Este mes de julio da comienzo el rodaje de ‘Gods Behaving Badly’ (los dioses se portan mal), adaptación de la novela de Marie Phillips, que cuenta que una joven pareja ve cómo su relación se pone en peligro por causa de una familia disfuncional de deidades venidas a menos que sobrevive como puede en un tiempo en el que sus poderes no son los que eran. La pareja se los encuentra en una casa, lidiando con problemas cotidianos. Apolo aparece en la tele como vidente y su tía, Afrodita, se gana la vida con un negocio de sexo telefónico, mientras que Artemisa pasea perros. A pesar de que sus poderes ya les sirven para poco, no han perdido las ganas de hacerse faenas los unos a los otros y de enredarse en líos familiares, amorosos y de otras índoles.

Marc Turteltaub dirige un reparto tan divino como los personajes a los que encarnan: Christopher Walken tendrá el importante papel de Zeus, Edie Falco será Artemisa, John Turturro hará de Hades, Oliver Platt encarnará a ¿Apolo?, Sharon Stone dará vida a Afrodita, mientras que Rosie Pérez se quedará con Perséfone. Por último, en el personaje de Eros estará Gideon Glick, en el de Hermes, Henry Zebrowski, en el de Deméter encontramos a Phylicia Rashad y en el de Dionisos podremos ver a Nelsan Ellis. Alicia Silverstone y Ebon Moss-Bachrach encarnarán a la pareja de mortales.

El rodaje tendrá lugar en Nueva York, a pesar de que la novela está situada en Londres. La producción corre a cargo de Big Beach Films, responsable de ‘Little Miss Sunshine’ y ‘Our Idiot Brother’. Josh Goldfaden y el propio director se han encargado de escribir el guion.

Aunque el concepto en sí suena gracioso y me recuerda a algunas propuestas muy interesantes que sitúan no a dioses, pero sí a superhéroes, en vicisitudes cotidianas –la serie ‘No Heroics’ sería un buen ejemplo—; los enredos en los que parece que van a mezclarse me suenan a humor facilón. Pero es pronto para juzgar y, si este reparto se ha unido al proyecto será porque el guion promete mucho más de lo que se extrae por las sinopsis de la novela. Así que daremos un voto de confianza a esta ‘Gods Behaving Badly’.

Vía | Indiwire.

Sí, ya sé que solo he listado a cuatro, pero, por el momento, lo que se sabe es que Colin Farrell, Christopher Walken, Sam Rockwell y Mickey Rourke formarán parte de los ‘Seven Psychopaths’ («siete psicópatas»), que está planeando dirigir Martin McDonagh, realizador y guionista de la divertida y original ‘Escondidos en Brujas’ (‘In Bruges’)

Farrell encarnará a un guionista al que le está costando terminar un guion que lleva el mismo título que la película que nos ocupa. Para inspirarse, decidirá quedar con sus amigotes, interpretados por Walken y Rockwell, que no traman nada bueno: estos tipos están involucrados en un timo que incluye el secuestro de un perro. La primera equivocación del trío será raptar al sabueso de un gángster, a quien dará vida nada más y nada menos que Rourke. Ya que la película se ha calificado de comedia negra, estoy segura de que los planes no saldrán bien.

Martin McDonagh, nacido en Inglaterra de padres irlandeses, debutó en el largo con ‘Escondidos en Brujas’, pero ya antes había dirigido el cortometraje ‘Six shooter’, que obtuvo el Óscar en 2006, y varias obras de teatro, de las que también es autor, como lo es de los guiones de sus películas. Cuando se dedicaba primordialmente al teatro, se decía que concebía obras de gran brutalidad y estilo cinematográfico. Se consideraba que cultivaba una vertiente extrema del teatro de la crueldad, conocida como In-yer-face («en la jeta»), que destaca el aspecto violento y grotesco de las obras para captar la atención del espectador.

Vía | Variety.

¿Bendecido? ¿Sabes lo que Dios hizo por mí? ¡Me lanzó un camión y me envió a ninguna parte durante cinco años! Cuando desperté, mi chica se había ido, mi trabajo había desaparecido, mis piernas prácticamente no sirven para nada… ¿Bendecido?

(Johnny Smith)

Habíamos dejado el especial dedicado a David Cronenberg en ‘Videodrome’ (1983). Lo recuperamos hoy, meses después (pido disculpas por ello), para hablar de otra de las películas más conocidas del cineasta canadiense, una obra que ha sido y seguirá siendo muy citada, pues hay en ella ideas e imágenes muy poderosas e inteligentes (de las adaptaciones de Stephen King más aplaudidas, junto con ‘Carrie’, ‘El resplandor’ y ‘La niebla’). Cronenberg tuvo que lidiar desde el principio de su carrera con presupuestos muy limitados, pero ello no fue un impedimento para tratar los temas que más le interesaban, ni para componer las escenas que surgían en su cabeza, así que siempre recurrió al ingenio, y a la sugerencia, a la capacidad del espectador para imaginar más allá de lo que se muestra, y de esta manera, sentirlo con mayor intensidad. Por el contrario, muchos cineastas actuales basan todo en costosas imágenes de impacto inmediato, tratando al público como meros borregos que pagan una entrada.

Y digo esto porque ‘La zona muerta’ (‘The Dead Zone’, 1983), al igual que las anteriores ‘Scanners’ (1981) y ‘Videodrome’, pueden ser vistas perfectamente como los antecedentes de las mejores propuestas del moderno cine de superhéroes. Esas que, ambientadas en escenarios cotidianos y urbanos (una de las constantes en la filmografía del canadiense), apuestan más por los personajes y sus conflictos interiores, por el lado humano de los seres fantásticos, en lugar de centrarse en el espectáculo de los efectos visuales y la violencia estilizada. Hay en concreto una película que a mí me resulta imposible no asociar con ‘La zona muerta’, y es ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000) de M. Night Shyamalan, que en mi opinión es una completa maravilla (muy superior a la que nos ocupa). Lo curioso es que Shyamalan divide a Johnny Smith (Christopher Walken) y le entrega su excepcional habilidad a David Dunn (Bruce Willis) mientras que Elijah Price (Samuel L. Jackson) se queda con el oscuro atuendo y el bastón. No he visto aún ‘Más allá de la vida’ (‘Hereafter’), pero he visto semejanzas en el tráiler y estoy deseando comprobar los parecidos con el noveno trabajo de Cronenberg.

Cuenta el cineasta que ‘Videodrome’ supuso en cierta manera un punto y aparte en su carrera. Toda la producción de la película había sido muy dura, y el canadiense necesitaba un descanso, enfrascarse en un proyecto menos personal, que no exigiera tanta dedicación. Entre otros títulos le ofrecieron encargarse de ‘El retorno del jedi’ (también a David Lynch), pero finalmente no se llegó a un acuerdo. La adaptación de ‘La zona muerta’, la sexta novela de Stephen King, le llegó de rebote; en un primer momento, iba a ser Stanley Donen quien la trasladara al cine, pero el proyecto se canceló y los derechos cayeron en manos del famoso productor Dino de Laurentiis (recientemente fallecido), que rechazó varios guiones antes de ceder el proceso creativo a su socia Debra Hill, siendo ésta la que finalmente encontró en Cronenberg al director que estaban buscando. A él tampoco le gustaron los libretos que había disponibles (uno de ellos firmado por el propio King), por lo que decidió reescribir el que le pareció más interesante, junto a su autor, Jeffrey Boam. Era un encargo y la historia no había salido de sus entrañas, pero Cronenberg necesitaba implicarse en la escritura para sentirse cómodo con el material, para empezar a hacerlo suyo.

‘La zona muerta’ se centra en John Smith, un nombre de lo más corriente para un hombre corriente (lo que viene a subrayar la arbitrariedad del don, o la maldición, que recibirá más adelante), y desde el mismo arranque se nos anticipa que la suya será una historia oscura y tenebrosa. Smith, profesor de literatura, habla irónicamente a sus alumnos sobre el próximo libro que tratarán en clase, ‘La leyenda de Sleepy Hollow’: “Os gustará, va de un profesor que es perseguido por un demonio sin cabeza“. Casi parece que se dirige al público. Aunque al protagonista de ‘La zona muerta’ no lo perseguirá tal cosa, sí será comparado con un demonio, una vez que adquiera la excepcional facultad de ver el futuro, y el pasado, de la gente que toca con sus manos. Como es habitual en el cine de Cronenberg, el personaje sufrirá una profunda transformación (a partir de un accidente automovilístico, al igual que en ‘Rabia’) y se resistirá a asumirla, a considerar indeseable su nueva condición. El cambio en Smith es brutal, tanto interior (su nueva sensibilidad y el precio que ha tenido que pagar por adquirirla cambian su carácter por completo) como exteriormente (la cojera y ese atuendo que le hace parecer un cuervo, lo que no puede ser casual, pues recita pasajes de ‘El cuervo’ de Poe como si hablaran de sí mismo).

Un acierto del relato es establecer un claro contraste entre la vida que posee Smith antes del accidente (que sin ser maravillosa es justo la que él deseaba) y la que se encuentra después, al despertar de un coma que le ha apartado del mundo durante varios años. Esto permite entender perfectamente al protagonista y por qué no desea aceptar su nueva realidad, por qué lo ve como una desgracia, sintiéndose tan solo y amargado. En muchas películas se hace mal, nos presentan un argumento inverosímil en el que el personaje tarda demasiado en reconocer sus nuevas habilidades (en el caso del cine fantástico), su nuevo propósito (en el de acción o aventuras) o su nueva pareja (en el cine romántico), cuando hemos visto que partía de una situación problemática o indeseable. Smith era feliz, pero tras el incidente (llega a sugerirse que es causado por Dios) es ya otra persona con otras circunstancias, y debe adaptarse. Enseguida descubre que tiene el poder de ver cosas que no están al alcance de los demás, pudiendo prevenir o ayudar a las personas que aparecen en sus visiones. En cierta manera, como comprende pronto, es también ayudarse a sí mismo, pues comparte el sufrimiento de las víctimas como si fuera propio. No puede ver y escapar.

Podría decirse que ‘La zona muerta’ es dos películas en una. Smith deberá hacer frente a dos graves situaciones, algo que Cronenberg aprovecha para dividir el relato en dos partes, dotando a cada una de un tono y una atmósfera particular. A priori, es una idea interesante, pero el resultado es que rompe totalmente el ritmo de la narración, la estructura es demasiado brusca, y una vez que se ha visto la resolución de la primera aventura del protagonista, cuesta volver a engancharse, con pleno interés por seguir viendo cómo progresa la vida de este trágico superhéroe. Y es que el primer bloque es más inquietante y sórdido, destacando la fotografía de Mark Irwin, en un tramo de investigación criminal que parece adelantar el estilo de psycho-thriller que se hizo famoso tras ‘Seven’ (1995); el segundo es más convencional y esperanzador (más romántico, Smith vuelve a sentirse cerca de Sarah, interpretada por Brooke Adams), pero no por ello menos ingenioso, profundizándose en las responsabilidades del protagonista (sus dudas morales) e introduciéndose a un rival caricaturesco que permite una divertida sátira política.

Como en ‘Videodrome’, el enemigo, Greg Stillson (Martin Sheen), vuelve a tener ese toque de fanático religioso, de falso profeta, siendo venerado por una masa de fieles que no ven más allá de las apariencias y los huecos discursos. Tendrá que ser el solitario y ambiguo Smith (al que le queda de fábula el rostro de Walken), que a lo largo de la película ha sido calificado tanto de obra divina como satánica, quien se sacrifique por los demás, en un desesperado intento por detener un posible apocalipsis. Resulta curioso comprobar que, pese a que Cronenberg y Boam se tomaron muchas libertades trasladando la novela, tanto King como la crítica consideraron que se trataba de una adaptación bastante fiel (al contrario de los que piensan que se debe seguir el original al pie de la letra). Según parece, los pases previos con público fueron muy esperanzadores, pero luego esto no se tradujo en un éxito de taquilla, lo que posiblemente llevó al canadiense a considerar que había realizado un buen trabajo, que no había caído en las redes de lo comercial. Su siguiente trabajo volvería a ponerle a prueba, pero de nuevo saldría victorioso, al demostrar que independientemente de la procedencia o el envoltorio del proyecto, el autor que se lo propone, siempre deja su firma. Hasta la música de Michael Kamen parece compuesta por Howard Shore, esencial en los relatos del canadiense.

PD: Un último apunte curioso. Casualmente, Walken encarnó posteriormente al demonio de ‘Sleepy Hollow’ en la versión que dirigió Tim Burton, y Sheen fue Presidente de Estados Unidos en la serie ‘El ala oeste de la Casa Blanca’, cargo al que aspiraba su personaje en ‘La zona muerta’.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

Cuando en esta capciosa sección de crítica a la carta, salió elegida ‘Amor a quemarropa’ (‘True Romance’, Tony Scott, 1993), servidor se alegró, dentro de lo poco sorpresivo de la petición, porque durante años consideró el film como el mejor de toda la irregular filmografía de su director. Pero una vez más me ha tocado revisar un film que hacía tiempo no veía y del que siempre he guardado excelente recuerdos, para comprobar que el inexorable paso del tiempo no perdona absolutamente nada. Pero que no cunda el pánico entre los sufridos lectores, que mi percepción del trabajo de Scott no lo pone ahora como uno de esos bodrios que me encanta despreciar. Simplemente no me parece la maravilla que creí ver con 23 años. El guión del tan admirado —no por un servidor— Quentin Tarantino fue cambiado de forma radical por Tony Scott, tanto que el director de ‘Pulp Fiction’ (id, 1994) reniega en cierto modo de este film, del mismo modo que reniega de ‘Asesinos natos’ (‘Natural Born Killers’, Olvier Stone, 1994).

La razón de este rechazo se encuentra en el hecho de que las historias de ambos films formaban en principio un guión único firmado por el propio Tarantino y su amigo Roger Avary —extraño y desconcertante guionista que también tiene una olvidable filmografía como director—. El mismo estaba construido a base de saltos en el tiempo, al estilo de su obra más conocida, influenciado, cómo no, por la poderosa película de Sergio Leone ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’, 1984). Tony Scott optó por realizar una historia siguiendo el orden cronológico de los acontecimientos. Curiosamente no puede evitar el carácter segmentario del mismo, tal vez su mayor defecto.

‘Amor a quemarropa’ narra la drástica historia de amor entre Clarence Worley (Christian Slater) y Alabama Whitman (Patricia Arquette), el dependiente de una tienda de cómics, enganchado a las películas de artes marciales y ferviente admirador de Elvis Presley, y una prostituta que es contratada para alegrar el día de cumpleaños de Clarence. Lo que empieza como un encuentro pactado termina siendo una ardiente relación amorosa, que deja a su paso un montón de muertos. Así pues en la más pura tradición de su guionista, Tony Scott nos ofrece todo un festival de excesos, a veces muy controlados por sus actores, y otras no tanto. A pesar de que Scott rueda con un mínimo de eficacia —otro tema es el poco control que tiene sobre el montaje en determinados instantes, en los que se deja llevar por la euforia, confundiendo dinamismo con efectismo—, son sus actores, aunque no todos, los que sostienen un film cuya historia está poblada de momentos intensos, pero cuyo entramado dramático es prácticamente inexistente.

Así pues la película parece una oportunidad para que unos cuantos actores de mayor y menor valía se luzcan delante de la cámara, apoyados en la típica verborrea vacía de Quentin Tarantino, solventada en ocasiones por la experiencia de los intérpretes. De esta forma ‘Amor a quemarropa’ es un conjunto de set pieces con el numerito estrella del actor correspondiente. Christian Slater ser queda pequeño ante una de las sorpresas de la película, y que a día de hoy sigue conservando toda su frescura: Patricia Arquette. La hermana de Rosana Arquette compone una Alabama frágil, juguetona, inocente, sensible y con un carisma arrollador. Es imposible no sentir deseo, simpatía y cariño por ella, todo lo contrario que Clarence que parece un gilipollas con suerte. Aunque Slater era un actor muy de moda aquellos años, su interpretación es de las peores de la película y la química con Arquette es extrañamente intermitente.

De su extenso y espectacular reparto, el primero en hacerse notar es Gary Oldman, un año después de convertirse en el vampiro más famoso de todos los tiempos a las órdenes de Francis Ford Coppola. Oldman da vida a Drexl, el chulo de Alabama y al que Clarence visita para dejar claro que su chica le pertenece sólo a él y a nadie más. Antes de que este tramo termine violentamente, como todos, Oldman hará gala de su camaleonismo, dando vida a un blanco con acento de negro, algo que se pierde en el lamentable doblaje. Val Kilmer es Elvis, aunque jamás se le enfoca con claridad, uno de los grandes aciertos del film, y un primerizo Brad Pitt hace de fumao bocazas. Bronson Pinchot, famoso en nuestro país por ‘Primos lejanos’ (‘Perfect Strangers’) exagera su patético personaje hasta límites insospechados, al igual que Chris Penn y Tom Sizemore.

Pero si ‘Amor a quemarropa’ posee un momento verdaderamente intenso y que demuestra la importancia de los actores, ése es sin duda el diálogo entre Christopher Walken y Dennis Hopper. Una secuencia en la que el Scott más inspirado se revela como un perfecto controlador del tempo narrativo y la planificación. En ella somos testigos además de lo alto que pueden llegar dos actores de la talla de Walken y Hopper, en un duelo interpretativo único de una precisión y entendimiento mutuo envidiables. Scott acierta en la elección del tema musical ‘Sous le dôme épais où le blanc jasmin’ de Léo Delibes, ya utilizado por Scott en ‘El ansia’ (‘The Hunger’, 1983), perfecto marco para la fascinante historia de los sicilianos y los negros que Worley (Hopper) narra con satisfacción con la única esperanza de una muerte rápida.

A ratos entretenida, a ratos insufrible —sobre todo esa parte final, una ensalada de tiros mareante y confusa—, ‘Amor a quemarropa’ es una de esas películas que no resisten bien el paso del tiempo —en realidad los que cambiamos somos nosotros—. Con todo, supone uno de los mejores trabajos del mediocre Tony Scott, y evidencia el penoso guionista que es el sobrevalorado Tarantino, que con cuatro frases chulas ya se cree que tiene una historia.

Por favor, sean ustedes más certeros a la hora de pedir películas en esta sección. Sorpréndanme, que aún no se han acercado ni un poquito.

A continuación, diez casos en los que precisamente eso me pasa a mí. Como siempre, sin orden y sin sentar cátedra. Disfrutad.

‘El último Boy Scout’

Una de las mejores películas de Tony Scott, normalmente perdido entre filtros y un montaje caótico. Bruce Willis realiza una de sus memorables interpretaciones, una especie de variante de su John McClane, que en esta secuencia hace gala de su peculiar forma de ver las cosas. Un puñetazo mortal es uno de los momentos álgidos de una película que logró en su momento dos récords: tener el guión más caro de la historia del cine, y ser la película con más palabrotas que hay. Cuidado si decidís comprar la película en DVD, esta escena no viene incluida en muchos de los montajes —censura por violencia—, tenéis que elegir aquella que en su portada pone “montaje íntegro”.

‘Alta fidelidad’

Ian (Tim Robbins) entra en la tienda de discos de Roy (John Cusack) para advertirle que deje de acosar a su ex-novia. Antes de la cruda realidad, Roy se imagina tres situaciones a cada cual más delirante, sobre todo la tercera, que en un servidor en concreto, provoca una de las risas más incontrolables que tengo. Se puede ver una y otra vez, que sigue resultando muy efectiva, como el resto del film, probablemente lo mejor que ha filmado nunca Stephen Frears. Y menuda recopilación de canciones.

‘Alien’

Sin duda, el parto más original e impactante de toda la historia del Cine. El punto de inflexión de una historia que habla acerca del miedo a lo desconocido, en este caso siete tripulantes de una nave espacial que deberán enfrentarse al bicho que han visto nacer, aunque un poco más cambiado. De cuando Ridley Scott estaba inspirado y nos ofrecía obras maestras. Más de 30 años han pasado y la escena sigue impresionando como el primer día.

‘Amor a quemarropa’

Mi película favorita de Tony Scott, basada en una historia del irregular Tarantino, que posee una de las escenas más bellas de su cine, el asesinato de Clifford (Dennis Hopper) a manos de Vincenzo (Christopher Walken) después de que el primero le explique la verdadera historia de los sicilianos. ‘Sous le dôme épais où le blanc jasmin’ de la ópera ‘Lakmé’ suena de fondo, los dos actores brillan en todo su esplendor y Scott alcanza el mismo nivel que su hermano.

‘Un pez llamado Wanda’

La escena en la que Otto —merecido Oscar para Kevin Kline por su interpretación más recordada— confunde a Archie —un como siempre divertido John Cleese— con un ladrón en su casa, es de las más delirantes de una película que muy probablemente sea la última gran comedia que se ha realizado. Charles Crichton, en una operación que recuerda a sus films para la Ealing, se reúne con dos de los Monty Python y nos sirven un cóctel desternillante lleno de inolvidables momentos cómicos. El señalado es mi favorito.

‘Érase una vez en América’

- ¿Qué has hecho todos estos años?

- Acostarme pronto

La música de Ennio Morricone empieza a sonar y los recuerdos se agolpan, uno tras otro, hasta encontrar el agujero en la pared que llevará a Noodles —impresionante Robert De Niro— a ver lo mejor de una época que nunca ha abandonado. Lo cierto es que es pillar esta película en televisión y uno se la traga entera a pesar de sus tres horas y media. El mejor trabajo del gran Sergio Leone, lleno de múltiples lecturas, pero ya hablaremos de ella en la sección críticas a la carta.

‘Blade Runner’

- Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad tras las puertas de Tannhauser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.

¿Es necesario decir más?

‘Heat’

La escena más recordada de una de las tres obras maestras de Michael Mann es sin duda el atraco al banco y posterior tiroteo. Acción y violencia sin tapujos y un ritmo endiablado —de los de verdad— meten al espectador de lleno en una secuencia prodigiosa, donde la utilización del sonido es esencial. Robert De Niro y Al Pacino en dos de su mejores papeles.

‘Un mundo perfecto’

Todo el tramo final de esta película, una de las más perfectas jamás filmadas por Clint Eastwood, es un puñetazo directo al corazón. Con ecos de ‘La jungla de asfalto’ (‘The Asphalt Jungle’, John Huston, 1950), Eastwood monta una set piece de profundo calado emocional, difícil de soportar por todo lo que representa. Sin duda, la mejor interpretación de Kevin Costner.

‘Psicosis’

Que una televisión proyecte cine clásico en blanco y negro ya sería suficiente para quedarse pegado al televisor a causa del shock sufrido, pero en esta lista no podía faltar una muestra del maravilloso blanco y negro con su estupenda gama de grises. La escena de la ducha de ‘Psicosis’ (‘Psycho’, Alfred Hitchcock, 1960) es una de las más recordadas de la historia del cine, y aún a día de hoy no ha sido superada. Diseñada junto al gran Saul Bass, es un prodigio de montaje y utilización de la música. Sin duda, uno de los asesinatos más estremecedores que se han filmado.

Su turno, damas y caballeros.

Nunca sabremos si el hecho de que esta película, dirigida por Michael Cimino y estrenada en 1978, se alzase con el Oscar a la mejor producción del año, fue la razón principal de que un año después otro gran drama sobre la por entonces reciente guerra de Vietnam, nada menos que la obra maestra ‘Apocalypse Now’, se quedara a las puertas del mismo premio, perdiéndolo en favor de la muy menor ‘Kramer contra Kramer’ (‘Kramer vs. Kramer, Robert Benton). Quiero pensar que la ceguera de la academia se debió más a un deseo de evitar cargar las tintas, dos años seguidos, contra aquélla locura de guerra, más que por su nefasto criterio estético. En cualquier caso, de lo que no hay duda es que ‘El cazador’ (‘The Deer Hunter’ en el original, que se traduciría fielmente por ‘El cazador de ciervos’) provocó una lógica conmoción en Estados Unidos, y en medio mundo, y que se merecía todos los elogios y premios que recibió, y que aún los merece.

No pasa el tiempo por el que quizá sea el filme más completo de su director (ahora, recién cambiado de sexo, directora…en el caso de que vuelva a dirigir), un poderoso y terrible drama, muy difícil de catalogar, pues no se inscribe (aunque buena parte de él desde luego lo es) en la fecunda y apasionante tradición del cine bélico, pero tampoco podemos definirlo como un drama social, ni desde luego como un melodrama, ni mucho menos como cine clásico o de vanguardia. Es, sencillamente, cine lírico, libérrimo, atormentado, un admirable y doloroso viaje de amistad y muerte, de amor y de desesperación infinita, de pérdida, de derrota. No pasa el tiempo por ella porque habla de cosas que importan: de la dificultad de la amistad, del sinsentido de la guerra, de la certeza de la muerte. Y lo hace a través de personajes verdaderos, algo al parecer reservado al talento de muy escasos cineastas.

Cimino pudo ser uno de ellos…el poco tiempo que duró su carrera. Perteneciente, por derecho propio, a la extraordinaria generación proclamada como el New Hollywood (Coppola, Scorsese, De Palma, Lucas, Spielberg, Hopper y compañía), sin duda Michael (ahora Michaela, o según algunas fuentes Elizabeth) Cimino es uno de los casos de malditismo más célebres y notables de la historia del cine norteamericano. Del cielo de la fama, los premios, el prestigio…al hoyo del más feroz egocentrismo, de la insensatez estética más clamorosa, de la mala suerte y de las malas elecciones. Así es Hollywood, dirían muchos, y quien no lo crea que lea todo lo relativo a su siguiente película, ‘La puerta del cielo’, que en realidad fue su puerta al infierno. Ahora bien, siempre se le recordará por esta formidable película.

Una amistad en tres capítulos

En realidad, existen varias amistades y relaciones de todo tipo, en esta historia. Pero la más importante de todas, el corazón del relato, es la que mantienen Michael (Robert de Niro) y Nick (Christopher Walken), a pesar de que ambos están enamorados secretamente (un secreto a voces) de la misma mujer, interpretada por una joven y encantadora Meryl Streep. Todos los hombres son trabajadores de una fundición en la América profunda, y ya el fuego y el peligro de su trabajo (las primeras imágenes de la película) anticipa el dolor y la oscuridad de la película. El primer capítulo, sin embargo, ocupará los dos últimos días de tres de esos amigos antes de partir a la guerra de Vietnam, en los que uno de ellos (John Savage) también se casará, mientras que el resto se divierte yendo a cazar ciervos.

Todo cambiará, claro, en cuanto lleguen a Vietnam, donde experimentarán una pesadilla inimaginable. El tercer y último capítulo, aún más terrible, y que no revelaremos para los que no la hayan visto, narrará las consecuencias de la guerra sobre las vidas de los tres amigos, y del resto de amistades y familiares que quedaron en casa. Alegato claramente antibelicista, que nos muestra las consecuencias más cruentas de la guerra y de tomar la decisión de participar en ella, sacrificando juventud, salud, felicidad, vidas. Desde el principio de la película, un halo de pesimismo, de inasible melancolía (a pesar de las juergas y las risas) invade inexplicablemente al espectador. Como si de un presagio fúnebre se tratara, la mirada compasiva de Cimino sobre sus criaturas, narrando con una precisión majestuosa la boda, las torturas, las borracheras, convoca una tensión psíquica atroz, que nos despoja de esperanza y nos enfrenta desnudos con la muerte.

Portentoso Robert De Niro

En un reparto sin la menor fisura, con un sensacional Christopher Walken, que se llevó el Oscar al mejor actor en papel de reparto, con un fabuloso John Cazale ya muy enfermo de cáncer y a punto de morir (aunque vaya carrera la suya), Robert De Niro brilla con una intensidad indescriptible, haciendo aún mejores a sus compañeros de reparto por su talento, su humanidad, su contención, su pasmosa elegancia. La carrera de este actor en los años setenta da vértigo. Resulta inexplicable cómo su trayectoria ha declinado de manera tan alarmante en los últimos tiempos. Aquí, en su plenitud total es el alma de la película, su motor, su razón de ser. Y carga en sus hombros ese peso sin aparente esfuerzo.

A través de tres horas agotadoras, pero que se pasan en un verdadero suspiro, el Michael de De Niro se embarca en uno de los mayores torrentes emocionales que se recuerdan en el cine americano de las últimas décadas, torrente en el que confluyen los más variados y complejos estados anímicos y que sólo un actor del talento de De Niro, y muy pocos más, pueden abarcar con garantías de no caer en el ridículo o de dejar a un lado el maniqueísmo. Nos enamoramos de Michael porque sufrimos lo indecible con él. Desearíamos no seguirle en su odisea (tanto íntima como física), a menudo le odiamos o estamos en desacuerdo con su forma de actuar, pero una extrema compasión (pasión con, dolor con) se apodera del espectador.

En él reside toda la fuerza vital, todo el discurso moral de la película. Antes de partir hacia cualquier guerra, a malgastar su vida, los futuros soldados deberían ver esta película, y creo que muchos de ellos se lo pensarían dos veces. Pero más allá de discursos o ideas, ‘El cazador’ es un canto a la vida. Algunos analistas quieren ver simbologías en el ciervo al que Michael apunta con su rifle, hacia el final de la película. En mi opinión, esa imagen no es un símbolo, en absoluto. Yo creo que, observando a ese magnífico y bello animal, Michael comprende por fin el valor de la vida, de cualquier vida. Y no dispara.

Conclusión

Bella y trágica película de obligado visionado, que se inscribe con letras de oro dentro de esa década tumultuosa y extraña que fueron los setenta, en la que tantas cosas (la mayoría buenas) acabaron y tantas otras (la mayoría malas) empezaron, y no solamente en el cine. Existe un ramillete de grandes títulos, como ‘El cazador’, que en esa época se erigieron como portavoces de la conciencia y del dolor norteamericano, una nación que construye su sociedad, como tantos otros imperios, gracias a la guerra.

El mes pasado hablé de otra adaptación de una novela de Kurt Vonnegut Jr., ‘Matadero 5’, la que puede ser su obra más celebre. En esta ocasión, me quedo con una pieza corta del escritor, publicada en el tomo ‘Welcome to the Monkey House’, que fue llevada a la pequeña pantalla en una tv-movie de apenas una hora de duración: ‘Cambio de identidad’ (‘American Playhouse: Who Am I This Time?’, 1982). Los protagonistas de esta película son Susan Sarandon y Christopher Walken, y está dirigida por Jonathan Demme.

La historia que se nos cuenta nos sitúa en un pequeño teatro de barrio, donde actores y directores de escena aficionados representan obras con un espíritu amateur. Harry Nash (Christopher Walken) es un empleado de una ferretería, taciturno y tímido hasta lo patológico, que se transforma cuando sube al escenario y encarna uno de los papeles. Helene Shaw (Susan Sarandon) es una recién llegada: empleada en la oficina de correos, el encargado de la compañía teatral la descubre y le ofrece una prueba. Sin embargo, ella no es capaz de soltarse en el papel de Stella, de ‘Un tranvía llamado deseo’. Cuando Harry se mete en la piel de Stanley Kowalski y ensaya con ella, se desata la pasión y la interpretación resulta arrebatadora. La directora de la obra ya tiene a sus protagonistas. Sin embargo, Helene, que desconoce el problema de personalidad de Harry, se está empezando a enamorar de un hombre que no existe.

La premisa es interesantísima desde el punto de vista psicológico, como se puede adivinar por el mero hecho de leer la sinopsis. En pocos minutos y sin que parezca que ocurre nada, a ese punto de partida se le saca todo el partido y se desarrolla con profundidad y de manera muy satisfactoria. Es tan habitual encontrar buenas ideas que no se han explotado todo lo que se podría, que resulta muy agradable ver un buen análisis de las personalidades de los personajes donde de verdad encontremos conflictos y sintamos que nos creemos lo que presenciamos.

Los actores, además de ser grandes intérpretes, están muy bien elegidos para sus papeles. Walken tiene ese punto perfecto para encarnar a un psicópata, pero para darnos, al mismo tiempo, la mejor intepretación de Kowalski desde Brando. Sarandon, con una apariencia muy juvenil, interpreta a una mujer que se deja sorprender por todo, pero que no por ello muestra una débil personalidad ni una falta de recursos. Entre ellos hay una gran química, tanto cuando están metidos en los papeles de Tennessee Williams, como cuando son ellos mismos u otros personajes.

El título original del relato, “¿Quién soy esta vez?” –que es una frase que pronuncia el protagonista— habla de los cambios de papeles en las obras, pero, obviamente, se refiere también a la transformación completa que sufre Harry cuando se introduce en la cáscara de alguno de los más famosos personajes teatrales de la historia. De esta forma, al mismo tiempo que nos ofrece ese análisis de la psique, Vonnegut Jr. realiza un homenaje al teatro y a determinadas obras llenas de fuerza y de intensidad dramática.

(SPOILER) En un final delirante, optimista y sencillo, en apariencia, llega una solución que, lejos de confiar en curaciones que se eternizarían sin dar resultado, nos enseña a vivir con la locura, dando así un mensaje de aceptación de lo diferente, que cierra a la perfección el resto del discurso. Con la solución que encuentra Helene al problema, no sólo parece que puedan soportar el probelma de Harry, sino que incluso pueden tener una relación más intensa e interesante que la de otras parejas, ya que sentirán constantemente el fuego del comienzo de un romance y ya que nunca podrán aburrirse de la rutina (FIN DEL SPOILER). De alguna forma, ‘Cambio de identidad’, podría ser considerada como una comedia romántica.

‘Who Am I This Time?’ es una delicia que se disfruta en un momento, pero que no se olvida. Un film cargado de material para reflexionar sobre lo que somos y lo que hacemos en la vida, sobre las convenciones y lo que se espera de nosotros. Y también, por qué no, sobre si vale la pena luchar por el amor y romper barreras impuestas por una teórica cordura.

Más información en Blogdecine sobre Kurt Vonnegut Jr.

‘Cambio de identidad’ fue editada en DVD en España el 28 de febrero de 2005.

Mi puntuación:

Como bien dice mi compañero Chico Viejo en su crítica de la película, cuando ves ‘Hairspray’ te entran unas ganas locas de ponerte a cantar y a bailar en la mismísima sala de cine, y es que a veces el Cine proporciona una de esas sorpresas que demuestran que el séptimo arte puede ser un feliz punto de encuentro para todos, donde el divertimento prima sobre todo lo demás, y en este caso es incluso un soplo de aire fresco, ya no sólo dentro del mal llamado cine comercial, sino como bálsamo a otro tipo de cine más “profundo” y que suele estar sujeto a divagaciones varias por parte del espectador.

‘Hairspray’, dirigida por el nada personal Adam Shankman es la adaptación cinematográfica del musical de Broadway, que es a su vez una adaptación de la película de John Waters de idéntico título, probablemente uno de sus films más digeribles por todo el mundo, por decirlo de alguna manera. La historia es simple: una chica con ciertos problemas de peso intentará por todos los medios presentarse a un concurso de Miss (Laca para ser exactos) en el programa musical de máxima audiencia en la televisión de la ciudad. Por el camino encontrará no pocos problemas, pero el baile y la canción son medicinas que todo lo curan.

Lo sorprendente de esta película es que su director, realizador entre otras “maravillas”, de ‘Planes de Boda’ o ‘Se Armó la Gorda’, haya resuelto la papeleta con inusitada solvencia, y es que este tío no ha sido sólo director, sino también coreógrafo durante muchos años, algo que ha sabido aplicar a la película perfectamente, pues todos los números musicales, que son bastantes, son excelentes. Tal vez la puesta en escena sea lo más endeble del film, y es que Shankman, a pesar de lucirse musicalmente, no es capaz de inferirle personalidad al conjunto. Evidentemente, esto no impide que estemos ante un disfrute de película sensacional, y que la alegría que ésta desprende nos contagie por completo.

A ello ayuda un elenco de actores, todos en estado de gracia, y es que una vez más ocurre lo de siempre: cualquier actor, sea bueno o malo, cuando interpreta un musical se sale por los cuatros costados y encima canta de miedo. No es cuestión ahora de hacer diferencias en esta película sobre si éste es bueno o el otro malo, porque todos sin excepción merecen un aplauso. Desde John Travolta, que está divertidísimo en su papel, sobre todo cuando se pone a bailar, algo que el espectador espera con entusiasmo a que suceda; Christopher Walken, que se marca un baile con el anterior para el recuerdo; James Marsden, que sin duda se lo pasa en grande como presentador del programa de televisión, siempre sonriendo sin parar; Amanda Bynes, que define a su personaje con un simple chupachup; Queen Latifah, que evidentemente se encuentra como pez en el agua, y quien se atreva a competir con su voz va listo; y una felizmente recuperada Michelle Pfeiffer, como la villana de la función.

Pero quien merece una mención aparte es Nikki Blonsky, la verdadera estrella de la película, absolutamente radiante y llena de vida, capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto y traspasar la pantalla como pocas veces se ha visto en el cine reciente, y opino exactamente igual que mi compañero Chico Viejo al afirmar que esta tía se merece una nominación al Oscar.

Probablemente la película sea demasiado evidente en su mensaje a favor de la integración (no se nos olvide que la historia se desarrolla durante los años 60), y que todos somos iguales, dejando a un lado nuestra raza, nuestra belleza o nuestro peso. Aún así, hay algunas frases con dobles sentidos que no tienen desperdicio, sobre todo en las letras de las canciones, obra y gracia de Marc Shaiman y Scott Wittman, y que son todas inolvidables. El film está lleno de ellas, y lo cierto es que la película no cansa en ningún momento, teniendo una parte final absolutamente gloriosa, donde sinceramente, hay que ser un sosainas y un aburrido de mucho cuidado para no estar moviéndote en la butaca al ritmo de la música.

Una buena película, que en cierta medida recuerda a la maravillosa (y que bien podría meterse en una lista de películas infravaloradas), ‘La Pequeña Tienda de los Horrores’ de Frank Oz, por tratarse de la misma operación. Como detalle anecdótico, John Waters sale en la película haciendo un cameo muy acorde con su personalidad, aunque no habría estado nada mal que tuviese su numerito musical.

Sin estrenos rompedores o altamente esperados, ‘Hairspray’ se presentó en nuestras carteleras el pasado 14 de septiembre como una interesante oferta cinematográfica. Primero, porque ya apenas se hacen musicales. ¿Cosas de otra época? La taquilla quita razón a ese argumento. Segundo, porque en su extenso y llamativo reparto encontramos a un John Travolta convertido en una mujer con sobrepeso. ¿Fiebre del donut salvaje? Lo cierto es que sólo por el número musical que protagonizan Christopher Walken y Travolta ya merece la pena pagar la entrada. No es el único que merece ser destacado, el del final es magnífico, quizá el mejor, pero lo raro que resulta ver a esos dos interpretando a una pareja que canta y baila para recordar el amor que sienten el uno por el otro es… para verlo.

‘Hairspray’ gira en torno a Tracy Turnblad, una chica rellenita de Baltimore que tiene solamente una pasión: bailar. Su sueño es aparecer en la televisión, en El Show de Corny Collins, el programa de baile más famoso de la ciudad. Aunque es rechazada por su figura, alejada de los cánones establecidos por la cadena, Tracy no se dará por vencida, arrastrando en su camino a su sobreprotectora madre, Edna, que lleva años sin salir de casa porque ha ganado demasiados kilos. Las reivindicaciones de la población negra se cruzarán también en el destino de Tracy, que se siente más cercana a cómo bailan ellos que los blancos.

Si hay algo que destaca en muchos musicales es que no sólo te permiten desconectar totalmente de lo que te afecta en “la vida real”, haciéndote pasar un rato estupendo, sino que logran, independientemente de lo hábil que seas moviendo los pies, que quieras levantarte de la butaca para unirte a los personajes de la gran pantalla, esos que se están dejando la piel y la garganta para tu deleite. ‘Hairspray’ consigue eso en más de una ocasión. Claro, juega en terreno sólido, con una base compuesta por armas sencillas. Pero nadie puede negar que son del todo efectivas. No es una gran película, ni mucho menos, principalmente porque Adam Shankman no es un gran director de cine; y las coreografía es muy buena pero lejos de ser brillante. La película se hace un pelín larga (y sólo son 107 minutos) y resulta un poco torpe cuando quiere ponerse seria. Pero ojo, la historia transmite alegría, los números musicales son muy vistosos, y como dije pasas un rato más que entretenido; no hay que despreciar nada de esto.

La película trata sobre todo de la integración; sea cómo seas, nadie debe dejarte de lado, todos debemos respetarnos y permanecer juntos. Dos frentes principales: las mujeres con sobrepeso y los negros. A las primeras se les dice que deben dejarse de tanto complejo y salir a comerse el mundo, siendo como son, estando orgullosas de sí mismas. A los segundos, como grupo, no hay que decirles nada, pero se les apoya fuertemente, pues la película está ambientada en un momento en el que había una insultante diferencia entre blancos y negros (vaya, ¿he dicho había?). Ésa era la base de la ‘Hairspray’ de 1988 que dirigió John Waters, de la que ahora vemos una nueva versión. Por cierto, Waters aparece haciendo un brevísimo y simpático cameo durante el primer número musical de esta nueva versión.

El reparto del film es otra razón para ir a verlo. Es de aúpa. Y lo bueno es que todos están estupendos en sus respectivos papeles, aunque, como es obvio, algunos apenas tengan el mismo tiempo para lucirse que otros. Por ejemplo, James Marsden, conocido por ser Cíclope en la saga ‘X-Men’, está fantástico pero su participación es bastante limitada; lo mismo le pasa a Christopher Walken, que, salvando la memorable secuencia comentada arriba, se limita a pasearse simpáticamente por el escenario. Destacan especialmente John Travolta, por lo ya dicho, Michelle Pfeiffer, en un divertido papel de mala malísima, Zac Efron, Queen Latifah y, por encima de todos, la encantadora Nicole Blonsky, que se come la pantalla. Es increíble lo de esta chica, de verdad, se merece una nominación al Oscar. Si lo ganó Jennifer Hudson, ¿por qué no ella?

‘Hairspray’ no merece entrar en una lista tan selecta como la que hizo Red Stovall hace poco; donde podía faltar algún título pero los que estaban no eran para nada discutibles y ya se sabe que no caben todas. Donde sí caben todas, todos, es en el espectáculo musical de ‘Hairspray’, un alegre canto a la integración donde los haya. Tal como está la cartelera, este título es un soplo de aire fresco muy recomendable.

Aquí tenemos el curiosísimo póster japonés de ‘Hairspray’, el musical del que ya os hemos hablado anteriormente y que parece haber encontrado en esto de los carteles una buena maniobra comercial. La película, remake de un film de John Waters de idéntico título, se estrena en España este próximo 14 de septiembre. En Estados Unidos han hablado bien de ella y está teniendo una excelente recaudación.

El reparto de ‘Hairspray’, dirigida por Adam Shankman, es de los que no pasan desapercibidos: John Travolta, Amanda Bynes, Christopher Walken, Nicole Blonsky, Zac Efron, Elijah Kelley, Queen Latifah, Michelle Pfeiffer, Brittany Snow y James Marsden. Habrá que ver cómo se desenvuelven moviendo el esqueleto y cantando.

Vía | Impawards