Mencionaba el otro día al cantante Serge Gainsbourg cuando hablaba de su hija, Charlotte, y de la posibilidad de que ésta hiciese el papel de Sarah Connor en ‘Terminator 4’. Y me topo con la noticia de que el dibujante Joann Sfar va a realizar un largometraje sobre la vida del artista al que todos recordaréis por cantar… o más bien recitar… junto con Jane Birkin, la sensual canción ‘Je t´aime. Moi non plus’, que significa algo así como “Te quiero. Yo tampoco”, en un juego de palabras con una forma indirecta de decir “yo también”.

El biopic llevará el título ‘Serge Gainsbourg : vie héroïque’ (Serge Gainsbourg: vida heroica). Gainsbourg estará interpretado por Eric Elmosnino, quien guarda un inmenso parecido con el cantante, como se puede ver en las fotografías. Elmosnino, también conocido como El Mosnino, ha aparecido en ‘Actrices’, ‘L´heure d´été’, ‘Finales de agosto, principios de septiembre’ o ‘Bernie’. En las escenas en las que el personaje de Gainsbourg toque el piano, Sfar rodará las manos de Gonzales, músico canadiense con puntos en común con el hombre de la cabeza de col.

Joann Sfar, que también está preparando la adaptación del álbum ‘Le Chat du rabbin’, con las voces de Alain Chabat y Hafsia Herzi, comenta sus intenciones sobre ‘Serge Gainsbourg : vie héroïque’ en su blog: “Va a ser una gran historia que comienza durante la Segunda Guerra Mundial y que termina en los años ‘80. Será una película bien documentada que cuente toda la vida de Gainsbourg, pero más que eso, será una fábula. Tendrá tantas verdades como cosas inventadas. He tratado de escribir una carta de amor a este poeta”.

El poeta, pintor, cantautor, actor y director de cine francés Serge Gainsbourg nació en París el 2 de abril de 1928 y murió en la capital francesa el 2 de marzo de 1991. Hasta la edad de treinta años, subsiste a base de pequeños trabajos. A veces hace de profesor de dibujo, de canto, vigilante escolar, etc., pero su actividad principal es la pintura. Gainsbourg tiene una revelación cuando conoce a Boris Vian, escritor e intérprete de textos provocativos, divertidos, cínicos. En 1957, y fruto de una casualidad, Michèle Arnaud, cantante de la « rive gauche » a la que acompaña a la guitarra en sus actuaciones en un cabaret, descubre las composiciones de Gainsbourg y lo anima a interpretar su propio repertorio.

Sus primeros éxitos llegan a través de sus composiciones para Juliette Gréco (‘Accordéon’, ‘La Javanaise’) y Petula Clark (‘La Gadoue’). No obstante, serán sus composiciones para Françoise Hardy (‘Comment te dire adieu’), y sobre todo para France Gall, las que le llevarán a seducir al público joven. Tras sus primeros éxitos (‘N’écoute pas les idoles’, ‘Laisse tomber les filles’), France Gall consigue en el primer premio en el Festival de Eurovisión 1965, tras haber elegido el título ‘Poupée de cire, poupée de son’, de Serge Gainsbourg, de entre los diez propuestos. Hacia finales de 1967, vive una pasión corta pero ardiente con Brigitte Bardot a la que le dedica la canción ‘Initials B.B.’, tras haberle escrito algunos títulos emblemáticos como ‘Harley Davidson’, ‘Bonnie and Clyde’, ‘Je t’aime… moi non plus’.

En el plató de rodaje de Slogan, conocerá en 1968 a Jane Birkin, para la que se convertirá de nuevo en autor-compositor. ‘Je t’aime… moi non plus’ y ‘69 Année érotique’ se convierten en éxitos que traspasan fronteras. Las discotecas, las borracheras, el noctambulismo, la decrepitud física, etc. Forja así su leyenda de poeta maldito, mal afeitado y ebrio, que le valdrá la admiración de unos y el rechazo de otros. Serge Gainsbourg muere en 1991 tras una quinta crisis cardiaca. Además de a Charlotte, tuvo un hijo, Lulu, con su última pareja, Bambou (Pauline Von Paulus, relacionada con Friedrich Paulus).

Fuente | Allo Cine.

El 16 de mayo (14 para los madrileños, que tenemos otro puente) se estrena lo último de Claude Chabrol: ‘Una chica cortada en dos’ (‘La fille coupée en deux’), protagonizada por Ludivine Sagnier, Marie Bunel, François Berléand y Benoît Magimel. En ella se cuenta la historia de Gabrielle de Neige (Nieves en los subtítulos), una presentadora del tiempo que se topa con un escritor mayor que su madre. Al mismo tiempo, Gabrielle conoce a un rico heredero, Paul, que se enamora inmediatamente de ella. Ambos hombres la invitan a salir y, mientras ella coquetea con los dos, de quien de verdad está enganchada es del mayor.

Claude Chabrol lleva dirigiendo cine desde finales de los ‘50. Comenzó con un film que le dio gran fama, ‘El bello Sergio’ (‘Le Beau Serge’, 1958), anterior a la irrupción de la Nouvelle Vage. Ya más adelante, hizo uno de los episodios de ‘París visto por’, donde sí compartió cartel con los directores más emblemáticos de este movimiento. Entre sus títulos se encuentran ‘El tigre se perfuma con dinamita’, ‘Las ciervas’, ‘Las infieles’, ‘El carnicero’, ‘Relaciones sangrientas’... También ‘Nada’ o ‘Inocentes con manos sucias’, ambas según las novelas negras del espléndido Manchette. Más tarde llegarían ‘Un asunto de mujeres’, magnífica cinta sobre el aborto que huye de todo maniqueísmo; ‘El infierno’, ‘La ceremonia’… donde quizá alcanza su mayor brillantez en un tipo de historias en el que ya se mantiene hasta ahora.

Lo primero es que vuelve a tratar ese tema tan querido por los cineastas franceses de la joven y el viejo, una fantasía masculina que aquí se lleva al extremo cuando la chiquilla no sólo está dispuesta a cometer todo tipo de actos depravados con el hombre, sino que además, lo ama. Esto que añade al disfrute gratuito del señor un enorme regalo para su ego. Y claro, supongo que quienes estén en esa edad y sean hombres disfrutarán mucho de estos films que les hacen creer que esa fantasía puede ser verdad.

No comento esto con la única intención de hacer una reivindicación feminista, que también, sino más que nada para tratar de encontrar los motivos por los que ‘Una chica cortada en dos’ no ha funcionado desde mi punto de vista. Y es que justo por aquí va el problema: no percibo la más mínima credibilidad en el sentimiento del personaje de la joven hacia el viejo y, al no creerme sus sentimientos, no puedo tener empatía con ella. Y, si no hay empatía, el argumento entero carece de interés. Pero no es sólo la cuestión de que ella sea joven y él, viejo. Se podrían haber introducido muchísimas motivaciones diversas que harían que nos pareciera creíble incluso con la diferencia de edad. El problema es que no hay nada que nos lleve a pensar que ella puede sentirse así. Si se supone que se engancha de él porque la rechaza o porque le enseña cosas sucias, eso ocurre ya más tarde. Su primer interés no está justificado. Pero incluso mientras vamos viendo cómo avanza la relación, esos sentimientos no se nos transmiten. Se nos dice que ella se siente así, pero no lo percibimos con autenticidad.

De los tres vértices del triángulo amoroso, quizá el único que funciona es el del joven, Benoît Magimel, que interpreta a un rico heredero que no tiene oficio (pero sí mucho beneficio) y que cree que se ha enamorado de la joven. Incluso aunque su encaprichamiento sea mucho más rápido y absurdo de lo normal, sí vemos en él una especie de amour fou que podemos considerar verdadero. Pero en los otros dos actores no se percibe nada. Y no es cuestión de que no hagan bien su trabajo, ya que considero que Ludivine Sagnier está magnífica interpretando a esa joven completamente egoísta y seductora. Pero es quizá una mala elección de los rostros lo que hace que no conjuguen bien para estos roles y que no veamos nada de auténtico en lo que se supone que se nos está mostrando.

Puede haber parte de culpa en el guión: Chabrol nos lo muestra todo como fait accompli –hoy me he puesto pedante, pero es que los personajes de la película lo son muchísimo—. Me explico: conocemos a los personajes y ya directamente tenemos que adivinar que son personas que tienen esos sentimientos depravados o retorcidos sin que se nos hayan presentado así. Creo que el autor ha confiado demasiado en que los espectadores están dispuestos a entrar en estas presuposiciones con tal de disfrutar de una historia de las que se muestran tan suyas. Pero no habría hecho daño que nos hubiese hecho ver esas personalidades, en lugar de simplemente comunicarnos que los personajes son así. Se puede hacer el esfuerzo de creerlo como acto de fe, pero el efecto de creerse algo de esa manera nunca será equivalente al de haberlo comprobado por uno/a mismo/a. La empatía con toda la película sería mucho mayor si lo hubiésemos visto.

‘Una chica cortada en dos’, tal como expresa su título, como se ha hecho creer en las sinopsis –y como se expresa con una metáfora deliberadamente obvia en la escena final—, parece que querría contar la historia de una joven que no sabe bien con qué carta quedarse o a cuál de los dos hombres de su vida elegir. Sin embargo, no hay ninguna división en el corazón de esta mujer porque ella lo tiene muy claro: ella sólo quiere al viejo y al joven le hace caso únicamente por despecho. Para que nos creamos que a ella no le interesa el personaje de Magimel, se intenta presentar de forma negativa, como un mimado sin personalidad. Pero esto sólo se hace en algunas ocasiones y en otras es un hombre más cabal y sensato que el escritor y que la protagonista juntos. Y, por otro lado, si el problema son esas fallas de su personalidad, también el mayor las tiene. Esto, además de ser poco verosímil, no es acertado porque impide que veamos a esta mujer ante una decisión difícil de tomar. Aunque se hubiese hecho creíble el que a ella sólo le interesa el escritor, seguiría siendo más interesante como conflicto psicológico que sintiese atracción hacia los dos.

Lo mejor de la película es el retrato social. Decía que los personajes eran pedantes. El viejo es un escritor que crea libros titulados, por ejemplo, ‘La ausencia de Penélope’ y que lo único que sabe hacer es citar frases de otros. En definitiva, es inaguantable –por ello decía lo de que no es creíble que a ella le interese en un principio—. Es maravilloso el retrato que se hace de un entrevistador de un programa teóricamente cultural al que acude este escritor. El presentador no sólo no tiene ni idea de lo que está preguntando, sino que además se las da de listo. También la parodia de programa en el que trabaja la joven es un perfecto reflejo de la estulticia de algunos espacios televisivos actuales. Del mismo modo, la familia del niño rico está muy bien seleccionada y hacen sus papeles de maravilla. Sin embargo, tiene otros personajes, como la madre de la presentadora, que no están nada bien retratados, parecen muñecos sin opiniones ni sentimientos.

En definitiva, ‘Una chica cortada en dos’ es una película que tenía la posibilidad de mostrar grandes dilemas morales, mentes retorcidas, enganches psicológicos que rozan la enfermedad mental, etc… pero que, en mi opinión, no consigue transmitir nada de esto. Sabemos que está ahí porque se nos dice, pero no lo sentimos.

En Blogdecine | Póster y tráiler de ‘Una chica cortada en dos’.

Películas como ‘Los Cuatrocientos Golpes’ (que representó equivocadamente a ese movimiento de culturetas llamada la Nouvelle Vague, del que afortunadamente Truffaut se desenmarcó enseguida, provocando el enfado de su amigo por aquel entonces, el soporífero Godard), sus secuelas, ‘Fahrenheit 451’, ‘Jules y Jim’ o ‘Las Dos Inglesas y el Amor’ (a la que Scorsese rindió un sentido homenaje en su impresionante ‘La Edad de la Inocencia’), por poner unos pocos ejemplos, forman parte de una filmografía excelente. Es un pena que un cáncer cerebral se lo llevase con tan sólo 52 años de edad a principios de los 80, porque de no ser así, hubiéramos tenido Truffaut para rato.

‘La Sirena del Mississippi’ (‘Le Sirène du Mississipi’, 1969) es, para un servidor, una de sus mejores obras. Un canto sin concesiones al amor, como pocas veces ha habido. Una película que dedicó a su tan admirado Jean Renoir.

SPOILERS

La historia nos narra una historia de amor entre un hombre (un rico cultivador de tabaco) y una mujer a la que conoce sólo por carta. Sin embargo, con quien llega a casarse es con una impostora que termina huyendo con la mayor parte de su fortuna. Dispuesto a vengarse, el hombre la persigue con la intención de matarla, pero cuando la encuentra se da cuenta de que la ama perdidamente. Por otro lado, ella demostrará no tener el más mínimo escrúpulo.

Una vez más en el cine de Truffaut, la mujer es un ser capaz de la abominación más grande cuando descubre que tiene a un hombre a sus pies. Esta constante en su cine alcanza su máxima expresión en otra cinta titulada ‘Una Chica tan Decente como Yo’ (película no recomendada a misóginos incurables). En ‘La Sirena del Mississippi’ se cristalizan todas las inquietudes con las que el director francés ha jugado a lo largo de su carrera, y que posteriormente seguiría desarrollando, pero fue quizá en esta película donde quedaron plasmadas con más perfección y autenticidad. Por un lado, tenemos la figura de un hombre que aún teniéndolo todo en su vida, tiene que recurrir a relaciones epistolares para conseguir casarse, y a la hora de amar es un auténtico pardillo. Sin embargo, cuando llega el momento de la verdad, no le importa ni lo más mínimo ser envenenado paulatinamente por la mujer de la que está enamorado.

Dicho personaje está interpretado por un muy ajustado Jean-Paul Belmondo, por aquel entonces toda una estrella en el cine francés. Parece casi una broma del director el haberlo emparejado con la bellísima Catherine Deneuve, que por aquel entonces estaba en la cúspide de su belleza, y también de su frialdad. Truffaut consigue lo increíble: hacer creíble a esta pareja totalmente imposible. A pesar de la corrección de sus interpretaciones, quizá el único punto flojo de la película, sobre todo en el caso de Belmondo, la historia es tan fascinante y está tan llena de matices, a la par que bien rodada, que uno no puede hacer otra cosa que rendirse ante la que es, sin duda, una de las películas más dolorosamente románticas que se hayan realizado jamás.

Y cuando hablo de romanticismo, no me refiero a las ñoñadas que no han querido vender como grandes historia de amor, haciendo únicamente que suban nuestros niveles de azúcar. Aquí no hay nada de eso. Tenemos a unos personajes solos frentes a una serie de circunstancias y el mundo que les rodea, el cual no parece comprender su relación. Una serie de infortunios que deberán vencer para conseguir lo que quizá todos perseguimos en esta vida. Y para Truffaut está muy claro: no hay amor sin dolor. Un dolor penetrante que consume por dentro, con la única esperanza de que afuera sólo quedará el amor, más que suficiente para sobrevivir a cualquier tipo de penuria. Así lo resaltan sus finales y maravillosa escenas. Después de haber asistido a la presentación de los personajes, todo va cuesta abajo, un descenso hacia el mismísimo infierno a cambio del único y verdadero amor. Al final, solos, sin nada como posesión, sólo ellos mismos, caminan bajo la nieve hacia un futuro incierto, que paradójicamente está representado con el color blanco, el de la pureza. Atrás quedan las riquezas, un asesinato, y demás desgracias. Casi podríamos decir que es una historia de amor al revés.

‘La Sirena del Mississippi’ es una película magistral, una rareza si se quiere ver así, con el sello característico de su autor. Hace años, uno de los críticos más famosos de este país dijo que era una de las pocas películas que demostraban que el amor existía. También puede verse de esa forma. La película está editada en dvd en nuestro país desde hace relativamente poco, pero he de advertiros que la copia es penosa, sobre todo la imagen. Una pena de edición para un film imprescindible.

Más cine de François Truffaut en Blogdecine:

• ‘El Pequeño Salvaje’, un Truffaut didáctico
• ‘La Novia Vestía de Negro’, un Truffaut a lo Hitchcock

Jean Gabin fue uno de los actores franceses más famosos del celuloide en toda su existencia. Tanto que en su muerte, a mediados de los 70, fue una de las figuras cinematográficas más lloradas. Asociado normalmente al maestro francés Jean Renoir, también trabajó con Julien Duvivier, quien tal vez no tuvo tanta repercusión como Renoir, pero no tiene absolutamente nada que envidiarle. Precisamente ‘Pépé le Moko’ es la película con la que Gabin obtuvo el renombre internacional. También es uno de los clásicos indiscutibles del cine francés, y la verdad es que no es para menos.

La película relata las andanzas de Pépé le Moko, un gangster de procedencia parisina, que en Casbah, Argel, tiene formado su imperio. Eludiendo siempre a la policía, Pépé, cuenta con una cantidad inimaginable de amigos, pero también algún enemigo que quiere traicionarlo y entregarlo a la justicia. A Casbah llegará un grupo de turistas parisinos, entre los que se encuentra la bella Gaby, que se sentirá fascinada por Pépé y éste caerá irremediablemente enamorado.

Jean Gabin pone todo su encanto y elegancia en dar vida al personaje central, alguien que a pesar de ser un delincuente que no se anda con remilgos, cae simpático al espectador logrando que éste se ponga de su lado y sienta cada una de las cosas que le pasan al protagonista. Pépé es un hombre libre de espíritu, al que nunca dan atrapado. Y sin embargo, por una de esas ironías de la vida, se encuentra atrapado en su propia cárcel, Casbah, de la que no puede salir pues hacerlo significaría ser atrapado con facilidad. Ese encierro involuntario, y que en cierta medida se lo ha buscado el propio Pépé, marca profundamente a un personaje que ha vivido todo, pero que cuando conoce a la mujer perfecta, por así decirlo, una nueva vida llena de alegría empieza para él, aunque ésta vaya a durar poco.

Alegría de la que siempre hace gala el personaje central, chocando directamente con el triste mundo en el que vive: una zona en Argel, llena de callejuelas y terrazas todas comunicadas entre sí. Un laberinto de casas que esconde las oscuras historias que jamás verán la luz. Una alegría que alcanza su cima en uno de los dos momentos en los que se representa una canción, cantada a viva voz por el propio Pépé, y que es un instante lírico de una belleza sobrecogedora, pues transmite muy bien cierto bienestar que el espectador sabe que no durará, aunque no quiera aceptarlo. La otra canción es interpretada por un personaje femenino muy secundario, pero que es el claro ejemplo del estado de ánimo del lugar y de la mayor parte de sus gentes, gentes con un pasado que parecen añorar. Es éste un instante demasiado triste, y tristeza es la tónica general de ‘Pépé le Moko’.

Julien Duvivier dirige con extraordinaria precisión, logrando secuencias que difícilmente se le borran a uno de la memoria. Cabe citar el inicio de la película, en el que se intenta atrapar al personaje central entrando en su propio mundo. Con un manejo increíble del ritmo, y con una planificación sencillamente perfecta, el director logra crear un suspense único en un prodigio de escena que podría definirse como una persecución sin persecución. La cámara se mueve como pez en el agua por todos los recovecos que sólo los malos (¿o buenos?) de la función conocen a la perfección, despistando así a los policías que han penetrado en su mundo. A partir de ahí, la película mantiene un más que alto nivel, y manejando hábilmente un guión lleno de diálogos extraordinarios, éstos ayudan al ritmo del film, logrando un crescendo dramático que culmina en un final inevitable, y lleno de poesía. Pura belleza para los sentidos. Duvivier logra lo que pocos: llenar de belleza un mundo hostil, sucio y oscuro. Una belleza con una fuerte carga melancólica.

Otro de los puntos fuertes de ‘Pépé le Moko’ es su equilibrio entre historia gangsteril e historia de amor. Para lo segundo, el realizador optó por un enfoque brutal a la par que hermoso: enfrentar las caras de los dos enamorados en primeros planos separados, unos rostros iluminados sobremanera, que marcan la pasión amorosa de una forma casi salvaje. Anótese la escena final, una de las no despedidas más impresionantes que se recuerdan. Duvivier se preocupó lo suyo de retratar muy bien a la actriz Mireille Balin, que representa una nueva esperanza para Pépé y al mismo tiempo su perdición.

Una obra maestra absoluta, redonda, total y definitiva. Un canto al cine y a la vida, y como no, al amor. ‘Pépé le Moko’ está editada en dvd fuera de nuestro país a un precio escandaloso, pero es una película que no debería faltar en la estantería de ningún cinéfilo. Un año después, en 1938, el siempre interesante John Cromwell realizó el remake americano, titulado ‘Argel’ y con Charles Boyer en la piel de Pépé. En 1949 se realizó un segundo remake, mucho menos conocido, con Tony Martin en el personaje central, aunque esta vez era un vehículo para el lucimiento de la bella Yvonne de Carlo, que daba vida a la mujer que quiere retener a Pépé para siempre en Casbah.

Mi segundo alegrón de la noche, Marion Cotillard ha recogido el Oscar a la Mejor Actriz por La Vie en Rose visiblemente emocionada e indudablemente bellísima.

Sus últimas palabras de agradecimiento han sido:

Gracias a la vida, gracias al amor. Es cierto que hay ángeles en esta ciudad

Esta noche está resultando de lo más europea

No he visto el trabajo de todas las candidatas a la mejor actriz, me faltan Laura Linney, por The Savages y Julie Christie, por Lejos de Ella, pero la noche de los Oscars casi se nos viene encima, así que sin total conocimiento de causa, me voy a decidir por una de ellas.

Me quedo con Marion Cotillard y su impresionante transformación en la cantante más emblemática de Francia, Edith Piaf, para La vie en Rose.

Desde sus etapas de juventud, hasta sus últimos días donde la actriz está prácticamente irreconocible, consigue en un film que no pasa de correcto, transmitirnos la sensación de estar viviendo junto a la singular artista, algunos de sus momentos más significativos.

Sus expresiones, su peculiar pronunciación, su genio, su locura, su dolor, su arrollador carácter… Un trabajo titánico y muy arriesgado (con todo lo que la Piaf representa para los franceses), que según las propias declaraciones de Marion Cotillard, le ha supuesto un gran esfuerzo. Estaría bien que obtuviera su recompensa.

A continuación os dejo con dos de las escenas más emotivas de la película, como buen ejemplo de su brillante interpretación. Contienen spoilers, avisados estáis.

‘Asuntos privados en lugares públicos’, que se estrenará el viernes, 15 de febrero, es una comedia de Alain Resnais inspirada en la obra de teatro de Alan Ayckbourn titulada ‘Private Fears in Public Places’ (miedos privados en lugares públicos). Su título francés es ‘Coeurs’ (corazones). Las historias de amor de varios personajes de edades algo avanzadas se entrecruzan en un París invernal en el que parece que ha llegado el momento de cambiar para todos. Dos empleados de una inmobiliaria, la hermana de uno de ellos, una cliente que busca piso con su prometido, el camarero del bar al que acude el prometido y el padre del camarero son los personajes que pueblan la película.

Resnais, muy dado a las adaptaciones de piezas de teatro, utiliza el artificio de las representaciones teatrales como ya hiciera en ‘Mélo’ o ‘Smoking/No smoking’. ‘Asuntos privados en lugares públicos’ posee una estética feísta, creada a base de decorados chillones (como el de la fotografía) y pasados de moda, tan falsos que parecen forillos de escena. La estructura no se adapta ni la obra se “airea”, ya que lo único que vemos del exterior es la caída de nieve artificial y algunos edificios pintados.

El resultado de todos estos recursos teatrales y fílmicos es tan radical que da la sensación de que Resnais quisiese demostrar que no necesita una bella realización para lograr un gran film. La artificialidad de los decorados no impide que se entre en las historias y se sienta empatía con respecto a los protagonistas. Si hablamos de la trama pura y dura que puede sacar del libreto, no es que las cosas que ocurren sean en sí extraordinarias, pero la labor de los grandiosos actores y del director convierte a las historias en intensas y enormemente humanas. El retrato de los personajes y la profundización en sus sentimientos le confiere una gran fuerza dramática a ‘Asuntos privados en lugares públicos’.

También podría parecer que el director de ‘Hiroshima, Mon Amour’ estuviese tratando de crear rechazo en todo aquel que no sea muy aficionado a cualquier aspecto de ‘Asuntos privados en lugares públicos’ ajeno a su estética. Es como si abriese las puertas de su club a miembros muy selectos, pero le prohibiese la entrada a los intrépidos que no sepan dónde se están metiendo. Los seguidores del director o de los actores estarán ahí fieles a la cita, pero ay de los que se acerquen sin una devoción previa a alguno de ellos.

De esa forma, gracias a mi admiración hacia André Dussollier y Sabine Azéma, disfruto más que ninguna la trama que les atañe a ellos dos, pues me parece la más divertida en su faceta cómica y la más profunda en su estudio sobre la soledad de algunos seres. Pierre Arditi, ya sea como camarero o como hijo sufridor, sería el siguiente en interés y quizá Isabelle Carré, la hermana de Dussollier, la próxima. Laura Morante y Lambert Wilson, aunque completan un reparto sin tacha, interpretan la historia que menos me enganchó.

En resumen diría que se trata de un film con una cuestionable estética –que el tráiler se ha ocupado de ocultar—, pero con interesantes aportaciones en cuanto a sus personajes y al trabajo de los actores. Como ocurre con cualquier obra que mezcle pequeñas historias, unas tienen mayor gancho que otras, pero aquí predominan las que atrapan. Quienes admiren a Resnais o a cualquiera de los intérpretes o quienes estén abiertos a ver algo diferente encontrarán una película con grandes valores. Como prueba, baste mencionar que ‘Asuntos privados en lugares públicos’ obtuvo el León de Plata en la pasada edición del Festival de Venecia y fue elegida la mejor película nacional del 2006.

Trailer en francés con subtítulos en inglés de ‘Asuntos privados en lugares públicos’. Tráiler doblado al español.

Con la anterior película de Julian Schnabel, Antes de que anochezca, me ocurrió algo realmente inusual, y es que al contrario de lo que suele pasar, quedé mucho más impresionada con la adaptación a la gran pantalla, que con la novela de Reinaldo Arenas en la que estaba basada. Ese fue el motivo principal por el que desde que La Escafandra y la mariposa era sólo un proyecto, ya estuviera impaciente por verla. A esto se añadió después el éxito del film en Cannes, donde Schnabel ganó su primer premio al mejor director, el Globo de Oro, que le supuso el segundo y la posibildad de conseguir un Oscar, para el que también está nominado en la misma categoría.

Incomprensiblemente (para mí) La escafandra y la mariposa no está nominada a la mejor película, pero no importa porque decisiones (extrañas) de la Academia de Hollywood aparte, Schnabel nos ha ofrecido con su tercer trabajo una auténtica obra maestra, de esas que no sólo no te dejan indiferente, si no que como bien anuncian en el trailer, te puede cambiar la vida.

Como habíamos comentado, la película adapta el libro autobiográfico de Jean-Dominique Bauby, un periodista que en 1995 tuvo un accidente vascular brutal, que le sumió en un coma del que despertó totalmente paralizado. Aunque mentalmente alerta, estaba preso dentro de su cuerpo, sólo capaz de comunicarse con el mundo exterior parpadeando su ojo izquierdo. Forzado a adaptarse a esta perspectiva, Bauby creó un mundo nuevo, examinándose para encontrar las dos únicas cosas que no fueron paralizadas: su imaginación y su memoria.

Partiendo de esta situación, a mi parecer bastante difícil de desarrollar, el film nos sumerge por completo en el pensamiento del protagonista, situándonos desde su inicio en el interior de ese ojo todavía activo, que supone su única ventana y contacto con el exterior. Una voz en off, que principalmente le ha supuesto a Mathieu Almaric uno de sus mayores reconocimientos como actor, nos introduce en la mente de un hombre al que sólo le queda eso, su mente, y nos da una visión muy diferente de la situación de la que hubiéramos tenido si, como suele ser habitual, la perspectiva se hubiera tomado desde fuera del personaje.

Esto ha podido ser así porque Jean-Dominique Bauby dictó todos sus sentimientos y reflexiones a partir del accidente, utilizando un alfabeto con el que se comunicaba a través de un código de pestañeos. Así que gran parte de la magnitud de esta historia se debe a la valentia y voluntad de la persona que la inspiró, pero eso no resta mérito a Schnabel, que ha sabido trasladar sus palabras al lenguaje cinematográfico, transmitiendo todo el abanico de reflexiones y emociones contrastadas, con el que es fácil adivinar que fueron escritas.

Los contrastes son precisamente los que predominan en el film, por encima de todo. Momentos de una belleza sobrecogedora, cortados abrutamente para mostrar la cruda realidad. El cinismo y humor con el que muchas veces se toma las cosas el protagonista, y las caras de compasión, asombro o tristeza con las que le miran a su alrededor. La vida, en mayúsculas, con todo lo que eso conlleva, y la impotencia de no tener otra oportunidad para disfrutar plenamente de lo que se ha comprendido.

Porque la tragedia supuso para Bauby una auténtica lección de vida, que La Escafandra y la Mariposa traslada al espectador sin valerse del drama, el mensaje explícito o la moraleja. No hay tiempo para reflexionar durante el film, porque es imposible no permanecer totalmente atrapado dentro, mientras dura. Pero cuando termina, funciona como una especie de revulsivo, que no se puede explicar con palabras. Para saber de lo que hablo hay que ver la película, que sin lugar a dudas es lo mejor que ha pasado por nuestras carteleras (y seguramente pasará) en mucho tiempo.

Para finalizar iba a proponer que era imprescindible verla en versión original, ya que la voz de Mathieu Almaric es el hilo conductor de toda la historia, pero aún así, si no hay otra posibilidad, creo que lo importante es no dejar pasar la oportunidad de vivir la experiencia que supone dejarse llevar por ella. Sencillamente, inolvidable.

Buscando en YouTube una entrevista de mi admirado Alejandro Jodorowsky, me he encontrado con esta pequeña joya, perfecta para el día que nos ocupa.

Se trata de Echek, cortometraje realizado por su hijo Adan Jodorowsky en el año 2000, que remitiéndonos a la época del cine mudo, nos habla, con humor, simbolismos y alma, de la verdadera fuerza del amor.

Al parecer es el único film que ha realizado hasta ahora, aunque como actor ha trabajado en varias ocasiones, la más reciente como el ex novio chiflado de Julie Delpy en 2 días en París.

Habrá que empezar a seguirle la pista…

Este thriller, que se estrenará el día 15, está basado en la novela de Fred Vargas, la popular escritora de novela de enigmas cuyo verdadero nombre es Frédérique Audoin. Está dirigido Régis Wargnier (‘Indochina’) y cuenta con la participación de José García en el papel protagonista. Le acompañan el fallecido Michel Serrault y Marie Gillain, Lucas Belvaux, Olivier Gourmet, Nicolas Cazalé o Linh Dan Pham, entre otros.

Fuente | Página web oficial.

El próximo 7 de febrero arranca la 58 edición del Festival de Berlín, y entre las 21 películas seleccionadas a competición se encuentra también Lady Jane, el último trabajo de Robert Guédiguian.

Como ya habíamos comentado durante su rodaje, con este film el director ha regresado a Marsella, su ciudad predilecta, y ha vuelto a reunir a su equipo de actores habitual compuesto por su esposa Ariane Ascaride, y sus amigos Jean Pierre Darroussin y Gérard Meylan.

En esta ocasión interpretarán a un grupo de antiguos compañeros de trapicheo que habían dejado de verse desde su juventud, y tras el secuestro del hijo de una de ellos, vuelven a reunirse para ayudarle a pagar el rescate.

El trailer ya se encuentra disponible en AlloCiné. Después de disfrutar tantas películas de Guédiguian con este trío como protagonista, tengo al verlo una sensación parecida a la de los reencuentros felices.

Siempre los mismos, pero siempre diferentes.

El próximo 22 de febrero, dos días antes de la gala de los Oscars, los franceses celebrarán la ceremonia de los César 2008, donde premiarán lo mejor de su cine.

Las candidaturas se han repartido principalmente entre los cinco filmes que también optan al galardón de la mejor película, siendo La vie en rose y Un secret los más destacados con once nominaciones. En tercer lugar, con 7 nominaciones, La escafandra y la mariposa, seguido de Persépolis (6 nominaciones) y La Graine et le mulet (5 nominaciones).

Películas que en su mayoría ya han triunfado por diversos festivales, y a las que ahora les toca competir entre sí. Marion Cotillard, ganadora en esta edición de un Globo de Oro y candidata al Oscar a la Mejor Actriz, se perfila como una de las favoritas, al igual que Mathieu Amalric protagonista del último trabajo de Julian Schnabel, también nominado al Oscar como mejor director.

A continuación la lista completa de los nominados a los Premios César 2008. Si alguien se quiere deprimir, que la compare con la de los Premios Goya. Sobran más comentarios.

Mejor película
La Graine et le mulet – Abdellatif Kechiche
La vie en rose – Olivier Dahan
La escafrandra y la mariposa – Julian Schnabel
Persépolis – Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Un secret – Claude Miller

Mejor actor
Mathieu Amalric – La escafandra y la mariposa
Michel Blanc – Los testigos
Jean-Pierre Darroussin – Conversaciones con mi jardinero
Vincent Lindon – Those Who Remain
Jean-Pierre Marielle – Let’s Dance!

Mejor actriz
Isabelle Carré – Anna M.
Marion Cotillard – La vie en rose
Cécile de France – Un secret
Marina Foïs – Darling
Catherine Frot – Odette, una comedia sobre la felicidad

Mejor actor secundario
Sami Bouajila – Los testigos
Pascal Greggory – La vie en rose
Michael Lonsdale – Heartbeat Detector
Fabrice Luchini – Las aventuras amorosas del joven Molière
Laurent Stocker – Juntos, nada más

Mejor actriz secundaria
Julie Depardieu – Un secret
Noémie Lvovsky – Actrices
Bulle Ogier – Let’s Dance!
Ludivine Sagnier – Un Secret
Sylvie Testud – La vie en rose

Mejor director
Olivier Dahan – La vie en rose
Abdellatif Kechiche – La Graine et le mulet
Claude Miller – Un secret
Julian Schnabel – La escafandra y la mariposa
André Téchiné – Los testigos

Mejor ópera prima
Those Who Remain – Anne le Ny
Just About Love? – Lola Doillon
Water Lillies – Céline Sciamma
Persépolis – Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
Tout est pardonné – Mia Hansen-Love

Mejor película extranjera
4 meses, 3 semanas, 2 dias – Christian Mungiu
Al otro lado- Fatih Akin
La noche es nuestra – James Gray
Promesas del Este – David Cronenberg
La vida de los otros – Florian Henckel von Donnersmarck

Mejor actriz revelación
Audrey Dana – Crossed Tracks
Adèle Haenel – Water Lillies
Hafsia Herzi – La Graine et le mulet
Clotilde Hesme – Les Chansons d’amour

Mejor actor revelación
Nicolas Cazalé- The Grocer’s Son
Grégoire Leprince-Ringuet – Les Chansons d’amour
Johan Libéreau – Los testigos
Jocelyn Quivrin – 99 F
Laurent Stocker – Juntos, nada más

Mejor guión original
Olivier Dahan – La vie en rose
Julie Delpy – 2 días en París
Abdellatif Kechiche – La Graine et le mulet
Anne le Ny – Those Who Remain
Laurent Tirard y Grégoire Vigneron – Las aventuras amorosas del joven Molière

Mejor guión adaptado
Claude Berri – Juntos, nada más
Christine Carrière – Darling
Ronald Harwood – La Escafandra y la mariposa
Claude Miller y Nathalie Carter – Un secret
Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud – Persépolis

Mejor banda sonora original
Alex Beaupain – Les Chansons d’amour
Olivier Bernet – Persépolis
Alexandre Desplat – Intimate Enemies Zbigniew Preisner – Un secret
Archie Shepp – Let’s Dance!

Mejor diseño de producción
Françoise Dupertuis – Las aventuras amorosas del joven Molière
Thierry Flamand (ADC) – Second wind
Jean-Pierre y Kohut Svelko – Un secret
Christian Marti – Jacquou le croquant
Olivier Raoux – La vie en rose

Mejor fotografia
Yves Angelo – Second Wind
Gérard de Battista – Un secret
Giovanni Fiore Coltellacci – Intimate Enemies
Janusz Kaminski – La escafandra y la mariposa
Tetsuo Nagata – La vie en rose

Mejor sonido
Antoine Deflandre, Germain Boulay y Eric Tisserand – Intimate Enemies
Guillaume Le Braz, Valérie Deloof, Agnès Ravez y Thierry Delor – Les Chansons d’amour
Thierry Lebon, Eric Chevallier y Samy Bardet – Persépolis
Jean-Paul Mugel, Francis Wargnier y Dominique Gaborieau – La escafandra y la mariposa
Laurent Zeilig, Pascal Villard y Jean-Paul Hurier – La vie en rose

Mejor montaje
Ghalya Lacroixet Camille Toubkis – La Graine et le mulet
Véronique Lange – Un secret
Richard Marizy y Yves Beloniak – La vie en rose
Stéphane Roche – Persépolis
Juliette Welfling – La escafandra y la mariposa

Mejor vestuario
Marit Allen – La vie en rose
Jacqueline Bouchard – Un secret
Corinne Jorry – Second Wind
Pierre-Jean Larroque – Las aventuras amorosas del joven Molière
Jean-Daniel Vuillermoz – Jacquou le croquant

Mejor documental
Animals in Love – Laurent Charbonnier
Terror’s Advocate – Barbet Schroeder
Les Lip, l’imagination au pouvoir – Christian Rouaud
Le premier cri – Gilles de Maistre
Regreso a Normandía – Nicolas Philibert

Mejor cortometraje
Deweneti – Dyana Gaye
Le Mozart des pickpockets – Philippe Pollet-Villard
Premier voyage – Grégoire Sivan
La promenade – Marina de Van
Rachel – Frédéric Mermoud

Vía | Cineuropa

Egipto, 1955. El Cairo es un verdadero nido de espías. Todo el mundo desconfía de todo el mundo, todos traman contra todos: ingleses, franceses, soviéticos, la familia del rey destronado Farouk que quiere volver al trono, las Águilas de Keops, secta religiosa que quiere tomar el poder… El Presidente de la República francesa, René Coty, envía su arma maestra para poner orden en esta casa de locos a borde del caos: Hubert Bonisseur de la Bath, llamado OSS 117.

Los actores que la protagonizan son Jean Dujardin (‘Nunca digas nunca’, ‘Los Dalton contra Lucky Luke’, ‘Si yo fuera rico’), en el papel del agente especial; Bérénice Bejo (‘Crepúsculo rojo’, ‘Destino de caballero’), y Aure Atika (‘De latir mi corazón se ha parado’).

Fuente | YouTube.

Ha sido el notición (triste) del día, la película española El Orfanato ha quedado excluida de la lista de candidatos al Óscar como Mejor Película Extranjera. No sé a vosotros, pero a mí no me ha sorprendido lo más mínimo esta elección de la Academia de Hollywood que suele decantarse habitualmente por otros géneros.

Lo que sí me ha parecido triste es que hayan dejado también de lado la maravillosa Persépolis. Una apuesta valiente y arriesgada por parte de Francia, frente a la opción más segura que suponía La Vie en Rose, que no ha encontrado su recompensa. Quizá le reserven la nominación para optar al Mejor Largometraje de Animación, pero no me parece que sea la categoría que mejor le corresponda.

Tampoco se ha salvado la película rumana 4 luni, 3 saptamini si 2 zile, ganadora del Premio del Jurado en Cannes 2007 y que se perfilaba como una de las favoritas.

El próximo 22 de enero se darán a conocer los cinco títulos definitivos que competirán por la dorada estatuilla, a escoger entre los que han superado esta primera criba, que son los siguientes: ‘Los falsificadores’ (‘Die Fälscher’) (Austría), O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias (Brasil), Days of Darkness (Canadá), Beaufort (Israel), La Sconosciuta (Italia) Mongol (Kazajstán), Katyn (Polonia), 12 (Rusia) y The Trap (Serbia).

Al ritmo que va nuestra cartelera, dudo que lleguemos a tiempo para poder ver alguno de ellos antes de la Ceremonia de los Oscar 2008, que tiene previsto celebrarse el 24 de febrero. Eso si la huelga de guionistas finalmente no lo impide.

No me considero mitómana especialmente, pero tengo que reconocer que en ocasiones no puedo evitar sentir una cierta debilidad por algunos actores o actrices, que me lleva a rastrear su filmografía, en la medida de lo posible.

Esto me proporciona unas veces gratas experiencias y otras decepciones lamentables, pero por suerte la película de la que hoy quiero hablaros pertenece a las de la primera categoría.

Se trata de Loin (Lejos) del prestigioso director André Techiné, un film que tenía pendiente desde hacía (demasiado) tiempo, al que me ha llevado definitivamente la búsqueda de otros trabajos de Lubna Azabal, actriz de la que quedé prendada por completo tras descubrirla hace un par de años en Exils de Tony Gatlif.

Loin narra las vivencias de Serge (Stéphane Rideau) un camionero que viaja periódicamente entre Francia y África y acepta una propuesta para pasar mercancía ilegal y poder ganar así un dinero extra. Serge mantiene una peculiar y pasional relación con Sarah (Lubna Azabal) una joven marroquí que debe decidir en unos días si desea ir a Canadá a vivir con su hermano o quedarse en su ciudad. Por otro lado también está Saïd (Mohamed Hamaidi) amigo de ambos, que sueña con llegar a Europa cruzando el estrecho.

La película, dividida en tres días, comienza de forma pausada con un viaje a través del mar para ir ganando en ritmo e interés a medida que avanza y nos obliga a temer o desear nuevos acontecimientos.

De forma casi imperceptible Téchiné nos sumerge en infinidad de sentimientos que van desde el amor, hasta el miedo, pasando por la vergüenza y la rabia.

Sin cargar las tintas, sin buscar momentos sublimes, ni tampoco excesivamente dramáticos, Loin puede parecer a primera vista una película filmada simplemente con la excusa de mostrar Tánger, su luz y sus gentes.

Un retrato sencillo de un hombre enamorado que no quiere comprometerse, de los contrabandistas casuales, de los turistas que buscan chicos en Marruecos o de una mujer que no quiere abandonar su país, cuando uno de sus mejores amigos (entre muchos otros) está loco por hacerlo.

Sin ser cine social, ni de denuncia, ni costumbrista muestra la realidad de un tema tan delicado como la inmigración ilegal, aportando diversos puntos de vista. Sin ser un drama, en algunos momentos duele. Sin ser una comedia también en ocasiones hace reír. Sin ser un thriller mantiene en gran parte el suspense y sin ser romántica se desliza por el laberinto del amor, como una silenciosa serpiente.

Todos estos factores, en perfecto equilibrio convierten a Loin en algo mucho más grande de lo que en principio aparenta, con el añadido de unos personajes, tanto principales como secundarios, interesantes y heterogéneos interpretados por unos actores totalmente entregados al papel que les corresponde.

Entre ellos me gustaría destacar a la maravillosa Lubna Azabal, la que me arrastró a ver este film y que demuestra una vez más su capacidad para cambiar de registro e hipnotizar al espectador en cada una de sus apariciones.

La película no podría tener un título más acertado. Por mostrarnos otros mundos, por hacernos entender lo apartados que podemos llegar a estar de nosotros mismos, y sobretodo por la distancia que abarca entre su templado inicio y un final tan impecable y redondo que nos lleva lejos. Muy lejos.

Cous cous (La Graine et le mulet) es un film dirigido por Abdel Kechiche que muestra el retrato de una familia norte africana que vive en el sur de Francia, a través de la historia de Sillman, padre divorciado que pierde su empleo en los muelles del puerto marítimo y decide abrir un restaurante propio en un viejo barco oxidado.

La película, además de aplaudida, fue premiada en la pasada edición del Festival de Venecia con el Gran Premio del Jurado, el Premio FIPRESCI a la Mejor Película y el Premio Marcello Mastroianni a la Mejor Actriz Revelación: Hafsia Herzi.

Todavía no se ha confirmado la fecha de estreno en España, pero ya podéis disfrutar del tráiler en versión original en AlloCiné.

A continuación podéis ver dos pósters del film:

Fuente | Página web oficial.

Con esta premisa y con la fotografía y la atmósfera que se puede ver en el tráiler, ‘Chrysalis’, el primer film de Julien Leclercq, promete. Sin embargo, su irritante lentitud y la inclusión de tramas que apenas tienen significado en la historia global, así como algunos fallos de guión, estropean el resultado. Podemos seguir pendientes de Leclercq, eso sí, pues no sería extraño que en futuros trabajos suyos estos problemas se hubiesen superado y que el director que hoy es novel nos ofreciese interesantes acercamientos a la ciencia ficción desde una estética europea.

Como en ‘Olvídate de mí’ (‘The Eternal Sunshine of the Spotless Mind’), en ‘Chrysalis’ existe una máquina capaz de borrar de la mente los recuerdos. Pero en este caso, en lugar de con fines románticos, la tecnología se emplea con objetivos terroristas y bélicos. Las autoridades, por lo tanto, quieren recuperar la posible arma para que no caiga en manos enemigas y envían al teniente David Hoffman a cumplir esta misión.

De la misma forma, los supuestos giros que, además, son muy previsibles porque están muy vistos (SPOILER: las autoridades han mentido al protagonista y lo han utilizado FIN DEL SPOILER), pierden efectividad, pues no se transmiten bien, no llegan hasta el espectador de forma que éste pueda sentir algún tipo de empatía.

Por ello se podría decir que el guión de ‘Chrysalis’, firmado por cuatro plumas: Julien Leclercq, Nicolas Peufaillit, Franck Philippon y Aude Py, posee los elementos necesarios —así como numerosos guiños a otros films de ciencia ficción— para crear una película correcta, pero que los autores no los han sabido colocar o transmitir. A este segunda aspecto, es decir, a transmitir, contribuye, como es lógico, la realización. Es precisamente esa atención a la estética de la que ya hemos hablado, la que ha impedido a Leclercq ocuparse de narrar una historia y de lograr que el espectador pueda hacer otra cosa que no sea contemplar los planos.

Y en el sentido de la contemplación es donde mejor encaja la trama de Mélanie Thierry, la hija de la científica, a la que constantemente estamos viendo sin que ocurra nada en sus escenas más que el tenerla a ella en el encuadre. Por si fuese poco, la sorpresa que se ofrece acerca de esta joven es aún más fácil de adivinar que las demás.

El avance de la investigación se despliega a un ritmo muy pausado, no en el sentido de planos largos en duración, sino en el de que se tarda mucho en averiguar cosas, que la información se dosifica demasiado poco a poco. Por lo tanto, toda la parte central del film es soporífera.

Como adelantaba en la introducción, existe algún otro detalle de guión que no encaja. Es incomprensible que la nueva compañera del protagonista, siendo una policía con algo de experiencia, cometa las estupideces que comete, como, por ejemplo, acercarse con la pistola en el cinto a un preso al que acaba de desatarle las esposas y agacharse delante de él de modo que el hombre sin esfuerzo le puede arrebatar el arma.

En general, se podría dividir la película en dos y decir que, estéticamente, nos encontramos ante un interesante ejercicio, pero que narrativamente no es nada. Quizá se resumiría todo diciendo que se trata de acción francesa y que, ante tal oxímoron, que se contradice sólo en un par de excepciones, ya sabéis lo que podéis esperaros. ‘Chrysalis’ es un film que aspira a mucho más de lo que consigue y que, sin llegar a resultar molesto por lo pretencioso, se hace tedioso de ver.

Os había mostrado ya un tráiler y un teaser de ‘Asterix en los juegos olímpicos’ (‘Astérix aux jeux olympiques’), que se estrenará el 8 de febrero de 2008. Los comentarios entonces fueron negativos en su mayoría. No creo que ahora este cartel temple demasiado los ánimos.

Fuente | Tripictures

José García interpretará a Llenodepus, mientras Elsa Pataky dará vida a una danzarina y Santiago Segura a Doctormabus. Aparecerán también Diane Kruger, Claudia Cardinale, Adriana Karembeu y Mónica Cruz.

Pero quizá lo más atrayente son los cameos de deportistas, como David Beckham, Michael Schumacher (en el papel de Schumix), Zinédine Zidane (como Numerodix).

Los directores son Frédéric Forestier y Thomas Langmann.

Además del tráiler, tenemos este teaser, no demasiado gracioso, pero con un gran despliegue de imágenes rodadas en Almería:

Fuente | tripictures.com