Es obligatorio incinerar a los que han muerto por la enfermedad de Rouge. Aunque durante el período de secreción y hemorragia los diferentes fluidos patológicos son relativamente inocuos, e incluso sexualmente atrayentes… estos fluidos pronto demuestran una virulencia que puede ser devastadora.

Continuamos con el especial dedicado a la obra de David Cronenberg, tras el análisis de su primer largometraje, ‘Stereo’ (1969). Al final de aquel artículo os contaba que gracias a la ayuda económica prestada por la International Film Archives, el joven Cronenberg (que por aquel entonces contaba con 26 años), pudo enfrentarse a la realización de su siguiente trabajo cinematográfico. Quizá “enfrentarse” no es la palabra más adecuada, ya que viendo ‘Crimes of the Future’ (1970) uno duda mucho de que el canadiense no se divirtiera creando las escenas de su segundo film experimental. Hizo lo que quiso, y el resultado es tan soporífero y pretencioso como el primero.

De nuevo, Cronenberg es el máximo responsable de la película; es su autor absoluto. El guión, la producción, la dirección, la fotografía y el montaje llevan su firma. Esto es, sin embargo, muy habitual cuando uno está empezando y apenas tiene presupuesto, de ahí que muchos directores empiecen también actuando en sus primeros trabajos (como Quentin Tarantino en la casi desconocida ‘My Best Friend´s Birthday’). Al final, el principal interesado es el que tiene que hacerlo casi todo, como mejor pueda, si quiere ver acabado el producto algún día. También ocurre que a menudo se piensa, por parte de los “autores”, que las tareas técnicas no son tan importantes como la escritura o la dirección; es uno de los grandes errores del principiante. A pesar de todo, se pueden encontrar elementos de interés en ‘Crimes of the Future’, si se quiere estudiar la trayectoria de este singular cineasta.

‘Stereo’ coloreada

Aunque transcurrió un año entre las dos películas, parecen hermanas gemelas, como si se hubieran realizado al mismo tiempo. Cronenberg debió quedar satisfecho con la reacción de los que vieron su ópera prima y siguió por el mismo sendero, realizando un segundo film sin grandes progresos, centrado de nuevo en los mismos temas: la experimentación científica, la degeneración del cuerpo y la sexualidad o la búsqueda del placer. Aunque aquí no se centra específicamente en las posibilidades (fantásticas) de la mente, sí que trata la explotación de otras partes del ser humano, y en una secuencia parece enlazar directamente con ‘Stereo’, al hacer que Ronald Mlodzik (aquí convertido en el protagonista absoluto) se lleve a la frente los pies de unos pacientes, con la intención de sanar sus problemas psicológicos. Si bien lo que llega a parecer (no por casualidad) es que ambos logran algún tipo de estimulación placentera.

Aunque ‘Stereo’ y ‘Crimes of the Future’ se parecen, hay también importantes diferencias entre ellas. Estéticas, sobre todo. Para empezar, ‘Crimes of the Future’ es la primera película en color que filma Cronenberg. Si bien no recurre a florituras ni juegos de luces, primando la austeridad y el realismo, resulta muy llamativa toda la secuencia de los conspiradores, así como el diferenciador atuendo oscuro que representa al protagonista, siempre al margen. Por otro lado, Cronenberg incluye también por primera vez efectos de sonido. Si bien son escasos, y casi todo el tiempo contemplamos la pantalla en silencio o con la desangelada voz en off del protagonista relatando sus experiencias, con la misma palabrería recargada e insufrible de ‘Stereo’, el joven cineasta incorpora ruidos que a veces acompañan a las imágenes (no siempre, hay escenas a las que retira el sonido antes de que acaben), contribuyendo a la sensación de inquietud. Y ruidos es su mejor definición, porque aunque también suenan lo que parecen ser pájaros, lo que se oye es cómo si alguien golpeara y frotara el micrófono. Es la música de esta película.

Como en la anterior, no hay en ‘Crimes of the Future’ ningún tipo de trama o de argumento, ni tampoco una evolución dramática, aunque al estar todo más centrado en un personaje, desde el principio hasta el final, sí se percibe más fácilmente un tipo de progresión (en ‘Stereo’ era más sutil, aunque ciertamente la atmósfera resultaba más inquietante conforme avanzan los minutos). De nuevo, Cronenberg presenta otro extraño puzzle donde muchas de las piezas están ordenadas sin ningún sentido concreto, más allá de provocar incomodidad y desagrado en el espectador. Así que otra vez nos encontramos con imágenes muy poderosas y escenas muy sugerentes, pero aisladas en un conjunto absurdo, repetitivo y muy mal editado. Cronenberg es todavía demasiado torpe, y se pierde al poner en la pantalla sus ideas, importándole muy poco cómo casan juntas.

La búsqueda del placer

Tampoco es que la película carezca de sentido. Y si queremos, podemos buscarle un argumento. En este sentido, podría decirse que ‘Crimes of the Future’ se centra en la constante búsqueda del placer por parte de Adrian Tripod. Este personaje está interpretado por Mlodzik, un amigo homosexual de Cronenberg al que éste convierte en un ser andrógino, una mezcla de sexos (y de identidades) que busca su sitio en el mundo, algo que le dé sentido. Un mundo donde una enfermedad, descubierta por el profesor Rouge (que en español significa “colorete”), ha acabado con todas las mujeres adultas, resultando que los hombres han perdido esa mitad que les proporcionaba el equilibrio vital (y el disfrute).

Así que Tripod se pasea por el desierto centro que estudiaba a las enfermas, por otro que analiza las posibilidades de los pies, conoce a un hombre que genera nuevos órganos (como si diera a luz), a otro que ha desarrollado unas especies de antenas que salen de su nariz, y por último, a un grupo de conspiradores pederastas que han secuestrado a una niña, con evidentes intenciones. En cuanto al espacio, el tratamiento es casi idéntico al del anterior film. Los paisajes vuelven a estar desolados, los personajes parecen solos en un mundo deshumanizado, retratado por una arquitectura fría, hostil.

‘Crimes of the Future’ no es recibida con el mismo entusiasmo que su ópera prima, y al público le escandaliza la idea propuesta por Cronenberg del mundo sin mujeres, con la pederastia como solución para el mantenimiento de la especie. El realizador se enfrenta por primera vez a un tipo de (absurdo) rechazo que generarán casi todas sus películas posteriores, convirtiéndole durante buena parte de su carrera en un cineasta polémico muy poco valorado artísticamente. A él sin embargo no le supondrá ningún problema, porque nunca le va a faltar un público deseoso de ver obras arriesgadas, diferentes, y esto le proporcionará el colchón para seguir trabajando.

1970 será un año importante en la vida de Cronenberg. Se casa con Margaret Hindson (encargada de sonido de su primer corto), y gracias a una beca se marcha a vivir un año a Francia (en concreto, a un pueblo llamado Tourettes-sur-Loup), donde asiste por primera vez al Festival de Cannes. Aquella experiencia le impresionó, y le hizo replantearse su carrera. Se convenció a sí mismo que quería ser director de cine, y que quería ser invitado allí, ser tratado como uno de esos creadores-estrella. Esto no sería posible si seguía por el camino de ‘Stereo’ y ‘Crimes of the Future’, así que al regresar a Canadá empezó a pensar en una película más accesible, menos experimental y vanguardista. Tras trabajar en televisión, en 1972, el mismo año que nace su hija Cassandra (que en el futuro será su ayudante de dirección), Cronenberg escribe un guión titulado ‘Orgy of the Blood Parasites’ (‘Orgía de los parásitos de la sangre’). Hablaremos de eso en el próximo capítulo.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

El uso adecuado de los afrodisíacos psíquicos no es para aumentar la potencia sexual o la fertilidad, sino para demoler las barreras de la resistencia psicológica y de la inhibición social que restringe a las personas a una monosexualidad o a una supuesta forma bisexual de omnisexualidad. Entonces el telépata, por la propia naturaleza sexual de su espacio experimental continuo, puede ser visto como el prototipo posible del hombre tridimensional.

Damos comienzo al anunciado especial sobre la obra del director David Cronenberg. Y lo hacemos comentando ‘Stereo’, una película de apenas una hora de duración que no está editada en España; la primera que hay es ‘Shivers’, o ‘Vinieron de dentro de…’, de ahí que muchos lo etiqueten como el primer largometraje del realizador, lo cual no es del todo cierto. Tampoco es que se pierda mucho, salvo para los más fanáticos de la obra del canadiense. ‘Stereo’ es una obra difícil de clasificar y difícil de ver, por no decir insoportable. Sin embargo, ya en este primer trabajo encontramos algunos de los temas más recurrentes en la trayectoria de Cronenberg, como son la misteriosa capacidad del cerebro, la degeneración del ser humano o los comportamientos sexuales.

Con ‘Stereo’ (1969), David Cronenberg nos introduce en un gélido recinto donde se experimenta con las mentes de un grupo reducido de individuos. Dice el director que el título se refiere al modo en el que los telépatas perciben el mundo, en oposición a cómo lo hacen las personales normales; quizá se le olvidó añadir que sólo los telépatas podrán disfrutar de este producto audiovisual, que fue posible gracias a la ayuda económica de un organismo público (el Canada Council, que pensaba que estaba financiando una novela), un hecho que volverá a repetirse más adelante. Por mi parte, desde ahora, si alguien me pregunta si he escalado una montaña de tres mil metros, le responderé: “No, pero he visto Stereo; dos veces”.

Los orígenes del cineasta

Según cuenta el propio realizador, David Cronenberg no tenía claro qué hacer en 1965. Tenía entonces 22 años y le apasionaba el arte y la literatura (se graduó en esta especialidad tras decepcionarle las ciencias), pero no encontraba su vocación. Hasta que ese año vio una película que le abrió los ojos. El film, de David Secter, se titulaba ‘Winter Kept Us Warm’ y se había rodado prácticamente sin presupuesto entre un grupo de amigos, del mismo entorno de Cronenberg. Le impresionó el resultado, y vio las posibilidades del medio para alguien como él. Se le encendió la bombilla y decidió probar suerte. Casualmente, Secter se perdió por el camino y el otro llegó (entre otras cosas) a presidir el festival de Cannes.

Pero Cronenberg todavía tardaría aún cuatro años en tener listo su primer largometraje. Durante ese tiempo se alió con otros jóvenes canadienses con inquietudes artísticas para crear una asociación de fomento del cine experimental, inspirados por el movimiento “underground” de Nueva York, y ya en 1966 graba su primer cortometraje, ‘Transfer’, sobre el concepto “freudiano” de transferencia, en el que un médico y su paciente hablan durante siete minutos en un campo. Un año después realiza el segundo corto, ‘From the Drain’, centrado en otros dos personajes que hablan durante varios minutos; en este caso, dos ex-combatientes y en un bañera. El cineasta no los defiende, los ve como experimentos, entrenamientos, como la preparación de lo que vendrá más adelante. En 1969 tendríamos ya el primer “aviso” serio de lo que se está originando.

David Cronenberg quería rodar su primer largo en 35mm, porque le parecía que era el formato del “verdadero cine”, así que alquiló una cámara Auricon y produjo, a través de su recién creada Emergent Films, ‘Stereo’, a la que llegó a definir como “una investigación de la incapacidad de la sexualidad corriente”, que también escribió, dirigió, fotografió y montó. Ya puestos, podría haberla protagonizado (de hecho trabajará como actor en el futuro), pero quizá no se atrevió, o no quiso dejarle la cámara a otra persona. Al frente de ella puso, entre otros, a Iain Ewing y Jack Messinger, protagonistas de la mencionada ‘Winter Kept Us Warm’.

El comportamiento sexual de los telépatas

David Cronenberg asegura que nunca ha sido un cinéfilo, que siempre le interesó más la literatura, pero que Ingmar Bergman estuvo presente en su cabeza desde su más temprana juventud, cuando su padre le habló de ‘El séptimo sello’. Viendo su primer largometraje, uno comprende enseguida que esto debe ser cierto. La estética de ‘Stereo’ remite directamente a la obra del genial cineasta sueco, y hasta su protagonista (Ronald Mlodzik, un rostro habitual en los inicios de Cronenberg) parece el doble de un joven Max Von Sydow. Desafortunadamente, la cuidada factura visual de ‘Stereo’ no llega para tapar el desparrame de ideas que Cronenberg quiso plasmar, siendo sin duda otro de esos “pretenciosos experimentos” (en palabras del director) con los que inició su carrera artística.

A nadie le puede sorprender esto. El 99% de los veinteañeros con aspiraciones en el mundo del arte comienzan con aires pretenciosos, en parte por querer reivindicarse ante los demás, en parte porque Hollywood nos vende que con una pizca de suerte podemos superar a Steven Spielberg. Cronenberg tenía otro ideal en mente (el arte puro y duro), pero también se lo creyó demasiado pronto. En cualquier caso, sin sus primeros pasos no habría llegado a donde está ahora, y es imposible hacer algo grande sin jugársela, sin atreverse a romper las barreras. Le habría resultado más fácil ponerse a tirar cubos de pintura sobre un lienzo, pero le interesó el cine y se lanzó a exprimir sus posibilidades. Así que este joven continuó a lo suyo, trasladando los temas que le interesaban a esta primera pieza audiovisual.

Una pieza, de un opresivo y expresivo blanco y negro (el color de las primeras películas de los estudiantes con pretensiones, y me declaro culpable), que se grabó sin sonido directo. Durante gran parte de la película no se oye nada, y a esto se le podrán dar mil interpretaciones, pero lo cierto es que Cronenberg usaba una cámara que hacía demasiado ruido. Se tendría que haber incorporado el sonido en post-producción, cosa que hizo, pero a su manera. En lugar de añadir el ambiente y las conversaciones o los gritos, Cronenberg hace hablar a unos doctores ficticios que relatan los conocimientos teóricos, las pruebas y los comportamientos de los sujetos que están siendo investigados. De este modo las extrañas imágenes de ‘Stereo’ (casi siempre estáticas y encuadradas con evidente esmero) son a veces acompañadas por una jerga científica deliberadamente recargada y prácticamente ininteligible, que llega a funcionar casi como música (por su tono repetitivo y distante), creando la sensación de estar contemplando un (soporífero) documento verídico sobre un grupo de pacientes reales a los que se les ha dado la facultad de la telepatía, lo que los transforma en seres nuevos, con su propia manera de entender la realidad, la sociedad y el sexo.

No hay mucho más que decir sobre ‘Stereo’, salvo aplaudir la inteligencia de Cronenberg al aprovechar la laberíntica construcción del Scarborough College de la Universidad de Toronto (diseñado por John Andrews) donde rodó el film. El centro, (repito) iluminado con gran acierto, le sirve al incipiente cineasta no sólo para enrarecer aún más la atmósfera (junto a la falta de sonido, los comportamientos de los personajes, casi como animales perdidos en una jaula, y las explicaciones en off de los supuestos científicos), sino también como símbolo de las misteriosas investigaciones que se estarían llevando a cabo allí y de la complejidad de la mente humana, el objeto de estudio, que como un ente aparte, parece poder ser capaz de mutar y extender su poder más allá del limitado cuerpo físico. Cronenberg apunta, deja detalles interesantes, imágenes muy sugerentes, pero todavía es un chico inexperto que acaba de empezar.

No obstante, ‘Stereo’ se presentó en varios festivales (con dinero del bolsillo de su autor) y fue una de las diez películas seleccionadas para integrar un bloque llamado “Nuevo Cine Canadiense”. La International Film Archives se interesó por Cronenberg y le adelantó el dinero que necesitaba para rodar su siguiente trabajo, ‘Crimes of the Future’ (1970). Pero de esto hablaremos ya en el próximo capítulo.

Parece que el gran éxito de ‘Avatar’ está animando a los estudios a apostar por los proyectos de ciencia ficción. Si hace un par de semanas se confirmaba que la nueva ‘Dune’ está en camino, hoy nos enteramos que Sony Pictures ha adquirido los derechos de una trilogía de novelas de ciencia ficción del escritor Jeff Somers, y que ha contratado al guionista Trevor Sands para empezar a preparar la adaptación del primer libro, titulado ‘The Electric Church’ (2007). Lo he buscado, pero no parece que esté editado en España.

Ésta es la sinopsis del libro: En un futuro cercano, lo único que crece más rápido que el crimen es la Iglesia Eléctrica, una nueva religión fundada por el misterioso Dennis Squalor. La iglesia predica que la vida es demasiado corta para entender el funcionamiento del universo: la eternidad es necesaria. Para lograr esto, los fieles se convierten en monjes cyborgs, con cuerpo robótico y cerebro humano, logrando una vida virtualmente inacabable. Las autoridades, preocupadas y desesperadas por este ascenso, contratan al criminal Avery Cates, conocido por ser un infalible asesino profesional. Su misión es liquidar a Squalor, pero el trabajo resultará más peligroso de lo esperado, tanto que podría ser el último.

Esta noticia me ha recordado que Frank Darabont lleva mucho tiempo con la idea de trasladar a la gran pantalla una nueva versión de ‘Fahrenheit 451’, de Ray Bradbury. Quizá le den la oportunidad ahora, si es capaz de adaptar la historia para venderla a gran escala y para todos los públicos. Aunque para eso, mejor que dejen el libro donde está.

PD: ¿Cuál es el vuestro libro o relato favorito de ciencia ficción?

Vía | ComingSoon

Mientras la recaudación de la película se dispara, y se convierte ya en la segunda más taquillera de la Historia (la primera es ‘Titanic’, del mismo tío) nosotros vamos a seguir discutiendo sus aciertos y sus defectos. Nadie discute los impresionantes efectos especiales, pero el guión de ‘Avatar’ es otra cuestión. Con los Globos de oro y los Oscars a la vuelta de la esquina, la Fox ha decidido poner a disposición de cualquiera, en formato PDF, el libreto definitivo que escribió James Cameron (a los doce años, dicen por ahí), quizá para dar otra oportunidad a los que creen que es malo, pobre o poco trabajado. Podéis leerlo pinchando aquí.

He estado leyendo algunas páginas (imprescindible ojear la escena del apareamiento alienígena, que dicen que fue censurada, pero es mentira, sólo otra artimaña publicitaria para vender DVDs, donde sí estará), y después de volver a ver la película, sigo pensando lo mismo que cuando os dejé mi crítica: no es un guión adulto. Da pie a secuencias espectaculares, pero la historia y los personajes no están escritos con la misma maestría con la que Cameron maneja la acción. Es un guión sin profundidad, con diálogos mecánicos. Pero sólo es mi opinión, evidentemente.

Si aún tenéis ganas de más, también podéis acceder a un primer tratamiento del guión de ‘Avatar’. Un primer borrador con bastantes diferencias respecto a la versión final, sin la mayoría de los diálogos (aún no está el famoso “ttte vvveooo”). Por otro lado, si todavía tenéis ánimo y tiempo, en Chud.com han tenido acceso (o se han inventado y Cameron no ha querido negarlo) al guión de ‘Project 880’, que es como se tituló en un principio ‘Avatar’, de forma provisional. Por si queréis comparar, podéis pinchar aquí.

Y por último, a continuación os dejo el que dicen por ahí que es el verdadero primer borrador del guión de , en el que podemos comprobar cómo empezó a idear James Cameron su última película, la última gran obra de ciencia ficción, según muchas palomas especializadas. Leed, leed:

PD: La última frikada: ¿quieres hablar na´vi? Aquí te enseñan. Efecto secundario: perderás aún más amigos y James Cameron te llamará retrasado.

Vía | LasHorasPerdidas

“No sé si será una gran película, desde el punto de vista narrativo o crítico. Pero sí que la experiencia de ‘Avatar’ será diferente a todo lo que se ha visto antes”.

James Cameron (20-05-2008)

Por fin llegó ‘Avatar’. Como era de esperar, lo nuevo de James Cameron, anunciado incesantemente por todos los medios como la revolución del cine, está siendo un rotundo éxito de taquilla. La proyectan en todas partes, incluso en salas 2D cuando la película está pensada y fabricada para verla en 3D; hay videojuegos, carteles y muñecos en las tiendas… el rostro azulado de los na´vi nos observa desde incontables lugares. Casi podría decirse que estamos obligados a ver la película. Casi, porque lo cierto es que muchos de nosotros, independientemente de lo mucho o lo poco que vayamos al cine, estábamos deseando que el 18 de diciembre llegara cuanto antes, porque no todos los días se estrena una película de James Cameron.

Doce años ha tardado el realizador en volver a tener lista una película. Tras arrasar con ‘Titanic’, y después de tanto tiempo de preparación (es de sobra conocido que Cameron no pudo rodar ‘Avatar’ hasta que la tecnología no avanzó lo suficiente), el nuevo trabajo del director de ‘Terminator’ iba a ser en cualquier caso un gran acontecimiento. Pero el autoproclamado “rey del mundo” no iba a salir de su cueva para presentar cualquier cosa. Debía ser lo máximo, algo nunca visto. Así es como se empezó a vender ‘Avatar’, como una película que cambiaría la Historia del Cine, algo que afectaría al público de una forma inaudita. Ingenuamente, muchos nos lo creímos, dicho por Cameron, Spielberg, Peter Jackson y algunos más. En este sentido, no me extraña que más de uno hable de la mayor decepción, no del año sino de la década.

No, yo no lo veo así. No me sitúo ni entre los que creen haber visto una rotunda maravilla, ni entre los que consideran que es una gran tomadura de pelo. Dejando a un lado al público que apenas ha visto un puñado de películas en su vida, o al que por edad está demasiado condicionado a dar una determinada valoración al film (es evidente que los chavales “fliparán”, mientras que los más mayores se perderán nada más empezar), podría entenderse que la aparente polarización de opiniones en torno a ‘Avatar’ es un indicador de que estamos ante una película de difícil acceso, que separa al público según haya conseguido conectar con la narración de Cameron. Sería una conclusión errónea, muy alejada de la realidad. En primer lugar, porque esta película es de una gran simpleza, a veces sonrojante, cualquier chaval adolescente la puede consumir y comprender sin problemas, e incluso sería capaz de destapar muchos errores.

Pero es que, de hecho, no hago más que leer y oír opiniones que, como la mía, se alejan del desmedido entusiasmo por la película, así como de la visión más negativa y ciega, de los que no son capaces de tener en cuenta los muchos aciertos del arriesgado y encomiable trabajo orquestado por Cameron. En cualquier caso, no me parece una buena señal descubrir que cuanto más tiempo pasa, y sólo ha transcurrido una semana, se hable más de cifra que de la calidad de la película. Pasando por encima del debate en torno a los blockbusters y los efectos especiales, porque a mí me parece que es perder el tiempo (una buena película no tiene nada que ver con el presupuesto o el uso de los ordenadores, sino con la narración de la historia), está claro que los avances tecnológicos mostrados en ‘Avatar’ sí marcan un antes y un después, sí afectarán a la manera en que veamos el resto de películas, de ahora en adelante. Nunca antes habíamos visto un personaje generado por ordenador que resultara más realista que Neytiri, y esto es fundamental, porque, bien empleado, puede dar grandes alegrías al séptimo arte.

Por supuesto, que ‘Avatar’ va a cambiar nuestra manera de ver el cine es una afirmación exagerada, puro marketing al que se ha subido Cameron para vender su carísimo nuevo juguete a todo el mundo. Lo único que cambiará será que a partir de ahora seremos más exigentes con los efectos especiales de determinado tipo de películas, de los blockbusters y las películas de acción y ciencia ficción. Cameron ha puesto el listón donde nunca antes lo había puesto nadie, y eso afectará a nuestra manera de ver el tipo de cine que se suele hacer en Hollywood, que tendrá que usar la más novedosa tecnología para que el público considere que merece la pena pagar lo que vale la entrada. Nada más, no vamos a dejar de ver comedias porque no sean en 3D estereoscópico. Lo que sí altera, y quizá aquí esté la verdadera razón de todo esto, es a la piratería, porque ahora mismo es imposible ver ‘Avatar’, como hay que verla, en 3D, sin ir al cine. Por eso se frotan las manos, pero a ver cuánto les dura, sin cansar al público.

“Al final, la reacción de los espectadores a ‘Avatar’ no va a ser sobre la tecnología, va a ser sobre los personajes y la historia que ha creado James”.

Jon Landau, productor.

Jon Landau, como el resto de participantes en esta megaproducción, tenía la intención de seguir generando mayor expectación sobre lo que nos iba a contar James Cameron. Si os fijáis, lo que hace es contradecir en cierto modo la otra cita, la del director, que quiso centrar más la mirada en la “experiencia” del público con los nuevos avances y el 3D. En realidad, no creo que a la película le convenga que se debata sobre la historia y los personajes del guión de Cameron, como pensaba el productor. Precisamente ahí es donde más pierde ‘Avatar’. Como decíamos antes, es demasiado simple. Nada más empezar, superado el efecto sorpresa, el impresionante 3D, te das cuenta que la película está llena de tópicos y de recursos que hemos visto en incontables ocasiones; que puedes adelantarte fácilmente a lo que va a ocurrir, y que los personajes carecen de complejidad, son de una forma o de otra, blancos o negros (o azules), pero no grises. Cameron nunca se ha caracterizado por elaborar grandes guiones, no es su fuerte, y esto se nota muchísimo en ‘Avatar’.

Cameron se ha convertido, desde hace un tiempo, en un director muy sobrevalorado. Nadie discute sus aportaciones tecnológicas, su gran imaginación o su fantástica visión para las secuencias de acción (su mayor talento, y lo que lo hace necesario hoy más que nunca), pero no tenemos más que echar un vistazo a su filmografía para descubrir que es mucho más modesta de lo que debería ser, para considerarlo como uno de los grandes del cine. La única película que considero que podría tratarse como magistral es ‘Terminator’, que data ya de 1984, por su increíble capacidad para sorprender, inquietar y entretener con sus limitados recursos. Sobre el resto, podemos decir que son divertidas, espectaculares, pero no obras de arte. En ‘Avatar’ volvemos a encontrar los mismos aciertos y los mismos defectos de las realizaciones de este director: técnicamente impecable, secuencias de acción que quitan el hipo, historia simplona y previsible, personajes sin profundidad.

Lo mejor que se puede decir de ‘Avatar’ es que, como señalaba Cameron, ofrece una experiencia visual nueva, un gran espectáculo de acción y efectos especiales que merece totalmente el precio de la entrada; por el contrario, lo peor es que, como película, ‘Avatar’ no aporta nada nuevo, y conforme pasa el tiempo te va dando igual lo realista que son los na´vi o que Pandora parezca real (aunque la fauna y la flora sean un tanto inverosímiles), pero no que la historia es bastante infantil, o que hay momentos y elementos que te sacan de la película (la rapidez con la que Jake se integra en el clan, la casi indestructibilidad del Coronel Quaritch, o lo inútil de la información de Jake, cuando bombardear el árbol era de lo más sencillo). Pero tampoco conviene, como dije antes, dejarse llevar por el camino fácil de tirar por tierra ‘Avatar’, centrando la crítica en la simpleza de los personajes o en los parecidos con la leyenda de Pocahontas. Porque hay en la película mucho más que eso, hay grandes secuencias planificadas por el que posiblemente sea el más experto realizador de cine de acción. Y pese a todo, es imposible no emocionarse con la destrucción de la (falsa) naturaleza que llevan a cabo los humanos, representada en esa preciosa imagen del caballo ardiendo.

Antes de acabar, quiero destacar lo que para mí es uno de las mayores errores de la película: la banda sonora de James Horner. Se ha dicho que la superbatalla de ‘Avatar’ supera con creces la de ‘El retorno del rey’; yo no iría tan lejos, sí creo que deja en ridículo todo lo que ha hecho Robert Zemeckis hasta ahora en animación, pero la parte final de la tercera película de ‘El señor de los anillos’ es mucho más que una lucha entre dos ejércitos. En todo caso, Horner le hace un flaco favor a la película, especialmente en el que debería ser uno de los momentos más emocionantes, cuando se produce (no quiero desvelar nada) un giro en medio del combate. Entonces, suena una musiquilla alegre que sería más apropiada para ‘Bambi’ o ‘El doctor Dolittle’, y no para lo que sucede en la pantalla; habría sido necesario un tema más potente, o quizá bajar mucho la música para que sólo se oyeran los ruidos, los gritos y los golpes. A mí me sacó de la acción, y creo que estropea la mejor secuencia de la película, posiblemente una de las veinte mejores que se han estrenado este año.

Otras críticas en Blogdecine:

‘Avatar’, la técnica por encima del arte
‘Avatar’, los rasgos de una obra maestra

He necesitado de varias horas para que las ideas, agitadas por un cegadora montaña rusa visual, reposen y me devuelvan la verdadera y primera impresión de una película tan esperada. Cameron ha utilizado la última tecnología para llevar más allá lo que tan bien sabe hacer: un espectáculo de principio a fin de grandes dimensiones. Pero se ha olvidado que el verdadero cine se hace con algo más que un equipo de ordenadores superpotentes.

No se le puede negar que el tiempo que se ha tomado ha dado como fruto una película propia de la era que vivimos, y quizás todavía muy actual en los próximos años. Un espectáculo cuidado al mínimo detalle: sonido, efectos especiales, tridimensionalidad en estado puro. Hasta aquí, Cameron ha logrado hacer lo que buscaba.

Una película sorprendente en lo visual, que no deja descanso al espectador, que intenta trasladar la acción a una velocidad y con unas piruetas propias del mejor cine de ciencia ficción. Sobresaliente en su puesta en escena, siempre sacando el máximo partido al 3D (aunque no parece ser todo lo que se esperaba), pero tomándoselo tan en serio, como si fuera el único cineasta capaz de utilizarlo sin mesura. No como medio sino como herramienta para acercar al espectador a su historia.

Pero (y aquí viene el fondo de la cuestión) se olvidó que el cine es algo más. Que contar con un presupuesto de otra galaxia (y quizás del ejército de humanos que conquista Pandora) no soluciona la escasez de talento, la ausencia del verdadero genio de un artista que sea capaz de conmover la fibra sensible con un plano, o con una línea de diálogo. Es decir, Cameron, por mucho que nos lo quiera vender, nunca será un Jean Renoir ni un John Ford. Es más un cineasta de ego inconmensurable con gran ojo para los efectos especiales, y capacidad para trasladar un guión de manual de principiantes a unas imágenes sorprendentes.

Sorprendentes si. Pero también horteras, por mucho que se quiera ver a en los Na’vi a unos extraterrestres de concepto vanguardista (con demasiado parecido a la mirada de los animalitos del Disney de la época clásica). Y el mundo donde habitan, ese planeta Pandora que es una gran orgía del horterismo futurista. Un ambiente en tonos verdes y púrpuras, azules y blancos de neón, que nos intenta maravillar y lo consigue, a base de fluorescente cursi.

Pero detrás del artificio no hay nada nuevo. No hay ninguna revolución (como se venía clamando). Hay una película que utiliza una parábola sobre la paz, el respeto al medio ambiente y a las razas con tan escasa originalidad como falta de trasfondo. Con un mensaje tan maniqueo como ingenuo, y prueba de ello es la historia de amor que no podía faltar y que resulta, en los tiempos que corren, del todo ridícula. Un villano sin carisma (pero sí con espectaculares cicatrices, músculos y ganas de disparar a la menor ocasión), un protagonista convertido en la fe a la naturaleza con inusual facilidad (para ser un marine tullido), y unos monstruos bien diseñados, impactantes pero de decorado digital.

Sin embargo, no puedo hablar de decepción plena. Esperaba alucinar con el espectáculo en 3D y por momentos estaba metido de lleno en un videojuego increíble, atrapado en escenas con persecuciones nunca vistas antes, con efectos visuales brillantes (pero no mucho mejores de las vistas antes en cintas en 3D y, a falta de verla en el tradicional 2D, no parece que suponga demasiada diferencia con la común exhibición bidimensional, al contrario de lo que apunta ‘Alicia en el país de las maravillas’, cuyo tráiler previo a la película me puso el listón muy alto en este sentido). Aunque tampoco podía evitar tener la sensación de que todo ello resultaba demasiado plano, necesitaba apoyar el magnífico decorado en personajes fuertes y no tan sosos (Cameron ha desaprovechado las posibilidades de algunos de ellos, especialmente el protagonista y el villano, como se puede apreciar en el enfrentamiento directo y decisivo que suena a repetitivo hasta la saciedad en el cine, y que suele estar muy presente en películas de dudosa calidad) y en un relato más maduro y profundo. No he sido capaz de encontrar alma a una historia previsible, por momentos engañosa, esquemática y trazada con previsible desarrollo.

Tampoco se le puede negar a Cameron el mérito loable de haber logrado personajes digitales (o virtuales) con un alto grado de integración en el escenario, con gran verismo y convincentes, que resultan especialmente (aquí si) revolucionarios en las excelentes secuencias de persecución (personalmente lo mejor de todo el film y para lo que el director realmente está bien dotado).

Esta reflexión está realizada desde la más profunda sinceridad y he tenido la sensación de que a muchos de los que ya la han visto, piensan igual, aunque uno siempre se quede con la más fácil y común sensación de haber asistido a un soberbio espectáculo donde la historia es lo de menos y la aplastante virtuosidad visual es lo que trasciende. Siempre dependerá de lo que cada uno exijamos a una película.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Avatar’, los rasgos de una obra maestra

“No te esfuerces. No habría sobrevivido tanto tiempo si tuviera corazón”.

Algo extraordinario ha pasado este año, que por otra parte (en lo cinematográfico) está siendo de lo más mediocre. Pero mirad lo que ha llegado a nuestras carteleras: ‘District 9’, ‘Moon’ y ‘Pandorum’ (y el próximo día 18 se estrenará en todo el mundo ‘Avatar’). Aquí cada uno que diga lo que quiera, para eso está el blog, pero para mí, la primera es una de las mejores películas de los últimos años, la segunda es una joya imprescindible para los amantes de la ciencia ficción y la tercera es una entretenidísima cinta de acción y terror (la cuarta no la hemos visto todavía, pero promete dejarnos extasiados). Tres películas confeccionadas con cariño, honestidad y talento (en diferente medida), con trabajadas historias sobre extraterrestres, naves y terrores espaciales que van más allá de lo de siempre: unos efectos especiales que llamen la atención y saquen pasta al público.

Ya he visto en comentarios, como los que hay en la entrevista que le hice al director, que a algunos ‘Pandorum’ os ha parecido una película muy mala. Entiendo eso. De hecho, cuando la comenté brevemente en una de mis crónicas desde Sitges, o en la introducción de la citada entrevista, quise subrayar tres cosas (lo he vuelto a hacer en este mismo artículo): entretenimiento, acción y ciencia ficción. Nunca dije que es una gran película. Christian Alvart conoce muy bien sus limitaciones; sabe que no es Ridley Scott ni James Cameron, pero sí que puede crear un espectáculo sucio, dramático y violento para los aficionados al cine fantástico sin altas exigencias. Así que su película es como una hija bastarda de ‘Alien’ y ‘Aliens: El regreso’, inferior, pero muy valiente y digna, recomendable para los que busquéis pasar un buen (mal) rato.

Tanto ‘Moon’ como ‘Pandorum’ recurren a un breve prólogo sobre la falta de recursos naturales en nuestro planeta; pero el tono es muy distinto. Mientras que Duncan Jones es optimista y plantea un futuro con solución (aunque para el protagonista la vida sea terriblemente cruel), Alvart nos muestra un horizonte sin salida, un mañana en el que la raza humana debe emigrar a otros planetas. De este modo, tras la introducción, ‘Pandorum’ comienza con una gigantesca nave en el oscuro, infinito y silencioso espacio. Lo surca la Elysium, blanca y de sofisticado diseño. La cámara se recrea en ella durante unos instantes, saboreando el inicio de lo que está a punto de estallar. Finalmente, se nos introduce en la cabina de mano. Allí acaban de recibir un mensaje terrible. Nosotros no lo hemos oído, pero los rostros de los tres hombres evidencian la gravedad de la situación.

Salto temporal. Asistimos ahora a lo que podríamos calificar el nacimiento de dos de los protagonistas. El cabo Bower (Ben Foster) y el teniente Payton (Dennis Quaid) despiertan y salen, desorientados, de sus cámaras de hibernación. Están solos, no hay nadie allí, esperándoles. La nave parece abandonada. ¿Cuánto tiempo llevan dormidos? Ninguno de los dos recuerda nada, por qué están allí o qué debían hacer. Sólo saben que están atrapados; las puertas no se abren, nada funciona. Deben llegar a la cabina de mando y reiniciar el generador, con la esperanza de que todos los aparatos vuelvan a encenderse. La única vía es entrar y arrastrarse por los conductos de respiración; Bower lo hará, mientras que Payton se quedará atrás, guiándole por radio.

Tras un angustioso recorrido por las entrañas de la nave, Bower abandona los estrechos conductos y se lanza en busca de la cabina. Sin embargo, pronto se encontrará con una de las mayores incógnitas de esta aventura: unas violentas y hambrientas criaturas monstruosas con forma humana. Alvart cae en el error de mostrarlas demasiado pronto, cuando con el sonido de sus pasos por los vacíos pasillos de la nave y sus desgarradores gritos, ya habría sido más que suficiente, pues no sabemos lo que se nos viene encima, y eso es lo que da más miedo. Pero bueno, sigamos. Una joven guerrera llamada Nadia (Antje Traue, con un escotazo en tres dimensiones) le salva el cuello. Más adelante se les unirá otro habilidoso superviviente (Cung Le, porque tiene que haber alguien que pueda morir más adelante en un sangriento duelo), y los tres tratarán de seguir avanzando por una nave plagada de peligros. Por otro lado, Payton deberá luchar su propia batalla, tras encontrar a Gallo (Cam Gigandet), otro miembro de la tripulación, que parece haber perdido la cabeza. ¿Qué ha pasado en la Elysium y qué son esos monstruos?

Un gran acierto del guión es que desde el principio se plantean muchas incógnitas, que se van resolviendo poco a poco. De este modo, Christian Alvart (parece mentira que este tipo hiciera antes la flojísima ‘Expediente 39’) consigue que estés constantemente intrigado, deseando saber las respuestas, como los propios personajes, perdidos en una nave laberíntica e infernal. Aunque se resuelven casi todas, cada una a su debido tiempo, quedan cuestiones abiertas, lo cual es una muy buena idea. Es desesperante cuando en una película te ocultan datos y luego, en un momento dado, te dan toda la información de golpe, mascadita, como si fuésemos idiotas.

En realidad, esto tiene una explicación muy poco elegante, y es que Alvart tenía la intención de rodar una precuela (y una secuela), cosa que no va a pasar debido a los pobres resultados en taquilla de ‘Pandorum’ (que por cierto costó “sólo” 40 millones de dólares). Aunque me parece injusto que otras cosas, mucho peores, alcancen grandes recaudaciones, creo que la película del director alemán funciona mejor cuando hay misterios, cuando no sabemos todo; sacar ahora una precuela que diese respuesta a todas las cuestiones me parece una pésima idea. En cuanto a una secuela, sí, la puerta está abierta para ello, pero dudo mucho que le interese al público una continuación. Estaría bien que, en algún momento, se pensara sólo en una película, y no en trilogías o sagas. Devolvería un poco de magia al asunto, cada día más un puro negocio.

Hay que destacar, además del ritmo de la película (los cien minutos pasan volando), el tratamiento de los personajes y las estupendas interpretaciones de los actores (mi compañera Beatriz coincide en esto). Especialmente inspirado está Ben Foster, un actor al que no le falta trabajo en Hollywood desde hace años, siempre necesitan a alguien para los típicos papeles de loco o trastornado. En ‘Pandorum’ da vida a un personaje que se aleja bastante de lo que suele hacer, resultando una acertadísima elección de casting (el cambio de registro de Quaid también lo es). En cuanto a las debilidades de la película, a lo ya apuntado sobre el mal uso del suspense con las criaturas, o que Alvart no es un ningún creador genial (tampoco lo pretende, y eso es bueno), podemos añadir algunas secuencias montadas sin mucho acierto, y un tramo final algo atropellado, que culmina en una especie de epílogo que no tiene la fuerza que debería.

Pero al final se le perdona todo. Porque los aciertos pesan más, cuando sales del cine, porque, en definitiva, es una película honesta, para desconectar y entretenerse, con una propuesta diferente (y si no, mirad el resto de estrenos). Eso es mucho, ahora mismo.

Lo que son las cosas. Peter Jackson sorprendió a muchos fichando al prometedor, y casi desconocido, Neill Blomkamp para dirigir la arriesgada y esperada adaptación del famoso videojuego ‘Halo’ a la gran pantalla; sin embargo, el proyecto fue finalmente cancelado (Steven Spielberg lo ha vuelto a recuperar). Jackson quedó decepcionado pero quiso seguir siendo el que le diera a Blomkamp el impulso para dirigir su primera película, y le preguntó si tenía alguna idea. De ahí surgió ‘District 9’, que ha cosechado un merecidísimo, y nada sorprendente, éxito en Estados Unidos.

Por suerte, el público español no tendrá que esperar demasiado para verla, ‘District 9’ se estrena en España el próximo viernes, día 11 de septiembre, y ya os adelanto que es una de las películas más estimulantes, inteligentes, espectaculares y entretenidas que se han hecho en los últimos años. Parece increíble que sea obra de un debutante en el cine, aunque al mismo tiempo no deja de ser lógico, viendo la manera en la que narra la conflictiva llegada de una nave alienígena a nuestro planeta. Sin exagerar, Neill Blomkamp ha estado cerca de debutar con la mejor película de ciencia ficción desde ‘Blade Runner’.

La idea que Blomkamp dio al máximo responsable de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ estaba en un cortometraje que realizó en el año 2005, titulado ‘Alive in Joburg’. En dicha obra, el director sudafricano planteaba una visión fantástica del apartheid. Simulando un reportaje televisivo, se nos mostraba cómo una raza alienígena había llegado a nuestro planeta, pero lejos de suponer una gran alegría o un terrible temor, la situación resultaba problemática, ya que no había sitio para acoger a los extraterrestres; la salida humana (nótese la ironía de esto) fue aislarlos en una zona apartada, donde malviven y son tratados como animales peligrosos.

El cortometraje destacaba por el planteamiento y también por la forma en la que Neill Blomkamp integraba los efectos especiales en lo que parecía ser una pieza informativa real cubierta por medios de comunicación reales y protagonizada por personajes reales (que intervenían hablando a la cámara). El realizador quiso explotar estos hallazgos y darle una nueva dimensión, alargando y mejorando el desarrollo de tan interesante punto de partida.

Y así llegamos a ‘District 9’, en la que se da esa misma situación ya expuesta, extendiéndola y aprovechando al máximo el formato cinematográfico, ofreciendo un espectáculo que deja sin aliento. En la ficción, una nave alienígena llegó a la Tierra hace dos décadas; en concreto, a Johannesburgo, en Sudáfrica. Lejos de lo que cabía suponer, no hay contacto ni ataque, el aparato en el que han llegado estos seres de otro planeta se mantiene flotando en el cielo, quieto, como si se hubiera apagado. Pronto se descubre que la situación de los extraterrestres es precaria, están hacinados en un vehículo muerto.

El primer paso es sacar a los extraños seres de la nave e instalarlos temporalmente en el Distrito 9 (a saber por qué no se ha traducido el título, no aciertan ni una), hasta que se decida qué hacer con ellos. La situación se vuelve rápidamente insostenible y se decide volver a situarlos a otra parte, a una especie de campo de concentración, más alejado de las personas, donde podrán estar mejor atendidos… en realidad, controlados. La operación, peligrosa, será llevada a cabo por una poderosa compañía llamada Multi-National United (MNU), más interesada en la impresionante tecnología y el armamento alienígena que en la seguridad y el trato digno a las criaturas (llamadas de forma despreciativa como “gambas”).

Neill Blomkamp se descubre como un narrador de un talento impresionante, mostrándonos con garra el caos que se produce en la zona cuando el inevitable fallo del control humano se produce, iniciándose una cadena de acontecimientos explosivos, de una gran carga dramática, perfectamente planificados y puestos en escena, resultando una película arrolladora, fresca y sumamente divertida. Tenemos el clásico desencuentro entre civilizaciones, la imposición de reglas por los más fuertes a los (aparentemente) más débiles, el dilema del comportamiento humano, las posibilidades de una ciencia superior a la nuestra… pero también hay espectaculares escenas de acción y unos personajes de carne y hueso (nominación al Oscar para Sharlto Copley, ya).

Como las grandes obras del género de ciencia ficción, ‘District 9’ nos hace reflexionar sobre las circunstancias de un escenario que parece real, de hecho, sacado de la realidad para llevarlo más lejos, que nos resulta cercano y posible, coherente aunque estemos viendo a enormes insectos inteligentes rebuscando en la basura y vistiendo harapos. Por cierto, si hubiera que darle una nota a los efectos visuales de la película no podría ser otra que la matrícula de honor, porque la manera en la que se logra situar a los alienígenas y su tecnología en nuestro mundo es totalmente alucinante.

Entonces, ¿dónde falla? En algo que no puedo/quiero escribir aquí, porque mi último deseo con este texto es arruinaros cualquier sorpresa (ya sabéis que en mis críticas intento no destripar nada relevante de la trama), pero os esperaré en los comentarios cuando la veáis, y la comentamos con spoilers y todo. Sólo os digo que el problema está en el punto de vista, y, un poco menos, en ciertos comportamientos y aspectos concretos del guión que no casan con el crudo y realista conjunto, siendo más propios del resto de películas que nos llegan, repletas de tópicos e incoherencias, inverosímiles.

He aquí un tráiler que tenéis que ver. Sí o sí. Impresionante este nuevo avance de ‘District 9’, posiblemente, la gran película de acción y ciencia ficción de este año. La fecha del estreno es el 14 de agosto, en Estados Unidos.

Ya habíamos podido ver un primer teaser tráiler de la película, pero se ve que aún se estaba trabajando en los efectos especiales y no podían mostrar mucho. Ahora, con todo listo, nos sacan este vídeo que, verdaderamente, deja sin respiración. Y lo genial es que tampoco desvelan demasiado, aun siendo un tráiler de los que se suele llamar “completo”, de dos minutos de duración.

Os recuerdo que ‘Distrito 9’ está producida por Peter Jackson y dirigida por Neill Blomkamp, que debuta en el largometraje. Para su primera película se ha basado en su famoso corto ‘Alive in Joburg’, y nos presenta a una raza alienígena que, tras llegar a nuestro planeta, es recluida y marginada en una zona de Sudáfrica, apartada de la raza humana. Por supuesto, no piensan quedarse ahí por mucho tiempo…

PD: 2009 va a ser el año de los efectos visuales más realistas que el dinero ha podido comprar. Esperemos que 2010 sea el de los guiones más elaborados.

Vía | Impawards, Trailerfever

Ojo a esto. Ya os había hablado de ‘District 9’ en otra ocasión, cuando os traje su primer cartel y os comenté su estupenda campaña de marketing viral. Ahora os traigo un segundo póster, que tenéis arriba (similar al primero, pero menos simbólico), un teaser tráiler y las dos primeras imágenes oficiales del film, que creo que tiene muy buena pinta.

De los créditos de ‘District 9’ hay que destacar dos nombres: Peter Jackson y Neill Blomkamp. El primero produce, el segundo dirige. Como sabéis, ambos estuvieron trabajando en el fallido proyecto de llevar ‘Halo’ al cine. Eso salió mal pero entonces surgió esta otra película, que gira en torno a un futuro en el que una raza extraterrestre ha llegado a nuestro planeta, resultando un hecho realmente problemático; en lugar de darles la bienvenida, algo habitual en el cine, la raza humana los ha obligado a vivir en un distrito apartado, bajo pésimas condiciones. El cartel es bastante claro.

Creo que a nadie se le escapa que Blomkamp ha tomado su famoso corto ‘Alive in Joburg’ (podéis verlo aquí) para extenderlo y crear ‘District 9’, su primer largometraje. Lo que dudo es que el producto interese al gran público. A mí, desde luego, me interesa y mucho, no abundan los productos de ciencia ficción inteligente; de hecho, el tráiler (cortito pero revelador) me ha recordado un poco al estilo de ‘Battlestar Galactica’, fantástica serie que he empezado a devorar hace poco.

El estreno de la película está fijado para el mes de agosto, en Estados Unidos. Me temo que habrá que esperar algo más para que llegue a los cines españoles. Si es que llega…

PD: William Allen Young, Robert Hobbs, Jason Cope y Sharlto Copley encabezan el reparto.

Vía | Zonafandom, Impawards y /Film