Si me preguntáis, charlando entre copas, cuál es la mejor película que vi en 2006, sin dudarlo ni un instante, mi respuesta será ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’), que aunque se estrenó en diciembre de 2005, aquí no la pudimos ver hasta febrero del año siguiente. Conociendo la escasa valoración que se le dio, en general, a esta impresionante obra de arte, lo más probable es que a continuación, y repito que estamos tomando copas, estallaran las carcajadas, poco antes de empezar a preguntar si vi tal o cual otra película; con resignación, lo sé por experiencia, diría que sí a todos los títulos (más de una vez me reiría yo también), manteniendo invariable que el cuarto trabajo de Terrence Malick fue lo mejor de aquel año.

Tras terminar ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, 1978), Malick, autor enigmático donde los haya (se ha llegado a decir que en realidad no existe, que es un seudónimo de otras personas, pero esto no tiene sentido si se echa un vistazo a su obra, tan escasa como única y coherente), nos tuvo esperando dos décadas hasta que por fin se decidió a rodar otra película, ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’). Mereció la pena que se lo pensara tanto, qué duda cabe, pero por fortuna no necesitó tanto tiempo para lanzarse a crear su nuevo trabajo, centrado en la famosa leyenda de John Smith y Pocahontas, lo cual descolocó a muchos (sigue haciéndolo).

Porque ‘El nuevo mundo’ se vendió como lo que no era/es, una película de trepidantes aventuras en un entorno exótico con el típico amor imposible; puro marketing, los hombres tendríamos aventuras y las mujeres amor, el producto perfecto. No en vano, la esperadísima y superanunciada ‘Avatar’ de James Cameron ofrece lo mismo, tal como vimos en el tráiler, cambiando al conquistador inglés del siglo XVII por un soldado norteamericano del futuro y a la indígena americana por una alienígena de un planeta lejano (por supuesto, el tono y el tratamiento de ambas películas no tendrá nada que ver).

‘El nuevo mundo’ se centra en el descubrimiento de las enormes tierras salvajes de Norteamérica por los colonos británicos, que llegaron en tres pequeños barcos y levantaron el fuerte Jamestown, en 1607. Los hombres “civilizados”, a miles de kilómetros de su hogar, buscan introducir su cultura, religión y economía en este “nuevo mundo” al que acaban de llegar, y que no está deshabitado. Los nativos americanos ya estaban ahí y, aunque diferente, también tienen su propia forma de vida, negándose a permitir que unos intrusos alteren la naturaleza y el orden con el que ellos habían estado conviviendo hasta entonces.

En medio del conflicto entre ambos pueblos surgirá el amor entre dos jóvenes, uno de cada bando. Él era un rebelde que llegó a América condenado a la horca por insubordinación, un buscador de fortuna llamado John Smith (Colin Farrell, excelente), un hombre valiente y diferente al resto; ella (Q´Orianka Kilcher, todo un descubrimiento, nunca mejor dicho) es una joven curiosa y atrevida a la que han apodado Pocahontas (“juguetona”), y es la favorita del jefe de su tribu. El vínculo que surge entre ellos es tan repentino e intenso como imposible de mantener, de la misma forma que los pueblos a los que pertenecen están condenados a enfrentarse.

Como decía, esto no es lo que parece, la realidad es que la cuarta película de Terrence Malick no está hecha para ser consumida como la gran mayoría de productos que nos llegan de Estados Unidos; la intención no es que te sientes a desconectar, a pasar el rato, sino lo contrario, que experimentes y reflexiones sobre lo que se te muestra en la pantalla. La trama de Smith y Pocahontas es una excusa y la película no se ciñe a ella, no pretende contar lo que pasó realmente o darnos un nuevo enfoque de los hechos, va más allá, y le da igual la Historia, porque el propósito es otro, es exponernos la triste y bellísima historia de un paraíso perdido.

‘El nuevo mundo’ guarda un gran parecido con ‘Días del cielo’ y ‘La delgada línea roja’, no tanto con ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973), la ópera prima del cineasta. Malick vuelve a ofrecernos unos impresionantes retratos de la naturaleza (la labor fotográfica de Emmanuel Lubezki fue lo único nominado al Oscar), miradas secretas y esquivas, la poética voz en off y escasos diálogos, un lento y suave curso de los acontecimientos (acompañado por la composición de James Horner), que aun así a veces se muestran, como en la propia vida, erráticos y repentinos, fruto del capricho del azar y de las erróneas decisiones de los hombres, incapaces de apreciar el mundo, la belleza, la inocencia y el amor que están destruyendo.

Si esta película me parece tan extraordinaria es por la capacidad que tiene para despertar emociones y reflexiones, porque sus preciosas imágenes no dejan indiferente y transmiten justamente el mensaje que desea Malick, impactando y alterando los sentidos como si estuviéramos en el mismo lugar y la misma época de los hechos, y también porque pocas veces se ha plasmado en la pantalla con tanta sutileza y elegancia una historia de amor tan cercana y tan verdadera, como la que se muestra en ‘El nuevo mundo’, una obra maestra que mejora con cada visionado. Y eso que todavía no hemos podido ver la versión completa, que no dura 135 minutos sino 170, totalmente necesarios para la mejor integración de un apasionante conjunto.

Otra crítica de la película en Blogdecine:

En el pack de La pantera rosa que se editó hace unos años en nuestro país, presumiendo de reunir todas las películas de la saga, faltaba un título esencial de la misma, seguramente porque los derechos pertenecían a otra distribuidora. Mientras que el resto de películas fueron producidas por la Metro Goldwyn Mayer, ‘El regreso de la pantera rosa’ fue auspiciada por la Universal, siendo editada por primera vez en su historia en mercado doméstico hace apenas tres años, lo cual fue motivo de celebración, al menos por un servidor, que considera este título como el mejor de la divertida saga.

‘El regreso de la pantera rosa’ es el tercer título de la serie de films protagonizados por el Inspector Clouseau, al que dio vida el inolvidable Peter Sellers. Una serie que, a partir de su quinto título, concretamente ‘La venganza de la pantera rosa’, empezaría a dar muestras de un más que evidente cansancio, terminando en films tan deplorables como ‘El hijo de la pantera rosa’, tras el cual Blake Edwards no volvió a dirigir más películas, y no me extraña. De los dos remakes protagonizados por Steve Martin prefiero ni hablar.

‘El regreso de la pantera rosa’ da comienzo con el calculado y espectacular robo del diamante conocido como La pantera rosa. Aunque no se sabe quién ha cometido el robo, todas las sospechas recaen sobre un famoso delincuente al que se creía retirado, El fantasma. Para averiguarlo se encargará la misión a Clouseau, que había sido degradado a patrullar las calles a pie. Mientras tanto, el Fantasma tratará de averiguar quién se ha hecho pasar por él.

Normalmente, las películas de la pantera rosa suelen ser o comedias sofisticadas, como la primera entrega (a la que quizá le ha hecho un poco de daño el paso del tiempo, ese implacable juez), o se volvían muy locas. En todas ellas había un caso a resolver, algo sencillo con lo que llenar lo que era más bien una comedia y no un thriller policíaco, tramas ligeras que quedaban en un segundo plano en pos del gag, de las increíbles y entrañables apariciones de Clouseau, cada día más tonto e inepto. Pero en ‘El regreso de la pantera rosa’, Blake Edwards (que a pesar de ser recordado como un director de comedias, tiene en su haber films durísimos como ‘Días de vino y rosas’) debió entender que había que equilibrar los tonos, y no se equivocó.

El film comienza con el mencionado robo, planificado excelentemente por Edwards que da verdaderas lecciones del uso del tempo, con un preciso ritmo, y el suspense. Nada indica que estamos ante un film que nos hará reír hasta llorar, al contrario, esa primera escena parece que vamos a ver un film sobre robos, y nuestra atención está más que captada. Tras unos maravillosos títulos de crédito (también los mejores de la saga) en los que se rinde homenaje, a ritmo del inmortal score de Henry Mancini, a todas las grandes estrellas del cine cómico, se da paso a Clouseau, que evidentemente nos arranca desenfrenadas risas con su primera aparición, el interrogatorio a un mendigo ciego mientras en sus propias narices roban un banco. ‘El regreso de la pantera rosa’ se moverá continuamente entre lo “serio” y lo “cómico” sin perder jamás el norte.

‘El regreso de la pantera rosa’, al igual que los otros títulos de la saga, no sería lo mismo sin la interpretación de Peter Sellers, literalmente un genio de hacer reír. Sin duda, su composición de Clouseau es la más recordada de su carrera, la que más fama le reportó. El simpático dibujo que fallaba en sus enfrentamientos con el animal rosa, cobra aquí una dimensión humana insólita. Clouseau no sólo es un torpe Inspector de policía que suele solucionar los casos por pura suerte, su visión del mundo, de la aplicación de la ley entronca directamente con sus acciones. Cuando Clouseau se pone en acción, todo lo malo que pueda pasar ocurre; se mete en líos a partir de las anécdotas más triviales (liarse con la ducha mientras se baña en su casa), la mala suerte hace acto de presencia y se pone de su lado, para al final, quizá en recompensa a tanta torpeza y a sus buenas intenciones, solucionarlo todo, aunque no sea por méritos propios. La labor de Sellers es digna de elogio, ya que protagoniza situaciones de locura extrema, sin caer ni un sólo instante en la sobreactuación o el histrionismo, ni siquiera cuando ataca a traición a su fiel criado y entrenador, Cato, como siempre interpretado por Burt Kwouk.

Para dar vida a Sir Charles Litton, alias el Fantasma, se pensó evidentemente en David Niven, que le había dado vida en la primera entrega de la saga, pero el actor no estaba disponible, por lo que Christopher Plummer tomó el testigo. El actor, de origen canadiense, cumplió con creces su misión, dotando a su personaje de la misma elegancia con la que lo hizo Niven (ambos actores tienen, al fin y al cabo, similitudes en sus formas de interpretar y en su físico), y sus apariciones corresponden a la parte de thriller del film, mientras que Sellers se ocupa de la parte cómica, coincidiendo ambos sólo en el desenlace, donde seriedad y comicidad se dan la mano. No puedo olvidarme de Herbert Lom, que una vez más da vida al desquiciado Inspector jefe Dreyfuss, obsesionado con liquidar a Clouseau; con sus típicos tics, Lom borda su rol y nos proporciona momentos sublimes, como todos aquellos en los que mezcla una pistola de verdad con otra que es un mechero.

‘El regreso de la pantera rosa’ se realizó en 1975, y vista hoy no ha perdido ni un ápice de su buen humor. Es más, sólo esta película, que deja a Edwards como uno de los grandes de la comedia (sumándole otros títulos, como la sublime ‘El guateque’), y hereda algunas formas del cine clásico (Sellers en su interpretación recuerda en parte a Stan Laurel), avergüenza sin complejo alguno a la mayor parte de las comedias que se hacen actualmente en los USA, y eso no es un logro, es un milagro, si lo miramos desde cierto punto de vista; si lo miramos desde otro, es una verdadera vergüenza. Mientras añoro tiempos mejores en la comedia, me retiro a mis aposentos a escribir sobre cierto espía alpinista.

¡Y otro perrito piloto! Menuda semana de nuevos trailers. Aquí tenéis otro más que ha visto la luz en las últimas horas, el nuevo avance de ‘Up’, más completo que el anterior que habíamos podido ver. Son unos dos minutos de escenas de la última película de los estudios Pixar, ésos que nos están deslumbrando año a año y que en 2008 nos dejaron la fantástica ‘WALL·E’.

Dicho esto, la verdad, y nada más que la verdad: me esperaba mucho más del trailer. Tiene buena pinta y da la impresión que se volverá a pasar un rato muy entretenido en el cine, pero… le falta chispa, le falta algo. Por ejemplo, ¿en cuántos momentos os habéis reído? Yo sólo en uno, la primera vez que sale el perro. De todas formas, es lo de siempre, sólo es un trailer, hay que esperar a ver la película, que desde luego no pienso perdérmela. Por cierto, sobre eso, malas noticias: el estreno en España se ha retrasado del 12 de junio al… ¡¡14 de agosto!! Voy a salir un rato a tomar el aire…

‘Up’ está dirigida por Pete Docter y Bob Peterson, y las voces originales de los protagonistas corresponden a Ed Asner, Christopher Plummer y Jordan Nagai.

PD: El otro anciano que sale en el vídeo es el “villano”, y es clavadito a Kirk Douglas.

Vía | TheMovieBox | ¡Gracias a todos los que nos habéis avisado!

Aquí os traigo los dos últimos posters de ‘Up’, la nueva película de la factoría Pixar. Y como lleva el sello de calidad, no cabe duda que estamos ante uno de los títulos del año. La mala noticia es que el estreno en España es el 12 de junio, casi dos semanas después que llegue a los cines de Estados Unidos.

‘Up’ (“arriba”) ha sido dirigida por Bob Peterson (autor del guión) y Pete Docter, co-director de ‘Monstruos, S.A.’. En la versión original, los protagonistas tendrán las voces de Christopher Plummer, Edward Asner y Jordan Nagai.

La historia de la película gira en torno a dos personajes muy diferentes, un anciano de casi ochenta años llamado Carl y un boyscout de nombre Russell, setenta años más joven que el primero. Ambos cruzarán sus destinos cuando Carl, que desea ver mundo, logra hacer volar su casa tras atarle miles de globos; sin saberlo, se lleva también al chico, con el que tendrá que compartir el viaje.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Impawards

Gracias a los japoneses coreanos, ya podemos echar un vistazo al primer póster de ‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’, una película que muchos estamos siguiendo con interés. Y es que se trata del nuevo proyecto del director Terry Gilliam (‘Brazil’, ’12 Monos’) y de la última película en la que participó el malogrado actor Heath Ledger, quien murió antes de finalizar su trabajo en este film. En lugar de buscarle un sustituto, Gilliam consiguió a tres. Nada más y nada menos que Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, quienes encarnan al mismo personaje de Ledger pero en otras realidades.

Christopher Plummer, Tom Waits, Lily Cole y Verne Troyer son los otros principales miembros del reparto de ‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’, que a pesar de las dificultades para conseguir distribución, se estrenará finalmente el próximo mes de septiembre. La película gira en torno a una compañía de teatro ambulante, dirigida por el Doctor Parnassus, un mago capaz de transportar al público a mundos fantásticos.

Actualización: ‘El imaginario del doctor Parnassus’ se podrá ver en España el próximo 23 de octubre.

Vía | Impawards

Cada año, millones de personas esperan impacientemente el estreno de lo nuevo de Pixar. No suelen salir decepcionadas, sino todo lo contrario. Tras ‘Wall·e’, le toca el turno a ‘Up’, de la que ya habíamos visto un teaser trailer y un primer póster. Arriba tenéis el nuevo trailer, de mayor duración. Ya me diréis qué os parece, a mí me ha encantado.

‘Up’ se centra en Carl Fredricksen, un solitario anciano que, ante la amenaza de ser trasladado a un geriátrico, decide rebelarse y, cumpliendo el sueño de su difunta esposa, viajar a las montañas. Gracias a centenares de globos, Carl logra emprender el viaje dentro de su propia casa…

La película, que se estrena el próximo 29 de mayo, ha sido escrita por Bob Peterson y está dirigida por Peter Docter (‘Monstruos, S.A.’) y por el propio Peterson, que debuta como realizador. Las voces de los protagonistas, en la versión original, son las de Christopher Plummer, John Ratzenberger y Edward Asner, entre otros.

Vía | Zona Fandom

Aquí tenemos el primer póster de lo próximo de Pixar tras ‘WALL·E’. Su título, ‘Up’, es tan sencillo como el primer trailer que vimos hace un tiempo y este primer cartel, que nos vuelve a presentar una pequeña casa que flota gracias a un montón de globos de colores. Pete Docter y Bob Peterson son los directores del film, que tiene como fecha de estreno el 29 de mayo de 2009.

Como se señala en el póster, ‘Up’ será la primera película de Pixar en 3-D. Christopher Plummer, John Ratzenberger, Edward Asner y Carl Fredricksen prestan sus voces a algunos de los personajes principales. Supongo que en el fondo es de lo más irrelevante, pero me extraña que no tengan a ningún actor famoso en el reparto. ¿Será que aún no han encontrado al adecuado? ¿O simplemente que no les hace falta invertir más dinero en este apartado?

Vía | Impawards

Al igual que en ‘La Lista de Schindler’, esa obra magna de Spielberg, en ‘Aritmética emocional’ existe una lista realizada por su protagonista principal. Un libro escrito en un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, lleno de nombres de los hombres, mujeres y niños que entraron y salieron en el campo. Una lista realizada para que en años venideros la gente no olvide lo que pasó en la contienda, una lista que durante los años siguientes se convertirá en una losa de recuerdos que pesa sobre la vida de una mujer ya madura, la cual obsesionada por sus recuerdos de infancia, se olvida de vivir con plenitud su propia vida.

‘Aritmética emocional’ versa sobre el holocausto judío a través de la historia de varios personajes que se reúnen años después de aquellos años tan fatídicos. Melanie es una mujer adulta, casada desde hace años, y que junto a su marido, hijo y nieto, reciben la visita de dos hombres que coincidieron con ella en el campo de concentración: Jakob Bronski, a quien creía muerto, y Christopher Lewis, con quien mantuvo un fuerte vínculo de amistad.

‘Aritmética emocional’ es ante todo una película de actores luciéndose durante toda la proyección. Y realmente es lo único salvable de una película que descuida bastantes aspectos, sobre todo un guión que recurre a ciertos efectismos totalmente innecesarios. El espectador conoce de los horrores sufridos por los personajes por boca de los mismos, lo cual no supone ningún problema. Sin embargo éstos se comportan de una forma tan extraña y tan poco definida que a veces tenemos la sensación de que están locos. ¿La terrible experiencia sufrida les ha dejado tanta secuela? demasiado forzado. Y más aún cuando se insertan determinados flashbacks que nos llevan al campo de concentración, pero en los que no vemos nada especialmente dramático. Flashbacks que en vez de ayudar estorban.

Por otro lado, el personaje más interesante de todos es el marido de Melanie, alguien quien no ha vivido los horrores citados por su esposa, pero que llega a las conclusiones mejor pensadas y razonadas de todo el film a pesar de cierto aire egoísta. Christopher Plummer da vida al citado personaje, y lo hace con toda la elegancia y veteranía que los años le han dado, resultando a la par emotivo y divertido (es el único que parece desmarcarse para mejor de la trama) llenando de matices el personaje probablemente mejor dibujado de la película. Mucho más que el de su mujer, a la que da vida una espléndida, como siempre, Susan Sarandon, que además hace gala de una madura belleza muy apropiada para el papel. A su lado un expresivo Max von Sydow, alejado de sus hieráticas composiciones, y transmitiendo más con su sola presencia que con lo que el endeble guión pretende a través de él. Gabriel Byrne realiza una composición un tanto extraña, y su obsesión con Melanie parece más el querer echarle un polvo tantos años atrasado, que el reencontrarse con alguien con quien compartió momentos demasiado dramáticos. Cuatro actores que están muy por encima de la película.

‘Aritmética emocional’ es tan fría como su título indica, no emociona, no engancha y por momentos hasta resulta risible (la relación entre Melanie y Christopher). Mezcla con dudosa habilidad realismo con momentos oníricos (además de los flashbacks, lo concerniente al personaje de von Sydow y sus “acompañantes”). Parece no avanzar hacia ningún lado, y al final después de media hora de aburrimiento la perplejidad se apodera de uno. ¿Cuál ha sido la verdadera intención de esto? ¿no hay que olvidar para que ciertas cosas no vuelvan a repetirse? ¿olvidar para poder pasar página? ¿caer en la tentación para vencerla y poder vivir mejor? Todo ello está cogido con pinzas, y a pesar de que su director, Paolo Barzman, parece esmerarse en su puesta en escena, no puede evitar caer en el aburrimiento que proporciona todo lo que plantea la película.

‘Aritmética emocional’ es una película muy floja, en la que sólo merecen la pena las interpretaciones de su cuarteto protagonista, y también la banda sonora de Normand Corbeil, que al igual que los actores, transmite más de lo que el guión pretende. Algo tan terrible como el holocausto judío carece esta vez de interés, a no ser por las sinceros pensamientos del personaje de Plummer, y que más de uno cuestionaría equivocadamente.

En Blogdecine:

• ‘Aritmética emocional’, mantener el recuerdo, ¿a costa de qué?
• ‘Aritmética Emocional’, una ecuación a medias

Con motivo de la presentación de la película ‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’), de Paolo Barzman, en la que Susan Sarandon comparte cartel con Gabriel Byrne, Christopher Plummer y Max Von Sydow, la actriz visitó nuestro país y concedió una rueda de prensa en la que habló tanto de cine como de política.

Os diré que encontré mucho más interesante la charla con esta enorme actriz, que demostró ser muy inteligente y tener muy claras sus ideas, que el visionado de ‘Aritmética emocional’ y el mensaje que la película pueda transmitir, pues incluso éste, matizado por Sarandon, cobraba más entidad.

En esta primera entrega, os transmito lo que opinó sobre el cine en general, sobre ‘Aritmética emocional’ en particular y sobre otras películas de su carrera, como ‘En el valle de Elah’, ‘The Rocky Horror Picture Show’, ‘Pena de muerte’, etc… En esta otra entrada se incluyen sus opiniones sobre la política estadounidense y en concreto sobre Barak Obama y Hillary Clinton. Si encontráis declaraciones en otros medios quizá sean algo diferentes, ya que la traductora que se encargó de trasladar lo que Sarandon decía al español es una mujer muy divertida y con enorme chispa, pero también un poco creativa.

Ya que el tema de la película era sobre la decisión de olvidar o el aferrarse a recordar, a Sarandon le preguntaron qué prefería ella. Contestó que quiere recordar y cree que “es importante, siempre que sepas perdonar”.

Sobre la manera en la que elige sus papeles respondió que tienen que encajar con sus “necesidades familiares. No me siento a gusto si tengo que irme muy lejos, aunque ahora que mis hijos son mayores, seguro que se alegran de saber que me voy. Leo el guión y, si me emociona y es diferente a lo que he hecho antes, acepto. Espero que sea algo de lo que se pueda hablar durante cuatro días de “junket” (promoción), [ríe]. Pregunto al director por qué quiere hacer la película y sorprende ver que muchas veces no lo saben. Por eso es bueno hacer que se lo pregunten. Si le apasiona, le pregunto quién sería el reparto y así sé cómo la quiere enfocar. En este caso, el reparto era casi lo que más me motivó a hacerlo. No porque fuese famoso, sino porque muchas veces, si el reparto es equivocado, sabes que la película va a quedar de otra manera. En este caso, era un tema muy delicado y con otras personas habría resultado totalmente diferente”.

“Cuando se elige el reparto, a veces los productores piensan en lo que “vale” monetariamente un actor [lo que obtendrá en taquilla su presencia en el cartel]. Me parece una mala forma de elegir el reparto. Se dan papeles a gente errónea para el personaje”. Por ello, no es la fama de sus compañeros de elenco lo que hace que decida o no aceptar el papel, sino quizá todo lo contrario: “a lo mejor serían más famosos, pero poco adecuados”. El ver a quién han elegido le da la idea de lo que quiere el director o la directora hacer con la película.

Sarandon continuó contando el proceso por el que decidió apuntarse a ‘Aritmética emocional’: “cuando me reuní con el director y vi que estaba tan conectado con el guión, me gustó eso. A veces también está bien cobrar [ríe]. Aunque también trabajo sin cobrar, si me lleva poco tiempo y si el proyecto es interesante. Si fuesen tres meses, no”. Nos contó que va a rodar una película con Pierce Brosnan sin cobrar. Por último, lo importante a la hora de elegir hacer o no un papel es el personaje que le toca a ella. “Me tiene que gustar el personaje, incluso si es una persona horrible, lo cual es más divertido”.

Cuando se le preguntó cómo se sentía al haber trabajado con actores tan experimentados respondió que “cada vez que empiezas una película entras en un nuevo mundo, independientemente de que quien te acompañe tenga o no experiencia y tienes que hacer que ese mundo funcione. Cuanto más valiente, inteligente y apasionado sea el mundo en el que entras, mejor lo vas a hacer tú y mejor será el resultado, pero eso no tiene que ver con la experiencia. En este caso, todos dependíamos de los demás. No pensábamos en los orígenes, las edades de cada uno. Cada uno trae sus personalidades y esto lo hace más interesante. Cuando comienzas a contar una historia así, te das cuenta de lo grande que es la presencia de Max Von Sydow. No me sorprendió Gabriel Byrne porque ya lo conocía y había trabajado con él, pero sí Christopher Plummer porque su personaje podría haber resultado gruñón, pero quedó encantador y gracioso. Cuando lees el guión e incluso durante el rodaje no te imaginas qué química va a haber, como la que hubo entre Plummer y Sydow”.

Otra de las preguntas se refería a su preparación para hacer el papel de una persona que ha estado en un campo de concentración. Sarandon nos contó que “he leído libros sobre el holocausto, como todo el mundo, supongo. Pero para mí la película era sobre cómo la gente lidia con la pérdida y el dolor, no sobre ese hecho en concreto. Cómo te enfrentas a la vida y sigues adelante. Cuando alguien pierde a un hijo, por ejemplo, la madre quizá no quiere avanzar, pero el padre, sí. ¿Cómo mantienes vivo el recuerdo de esa persona y el respeto hacia ella, pero aún así sigues viviendo? Muy a menudo ves la energía que pone la gente para salvar al hijo de otra persona cuando pierde al suyo. Transforma su dolor en otra cosa. Eso es lo que hace mi personaje: quiere asegurarse de que no vuelva a ocurrir el holocausto, aunque sea a costa de su marido y de su hijo”.

Se inquirió sobre si Sarandon prefería el método o la intuición a la hora de interpretar. “Nunca estudié interpretación, así que todo lo que hago me lo invento. Eso indica que cualquiera puede interpretar [ríe]. Yo empiezo con intuición y luego, si me tengo que defender, uso el intelecto. Primero me lo tengo que creer yo, pero eso no indica que sea interesante. Soy buena escuchando, lo cual ayuda a desarrollar la empatía y a estar presente, lo que también es un paso hacia el activismo”.

Y ya dentro del rodaje de ‘Aritmética emocional’ en concreto, se preguntó si habían improvisado diálogos y también si el director les había dado información extra sobre los personajes para que pudiesen trabajar los papeles. Sarandon contestó que “toda la información sobre los personajes que necesitábamos estaba en el guión. Paolo estaba muy preparado y nos proporcionó un buen ambiente y mucha seguridad. Fue un rodaje corto. El director tenía la suficiente confianza como para cambiar cosas sobre la marcha. Por ejemplo, llovió de verdad durante la secuencia de la cena y las cosas se hicieron de otra manera, pero no se cambiaron los diálogos, sólo la situación. Se rodaron en interiores muchas cosas que se iban a rodar en exteriores. Y Paolo fue muy flexible para estos cambios, otros directores no lo son tanto. Me cayó muy bien y el equipo franco-canadiense fue estupendo y estuvo muy a gusto con él, a pesar de los contratiempos”. Como curiosidad nos contó que “Paolo se sienta en un cajón en lugar de en una silla de director y le construimos una caja con un tambor y baquetas y pusimos una foto que firmamos todos”.

Había quien no podía comprender al personaje de Sarandon en ‘Aritmética emocional’, Melanie, ya que vive en una hermosa casa y tiene a tres hombres “maravillosos que la quieren”. La actriz respondió: “yo también me deprimo. Es muy difícil vivir con alguien. Yo llevo veinte años con Tim [Robbins] Cuando das a alguien por sentado, tus sentimientos y tu comportamiento cambian. Mis hijos son muy divertidos. Ahora están creciendo y las cosas que hacemos juntos y los problemas que tienen son otros. Mi hija ha terminado la facultad y quiere ser actriz y por fin se ha dado cuenta d que sé algo sobre interpretación. Ahora ves a tus hijos como gente adulta, no como niños. Cuando empezaron a crecer, dejé de llevarlos a manifestaciones. Antes, les explicaba lo que me podría pasar. Por ejemplo, si me iban a detener. Ahora ellos tienen sus propias ideas y son muy pro-Obama”.

Sobre la situación actual de Hollywood, Susan Sarandon dijo “yo no estoy en Hollywood, vivo en Nueva York. Pero si todos los que tiene la capacidad de dar luz verde a proyectos eligiesen historias que les interesan en lugar de pensar en el dinero, se haría mejor cine. Hay muchas películas buenas, pero es muy difícil encontrar distribución. Ahora los cines son todos de grandes empresas. Antes sí había salas independientes. Aunque se haga una película barata que vaya a festivales, gane premios y guste, no se distribuye”. Esta descripción de la situación del cine independiente norteamericano recuerda mucho a la situación del cine español: el problema está en la falta de promoción y la mala distribución, entre otras cosas.

Susan Sarandon explicó cuál era el mensaje que quería transmitir ‘En el Valle de Elah’, de Paul Haggis. “No era una crítica a Estados Unidos. Es una historia real. Lo triste es que envías a personas brillantes a la guerra y eso las cambia. La crítica era contra la guerra. En Estados Unidos hay una gran distancia entre los políticos que deciden hacer la guerra y el frente en sí. Había cuatro actores en el reparto de ‘En el Valle de Elah’ que habían estado en la guerra. Y lo bueno fue que en la promoción hablaban de ello. Como ahora no ha habido reclutamiento, que sí hubo cuando Viet-Nam, esto sólo afecta directamente a un 1% de la población. Y a los que vuelven no les dejan hablar en los medios. Seguimos mandando jóvenes y nadie habla de cómo les afecta. Hay un altísimo porcentaje de suicidio, de violencia contra quienes los rodean, etc… Quienes vuelven de la guerra llegan a un mundo en el que la guerra parece que no ha existido y tienen que vivir con los recuerdos de lo que les ha obligado a hacer: matar a niños, ancianos, mujeres embarazadas… Vuelven a Estados Unidos y nadie entiende lo que les pasa. ‘En el Valle de Elah’ quería decir que la gente no vuelve de la guerra igual”.

Para finalizar, quisimos saber cuáles eran sus películas favoritas de entre las que había interpretado. “No puedo elegir una y dejar a las demás fuera, sería lcomo la decisión de Sofía”, respondió Sarandon. Y luego decidió destacar los films que más habían repercutido en su vida personal: ‘Los búfalos de Durham’ porque en ella conoció a su marido, Tim Robbins, y luego tuvo a sus hijos. Y porque también la hizo con él, ‘Pena de muerte’. Pero con lo que se quedó fue con que “siempre son buenas experiencias, me divierto haciendo todas mis películas, aunque luego unas tengan mejores resultados que otras”.

Se le preguntó si era consciente de la repercusión de ‘The Rocky Horror Picture Show’, que aún se sigue proyectando y los fans siguen interpretándola. Su respuesta rápida fue una frase del film: “No sueñes con serlo, selo”. Intentó reflexionar sobre por qué sería tan importante: “habla a un tipo de público. Pusimos mucha energía en ella y me alegro de haberla hecho. Algo tendrá si lleva tanto tiempo por ahí. Acabará siendo mi legado, ¿no sería extraño?”

Más información en Blogdecine sobre Susan Sarandon y sobre ‘Aritmética emocional’.

Susan Sarandon interpreta a Melanie, una mujer que durante su infancia estuvo en Drancy, un campo de concentración de paso, a las afueras de París, del que los prisioneros eran trasladados a otros lugares de los que probablemente, ya no saldrían. Allí conoció a Jakob, un chico ruso que le dijo que tendría que apuntar y recordar todo lo que viese, y a Christopher, un niño irlandés de su edad, con el que entabló una amistad. Cuarenta y tantos años después, Susan está casada con un profesor universitario de historia retirado, Christopher Plummer, con el que tiene un hijo y un nieto. La familia recibe la visita del Jakob, Max Von Sydow, y de Christopher, Gabriel Byrne, y esto desata recuerdos y destapa secretos.

El director, Paolo Barzman, es hijo de dos famosos guionistas y su carrera ha transcurrido principalmente en televisión. ‘Cazatesoros’, ‘La zona muerta’, ‘Los inmortales’… son algunas de las series que ha dirigido. ‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’, 2007), que se estrena mañana, 6 de junio, está basada en la novela de Matt Cohen, que tiene el mismo título.

Barzman ha elegido realizar una narración fragmentada porque deseaba basarse en recuerdos, ya que éstos son el tema central del film. Por ello comienza con un momento que se volverá a presenciar hacia el final de la cinta y retoma los hechos más atrás. A partir de ahí, todo transcurre de forma lineal, pero hay varios flashbacks que se intercalan con el presente. Estos flashbacks representan el momento en el que Melanie, Jakob y Christopher se conocieron. El director ha optado por hacerlos muy irreales: en blanco y negro, rodados con fondos que parecen forillos teatrales y centrados sólo en los puntos de vista de los protagonistas.

A pesar de que es una elección deliberada, en mi opinión, la falta de naturalidad de estos flashbacks es lo que peor funciona dentro de la película. No encuentro que se asemejen a recuerdos y mucho menos que reflejen el espanto que supuso para los tres personajes encontrarse en aquella situación. Si se supone que no es un narrador omnisciente quien nos está devolviendo a esa época, sino que nos estamos colando en las mentes de quienes estuvieron allí, lo que habría que ver es un horror aumentado por el paso del tiempo. Esto, además de resultar poco agradecido cinematográficamente, le quita hierro a los momentos que deberían tenerlo y son sólo los diálogos los que nos dicen que fue un tiempo traumático, no los hechos.

Por este motivo, como si de una obra de teatro rodada se tratase, lo que sienten los personajes y lo que les ocurrió en el pasado, se transmite siempre a través de diálogos, de forma directa. Esto nos impide implicarnos completamente. Y, por otro lado, convierte a los flashbacks en narrativamente innecesarios, ya que no hay nada en ellos que no sepamos por otros medios.

A la sensación de falta de implicación inicial –porque más adelante sí se logra— contribuye que todo esté guardado tan en secreto. Comienza la película sin que sepamos qué ocurrió exactamente o qué malos tragos ha pasado Melanie recientemente. Y el hecho de que todo tenga que guardarse dentro impide que veamos cómo son los personajes, que adivinemos sus caracteres. Tendría que poder verse, incluso aunque sus emociones estuviesen contenidas y sus secretos ocultos, pero no ocurre así. Por ello, casi todos los personajes se muestran planos o vacíos durante la primera mitad de la película.

Al final, cuando se produce el mejor momento con diferencia de ‘Aritmética emocional’: la escena de la cena en el jardín, algunos de los sentimientos salen a la luz y comprendemos mejor a los personajes. El más interesante de todos ellos es David, el marido de Melanie, a quien da vida Christopher Plummer. Los demás son seres dañados, defectuosos, estropeados por una experiencia devastadora, pero es precisamente quien no estuvo en un campo de concentración, quien más cerca nos llega. Es quien mejor está retratado de guión porque es el que hace la reflexión más sabia de la película y porque no sólo tiene virtudes con las que contrastar con su mujer, sino que sus deslices lo hacen imperfecto. El actor aporta una gran elegancia y hace que un ser que podría haber sido pesado y gruñón, resulte irónico, simpático e inteligente. A pesar de que el retrato de personajes con el que se han encontrado no fuese tan rico como el que halló Plummer en el guión, los demás actores también están magníficos y siempre es un lujo contemplar a Max Von Sydow, a Gabriel Byrne y, por supuesto, a Susan Sarandon.

‘Aritmética emocional’ hace una interesante reflexión sobre esa idea que se nos ha inculcado siempre de que es necesario no olvidar para que las atrocidades no se repitan. El personaje de Sarandon se ha aferrado a esa noción y está convencida de que sus recuerdos salvan vidas en el tiempo presente y de que su superviviencia se produjo únicamente para que sirviese de testigo para los que no estuvieron allí o no salieron de aquella. SPOILER Pero para no dejar nunca de recordar, ella ha sacrificado su propia vida y, lo que es peor, la de su marido y la de su hijo. Quizá esté a tiempo de no estropear la de su nieto. Esta reflexión se ve en la conversación que ya he citado de la cena en el jardín y en alguna otra que ella tiene con el hijo. Por ello, la aparición de dos seres del pasado, lejos de provocarle recuerdos a Melanie, lo que hará es conseguir que por primera vez se dé cuenta de que quizá no sea tan bueno seguir recordando. Y este paso adelante que aún no había dado se refleja en una metáfora hecha con gotas de lluvia y tinta sobre un cuaderno viejo. FIN DEL SPOILER

Por lo tanto, considero que, aunque tenga un arranque algo torpe, este final de ‘Aritmética emocional’ vale la pena. Magníficos actores y una historia con un mensaje que hace pensar son suficientes factores para que esta ecuación dé un resultado positivo.

Más información en Blogdecine sobre ‘Aritmética emocional’.

Tráiler de ‘Aritmética emocional’.