descubrir, no sólo un nuevo mundo sensorial, sino sobre todo un nuevo mundo moral, en el que las aceptadas normas sociales desaparecen y soon relevadas por otras nuevas. Ambos son como la noche y el día: Louis es atormentado, Lestat es vitalista; Louis es retrospectivo, Lestat es jovial; Louis se siente culpable por todo, Lestat no tiene prejuicios.

Su relación tiene momentos e ideas apasionantes, todos ellos extraídos de la novela, tales como la percepción de Lestat de la muerte no como una maldición, sino ciertamente como una bendición, y de sí mismo como alguien capaz de otorgar la paz a la desgraciada raza humana. Pese a su tono mordaz, lo piensa verdaderamente. Louis propone vivir de la sangre de animales, pero Lestat le asegura que dando la muerte a seres humanos se les libera de sufrimientos a ellos y al mismo vampiro. Pero Lestat es un pésimo maestro y se ve obligado a convertir a una niña de pocos años para no perderle. Los tres formarán una fascinante familia disfuncional, con un distorsionado complejo de edipo como catalizador del brutal final del grupo.

Impresionante Tom Cruise

Lo de Cruise es una desgracia artística, porque este hombre era, y desde luego ya no es, un actorazo con un futuro alucinante. Ya había demostrado de lo que era capaz en ‘Algunos hombres buenos’, pero aquí echa el resto (y en ‘Magnolia’ de la última prueba de su genio interpretativo), y en secuencias como esa en la que juega con una prostituta encerrándola en un ataúd se pone a la altura de los más grandes. Sus cambios de ritmo en esa secuencia, su intensidad y su abanico emocional son para quitarse el sombrero. Pero todas sus secuencias son las mejores de la película, y cuando él no está, esta baja mucho de interés. De hecho es un secundario, pero no lo parece, desde luego. Aún recuerdo que Anne Rice montó en cólera cuando supo que Cruise se vestiría de su amado Lestat, pero cuando vio lo que había hecho, desdijo sus palabras.

A su lado, Brad Pitt está muy por debajo. Actualmente, me parece un actor muy interesante, pero como ya dejé por escrito, ha evolucionado mucho este actor. Aquí está a ratos regular, a ratos bien, a ratos fatal. Tanto de ritmo como de energía, e incluso de marcaje. Neil Jordan le dirige con tino, pero Pitt sobreactúa a menudo. Pienso que cuando mejor está es cuando menos habla, pues su rostro es muy sensible a las emociones. Sin embargo la película habría ganado con otro actor principal. Tanto él como Banderas son muy inferiores a Cruise, el abismo que separa sus capacidades es inmenso.

Sólo una asombrosa Kirsten Dunst puede sostener de tú a tú el vendaval de ingenio de Cruise. Su niña vampiro es un trabajo de primer orden. No sólo esa mirada de una persona mucho mayor que ella (a fin de cuentas, un vampiro no envejece), sino secuencias como en la que descubre el cadáver de una mujer adulta enterrada entre muñecas (una idea fascinante que no estaba en la novela: a fin de obtener una imposible madurez física, la niña vampiro asesina a una mujer adulta y la entierra entre las muñecas que la representan a ella y que contabilizan su verdadera edad…). Kirsten y Cruise forman un dúo insuperable, y tanto Pitt como Banderas, como Slater, son meros comparsas para su recital.

Una dirección equilibrada

La pena es que sólo esta novela, de todas las Crónicas Vampíricas, haya conocido una adaptación decente. No quiero ni nombrar ese horror en el que Stuart Townsend hizo de Lestat. Aquí, sin embargo, tiraron la casa por la ventana, principalmente con un diseño de producción complejo y subyugante, obra del gran Dante Ferreti, y de la luz (lóbrega pero sutil) de un inspirado Philippe Rousselot, un director de fotografía al que pocas veces han considerado como merece. Ambos dan el empaque adecuado a esta historia, y Neil Jordan alcanza un equilibrio pocas veces visto en este tipo de superproducciones, si bien es cierto que la intensidad baja muchísimo una vez Lestat desaparece y Louis y Claudia viajan a Europa. Pero el que no desfallece es Elliot Goldenthal, que aquí firma su obra magna, una partitura musical densa y llena de matices, que pasa del horror al romanticismo y lo gótico sin fisuras.

El estilo de Jordan es clásico, como se suele decir, pero también muy psicológico, y se encuentra en su salsa más en las relaciones entre los personajes que en las grandes secuencias destinadas a enaltecer al público. Comprende muy bien la mitología vampírica propuesta por Rice y se entrega a ella con convicción y sin ambages. Incluso con pasión, enriqueciendo un universo ya de por sí muy particular, y logrando con esta película una a ratos sorprendente película de vampiros. Inquietante, amoral, sinfónica, psicológica.

Esta es mi opinión.

Aquí os dejo el trailer de ‘Slipstream’, dirigida y protagonizada por ese monstruo en horas bajas llamado Anthony Hopkins (que ya había dirigido ‘August’). A tenor del trailer, a Lecter parece que le ha entusiasmado el estilo de David Lynch y nos ha preparado un denso cóctel surrealista sobre la realidad, la vida y el cine. ‘Slipstream’ también tiene en su reparto a Lisa Pepper, Christian Slater, John Turturro y Michael Clarke Duncan, entre otros. No hay aún fecha de estreno para nuestro país, y no me extraña. Ya llegará al videoclub.

Christian Slater (‘Bobby’) es uno de esos actores que me parecen tan malos, tan inexpresivos, que, finalmente, me resultan simpáticos; en cuanto a Elisha Cuthbert (‘Captivity’), aún no ha demostrado nada salvo que tiene muy buen físico. Ellos, Slater y Cuthbert, forman la extraña pareja de la curiosa ‘Él Era Un Hombre Reservado’ (‘He Was a Quiet Man’), un drama con estética de videoclip que recuerda un poco (visualmente) a las historias de Michel Gondry, y que ha sido dirigido por Frank A. Cappello (llevaba más de diez años alejado de esta tarea); el guión es también suyo. Al parecer, la historia gira en torno a un trabajador normal y aburrido que un buen día salva la vida a una atractiva joven. El polifacético William H. Macy (‘Cerdos Salvajes’) completa el trío protagonista. No he encontrado fecha concreta de estreno en España, pero por ahí he leído que piden el Oscar para Slater. Todo es posible en esta vida…

Vía | Ktarsis